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名画美术鉴赏300字
艺术家们以其灵巧的笔触，细腻的绘画技巧，传神的人物刻画，使得他们创作出有着传奇色彩的名画，被人们所钟爱，今天，让我们一起来鉴赏一下几副传世经典名画。
首先要介绍的是法国印象派大师伦勃朗的马车上的贵妇，这幅画作描绘了一位贵妇坐在马车上，马车周围环绕着一片绿草，蓝天，伦勃朗以其富有想象力的笔触，把大自然的美景完美地表现出来，浓浓的贵妇之气，犹如一位尚书傲世的西洋贵族，可以说这幅画描绘出来的场景是极其具有视觉破坏力的。
印象派又一位大师加斯特崔仑尼斯（Gustave Caillebotte）的街角雨中的男子，这幅画描绘了一个男人站在雨中，看着前方的道路，道路上可以看到行人，马车，动物和树木，表现出来的是一种繁华的都市风情，它的画风独特，细节非常细腻，构图精准，非常到位，这也是它和其他印象派作品的不同之处。
德国浪漫主义大师卡尔波普的死亡之舞，这幅画描绘的是一个穿着死亡面具的舞者，唱着悲伤的歌曲，让人感到深深的悲哀，他描绘了人们对于死亡的恐惧，在形象化的画面中表现出了人们对于死亡的恐惧，他的画风具有独特的浪漫主义特色，体现出他独特的艺术思想，被誉为十九世纪最重要的艺术家之一。
此外，还有美国实验画派大师詹姆斯麦卡锡（James McNeill Whistler）的睡眠系列之夜，这幅画景画描绘了船只漂洋过海所发生的黄昏故事，无论是用笔还是技巧，麦卡锡都把艺术家的情感意境完
美地表现出来了，从船只上可以看到不同形状的人物，更加深入地表达出一种诗意的氛围，让人沉浸在一个美好的夜晚空间。
以上就是我们今天要去鉴赏的几副传世经典名画，他们以其独特的画风，用笔技巧，特有的构图精准的表现能力，让人们流连忘返，体现出艺术家们的才华和创作能力。
对格哈德·里希特具象表现绘画的借鉴与应用对格哈德·里希特具象表现绘画的借鉴与应用在当代艺术中，德国艺术家格哈德·里希特以他独特的具象表现绘画风格而闻名。
他的作品不仅深受观众欢迎，还对许多后继艺术家产生了深远的影响。
本文将探讨里希特的具象表现绘画风格，并讨论他作品中的借鉴与应用。
格哈德·里希特的具象表现绘画风格以其独特的笔触和色彩运用著称。
他的作品常常以形象直接、丰富而复杂的方式呈现，通过对物体的再现和再加工，传递了一种诗意和象征性的视觉体验。
里希特的作品以独特的视角和扭曲的比例展现了内心情感的冲突和矛盾，使观众能够体验到作者独特的情绪和观念。
里希特的具象表现绘画风格吸引了一大批艺术家，他们受到里希特的启发，将其绘画风格借鉴并应用于自己的创作中。
其中一个典型的例子是英国艺术家弗朗西斯·培根。
培根受到里希特的表现方式和主题的启发，创造了独特的具象表现风格。
他通过对面部和身体的扭曲和破碎来提炼出人类存在的孤独和痛苦，与里希特的作品有着异曲同工之妙。
除了培根，其他艺术家也因为里希特的具象表现绘画风格而受到启发。
他们吸取了里希特的色彩运用和线条处理技巧，将其融入到自己的创作中。
通过借鉴里希特的绘画风格，这些艺术家能够表达出自己独特的视觉语言，并展示自己的艺术观念和情感。
这种借鉴与应用不仅丰富了当代艺术的形式，还促进了艺术的创新和发展。
在里希特的具象表现绘画风格中，观众可以找到一种与现实世界完全不同的视觉体验。
他的作品常常通过抽象、夸张和扭曲的形象，呈现出一种异乎寻常的视觉感受。
观众被引导去思考和感知作品中隐藏的意义和主题，从而对现实世界有了新的认知和理解。
这种具象表现绘画风格不仅提供了一种独特的审美体验，还为观众提供了思考和探索的空间。
在应用里希特的具象表现绘画风格时，艺术家需要注意平衡借鉴与个人创新的关系。
借鉴是为了丰富自己的创作语言和技巧，但完全模仿或复制里希特的作品是没有意义的。
19世纪浪漫主义名画赏析在18 世纪中叶，与提倡理性的启蒙精神相对应，欧洲出现了一股向往回归自然、迷恋中世纪的风气，从此浪漫主义的倾向露出了端倪。
从18世纪下半叶起，它获得了进一步的发展。
在19 世纪头几十年，浪漫主义运动成为了席卷欧美的汹涌澎湃的文艺大潮。
浪漫主义美术是一种强调个性表现、主张创作自由、重视想像和感情的美术。
在许多方面，它同崇尚严谨的完美形式、追求理智与感情统一、再现普遍人性的古典美术形成了鲜明对照。
这种情况，使浪漫主义美术家在从事创作之际，往往借鉴非古典的传统。
作为一种美术运动，浪漫主义迈出了近代美术的最初脚步，给后人提供着精神上的支持和鼓励。
经历过17世纪的辉煌后，西班牙美术界沉寂下来，直到18世纪下半叶，随着达维特的同代人、奇才戈雅的出现，才打破了这种沉寂的局面。
戈雅的肖像画《卡洛斯四世一家》，笔法流畅，色彩绚丽，生动得近似漫画式的意味。
他还创作出一系列所谓的“黑色绘画”。
大胆的想像、无拘无束的造型、主观的色彩，更直接地传达了他个人的感受。
这些作品与现代绘画的距离已不遥远。
戈雅的艺术成就赢得了后代浪漫主义者的深深敬佩。
苏里奥特族的妇女苏里奥特族的妇女法国谢费尔布上油画纵261×横359厘米巴黎卢浮宫藏谢费尔在波旁王朝复辟后，成了一个坚定的反对皇权的革命者。
他曾经创作了六幅以希腊人民反抗土耳其入侵者的历史为背景的作品，充分表达了自己的反抗精神，其中《苏里奥特族的妇女》是最有名的一幅。
据说土耳其军队袭击了驻扎在沙隆果修道院的苏里奥特族人，最后只有60 多名妇女逃到山顶上。
她们誓死不降，抱着孩子一个接一个跳下了悬崖。
在表现这一悲壮的场面时，画家以强烈的明暗对比塑造出人物形象和那种目睹亲人被杀时痛不欲生的情态。
构图以一种斜三角形的形式烘托出一种不断上升的紧张感。
画家对人物的刻画虽有古典主义的手法，但也运用了大量浪漫主义的表现方式，有着与德拉克洛瓦《希奥岛的屠杀》相近的地方。
对格哈德•里希特照片绘画作品的解读作者：江书军来源：《大观》2015年第02期摘要：本文通过把里希特放在当时的创作语境来解读他的作品。
20世纪50年代德国“激浪派”的重要思想和观点——“反艺术”和“实验艺术”的观点以及提倡艺术与生活无界限，这样的前卫思潮让里希特“对什么是艺术？”的权威解读和“精英艺术”产生了质疑和否定。
就是在这样的语境之下，里希特另辟蹊径，利用照片图像进行创作，成为照片绘画领域最成功的艺术家。
关键词：格哈德；里希特；照片绘画德国艺术家格哈德.里希特1932年出生于德累斯顿一个知识分子的家庭。
1951-1956年就读于德累斯顿艺术学院，1961-1963年在杜塞尔多夫艺术学院深造和工作。
杜塞尔艺术学院由卡尔·特奥多尔创立于18世纪70年代。
他以绘画，雕塑及建筑学科为主。
19世纪50年代是艺术学院顶峰的发展时期，是战后德国的艺术中心。
当时活跃的艺术家就有约瑟夫·博伊斯，奥托·皮勒，海因茨·马克，格哈德·里希特，他们发起一系列先锋观念和艺术运动，并提出大量的反艺术口号以及关于社会雕塑的想法，引起巨大的轰动，于世界艺术中产生重大影响，即所谓的“68 运动”。
“激浪派”是美籍艺术理论家和哲学家乔治.马斯纳斯提出的，他鼓动一种“反艺术”和“反有产者享受艺术”，提倡艺术与日常生活无边界，无区别的艺术形式。
直接利用现成物品，日常生活用品和科技产品，主张“偶发艺术”“街头艺术”，并且把偶然发生的事情和行为通过出版物和其他传播媒介加以扩散，对社会产生影响，还主张艺术创作要脱离商业交易。
由此我们可以认为“激浪派”是达达主义在德国的持续。
同时以约索夫.鲍埃斯为首的德国革新派艺术家们的改革”促动下，打破了德国美术学院传统的学院式教学方式，观念上对“美”的“唯美”论展开了学术性的大辩论，对人为本的“人我”艺术表现进行了重新定论，创作手法上强调不拘泥于传统的画种分类，肯定了综合材料的运用与主观能动的“实验艺术”价值，促进了艺术家在传达个人创作意念与新题材上的极大自由性。
世界绘画大师里希特的刮涂艺术2017年6月28日，路易威登北京Espace文化艺术空间开幕，首展“格哈德·里希特，精选作品展”同期开幕，以致敬知名德国艺术家格哈德·里希特（Gerhard Richter）。
作为20世纪艺术家，里希特他敢于在浪漫主义、照相写实主义、抽象表现主义、抽象主义，极简主义、构成主义和波普艺术之间自由切换，决不坚守自己的符号领地，被认为是尚健在的最受敬重的艺术家。
作为德国最重要的画家之一，也是战后最重要的艺术家之一，格哈德·里希特（Gerhard Richter）一直在用各种手段表达绘画。
这位伟大的画家1932年出生于德累斯顿一个知识分子家庭，1951-1956年就读于德累斯顿艺术学院，60年代的科隆和杜塞尔多夫正值欧美新潮美术涌进，艺术浪潮风起云涌的年代，格哈德·里希特毫不犹豫地投入到火热、激进的艺术浪潮之中，并与许多前卫艺术家保持密切的联系。
1961-1963年在杜塞尔多夫艺术学院深造和工作，1971年起被聘任为教授，在那里执教至1994年退休。
这位目光锐利的明星画家给人以十分庄重和严肃的印象：满头的灰白色短发，没有任何绯闻，不事张扬。
邻居们看到他穿的衬衫领尖上钉有纽扣，西服挺括而合身，大家猜他一定是位高级官员，或是化学教授，或是乡村医生。
如今85岁的画家住在科隆市城郊一所他自己设计的现代化玻璃和混凝土结构的立方体房子里，明亮的光线有利于他构思作画。
第三任妻子是他的学生Sabine，她为他生了两个孩子，老年爸爸每天早晨都送两个孩子去上学。
这是一个节奏正常的市民家庭生活。
可是，这位画家几十年来一再以惊人之作使艺术品市场喘不过气来，创新的风格和题材使他不断在国际上获得大奖。
里希特不断地进行各种各样的尝试，他是一个真正的艺术家，不时地将惊奇带给这个既丰富又单调的艺术世界。
新艺术运动代表人物及作品特点新艺术运动，也被称为阿尔特劳劳、装饰艺术或芬兰的国际风格，是一种在19世纪末至20世纪初兴起于欧洲的艺术运动。
新艺术运动通过融合艺术与手工艺品的特点，追求独特、精致的设计和装饰，旨在改变人们对艺术和生活的看法。
以下是新艺术运动代表人物及其作品特点的汇总。
1. 赫尔曼·穆特修斯（Hermann Muthesius）：德国建筑师和设计师，被认为是新艺术运动在德国的先驱。
他提倡将艺术与工业设计相结合，追求与自然的和谐。
他的代表作品包括德国哥廷根大学图书馆的设计，该建筑以其流畅、优雅的曲线和拱形窗户而著名。
2. 奥本·华格纳（Aubrey Beardsley）：英国插图画家和作家，以其黑白的线条插图而闻名。
他的风格独特，细致的线条和强烈的对比使他的作品充满了神秘、诡异的气氛。
他的代表作品包括插图集《山姆森和德尔拉门先生》以及《萧伯纳的炼金术师》。
3. 艾菲尔·古斯塔夫·穆克（Alphonse Mucha）：捷克画家、插图画家和设计师，被誉为新艺术运动的象征。
他主张将艺术与手工艺品相结合，关注细节和装饰，善于运用自然的元素和女性的形象。
他的代表作品包括著名的《相泽雅哈》（Sarah Bernhardt）的海报以及《四季》系列的插图。
4. 亨利·范·德·费尔德（Henri van de Velde）：比利时设计师和建筑师，被誉为新艺术运动的先锋。
他主张通过设计来改变人们的生活，主张简洁、流畅的线条和纯粹的形式。
他的代表作品包括布鲁塞尔的图库博物馆和哥伦比亚大学的图书馆。
5. 查尔斯·伦尼·梅金特（Charles Rennie Mackintosh）：苏格兰建筑师、设计师和艺术家，以其独特的风格和对装饰的透视而闻名。
他的设计作品注重结构和功能的平衡，同时注重装饰的细节。
他的代表作品包括格拉斯哥的威利斯·泰德大楼和希尔顿的罗瑟花园。
德国当代艺术中的三个重要人物姓名：胡莲（工业设计与工程 2014201443）德国当代艺术中的三个重要人物分别是：1960年出生的尼奥·劳赫（Neo Rauch）、1962年出生的丹尼尔·里希特(Daniel Richter)以及1965年出生的安雅·尼德灵豪斯(Anja Niedring-haus)。
尼奥·劳赫1960年生于德国莱比锡。
就读于莱比锡平面设计与书籍装帧艺术大学。
莱比锡视觉艺术学院教授。
是“新莱比锡画派”的中坚人物。
是20世纪最优秀，最受关注的德国艺术家，他代表了他这一代德国的国际艺术水准。
尼奥·劳赫的作品线条清晰，有着寓言和神话主题的烙印，他赋予了超现实主义传统一个意想不到的现实，并用奇特的意象表达了自己的观点。
他的绘画主要集中于社会问题和面对当代文化，人们的心灵状况。
作品折射了20世纪早期人类社会在同等程度上体现出的觉醒和懵懂，全球化的隐现与遮蔽，有意的隐瞒和公开的撒谎，这些思想都在其作品上有所体现。
他的作品体现了德国新表现主义潮流的影响，尤其是在追求自由、打破传统方面，将艺术创造与德意志内省、严谨的文化精神相联系，使画面具有一种隐喻性和暗讽。
在画作内容上，他的具象画运用超现实主义的手法和形而上的意境，加上一种漫画式唯美主义与社会主义现实主义结合的场景，让人想起前民主德国时期的创作特点。
而彼此不相连的、拼贴画的构图组合，更增加了一定意义上的不确定性，在超现实的日常场景中，时而有一些长相奇特诡异不同于“莱比锡画派”的创始人马托伊尔再创造的希腊神话人物出现，多样的主题，增强了叙事性情节，创造出一种既继承传统又有时代性的个人特色。
对于自己的作品，劳赫承认它与超现实主义有着密切的联系，但他又不想用超现实主义这个名称来指代自己的作品，而只是在他的画布上，用他自己的想法去画，一切都是可能的。
来自现实中的元素在他的潜意识中自然而然地生发，然后他就把那些生发物，编织在他画面的结构中去，他认为自己发展了一种灵活多变的画画过程，同时又具有持久的效果。
德国的文艺复兴美术在欧洲艺术的长河中，文艺复兴无疑是一颗璀璨的明珠，而德国的文艺复兴美术也在其中绽放出独特的光彩。
德国文艺复兴美术兴起于 15 世纪，相较于意大利，德国的文艺复兴美术发展稍晚，但却有着自己鲜明的特点和价值。
这一时期的德国社会正处于变革之中，城市的兴起、商业的发展以及宗教改革的影响，都为艺术的繁荣提供了土壤。
当时的德国艺术家们不再仅仅满足于传统的宗教题材，开始将目光投向更广泛的现实生活。
阿尔布雷希特·丢勒是德国文艺复兴时期最著名的艺术家之一。
他在绘画、雕塑和版画上都有着卓越的成就。
丢勒的绘画作品以其细腻的笔触、精确的比例和深邃的内涵而著称。
他的自画像不仅展现了他出色的绘画技巧，更反映了他对自我的探索和思考。
在《亚当与夏娃》这幅作品中，丢勒通过对人物形象的精心刻画，展现了人性的美好与脆弱。
除了丢勒，还有老卢卡斯·克拉纳赫。
他的作品常常以宗教和神话为主题，但却融入了当时德国社会的世俗元素。
他的画作色彩鲜艳，人物形象优美，具有很强的装饰性。
克拉纳赫的《维纳斯与丘比特》就是这样一幅作品，画面中的维纳斯优雅动人，充满了浪漫的气息。
德国文艺复兴时期的雕塑作品也具有重要的地位。
蒂尔曼·里门施奈德的雕塑作品以其精湛的工艺和生动的表现力而闻名。
他创作的《迈森大教堂的圣母像》，圣母形象端庄慈祥，充满了母性的光辉，让人感受到宗教的神圣与温暖。
在建筑方面，德国的文艺复兴建筑融合了意大利文艺复兴的风格和德国本土的传统元素。
例如，一些城市的市政厅建筑，在外观上采用了古典的柱式和拱券结构，但在细节处理上又体现了德国的特色。
德国文艺复兴美术的发展，不仅在艺术形式和技巧上有所创新，更在思想内涵上有了深刻的变化。
艺术家们开始关注人的内心世界和现实生活，强调个性和自由，这种人文主义精神的传播，对德国社会的进步产生了积极的影响。
然而，德国的文艺复兴美术也并非一帆风顺。
宗教改革带来的动荡，以及社会经济的不稳定，都在一定程度上制约了艺术的发展。
德国艺术家里希特其人其画
2017年6月29日-11月26日，路易威登北京Espace文化艺术空间推出首展“格哈德·里希特”。
展出包括艺术家的万花筒风格系列作品、《4900种颜色》的第七版以及《Strip （920-1）》、《Strip（921-2）》与《Strip（921-5）》系列作品。
2015年，格哈德·里希特的《抽象画》在伦敦苏富比拍卖中以美元$46,352,959.12（约2.89亿人民币）的价格成交。
在战争中成长的孩子
1932年，格哈德·里希特出生在德国东部——德累斯顿，这一年正是希特勒当权的前一年。
儿时的里希特虽然具有才华，但也顽劣不堪，毫不在乎学校的一切，甚至他的美术课成绩都惨不忍睹。
年轻时的格哈德·里希特格哈德·里希特《抽象画(809-3)》，布面油画，230×204.8cm，1994年和他同龄的男孩因为政治原因和要求，都需要参加名为“幼童”（Pimpfen）的希特勒青年团。
但是里希特当时的年纪比要求小，成功地躲过了一劫，但后来也成为艺术大师的博伊斯当年却没能躲过这一遭遇。
格哈德·里希特《炸弹》，布面油画，130×180cm，1963年
虽然里希特身处战乱时期，但是他对军队极为感兴趣，甚至达到了痴迷的程度。
每次军人穿过他居住的小镇时，他都跑上前去，希望加入军队。
格哈德·里希特《Mustang Squadron》，布面油画，88×150cm，1964年
里希特带着12岁小男生的好奇心，和朋友在战壕和树林中玩耍，拿起四处可及的手枪尝试射击。
即便他当时年纪还小，但是他知道战争的严重性。
他依旧记得德累斯顿化为平地的那个晚上，所有人都跑到距离小镇很远的大街上，随后大家听到德累斯顿被炸毁的声音。
格哈德·里希特《喷气式战斗机》，布面油画，130×200cm，1963年
1946年，他开始懵懂地创作第一幅作品，这是他从一本书中临摹的裸体人像，虽然他的作品让父母感觉不安，但他们又为此感到些许骄傲。
他回忆到：“我感觉自己是一名局外人，因为我不会当地的方言。
我每次看到其他人一起跳舞时，心中就燃起嫉妒，甚至是恼火。
”格哈德·里希特《Meran》，纸本石墨，130×200cm，1963年
“所以16岁的我将这些情绪放置于水彩画中，就像我写的诗歌一样，这些作品虽然充满浪漫色彩，但是又带有些许苦涩的虚无主义，像哲学家尼采和诗人黑塞的感觉一样。
”格哈德·里希特《2.1.78》，纸本水彩，130×200cm，1978年
他曾经为德国共产主义政府绘制横幅，但是在最初的五个月内，里希特从未有机会亲自画过任何横幅。
他只能处理一些杂事，例如将破旧的横幅清理干净等等。
1950年，他开始帮助市政府的剧院工作，成为场景画家助理，这对他后来的作品产生了深远的影响。
格哈德·里希特《米兰的教堂广场》，布面油画，275×290cm，1968年
20岁时，里希特就读于德累斯顿当地的艺术学院，开始学习壁画技法。
但是他曾经的壁画展现了写实的风格，而且大多是以拥护社会主义为主的题材。
这些写实主义的思维方式不但没有禁锢住里希特的艺术才能，反而让他在此后的创作中大放异彩，也证明了他不拘泥于传统的创造力。
格哈德·里希特曾在德累斯顿学习壁画
杜塞尔多夫艺术学院的学生
他成功的脚步从踏上东德的旅行开始。
1959年，他第一次参观卡塞尔文献展，见识到波洛克和封塔纳的抽象作品。
这些作品让他跳出德国社会主义的风格怪圈，意识到自己的思维方式或许产生了偏差。
因为里希特接触到了全新的艺术形式，所以他逐渐吸收这些前卫艺术家的抽象思维，增加了对画布的感知能力，转变到注重技法过程。
正在创作的封塔纳波洛克挥洒颜料1961年，当柏林墙刚建成不久的时候，里希特便离开了东德，前往了杜塞尔多夫，开始在那里学习艺术，此后他也一直在此任教。
杜塞尔多夫艺术学院造就了像奈良美智、博伊斯、白南准和基弗等艺术家。
在这段学习期间，令人没想到的是里希特在学院中与西格玛尔·波尔克（Sigmar Polke）等人关系要好，并成为了好友。
杜塞尔多夫艺术学院的走廊
杜塞尔多夫正是一个滋生艺术细胞的中心，激发了波普艺术、激浪派和偶发艺术。
这些因素都促使里希特对摄影和图片产生了无限的兴趣。
1962年，《桌子》是第一幅他认为的成熟作品。
最初，这幅是根据照片的写实构图创作的，但是里希特大胆地打破了画面的局限性。
格哈德·里希特《桌子》，
1962年
照片？还是油画？
这一系列以照片为灵感的作品，展现了里希特探讨图片的描述性和其来源之间的关系。
正如他所说：“在这些作品中，我将所有东西模糊化是为了让全部事物都同等重要，也同等微不足道。
”格哈德·里希特的27幅以蜡烛为主题的作品中，其中一幅以1650万美元在佳士得成交。
军用飞机的题材似乎让他回想起儿时的记忆，因此他利用这一素材创作了一系列作品。
同一时期，他还将风格拉回到相关的黑白肖像画，这些都是他根据家人的照片和媒体上出现的图片创作出的。
里希特根据1977年的新闻图片，用油画再次演绎了被射杀者的状态。
儿时与周围人的格格不入塑造了他长大后的性格，亲人的离开也一直影响着他的创作思路。
他在1965年曾描绘了多位家人的形象，其中一幅就是他的舅舅，他在战争的最后一年离开了人世。
格哈德·里希特《舅舅鲁迪》，布面油画，87
×50cm，1965年
同年，他又在作品中描画了家庭成员——姨妈玛丽安。
她也曾受希特勒统治下第三帝国的迫害，因为精神问题被送进纳粹的优生项目中，最后经受病症和折磨而去世。
格哈德·里希特《姨妈玛丽安》，布面油画，100×115cm，1965年
这种经历也促使他创作了一名精神病医师的肖像，他曾帮助纳粹分子，也正是与他人串通谋害里希特姨妈的罪人。
这一时期中，死亡和犯罪的元素持续地出现在他的作品中。
格哈德·里希特《海德先生》，布面油画，55×65cm，1965年
模糊的真实
里希特的创作过程与众不同，“模糊”一直贯穿在他的风格之中。
通过测试不同技巧，这一主旨一直保持不变。
他热衷于将传统油画的技巧糅合进大众传媒的图像中。
因此，他在创作时会将筛选出的图片投影在画布上，沿着边线描画出图像，然后用照片所呈现的颜色重新再次描绘原始图片，最后用软笔刷或橡皮刮水刷让整体变得模糊不清。
格哈德·里希
特《新娘和新郎（蓝色）》，布面油画，65×65cm，1966年
但是，里希特并没有在这一时期放弃创作具象作品，他创作了一系列以城市风景、云朵和山川为主题的油画。
人类识别能力和镜头所捕捉到的差别一直是里希特的兴趣所在。
格哈德·里希特《Lake Lucerne》，布面油画，120×150cm，1969年
他笔下的图像灵感大都来自于报纸，投影在画布上的技巧让他思考是否这些图像拥有自己的生命，是否像神秘的鬼魂萦绕在我们的心灵中。
这种将照片、投影和油画结合的压缩视觉方式，是一种从真实到虚幻的转换过程。
格哈德·里希特《苹果》，布面油画，42×60cm，1984年
从具象到抽象
1972年，他代表德国参加威尼斯双年展，为众人展示名为《48幅肖像画》的作品。
这是他从百科全书中挑选出的48位具有才华的人。
直到1976年，他的作品才真正开始涉及到纯抽象艺术。
格哈德·里希特《48幅肖像画》，66.7×51.7cm，
1971年
在之后的30年中，他通过创作上百幅作品，尝试改变多层颜色，避免过于具象的构图。
他曾经这样描述自己的创作过程：“我在创作抽象作品时，不知道它事先会变成什么样子，也不知道我会将它变成什么样。
”格哈德·里希特《抽象画(725-3)》，225.8×200.6cm，1990年
在他多产的时段中，里希特通过不断研究画法，完善抽象作品，形成了一套独特的技法。
在硕大的画布上，他用沾有颜料的刮水刷不断抹掉已有的色块，让最初的构图增加了更多活力，减弱了清晰度。
格哈德·里希特《Tableau abstrait》，1992年上世纪60年代中期，里希特开始画比色图表（Color Charts），这一系列来自于从五金店索取到的比色图表，画面中的颜色配搭都是随机挑选的。
格哈德·里希特《十五种颜色》，1966年
由于他对这一概念的延伸思考，他的彩色玻璃方格取代了科隆大教堂上的传统具象宗教图案。
他历时五年，用72种交
相呼应的颜色创造出透明方格花窗。
科隆大教堂
《线条》（Strip）系列作品的颜色都来自于里希特自己的抽象作品。
通过放大和拉伸，他的作品留下了似乎不断横向扩张的错觉，将速度凝聚在画面中。
这种幻觉让观者发现他反复利用他先前的作品，同时他又设法将自己的艺术精华集中在这一系列横向条状作品中。
格哈德·里希特《线条》，2011年。
