绘画创作的思维理论分析

艺术理论名词解释1. 纯粹艺术（Pure Art）：指追求艺术作品的自身美感和艺术形式的表现，不包含任何实用、经济或政治目的的艺术形式。

2. 艺术创作（Artistic Creation）：指通过创造性的思维和技巧，将艺术家的想法、感受和观点转化为艺术作品的过程。

3. 表现主义（Expressionism）：指一种艺术风格和理论，通过表现艺术家的内心世界和情感，以及对现实的主观解读和批判，来表达艺术家个人的观点和情感。

4. 象征主义（Symbolism）：指艺术中使用象征性符号和意象来传达深层意义和情感，通过隐喻和象征的手法来表现艺术家对世界的理解和观点。

5. 对比（Contrast）：指艺术作品中形式、颜色、材质或概念之间的鲜明差异，通过对比强调和突出不同元素之间的对立和冲突。

6. 内容（Content）：指艺术作品所表达的主题、思想、情感或概念，艺术作品的核心意义和信息。

7. 比例（Proportion）：指艺术作品中不同元素之间的大小、位置和关系，通过合理的比例关系来创造艺术作品的平衡和和谐。

8. 视觉艺术（Visual Arts）：指以视觉形式来表现的艺术形式，包括绘画、雕塑、摄影、建筑等。

9. 审美（Aesthetics）：指对艺术和美的研究和理论，探讨艺术作品的美感、审美标准和美学原则。

10. 艺术主题（Artistic Theme）：指艺术作品所探讨和表现的核心概念、主题或思想，艺术家通过主题来传递自己的观点和情感。

11. 欣赏（Appreciation）：指对艺术作品的理解、欣赏和评价，对艺术作品的各个方面进行细致的分析和体验。

12. 空间（Space）：指艺术作品中物体和形式所占用的三维空间，包括前景、中景、背景以及物体之间的相对位置。

13. 夸张（Exaggeration）：指在艺术作品中对形式、颜色、比例等进行过度强化和夸张的表现手法，增强作品的表现力和独特性。

14. 立体主义（Cubism）：指一种艺术风格和理论，通过将物体分解为多个角度的形状和平面来表达三维物体的立体感，以及对物体的多层次观察和表示。

形象思维的定义是什么有什么特点形象思维问题是文艺理论的基本问题之一。

形象思维概念最早由俄国的文艺理论家别林斯基提出。

下面小编为你整理有关形象思维的定义，希望能帮到你。

有关于形象思维的定义所谓的形象思维，主要是指人们在认识世界的过程中，对事物表象进行取舍时形成的，是只要用直观形象的表象，解决问题的思维方法。

形象思维是对形象信息传递的客观形象体系进行感受、储存的基础上，结合主观的认识和情感进行识别(包括审美判断和科学判断等)，并用一定的形式、手段和工具(包括文学语言、绘画线条色彩、音响节奏旋律及操作工具等)创造和描述形象(包括艺术形象和科学形象)的一种基本的思维形式。

从文学艺术创作角度分析:所谓形象思维，也就是艺术家在创作过程中始终伴随着形象、情感以及联想和想象，通过事物的个别特征去把握一般规律从而创作出艺术美的思维方式。

形象思维能力的大小往往决定一个人的审美水平。

形象思维始终伴随着形象，是通过"象"来构成思维流程的，就是所谓的神与物游。

形象思维始终伴随着感情形象思维离不开想象和联想。

文学艺术创作过程中主要的思维方式，借助于形象反映生活，运用典型化和想像的方法，塑造艺术形象，表达作者的思想感情。

也叫艺术思维。

形象思维的特点(一)形象性形象性是形象思维最基本的特点。

形象思维所反映的对象是事物的形象，思维形式是意象、直感、想象等形象性的观念，其表达的工具和手段是能为感官所感知的图形、图象、图式和形象性的符号。

形象思维的形象性使它具有生动性、直观性和整体性的优点。

(二)非逻辑性形象思维不像抽象(逻辑)思维那样，对信息的加工一步一步、首尾相接地、线性地进行，而是可以调用许多形象性材料，一下子合在一起形成新的形象，或由一个形象跳跃到另一个形象。

它对信息的加工过程不是系列加工，而是平行加工，是面性的或立体性的。

它可以使思维主体迅速从整体上把形象思维握住问题。

形象思维是或然性或似真性的思维，思维的结果有待于逻辑的证明或实践的检验。

中国写意绘画不属于抽象艺术。

一直以来，在绘画创作中，很多人经常会把写意和抽象混为一谈。

但严格说来，写意不等于抽象，抽象也并非写意。

虽然中国写意画里含有抽象性的元素，或如一些理论家所言，在中国人的思维里，往往“抽象而不彻底”，是带有具体的抽象，带着感性的理性，是介于感性与理性之间的一种状态。

换句话说，中国画的写意还没有走到所谓特别纯粹的抽象程度。

所以也便与真正的抽象画和西方的抽象主义不是一回事。

何况写意本身属于东方词汇，而抽象则是西方概念。

众所周知，自古以来，尤其是中国文人画重“表现”，重写意。

但请注意，这种写意，并非任何一种意，而是特定的意，即画家的心中之意，清逸、超逸、逸兴、逸气之“意”，其实指的都是文人们的思想情感。

因此写意偏重的是审美主体的抒发，更多的是一种精神、情态和意趣方面的表达，反映在绘画上，则主张“似与不似之间”，以神写形之神，讲究心物熔冶，神与形的结合，主观与客观的统一。

我们说的写意画，其实自始自终并未脱离创作对象的形，尽管在创作中有夸张、简形、勾勒、象征等众多具体表现手法，但依旧还是以客观物象的形为前提参照的。

而至于抽象，这个与具象相对的概念，指的是人在认识思维活动中舍弃事物表象的因素并抽取本质的因素，偏重的是“抽取”，是“不描绘”，也不以自然物象为基础，它不同于文人画里“寄情于景”“借物喻人”“吟咏性情”式的“抒发”和“表达”。

在抽象画里几乎看不到与自然物象相同或相近的地方。

它虽然也重视表达自然，但仅以基本的绘画语言、符号和形式因素来加以创作，借此表达创作者的某种情绪、意念等精神上的体验和感受。

所以仅从概念里便可看出其与写意的显著区别。

而所谓抽象主义，则如西方艺术史中所阐述的那样，其本质是个人有自发的主张，它更多强调的是一种绘画的思维、观念与形式。

毋庸置疑，它是以直觉和想象力来作为创作的出发点，它排斥一切象征性、文学性、说明性等的表现手段，仅将造型、构图和色彩等艺术本体元素加以综合、组织，并呈现在画面上。

里德的儿童美术教育理论的主要观点为什么一定要学绘画？有时候，美术就是一束艺术的光，给你无穷的力量，就像石缝中的花别样艳丽而且潇洒“美术”这一名词始见于欧洲17世纪，主要理念是让艺术融入生活，融入灵魂，活在当下。

绘画是美术造型艺术中最主要的一种艺术形式，它是指运用线条、色彩等艺术语言，表达作者审美感受的艺术形式。

做为父母，都希望孩子能学到更多的知识，为其选择最好的美术兴趣班。

但是也有家长疑惑，孩子们喜欢绘画究竟有什么好处?由于幼儿时期语言表达发展不够完善，绘画就成了孩子们表达自己，理解周围世界的一种方式。

绘画是孩子的需要，也是一种艺术表现形式，是使儿童身心得到全面发展，培养儿童创造能力和高尚情操的重要手段。

绘画是一种艺术表现形式，是使儿童身心得到全面发展，培养儿童创造能力和高尚情操的重要手段，孩子们乐于用画画来表现自己的感受和内心意愿，在创作中发挥潜能，建立自信、享受成功。

绘画在幼儿健康成长过程中的作用是不可低估的。

我们成人要尽可能创造条件，让幼儿在发现美、感受美、表达美中，感受快乐、释放情感，让艺术的熏陶完善幼儿人格。

（一）画画是孩子的需要孩子用稚嫩的双眼看世界，用纯真的心灵感受世界。

我们可以看到，所有的孩子都喜欢涂涂抹抹，他们常常是不由自主地寻找一切可以涂画的工具和材料，在墙上、地上、沙滩上进行涂鸦。

绘画给儿童带来最初的快乐很大程度上不是绘画的结果，而是儿童在随意涂抹的过程中摆动手臂在纸上留下的痕迹，伴随这种愉快的“自我发现”的感觉经历，随之产生浓厚的兴趣冲动。

而日后的发展正是顺应和展示这一兴趣，这是儿童的一个自然发展阶段。

儿童画画很少有计划性，只顾想象，表现自已意志，只求情绪的表达，不计后果。

至于别人是否能看懂，他是不管的，自己有没有能力画，也从不考虑。

他们敢编故事，画热闹场面，没有人教过，就凭自己的想象画，当然谈不上大小比例，透视构图了。

在涂鸦初期，画得一团乱麻，其中也不乏他们美丽的想象。

从科学幻想画看儿童绘画创作指导作者：张婧来源：《文存阅刊》2019年第05期摘要：儿童科学幻想画的创作要求依据科学的原理，通过绘画的形式，表现目前科学技术还达不到的幻想目标，非常适合少年儿童身心特点。

但在创作过程中出现的一些问题阻碍了儿童兴趣的激发和全面素质的提高。

笔者从科学幻想画看儿童绘画创作，坚持科学性、创造性、艺术性相结合的原则;运用旧题材新创作，小题材大制作，设结果画过程，定主题广思维的创作方法指导儿童绘画，提升儿童综合素养。

关键词：科学幻想画;基本原则;创作方法;创作指导儿童绘画创作是儿童在老师的指导下，积极地观察生活，扩大视野，培养思维，运用知识技能，通过绘画形式表达自己思想感情的重要课业形式。

科学世界又吸引着广大少年儿童。

因此，一年一度科学幻想画的比赛是学生乐于参与的，这一比赛有利于培养少年儿童的想象力和创新意识，提高少年儿童绘画技艺。

笔者从科学幻想画出发指导儿童绘画创作实践是这么具体实施的。

一、认识科学幻想画信息时代，现代科技飞速发展，为少儿科学幻想画提供了更加丰富、广泛的题材和内容。

同时，少年儿童全面素质的提高，也为少儿科学幻想画的创作引发了更多更好的构想。

科学幻想画依据科学原理，发挥想象，创造出目前科学技术还做不到的事情以及对未来变革的幻想，用绘画的形式完美的表现出来。

这些题材内容大体上包括：和平、环保、生态、未来等。

二、分析当前问题从科学幻想画来看近年来的儿童绘画创作以及各项比赛，为数不少的作品存在着模仿抄袭的现象，更严重的是成人参与代画的现象，这个儿童绘画创作的过程很多时候成了老师比拼脑子、比拼绘画水平的过程。

这些现象的产生可能源于成人对结果的注重。

变味的绘画创作指导完全背离了儿童创作实践的意义，偏离儿童绘画创作指导激发学习兴趣，培育审美鉴赏水平，增强想象创作能力，提高全面素质的目的。

因此，对儿童绘画创作指导要走出误区，重新认识，要在指导思想上更新提高，在指导方法上改进发展，使儿童绘画创作指导更适合不同类型儿童个性，促进儿童全面发展的科学方法。

图画心理学中的笔迹分析知识简单的说，图画心理学是依据绘画者所绘图像，从线条、大小等诸多角度去分析绘画者的心理。

图画心理学经常通过让受测者画一个家庭、画树、屋树人、自由绘画等方式，来考察绘画者的人际关系、心理状态/性格特征等。

其基本理论有三个：第一，图画天然就是表达自我的有效工具，它是表达我们潜意识的直接工具；第二，图画是一种投射技术，它能够反映人们内在的、潜意识层面的信息，人们对图画的防御心理比较低；第三，图画所传递的信息量远比语言丰富，表现能力更强，而且，在画图的过程中，人们进一步理清自己的思路，把无形的东西有形化，把抽象的东西具体化（或相反）。

我们都知道，汉字是一种象形文字（在此不用多言，具体可以参见《汉字心理学》《汉字体态论》等著作），图画心理学的三个基本理论基本能适用于汉字，本文主要是借鉴图画心理学的分析层次来进行笔迹分析。

图画心理学至少从三个层次来分析一幅图画：一是从整体上去分析，包括画面大小、笔画力度、构图/颜色等；二是从画的过程去分析，包括先画什么/再画什么，是否有涂擦，花了多长时间等；三是从画的内容上去分析。

前两者的分析适用于所有的图画。

本文主要是分析第一个层次分析方法在笔迹分析中的适用性。

图画心理学中的笔迹分析知识之一画面大小画面大小图画心理学认为，图画面积的大小和作画者的自我评价有关，如果画面非常大，有可能表示以下几种含义：有可能是一种攻击性倾向；有可能因内心的无力感而表现出的外在的防御机制；表现出情绪化、躁动的倾向。

如果画面非常小，则表现出对自我评价较低，或者是表现出拘谨、胆怯和害羞的倾向，或者是可能缺乏安全感、情绪低落，或者是表现出绘画者可能有退缩的倾向。

画面在纸的上方且比较小时，表现出绘画者心理能量较低。

我们都知道，在笔迹分析中，字的大小也是与自我评价相关的，尤其是正文和签名放在一起时候进行比较分析，一般来说，正文反映的是书写者的社会评价，而签名反映的是书写者的自我评价，如果签名比正文大很多，表示书写者自我评价较高，自我意识强等特点，相反，则表示书写者害羞自卑、自信不足等特点。

绘画艺术格式塔心理学现象论文概要：本文从格式塔心理学的相关理论概念的阐述出发，结合中西方的部分典型代表作品分析了绘画艺术中的格式塔心理现象的具体体现，揭示了绘画作品中特有的艺术心理特征。

希望能为绘画艺术创作思维的拓展和绘画艺术鉴赏体验的丰富提供一些有益的思考。

“格式塔”，即德文Gestalt 的音译，近乎于中文里面的“完形”的含义[1]。

它的基本观点是“知觉本身自带着天然的结构形式，它们会侧重于把对象看做一个整体来对待。

”后来演变为被用来分析美学和艺术类的问题。

作为西方的艺术心理学中的一种研究，它强调的不是我们通常意义上讲的事物的完整表面形象，也不是一般艺术上模糊概括的外在形式。

它的内涵主要指的是由人的知觉活动体验经过重组后呈现的整体，是视知觉经验中的一种组织或者结构。

从观赏者的角度看，基于格式塔心理的优秀的完美的绘画艺术作品应该是有机联系到一起的，任何细节部分的更改都会对作品的性质产生影响，从而会破坏作品的和谐与表现力。

因此格式塔在绘画中体现在两个方面，物质对象的完形结构和视觉本身的完形结构，如此，客观结构的相互作用和主观心理上的体验就联合构建了一个完整的格式塔。

结合格式塔心理学的相关定义可以得知，在观赏者进行具体的绘画艺术作品的观赏活动时，应该要包括以下两点，一方面是透过作品的形象来把握作品蕴含的深意；另一方面观赏者主观意志情感产生作用进而产生视觉经验与感受。

作品的本身形象，也就是作品中的结构，主要由线条、色彩、位置、轮廓等组成。

人在观赏的时候，通过对这些因素的取舍、偏好的倾向选择和不同配置来判断作品的好坏。

这种建立在物理学上的“力”与“场”的分析是和传统的“主题先行”的艺术理论截然相反的，它破除了人为臆造对作品进行认知的弊端，主张尊重作品独有的结构和模式，以及在这种结构和模式基础之下的客观存在的意义[2]。

历史表明，从20世纪初兴起到如今，这种心理学理论对于推动绘画艺术的发展发挥着着巨大的作用。

艺术概论艺术构思名词解释
艺术概论是一门学科，用于对不同文化的艺术进行研究，以及分析和评估艺术成就。

它也是艺术家在绘画、雕塑、建筑、装饰和其他形式上的创作过程中所使用的理论基础。

它是研究艺术与美学之间关系的重要组成部分，是了解历史艺术和当代艺术的基础知识。

艺术构思是以艺术创造的过程，它是艺术家对艺术创作的想法，并用艺术的方式来表达出来。

它是一种以想象力、观念、概念、思维为基础的创造性过程，可以帮助艺术家更好地理解艺术创作的意图，把握其中的精髓，形成有效的艺术表达。

艺术构思名词解释：
1. 想象力：指一种创造性的能力，它可以帮助艺术家以多样的方式去构思和表达自己的创作理念。

2. 观念：是指艺术家对于艺术创作的思考过程，即从抽象的观念出发，把握艺术创作的本质，把握其中的精髓。

3. 概念：是指艺术家通过思考、认知和实践，从抽象的观念出发，形成特定的艺术概念，用以表达自己的艺术意图。

4. 思维：是指艺术家用思维来探究艺术创作的本质，从抽象的观念出发，形成特定的艺术概念，并把握精髓，形成有效的艺术表达。

艺术概论是一门重要的学科，它可以帮助艺术家更好地理解艺术创作的意图，把握其中的精髓，形成有效的艺术表达。

艺术构思的概念是艺术家对艺术创作的重要指导，它可以帮助艺术家从抽象的观念出发，形成特定的艺术概念，把握其中的精髓，形成有效的艺术表达。

艺术构思名词解释是艺术概论中重要的部分，它可以帮助艺术家更好地理解艺术创作的意图，把握其中的精髓，形成有效的艺术表达。

----------------------------------艺术理论-----------------------------------------------------------------------------名词解释------------------------------------灵感1、概念：艺术家在创造活动中，由于大脑皮质的高度兴奋，所产生的一种特殊的心理状态和思维方式，是在一定的抽象思维和形象思维的基础上，显意识和潜意识的相互作用，产生出新概念和新意象的顿悟式和突发性的思维方式。

2、产生的基础：是丰富的生活实践和知识积累。

3、特征：灵感具有突发性、易逝性、新颖性等特征。

4、意义：及时的把握灵感有助于艺术创新与艺术创作。

三一律三一律是西方戏剧结构理论之一，是一种关于戏剧结构的规则。

三一律是从亚里士多德的《诗学》引申出来的，由文艺复兴时期意大利戏剧理论家提出，后由法国古典主义戏剧家推行，在欧洲剧坛长期占据统治地位。

三一律规定剧本创作必须遵守时间、地点和行动的一致，即一部剧本只允许写单一的故事情节，戏剧行动必须发生在一天之内和一个地点。

优点：剧情集中，紧凑。

缺点：人物类型化，千篇一律，千人一面。

表现性/表现论/表现说侧重于对内部主观世界的表现，通过内部主观世界间接或曲折地表达外部客观世界的艺术理论，艺术创作统称为表现论及表现性艺术。

认为艺术是艺术家的主观想象和情感的表现。

代表人物：克罗齐【意】，美学只有一种，就是直觉的科学。

（直觉，即不必进行理性分析就能直接感知到事物真相的一种心理能力，具有它特殊的规定性。

直觉是由想象而来的，从内容看是关于个体的，从结果看，其产生的是形象化的意象。

）科林伍德，认为艺术与非艺术的区别实质上是艺术与技巧的区别，他的基本艺术思想是，真正的艺术具有表现性和想象性两个特征，因此，”艺术必然是语言”。

伯格森，直觉是一种直接进入对象内部、与之契合无间、水乳交融的神秘的心理体验与单纯的意识进程，是一种无功利时用目的的、非理性的本能。

第一章：绘画的基本概念与要素1.1 介绍绘画的定义和特点1.2 探讨绘画的基本要素：线条、形状、色彩、质感等1.3 分析绘画中的构图原则：对称、平衡、对比、和谐等第二章：绘画材料与工具的选择2.1 介绍常见的绘画材料：铅笔、墨水、水彩、油画颜料等2.2 探讨不同材料的特点和适用场景2.3 学习如何选择合适的绘画工具和材料第三章：观察与创作3.1 学习如何观察物体，培养观察力和细致入微的描绘能力3.2 学习绘画中的透视原理，掌握空间感和深度感的表现技巧3.3 结合观察和技巧，进行创作练习，完成一幅具有个性和特色的绘画作品第四章：绘画风格与流派4.1 介绍常见的绘画风格：写实、抽象、印象派、立体派等4.2 分析不同绘画风格的特点和代表作品4.3 探索个人绘画风格的形成和表达方式第五章：绘画的创意与想象5.1 学习如何激发创意和想象力，培养创新思维5.2 学习如何将创意融入绘画创作中，形成独特风格5.3 进行创意绘画练习，鼓励学生发挥个性和创造力，创作出富有独特想象力的绘画作品第六章：人物绘画技巧6.1 介绍人物绘画的基本步骤：构图、草图、细化、上色等6.2 学习如何描绘人物的比例、动态和表情6.3 通过实践，完成一幅人物绘画作品，展现对人物绘画技巧的掌握第七章：风景绘画技巧7.1 介绍风景绘画的基本步骤：构图、草图、细化、上色等7.2 学习如何描绘自然景观的比例、空间感和氛围7.3 通过实践，完成一幅风景绘画作品，展现对风景绘画技巧的掌握第八章：静物绘画技巧8.1 介绍静物绘画的基本步骤：构图、草图、细化、上色等8.2 学习如何描绘静物的比例、质感和光影效果8.3 通过实践，完成一幅静物绘画作品，展现对静物绘画技巧的掌握第九章：绘画中的光影表现9.1 学习光影的基本概念和作用：光影的来源、光影的表现效果等9.2 学习如何运用光影来增强绘画作品的立体感和动态感9.3 通过实践，运用光影技巧完成一幅绘画作品，展现对光影表现技巧的掌握第十章：绘画作品的评价与欣赏10.1 学习绘画作品的评价标准：技巧、创意、表达等10.2 学习如何欣赏和分析绘画作品，培养审美能力和鉴赏力10.3 进行绘画作品的评价和欣赏练习，提升对绘画作品的认知和欣赏水平教案《绘画的多元化》第十一章：绘画与文化的交融11.1 探讨绘画作品与文化背景的关系，了解不同文化对绘画风格的影响11.2 学习传统文化元素在绘画中的表现，如民间艺术、传统服饰等11.3 结合个人兴趣，创作一幅融合文化元素的绘画作品第十二章：绘画与情感的表达12.1 学习如何通过绘画表达情感，培养情感表达能力和情绪释放途径12.2 分析情感表达在绘画中的技巧：色彩、线条、构图等12.3 创作一幅表达个人情感的绘画作品，展现内心的情感世界第十三章：绘画与自然的互动13.1 学习如何观察自然景物，培养对自然的感知能力和绘画灵感13.2 学习如何将自然元素融入绘画创作中，形成自然与绘画的互动13.3 进行户外写生活动，运用观察和技巧，创作一幅自然主题的绘画作品第十四章：绘画与社会的联系14.1 探讨绘画与社会现象的关系，了解社会对绘画创作的影响14.2 学习如何通过绘画反映社会问题，培养社会观察力和批判思维14.3 结合社会主题，创作一幅具有社会意义的绘画作品第十五章：绘画的多元化探索15.1 学习如何突破传统绘画方式的局限，探索绘画的多元化表现形式15.2 学习综合材料的运用，如拼贴、综合绘画等，丰富绘画创作手段15.3 进行绘画的多元化探索实践，创作出具有创新和独特风格的作品，展现个人的绘画才华和创造力。

小学美术微课题《小学生美术创意思维的培养研究》申请书《小学生美术创意思维的培养研究》开题报告一、课题研究的背景其实小学美术教学是非常简单的，通常都是以画画为主，进而达到培养学生德、智、体、美、劳的目的。

因此，小学美术教育也是素质教学当中的重要组成部分。

小学美术教育不能够开发学生的心智，陶冶学生的艺术情操，还能够进一步开拓小学生的知识视野，强化自身的动手能力，让其向着多元化的思维方向不断的发展。

美术作为艺术创作当中的一种形式，学生是否具有多面化的创新思维极为重要。

在某些时候创新能力也是衡量一个人综合实力水平的要素，因此培养小学生的创新能力对小学生今后的发展也至关重要。

所以，小学美术教师有必要在教学活动过程中开展创新性教学，进一步培养并提高小学生的创新能力。

创设是推动世界不断变革发展的重要因素，人们对未知的事物或已知的事物进行分析讨论能够得到独特的知识，所以人类的创新能力是十分重要的。

人类在漫长的发展历程当中，也只有不断创新才能够让人类不断的发展壮大。

纵观国内的艺术人才培养，近几年来鲜有“大师”级别的人出现，这与我们的创新教育不足还是有一定关系的。

在艺术的境界当中创新可谓是无穷无尽的，人们对其产生的追求也将永不停步。

在现有的艺术创新基础之上，结合我国传统文化要素，对艺术的表现形式进行深化的讨论研究，进而让学生的美术教育更加具有艺术语言、精神和理念，进而促进学生的创新能力的培养。

所以，小学美术教育当中的创新性教育就显得尤为重要。

二、课题研究的意义小学时期进行创造力的教育和培养，对开发小学创造潜能是非常重要和必要的。

创造力不是一种知识可以学习和直接传授，它是人类特殊的认识能力和实践能力的综合。

因此，创造教育应立足于在小学生活、学习的各个环节中进行。

如何在小学美术活动中培养小学创造力，使小学去积极发现、探索、大胆用自己的方式创造图像、表达自己的认识，这与创造性的教与学是分不开的。

三、问题的提出（一）教学的整体模式缺乏创造性。

试论性灵的感悟——当代女性绘画之思论文摘要：本文以分析迥异于男性的女性独特思维方式为起点，探讨了中西女性画家、男性与女性画家，对于绘画相同主题“花”、“母爱”的不同处理方式。

以比较、类比的方法来阐释中国当代女性绘画艺术的得与失。

论文关键词：女性绘画；女性思维方式；母性；意象作为一个从事绘画创作的女性，希望创作能包容我的痛与乐，作为不断进步、不断完善自我的手段，在其中，绘画创作体现一切：自己的感悟、生存状态、生命意义等。

身为女性的我，始终活在女性的世界里，因此从来就不能抑制、也不会隐瞒自己对女性有着更深切的关注与偏爱。

在人类性别文化的不平等语境中，女性所背负的从身体到精神的苦难，我感同身受；浸染其中而成的各色陋习顽疾，我感同身受。

然而，尽管如此，我仍然还是会看到女性的另一面，她们总是从斑驳陆离的文化影像中顽强地浮出，显示出与那永恒的自然同在的美丽与和谐，与那在任何境遇下都能显示出来的作为大写的人的智慧与能力。

更为确切地说，是对生活的极度热情和认真让我陷入了女性绘画的思考。

一、迥异于男性的女性独特思维方式一般而言，男性话语主要关注社会、文化等理性问题，女性话语则集中体现对生命意识以及与此相关联的身体、繁衍、体验、感觉的倾心和迷恋。

正因为如此就势必要产生与男性绘画全然不同的女性绘画方式。

自从古希腊把爱、美和艺术之神塑造成一个女性形象，艺术便与女性结下了不解之缘。

林语堂曾经说：“在肤浅的表面下，她们比男人生活得更深层，更接近生活实际，我因此而尊重她们，她们享受生活，男人则谈论生活。

”‘感觉是女人最高法院，聪明的男人知道她作出了最后的判决，就应该向她顶礼膜拜。

”他的话也暗示了女性与男子相比较，自身所独有的品质。

在想象力方面，男性偏向于逻辑思维，而女性却更擅长迥异于男性的独特思维方式——形象思维，表现为直接印象的鲜明性、生动性，因此她们的想象力也常带有形象性，因而她们的创造力也更多地倾向于人生方面。

从生理和心理学角度分析，在以形象思维为特征的艺术领域里，女性本应该能够表现出极大的优势。

美术理论知识点综述“美术”这个专门名词，在中国的“五·四”新文化运动中开始被文艺家和教育家普遍运用。

它源于古罗马的拉丁文“art”，原意是指相对于“自然造化”的“人工技艺”，泛指各种用手工制作的艺术品以及文学、戏剧、音乐等，广义的还包括拳术、魔术、医学等。

中国古代所谓“百工技艺”，也是包括同样广泛的范围。

在欧洲，“艺术”和“美术”这两个概念，直到文艺复兴之际才确立并被公认。

欧美拉丁语系国家，“art”既作“艺术”解，又作“美术”解。

蔡元培早期运用“美术”这个术语时，也包括诗歌和音乐。

其后，中国的文艺界、教育界把“美术”和“艺术”逐渐分别开来。

本质论一、历史上关于美术的各种解释（一）从创作主体解释美术1、情感说：认为美术是情感的传达流行同欧洲19世纪浪漫主义艺术运动相关，如法国美学家维隆给艺术下的定义就是“情感的表达”。

情感说的代表人物是俄国列夫·托尔斯泰，《艺术论》（05）：“人们用语言互相传达思想，而人们用艺术互相传达感情。

”“在自己心里唤起曾经一度体验过的感情，并且在唤起这种感情之后，用动作、线条、色彩，以及言词所表达的形象来传达这种感情，是别人也能体验到这同样的感情——这就是艺术活动。

”中国传统艺术理论中也很重视情感的作用，如清代画家孔衍栻在其《石村画诀》中说：“余不论大小幅，以情造景，顷刻可成。

”应该指出，情感不是艺术的唯一特征，把其片面化绝对化，不能正确解释艺术的本质。

普列汉诺夫曾对其有一针见血的批评。

2、表现说：认为美术是心灵的表现表现说的代表人物有意大利哲学家克罗齐、英国美学家科林伍德等，其影响波及西方近现代美术以至20世纪世界美术的发展。

克罗齐《美学原理》中主张：艺术是主观精神的产物，是直觉的创造……“艺术是幻象或直觉”，他的理论核心是直觉，把直觉与表现、创造、艺术和美看成是一种东西，而直觉又是表象以下的，“毫不带理智的关系”，“也还未成为理性的概念”。

法国反理性主义哲学家伯格森也是直觉之一的代表之一，被认为是西方现代主义美术的理论鼻祖，也认为直觉即是创造，即是艺术，不过他认为直觉的境界是与上帝合而为一的境界，而“绵延”是自由的创造意志，其向上的运动创造精神，也创造生命的形式，物质只是“绵延”这种意志的结果。

绘画艺术中构图的形式与心理分析作者：许锋来源：《美与时代·中》2020年第07期摘要：构图作为绘画艺术的重要语言形式，具有指导性与价值意义，文章通过对构图形式与心理特征的梳理与总结，以期更好地运用构图来服务画者与观者，使之有效地把控作品与认知作品。

关键词：绘画艺术;构图形式;心理研究基金项目：本文系河南省社科联课题“基于新时代艺术的新使命新境界探索中原地域性油画抒写新时代文化风貌的可行性”（SKL—2019—1736）研究成果。

一、关于构图《辞海》对构图的解释：“艺术家为了表现作品的主题思想和美感效果，在一定的空间，安排和处理人、物的关系和位置，把个别或局部的形象组成艺术的整体。

”构图从广义角度上讲，是指构造、配置以及位置的安排，是一个主动的构建行为与思维过程。

为突出表达某种观念，作者主动且有构思地组织安排物象在画面上的各种关系，以形成具有表现力的整体形象。

构图从内在角度上讲，可以理解为画面的结构，关注主体形象在画面上的位置分割，是绘制者有目的、有意识的创造性艺术活动，是造型、线条、明暗、色彩等组织形式在画面上的布局。

它集中体现了形式美的构成原则，具体外在展现了绘制者的思考方式。

在中国传统绘画论述中，构图有“章法”“布局”之称。

作为创作作品的第一步，构图被称为“画之骨骼”，其含义可以追溯到东晋时代，画家顾恺之在著作《画评》中将构图称之“置陈布势”，其中“置陈”指的是物象的放置与陈列，是排列多样的形、色在画面中的陈设展示，具有空间性。

而“布势”指的是画面气势的架构布局，是绘画中的元素，如形、色内在力的交流、融合、运动、平衡和呼应，具有流动性。

“置陈布势”概念的出现，使得中国绘画构图研究进入新的领域，特别是“置陈”二字更体现了构图与物象间的内在关联，确立了构图这一形式要素的精髓。

到了南朝时期，画家谢赫在《古画品录》“六法”中提出“经营位置”的理论，较早地提出了颇为系统完整的绘画理论，在“六法论”中，他把构图称为“经营位置”，将构图与形态、颜色、用笔等要素结合，最终达到气韵生动的艺术境界。