浅谈我对水彩画的认识

水彩手绘的艺术感悟和思考张蓬玲蔡娟摘要：“水彩”顾名思义，它给人的感觉有两种，一种是给人“水”的感觉，非常流畅和透明；另一种是给人“色彩”的感觉，各种不同的色彩，刺激我们的大脑，给我们不同的感受，就像世界是多姿多彩一样。

它以水为媒介，调和水彩颜料进行绘画。

在手绘的众多表现方法中，水彩画各种技法的运用是最为常见的，又因水彩工具材料、画种特点等因素，水彩手绘运用的范围不断拓展。

关键词：水彩手绘、书签插图一、水彩手绘的意义近几十年来，我国水彩画艺术迅速发展。

延续传统的水彩课程学习只会让水彩画爱好者产生更深的误解：认为水彩艺术的学习没有多少实际用途，这直接影响学习水彩画的热情和钻研的态度。

即使是在当今计算机高度发展的时代，水彩手绘表现仍然有很大的存在空间。

将“水彩手绘表现”作为专业创新性课程之一进行有针对性的进行研究和探讨，更有利于推行学校的“宽口径的办学理念以及培养复合型人才”的教育思想，同时也加强了学生对专业学习不断创新的精神。

二、关于水彩画水彩画是用水调和透明颜料作画的一种绘画方法。

它的表现技法丰富、表现方式多样，最常见的作画技巧是干画法和湿画法，留白等，比较特殊的技法有刀刮法、蜡笔法、喷水法、撒盐法等，每一种不同的技法表现出来的效果也有所不同。

其次，水彩画的表现工具与水粉、油画相比更便于携带、方便。

因此水彩画除了在独立的画种上得以发展，在手绘表现上也占有重要的一席之地。

现在水彩画方向专业学习课程安排现状与水彩画发展、拓展等方面还不够完善，很多高校在水彩画课程上的安排绝大部分都局限于水彩静物、人像，专注培养我们绘画方面的能力，很少学校会将水彩手绘的学习加入到我们的课程中来，导致与社会实践需求相比，我们的专业学习显得有些单一。

其实，水彩手绘的应用范围相当广泛，如：服装设计、装潢、墙绘、室内装饰、插图插画等。

其实将水彩手绘加入到我们的课程当中，不仅对我们进一步将理论与实践相结合有一定的帮助，丰富我们的学习课程，更能激发我们在这一方面学习空间的热情。

浅谈水彩风景画的写生技巧摘要：以自然景物为描绘对象的绘画，称为风景画。

而水彩风景画如同中国传统绘画中的山水画，均具有较强的抒情性。

一幅优秀的水彩风景画，不能只有自然景色的现实写照，应该能使观赏者从画面中感受美的表达，使其审美理想与审美情操得到升华的风景作品。

在风景写生中，面对复杂多变的对象，我们常会无从下手。

所以这时需要我们选择地取景，有取舍的去表现。

运用特殊写生技巧表达，才能完成一幅好的作品。

关键词：水彩画；风景写生；技巧表达中图分类号：j215 文献标识码：a 文章编号：1005-5312（2017）21-0038-01风景画在早期的绘画中还没有成立独立的门类，风景只是在一些人物画中以背景或陪衬的形式出现。

直至文艺复兴以后的16世纪，风景画才作为独立的绘画体载出现与欧洲画坛，并得到极大发展。

而水彩风景画则是形成于德国，成熟于18、19世纪的英国。

每一幅风景作品都是经过精心挑选、对比才可以完成的，所以在选景方面要及其的慎重，一旦选景不好，对画面也是会有影响的。

在人们的理想中，那些秀丽的香格里拉、优美的苏州还是寒冷的西藏，都可以作为风景画的对象来画。

但是，对于风景画来讲，更多的是表现那些富有生活的情趣，具有民族代表的景物。

如安徽宏村的古老屋子、阳江的渔船和陕北郭家沟的山村景色。

即使是那些相对平凡的小镇，只要经过精心组织和处理，也可以成为风景写生的表现对象。

如果是初学者学水彩风景写生，一般选择形体单纯明确、色彩对比强烈、光线相对稳定、空间层次比较分明的景物作为表现对象，不要选择的场景过于复杂、过大。

对于专业的绘画者来说，景物大小、光线强弱都会是决定因素。

首先在复杂比较大的场景中选择一个具体表现的景物，而在这个被确定要加以表现的景观中，依然要对其中的个别的景物作取舍。

可以省略或者删减那些与主体无关的的景物。

在写生过程中，早上的阳光和下午的阳光会有很大的差距，光线会随时间的而改变。

光线有了变化，景物中的受光、背光部分则会相应发生变化，明暗及色彩关系也会随之改变。

水彩画的特点作者：曾蕾来源：《神州》2011年第19期第六届全国水彩、粉画展中的金奖作品《天使餐厅》给迷失在使人眼花缭乱的水彩样式中的画者以极大的启示。

这幅作品充分体现了水彩的特色：透明、水分、清灵等等，是对时下轻视水彩特征现象的纠正。

它让我们重新思考我们究竟在用什么作画，水彩在绘画中的独立价值是什么。

其实，水彩的固有特征是我们不断研究、探索的一项重要内容，对它的把握也应是画家创作能力的重要体现。

一、水彩材料的特质任何画种的材料和媒介，都限定它的绘画特性，并由此外化出特定的艺术效果。

正因为水彩颜料的透明性，所以在调配颜料颜色时，除了混合，透叠也成为重要的调色手段。

直接调出的颜色与透叠后产生的颜色也许在色相上趋于一致，但表现出的质感、量感都会有很大的不同。

这种涂层与涂层之间的错落搭配会产生微妙的视觉，乃至心理上的丰富的感受。

洁白的基底透过薄厚不同的涂层似乎是深邃永恒的光芒所在。

对于画笔，重要的是要看笔的储水力和湿润后的弹性。

这与色彩的饱和度、水分的控制以及作画时留到画面的笔触密切相关，甚至影响到画家的艺术风格。

水彩画纸对创作和作品的最终效果有很大的影响。

如何创造出耐人寻味的肌理效果已成为许多画家越来越关注的问题。

现代的水彩纸有各种品牌，因为制作工艺的差别，不同品牌的水彩纸会有不同的特性。

这给现代水彩的探索和发展留有很大的余地，各种不同的表现手法应与这些纸的特性相得益彰，以表达艺术家的审美意图。

水彩材质的特性导致水彩艺术的特殊性。

水与色相互交融，在水彩纸上形成了水与彩的斑迹、色痕带有很强的随机性与抒情性，产生了酣畅、淋漓、清新的视觉效果，与自然保持了和谐的灵动之美，构成了水彩画的个性特征。

这也是它存在了500多年并依旧有其探索空间的重要原因。

二、水彩的艺术特性1.水色结合。

水彩除了一些基本的绘画规律和油画有共同之处外，它自身的表现手法和欣赏趣味，有着水彩之所以能成为一个独立画种的独特特征。

古典时期的水彩画一直是按照油画的模式来绘制的，就其充分发挥水的特质，突出水彩画的鲜明个性来说，它还是处于萌芽时期。

水彩绘画的特点与技法水彩绘画是一种独具魅力的艺术形式，以其独特的特点和技法吸引了许多艺术家和艺术爱好者的关注。

本文将重点探讨水彩绘画的特点以及一些常用的技法。

一、水彩绘画的特点水彩绘画具有以下几个显著的特点：1. 透明性：水彩颜料具有很强的透明性，画面中的颜色会逐渐渗透和覆盖，呈现出丰富的层次感。

这种透明性使得水彩绘画能够表现出独特的轻灵与流动感。

2. 水溶性：水彩颜料容易溶于水，与水相混合后形成柔和的过渡效果，使得颜色的渐变与衔接更加自然。

同时，水彩绘画也可以添加不同浓度的水来调节颜色的亮度与深浅。

3. 快速干燥：相比于油画等其他绘画媒介，水彩绘画具有较快的干燥速度，使得艺术家能够快速地作出修改与调整。

这种特点也要求艺术家需要快速而准确地运用技法来表达自己的意图。

此外，水彩绘画的颜料颗粒较细，画面的纹理也相对较轻薄。

4. 自然与清新：水彩绘画以其自然、清新的色彩和立体感，常常用来表现大自然的景色、水面的反射、花朵的细腻等主题。

水彩绘画的柔和的效果给人以亲近自然的感觉，能够在一定程度上传达艺术家的情感与体验。

二、水彩绘画的常用技法1. 湿画法：湿画法是水彩绘画中最基本和常用的技法之一。

它是将颜料直接涂在湿润的纸面上，使颜料在水的作用下扩散和混合，形成柔和的过渡效果。

湿画法适用于画面需要大范围渐变的情况，如表现天空、山水、云雾等元素。

2. 干画法：干画法是将颜料搽干水后直接涂在干燥的纸面上。

这种技法可以呈现出较强的质感与纹理，适用于绘制细节与边缘清晰的形象，如花朵、建筑物等。

3. 抖撒法：抖撒法是通过在已上色的纸面上，用刷子或者手指蘸取颜料，并快速地抖撒，使颜料溅落在纸面上，形成独特的纹理效果。

这种技法常用于描绘树叶、灌木丛等自然纹理。

4. 干刷法：干刷法是利用笔刷在较干的画面表面轻轻刷过，以揭示出下方层次的细节或颜色。

通过干刷法可以创造出具有细微光影效果的画面，使画面更加生动。

5. 防白法：防白法是在上色之前，在需要保留白色的地方，用熟胶或蜡纸涂抹一层，待颜料干燥后再去除，以保留出白色的部分。

到底什么是水彩？水彩画基本原理大剖析一▶很多朋友们在刚接触水彩时都会有一种感觉，感觉画起来很简单，但完成后又觉得画面效果又不尽人意，总觉得差那么一点东西。

特别是有些绘画基本功很好的人转来学水彩也会觉得自己的作品哪不对劲。

其实就是一个基本的问题，缺乏“水的味道”，“水的味道”是什么呢？好的今天就来介绍一下水彩的基本技法平涂法▼保持均匀的力度用笔平涂▼想象着颜料从笔落到纸上时移动轨迹，慢慢运笔。

▼为了不改变颜料的浓度，每一笔用力均匀稳定行笔。

▼待纸面干燥后，蓝色块色彩均匀平整▲只要每一笔相同的含水量，相同的色彩浓度；就可以画出平整均匀的色块。

纸面倾斜15度之后▼以同上的方式画出三笔形成一个色块▲纸的倾斜度不大，颜料流动缓慢，从颜料浓厚的区域开始沉积在纸面。

干燥后，颜料的重量差使其在纸面流动和渗入，从而分离并形成美丽的纹理。

纸面倾斜30度之后▲看完上面的示范你会发现这个规律，只要画面角度发生改变，水的流动性就可以改变颜料的浓厚深浅变化，归根到底，画水彩就是要控制好“水份”的含量、方向、走势等。

“试想一下，不同颜色混合不同的水量是不是会产生千变万化的效果呢？”别只想想，动手试一试下吧！叠加法▼同样先平涂一个色块出来▼再用吹风吹干，用吹风的目的就是加速干燥。

时间急促时可以使用吹风机烘干，但是最好不要夺取颜料自然流动的时间，所以只在必要时使用这个方法。

▼在蓝色上补上一笔黄色。

▲现在可以看到，底下的蓝色透过黄色变成了绿色。

不同深浅的颜色叠加在一起也可以产生丰富的变化，只需要根据画面的需要进行变化。

说道这里，重点来了。

前面我们问“水的味道是什么？”当然不是咸甜苦辣...对！就是“透明性”要画出水彩的味道，就要围绕“透明”的思维来学习训练。

▼反过来叠加一遍，黄色在下蓝色在上。

▲当然，可以用各种颜色试试看。

最后补充一句“无论用水彩画形态多么复杂，层次多么丰富的画面，都需要用颜色的透明叠加来体现。

因为透明性是水彩画的灵魂！”。

培养孩子的美术天赋从水彩开始美术教育对于培养孩子的创造力、表达能力和审美情趣具有不可忽视的重要性。

而水彩画作为一种具有独特魅力的艺术形式，不仅能够激发孩子的想象力，还能培养他们的细致观察力和审美意识。

因此，从水彩开始培养孩子的美术天赋是一个极具意义的选择。

首先，水彩画具有丰富的特点和表现力。

水彩画的颜色细腻、柔和，可以呈现出温润的自然之美。

孩子们可以使用水彩的透明度和流动性来表达自己的情感和想法，通过色彩的运用，展现内心世界。

绘画过程中，水彩的流动性和随机性也能够培养孩子的观察力和反应能力，让他们更好地掌握图画的构图和色彩配比。

其次，水彩画可以激发孩子的想象力和创造力。

水彩画的色彩丰富多样，可以通过混合和叠加来创造新的色彩效果，给孩子提供了发挥想象力的空间。

孩子们可以根据自己的感受和想法，在纸上自由涂抹和勾勒，创造出属于自己独特的艺术形象。

通过水彩画的练习和创作，孩子们可以培养独立思考和解决问题的能力，培养创新意识和创作能力。

此外，水彩画的绘画技巧对于培养孩子的细致观察能力和耐心也具有积极作用。

绘画的过程涉及到颜料的稀释、控制水量、掌握画笔的运用等技巧，要求孩子们具备仔细观察和耐心倾听的能力。

通过水彩画的实际操作，孩子们不仅能够提高细致观察事物的能力，还培养了坚持的毅力和耐心。

这些品质对于孩子们在学习和生活中具有重要的意义。

然而，要想有效地培养孩子的美术天赋，水彩画技巧的学习仅仅是其中的一部分。

在培养孩子的美术天赋过程中，家长和老师的引导和激发也至关重要。

首先，家长可以为孩子提供丰富的艺术材料和环境，如水彩画颜料、纸张、画笔等，为孩子的自由创作提供条件。

家长还可以带孩子参观美术馆、艺术展览等，让孩子接触到更多的艺术作品和艺术家的创作方式，扩大他们的艺术视野。

此外，家长还可以帮助孩子选择适合的水彩画教材和参加相关的培训课程，让孩子能够系统地学习和提高绘画技巧。

与此同时，老师在课堂上也扮演着重要的角色。

康定斯基认为，“色彩直接地影响着精神”。

在水彩画创作中，色彩不仅要表现主体，同样还要承载色彩情感。

保罗·桑德比将自己的思想情感注入水彩画创作中，来表现乡村牧歌式的情调，反映出他对美好情感的向往。

康斯太勃尔用自然景物来表现真实的情感，传递出其对自然景物的热爱。

创作者对色彩的感觉，对其表现艺术个性的创作手法有重要影响。

不同画家的性格迥然，其喜爱和惯用的色彩也不同，如伦勃朗喜用金黄、黑色、褐灰色、暗绿色、银灰色，雷诺阿多用红色等暖色，透纳多用明度较低的灰色、黄色及暗灰褐色等等。

显然，色彩的选择与应用，既体现了创作者的色彩感知力，又成为艺术创造力的一部分，在挥洒色彩中传递独特的情感神韵。

一、水彩画中色彩表现的构成因素色彩是绘画的灵魂，对色彩的运用，展现了创作者的色彩洞察力。

结合水彩画创作探讨影响水彩画色彩表现的构成因素，主要有主客观两种。

(一)主观上的色彩感觉色彩，除了本身的性质、特点外，也是一种精神情感的载体。

在水彩画中，色彩表现与创作者主观情感关系紧密，其性格、人生经历也会反映在色彩表现上。

在水彩画创作中，色彩表现与个人情感的结合，能够使画面产生出独特的美感。

色彩的色相、明度、纯度不同，其所能够体现出的情感也不同。

萨金特在水彩画中非常注重水分的自然流动性，不去刻意描绘某个物象，而是将色彩感受呈现出来，展现鲜明的色彩感。

金立德的《山浮水》，用水、用色来呈现笔触线条的美感，赋予作品独特的个性与生命活力。

绘画大师德拉克洛瓦提出：“一幅绘画，不仅要描写外在的美，还要表现内在的精神。

”水彩画在色彩表现上，对创作者主观情感的表达，一山、一水、一草、一木，都融入了创作者的自身感受，才能让欣赏者从中获得情感共鸣。

艺术创作具有时代性，在水彩画色彩表现上，创作者所处的时代，也会影响其色彩的选择。

最初的水彩画，以记录地形地貌，描绘风景写实为主。

托马斯·吉尔丁提出大胆着色的想法，融入不同色彩，开创了水彩画创作新纪元。

幼儿水彩知识点总结简短水彩是一种非常适合幼儿的绘画材料，它色彩鲜艳、易于混合和调色，并且干燥后可以产生出特别柔和的效果。

在幼儿阶段，通过水彩绘画可以帮助培养孩子的艺术创造力、想象力和手眼协调能力。

下面是一些幼儿水彩绘画的基础知识点总结：1. 学习颜色知识幼儿在学习水彩绘画的过程中，需要认识和了解不同颜色的名称和特点。

家长和老师可以通过游戏和实际操作让幼儿学习颜色知识，比如让他们按照颜色名称找出相应的颜色笔、颜料或者色纸，或者让他们观察周围的环境并描述所见物体的颜色。

2. 混合和调色水彩颜料可以通过混合和调色来创造出各种新的颜色，这对幼儿来说是一项有趣的学习。

通过实际操作，幼儿可以学习到基本的颜色混合原理，比如蓝色和黄色混合可以得到绿色，红色和黄色混合可以得到橙色等。

这也可以培养幼儿的创造力和想象力。

3. 基本绘画技巧幼儿在学习水彩绘画的过程中，需要掌握一些基本的绘画技巧，比如如何用刷子涂抹颜料、如何控制笔触的轻重和方向、如何在纸上画出简单的图案等。

这些技巧的掌握可以让幼儿更好地表达自己的想法和情感。

4. 学习观察和模仿幼儿在绘画的过程中，可以通过观察周围的事物来学习绘画技巧和表现形式。

家长和老师可以通过引导幼儿观察花草树木、水果动物等生活中的事物，并让他们尝试模仿这些事物的形态和颜色来进行绘画创作。

5. 培养绘画兴趣通过水彩绘画，可以培养幼儿的对艺术的兴趣和热爱。

家长和老师可以通过欣赏名家作品、参观美术馆和画廊等方式，开拓幼儿的艺术视野，激发他们对艺术的兴趣。

6. 鼓励创作在学习水彩绘画的过程中，鼓励幼儿进行创作是非常重要的。

家长和老师可以给予幼儿充分的自由空间和创作机会，让他们根据自己的想法和感受进行绘画创作，不断激发幼儿的创造力和想象力。

总之，水彩绘画是一项非常适合幼儿的艺术活动，可以通过学习颜色知识、绘画技巧和艺术欣赏来培养幼儿的绘画兴趣和艺术素养。

希望家长和老师可以在幼儿的成长过程中，多多鼓励和引导他们进行水彩绘画，让他们在艺术的世界里茁壮成长。

论当代中国水彩画家创作观一、中西融合、相得益彰当代中国水彩画中的当代是一个时间概念,是随着研究者生存时段的不同而不断发生变化的时空观。

当代的中国水彩画是在东西方两块沃土中健康成长起来的画种。

它以中国传统文化为纲,以西方绘画观念为要,孕育出具有中国特色的当代中国水彩画。

中国人是善用水的民族,从大禹治水的历史故事、老子《道德经》中上善若水可见中国人对于驾驭水有着天然的灵性。

因此水质材料这种绘画语言体系也得到了很大发展。

中国水彩画家用中华民族敏于心象而略于表象的审美意识使得水彩画在中国焕发出新的生机。

中国水彩画创作观念意识上的超越不是停留在绘画材料、表达语言等表面功夫上的翻新,而是对精神层面上的深层挖掘,是对当代中国水彩画应当关注社会、关注人生的深度思考。

正如清唐岱有言胸中具上下千年之思,腕下具纵横千里之势。

观念超越要求画家需要具有大思想、大格局、大气象,以此来引领观者关注当今社会的真善美中国优秀的水彩画家在绘画观念转变的深度和广度上令外国水彩画家称赞。

对于他们而言,绘画不是休闲,而是一种具有使命感的呐喊和对美好人生的发现与描绘。

所谓人不媚世,画不随俗。

方寸间的天地展现的是一个艺术家的内心世界,是以绘画作为终身信仰的虔诚教徒的圣经。

当代中国水彩画家以作品言志,改变了水彩画是轻音乐的陈旧观念。

第十一届全国美展的入选作品中,大多数水彩画作品都在全开以上,xxxx,尺幅的大小已然与油画不相上下。

这种变化仅仅停留在作品尺幅的改变上显然是不够的,我们注意到当代中国水彩画家们正在努力拓展水彩画的外延范围。

他们作为不同的个体适应了变化的教育环境,在画面中呈现出不同个体对于生活、艺术以及真实感、空间感、色彩、形象等的多元化理解。

老一辈中国水彩画家从中国画中借鉴了骨法用笔和对气的运用,画面中既包含西方绘画的写实效果又有中国画的精神气韵。

如张充仁的水彩静物《黄鱼》（如图1）,从画面静物的摆放可看出是典型的西方绘画模式,倚靠在菜篮子前的黄鱼是画面的主体物,画家吸收了中国传统绘画突出画面中心的画法,主观的将黄鱼比例稍稍放大。

2022·06一、水彩风景画的溯源与发展水彩画作为重要的绘画种类之一，在美术界的地位举足轻重。

从历史溯源来看，最早的水彩画可以追溯到距今三万年前的法国拉斯科洞穴岩画和距今一万多年前的西班牙北部阿尔塔米拉洞穴壁画[1]，而真正严格意义上的水彩风景画则源自16世纪英国的地形图。

此时的英国资本主义极速发展，出于对扩张殖民以及贵族旅游的需求，英国的地图绘制得越来越详细精致，并且加入了不少各地的特色风貌。

早期的地形图，或者说“风土地形画”，采用的是淡彩或单色素描来绘制，色彩所占的部分较少。

直至17世纪，色彩才被大量运用到地形图当中，逐渐形成水彩风景画[2]。

水彩风景画诞生于16—17世纪，成熟于18世纪中叶，鼎盛于18世纪末19世纪初。

尽管17世纪的水彩画已经成为独立画种，但同样色彩丰富的油画对当时的水彩画影响依旧巨大。

换句话说，此时的水彩画并没有脱离油画的技法而真正独立起来。

直到18世纪中叶，艺术家们逐渐意识到水彩画之于油画的区别，并由此探索出独属于水彩画的绘画技法，水彩画才算真正脱离油画自成一派。

也正因如此，一大批杰出的水彩画家先后涌现，造就了水彩画的鼎盛时期。

比如英国的保罗·桑德比、汤姆斯·格尔丁、约翰·康斯太勃尔、约瑟夫·马洛德·威廉·透纳、约翰·塞尔·科特曼，美国的约翰·派克、安德鲁·怀斯，加拿大的佐尔坦·萨博等[3]。

二、水彩画的色彩特性色彩对于绘画作品而言至关重要，色彩的相互搭配以及人们对色彩的感知等都影响着作者情绪、情感与思想的表达。

色彩是一种客观存在的事物，对于色彩，不仅可以根据其本身属性进行分类，还能从创作者与观赏者的角度进行分类。

此外，作为独立画种，水彩画的色彩也有着独特的属性和运用方法。

(一)色彩的分类1.根据本身属性分类：客观色彩客观色彩指的是客观存在的、能为人眼观看到的色彩。