浅谈我对水彩画的认识

水彩手绘的艺术感悟和思考张蓬玲蔡娟摘要：“水彩”顾名思义，它给人的感觉有两种，一种是给人“水”的感觉，非常流畅和透明；另一种是给人“色彩”的感觉，各种不同的色彩，刺激我们的大脑，给我们不同的感受，就像世界是多姿多彩一样。

它以水为媒介，调和水彩颜料进行绘画。

在手绘的众多表现方法中，水彩画各种技法的运用是最为常见的，又因水彩工具材料、画种特点等因素，水彩手绘运用的范围不断拓展。

关键词：水彩手绘、书签插图一、水彩手绘的意义近几十年来，我国水彩画艺术迅速发展。

延续传统的水彩课程学习只会让水彩画爱好者产生更深的误解：认为水彩艺术的学习没有多少实际用途，这直接影响学习水彩画的热情和钻研的态度。

即使是在当今计算机高度发展的时代，水彩手绘表现仍然有很大的存在空间。

将“水彩手绘表现”作为专业创新性课程之一进行有针对性的进行研究和探讨，更有利于推行学校的“宽口径的办学理念以及培养复合型人才”的教育思想，同时也加强了学生对专业学习不断创新的精神。

二、关于水彩画水彩画是用水调和透明颜料作画的一种绘画方法。

它的表现技法丰富、表现方式多样，最常见的作画技巧是干画法和湿画法，留白等，比较特殊的技法有刀刮法、蜡笔法、喷水法、撒盐法等，每一种不同的技法表现出来的效果也有所不同。

其次，水彩画的表现工具与水粉、油画相比更便于携带、方便。

因此水彩画除了在独立的画种上得以发展，在手绘表现上也占有重要的一席之地。

现在水彩画方向专业学习课程安排现状与水彩画发展、拓展等方面还不够完善，很多高校在水彩画课程上的安排绝大部分都局限于水彩静物、人像，专注培养我们绘画方面的能力，很少学校会将水彩手绘的学习加入到我们的课程中来，导致与社会实践需求相比，我们的专业学习显得有些单一。

其实，水彩手绘的应用范围相当广泛，如：服装设计、装潢、墙绘、室内装饰、插图插画等。

其实将水彩手绘加入到我们的课程当中，不仅对我们进一步将理论与实践相结合有一定的帮助，丰富我们的学习课程，更能激发我们在这一方面学习空间的热情。

浅谈水彩风景画的写生技巧摘要：以自然景物为描绘对象的绘画，称为风景画。

而水彩风景画如同中国传统绘画中的山水画，均具有较强的抒情性。

一幅优秀的水彩风景画，不能只有自然景色的现实写照，应该能使观赏者从画面中感受美的表达，使其审美理想与审美情操得到升华的风景作品。

在风景写生中，面对复杂多变的对象，我们常会无从下手。

所以这时需要我们选择地取景，有取舍的去表现。

运用特殊写生技巧表达，才能完成一幅好的作品。

关键词：水彩画；风景写生；技巧表达中图分类号：j215 文献标识码：a 文章编号：1005-5312（2017）21-0038-01风景画在早期的绘画中还没有成立独立的门类，风景只是在一些人物画中以背景或陪衬的形式出现。

直至文艺复兴以后的16世纪，风景画才作为独立的绘画体载出现与欧洲画坛，并得到极大发展。

而水彩风景画则是形成于德国，成熟于18、19世纪的英国。

每一幅风景作品都是经过精心挑选、对比才可以完成的，所以在选景方面要及其的慎重，一旦选景不好，对画面也是会有影响的。

在人们的理想中，那些秀丽的香格里拉、优美的苏州还是寒冷的西藏，都可以作为风景画的对象来画。

但是，对于风景画来讲，更多的是表现那些富有生活的情趣，具有民族代表的景物。

如安徽宏村的古老屋子、阳江的渔船和陕北郭家沟的山村景色。

即使是那些相对平凡的小镇，只要经过精心组织和处理，也可以成为风景写生的表现对象。

如果是初学者学水彩风景写生，一般选择形体单纯明确、色彩对比强烈、光线相对稳定、空间层次比较分明的景物作为表现对象，不要选择的场景过于复杂、过大。

对于专业的绘画者来说，景物大小、光线强弱都会是决定因素。

首先在复杂比较大的场景中选择一个具体表现的景物，而在这个被确定要加以表现的景观中，依然要对其中的个别的景物作取舍。

可以省略或者删减那些与主体无关的的景物。

在写生过程中，早上的阳光和下午的阳光会有很大的差距，光线会随时间的而改变。

光线有了变化，景物中的受光、背光部分则会相应发生变化，明暗及色彩关系也会随之改变。

水彩画的特点作者：曾蕾来源：《神州》2011年第19期第六届全国水彩、粉画展中的金奖作品《天使餐厅》给迷失在使人眼花缭乱的水彩样式中的画者以极大的启示。

这幅作品充分体现了水彩的特色：透明、水分、清灵等等，是对时下轻视水彩特征现象的纠正。

它让我们重新思考我们究竟在用什么作画，水彩在绘画中的独立价值是什么。

其实，水彩的固有特征是我们不断研究、探索的一项重要内容，对它的把握也应是画家创作能力的重要体现。

一、水彩材料的特质任何画种的材料和媒介，都限定它的绘画特性，并由此外化出特定的艺术效果。

正因为水彩颜料的透明性，所以在调配颜料颜色时，除了混合，透叠也成为重要的调色手段。

直接调出的颜色与透叠后产生的颜色也许在色相上趋于一致，但表现出的质感、量感都会有很大的不同。

这种涂层与涂层之间的错落搭配会产生微妙的视觉，乃至心理上的丰富的感受。

洁白的基底透过薄厚不同的涂层似乎是深邃永恒的光芒所在。

对于画笔，重要的是要看笔的储水力和湿润后的弹性。

这与色彩的饱和度、水分的控制以及作画时留到画面的笔触密切相关，甚至影响到画家的艺术风格。

水彩画纸对创作和作品的最终效果有很大的影响。

如何创造出耐人寻味的肌理效果已成为许多画家越来越关注的问题。

现代的水彩纸有各种品牌，因为制作工艺的差别，不同品牌的水彩纸会有不同的特性。

这给现代水彩的探索和发展留有很大的余地，各种不同的表现手法应与这些纸的特性相得益彰，以表达艺术家的审美意图。

水彩材质的特性导致水彩艺术的特殊性。

水与色相互交融，在水彩纸上形成了水与彩的斑迹、色痕带有很强的随机性与抒情性，产生了酣畅、淋漓、清新的视觉效果，与自然保持了和谐的灵动之美，构成了水彩画的个性特征。

这也是它存在了500多年并依旧有其探索空间的重要原因。

二、水彩的艺术特性1.水色结合。

水彩除了一些基本的绘画规律和油画有共同之处外，它自身的表现手法和欣赏趣味，有着水彩之所以能成为一个独立画种的独特特征。

古典时期的水彩画一直是按照油画的模式来绘制的，就其充分发挥水的特质，突出水彩画的鲜明个性来说，它还是处于萌芽时期。

水彩绘画的特点与技法水彩绘画是一种独具魅力的艺术形式，以其独特的特点和技法吸引了许多艺术家和艺术爱好者的关注。

本文将重点探讨水彩绘画的特点以及一些常用的技法。

一、水彩绘画的特点水彩绘画具有以下几个显著的特点：1. 透明性：水彩颜料具有很强的透明性，画面中的颜色会逐渐渗透和覆盖，呈现出丰富的层次感。

这种透明性使得水彩绘画能够表现出独特的轻灵与流动感。

2. 水溶性：水彩颜料容易溶于水，与水相混合后形成柔和的过渡效果，使得颜色的渐变与衔接更加自然。

同时，水彩绘画也可以添加不同浓度的水来调节颜色的亮度与深浅。

3. 快速干燥：相比于油画等其他绘画媒介，水彩绘画具有较快的干燥速度，使得艺术家能够快速地作出修改与调整。

这种特点也要求艺术家需要快速而准确地运用技法来表达自己的意图。

此外，水彩绘画的颜料颗粒较细，画面的纹理也相对较轻薄。

4. 自然与清新：水彩绘画以其自然、清新的色彩和立体感，常常用来表现大自然的景色、水面的反射、花朵的细腻等主题。

水彩绘画的柔和的效果给人以亲近自然的感觉，能够在一定程度上传达艺术家的情感与体验。

二、水彩绘画的常用技法1. 湿画法：湿画法是水彩绘画中最基本和常用的技法之一。

它是将颜料直接涂在湿润的纸面上，使颜料在水的作用下扩散和混合，形成柔和的过渡效果。

湿画法适用于画面需要大范围渐变的情况，如表现天空、山水、云雾等元素。

2. 干画法：干画法是将颜料搽干水后直接涂在干燥的纸面上。

这种技法可以呈现出较强的质感与纹理，适用于绘制细节与边缘清晰的形象，如花朵、建筑物等。

3. 抖撒法：抖撒法是通过在已上色的纸面上，用刷子或者手指蘸取颜料，并快速地抖撒，使颜料溅落在纸面上，形成独特的纹理效果。

这种技法常用于描绘树叶、灌木丛等自然纹理。

4. 干刷法：干刷法是利用笔刷在较干的画面表面轻轻刷过，以揭示出下方层次的细节或颜色。

通过干刷法可以创造出具有细微光影效果的画面，使画面更加生动。

5. 防白法：防白法是在上色之前，在需要保留白色的地方，用熟胶或蜡纸涂抹一层，待颜料干燥后再去除，以保留出白色的部分。

到底什么是水彩？水彩画基本原理大剖析一▶很多朋友们在刚接触水彩时都会有一种感觉，感觉画起来很简单，但完成后又觉得画面效果又不尽人意，总觉得差那么一点东西。

特别是有些绘画基本功很好的人转来学水彩也会觉得自己的作品哪不对劲。

其实就是一个基本的问题，缺乏“水的味道”，“水的味道”是什么呢？好的今天就来介绍一下水彩的基本技法平涂法▼保持均匀的力度用笔平涂▼想象着颜料从笔落到纸上时移动轨迹，慢慢运笔。

▼为了不改变颜料的浓度，每一笔用力均匀稳定行笔。

▼待纸面干燥后，蓝色块色彩均匀平整▲只要每一笔相同的含水量，相同的色彩浓度；就可以画出平整均匀的色块。

纸面倾斜15度之后▼以同上的方式画出三笔形成一个色块▲纸的倾斜度不大，颜料流动缓慢，从颜料浓厚的区域开始沉积在纸面。

干燥后，颜料的重量差使其在纸面流动和渗入，从而分离并形成美丽的纹理。

纸面倾斜30度之后▲看完上面的示范你会发现这个规律，只要画面角度发生改变，水的流动性就可以改变颜料的浓厚深浅变化，归根到底，画水彩就是要控制好“水份”的含量、方向、走势等。

“试想一下，不同颜色混合不同的水量是不是会产生千变万化的效果呢？”别只想想，动手试一试下吧！叠加法▼同样先平涂一个色块出来▼再用吹风吹干，用吹风的目的就是加速干燥。

时间急促时可以使用吹风机烘干，但是最好不要夺取颜料自然流动的时间，所以只在必要时使用这个方法。

▼在蓝色上补上一笔黄色。

▲现在可以看到，底下的蓝色透过黄色变成了绿色。

不同深浅的颜色叠加在一起也可以产生丰富的变化，只需要根据画面的需要进行变化。

说道这里，重点来了。

前面我们问“水的味道是什么？”当然不是咸甜苦辣...对！就是“透明性”要画出水彩的味道，就要围绕“透明”的思维来学习训练。

▼反过来叠加一遍，黄色在下蓝色在上。

▲当然，可以用各种颜色试试看。

最后补充一句“无论用水彩画形态多么复杂，层次多么丰富的画面，都需要用颜色的透明叠加来体现。

因为透明性是水彩画的灵魂！”。

培养孩子的美术天赋从水彩开始美术教育对于培养孩子的创造力、表达能力和审美情趣具有不可忽视的重要性。

而水彩画作为一种具有独特魅力的艺术形式，不仅能够激发孩子的想象力，还能培养他们的细致观察力和审美意识。

因此，从水彩开始培养孩子的美术天赋是一个极具意义的选择。

首先，水彩画具有丰富的特点和表现力。

水彩画的颜色细腻、柔和，可以呈现出温润的自然之美。

孩子们可以使用水彩的透明度和流动性来表达自己的情感和想法，通过色彩的运用，展现内心世界。

绘画过程中，水彩的流动性和随机性也能够培养孩子的观察力和反应能力，让他们更好地掌握图画的构图和色彩配比。

其次，水彩画可以激发孩子的想象力和创造力。

水彩画的色彩丰富多样，可以通过混合和叠加来创造新的色彩效果，给孩子提供了发挥想象力的空间。

孩子们可以根据自己的感受和想法，在纸上自由涂抹和勾勒，创造出属于自己独特的艺术形象。

通过水彩画的练习和创作，孩子们可以培养独立思考和解决问题的能力，培养创新意识和创作能力。

此外，水彩画的绘画技巧对于培养孩子的细致观察能力和耐心也具有积极作用。

绘画的过程涉及到颜料的稀释、控制水量、掌握画笔的运用等技巧，要求孩子们具备仔细观察和耐心倾听的能力。

通过水彩画的实际操作，孩子们不仅能够提高细致观察事物的能力，还培养了坚持的毅力和耐心。

这些品质对于孩子们在学习和生活中具有重要的意义。

然而，要想有效地培养孩子的美术天赋，水彩画技巧的学习仅仅是其中的一部分。

在培养孩子的美术天赋过程中，家长和老师的引导和激发也至关重要。

首先，家长可以为孩子提供丰富的艺术材料和环境，如水彩画颜料、纸张、画笔等，为孩子的自由创作提供条件。

家长还可以带孩子参观美术馆、艺术展览等，让孩子接触到更多的艺术作品和艺术家的创作方式，扩大他们的艺术视野。

此外，家长还可以帮助孩子选择适合的水彩画教材和参加相关的培训课程，让孩子能够系统地学习和提高绘画技巧。

与此同时，老师在课堂上也扮演着重要的角色。

康定斯基认为，“色彩直接地影响着精神”。

在水彩画创作中，色彩不仅要表现主体，同样还要承载色彩情感。

保罗·桑德比将自己的思想情感注入水彩画创作中，来表现乡村牧歌式的情调，反映出他对美好情感的向往。

康斯太勃尔用自然景物来表现真实的情感，传递出其对自然景物的热爱。

创作者对色彩的感觉，对其表现艺术个性的创作手法有重要影响。

不同画家的性格迥然，其喜爱和惯用的色彩也不同，如伦勃朗喜用金黄、黑色、褐灰色、暗绿色、银灰色，雷诺阿多用红色等暖色，透纳多用明度较低的灰色、黄色及暗灰褐色等等。

显然，色彩的选择与应用，既体现了创作者的色彩感知力，又成为艺术创造力的一部分，在挥洒色彩中传递独特的情感神韵。

一、水彩画中色彩表现的构成因素色彩是绘画的灵魂，对色彩的运用，展现了创作者的色彩洞察力。

结合水彩画创作探讨影响水彩画色彩表现的构成因素，主要有主客观两种。

(一)主观上的色彩感觉色彩，除了本身的性质、特点外，也是一种精神情感的载体。

在水彩画中，色彩表现与创作者主观情感关系紧密，其性格、人生经历也会反映在色彩表现上。

在水彩画创作中，色彩表现与个人情感的结合，能够使画面产生出独特的美感。

色彩的色相、明度、纯度不同，其所能够体现出的情感也不同。

萨金特在水彩画中非常注重水分的自然流动性，不去刻意描绘某个物象，而是将色彩感受呈现出来，展现鲜明的色彩感。

金立德的《山浮水》，用水、用色来呈现笔触线条的美感，赋予作品独特的个性与生命活力。

绘画大师德拉克洛瓦提出：“一幅绘画，不仅要描写外在的美，还要表现内在的精神。

”水彩画在色彩表现上，对创作者主观情感的表达，一山、一水、一草、一木，都融入了创作者的自身感受，才能让欣赏者从中获得情感共鸣。

艺术创作具有时代性，在水彩画色彩表现上，创作者所处的时代，也会影响其色彩的选择。

最初的水彩画，以记录地形地貌，描绘风景写实为主。

托马斯·吉尔丁提出大胆着色的想法，融入不同色彩，开创了水彩画创作新纪元。

幼儿水彩知识点总结简短水彩是一种非常适合幼儿的绘画材料，它色彩鲜艳、易于混合和调色，并且干燥后可以产生出特别柔和的效果。

在幼儿阶段，通过水彩绘画可以帮助培养孩子的艺术创造力、想象力和手眼协调能力。

下面是一些幼儿水彩绘画的基础知识点总结：1. 学习颜色知识幼儿在学习水彩绘画的过程中，需要认识和了解不同颜色的名称和特点。

家长和老师可以通过游戏和实际操作让幼儿学习颜色知识，比如让他们按照颜色名称找出相应的颜色笔、颜料或者色纸，或者让他们观察周围的环境并描述所见物体的颜色。

2. 混合和调色水彩颜料可以通过混合和调色来创造出各种新的颜色，这对幼儿来说是一项有趣的学习。

通过实际操作，幼儿可以学习到基本的颜色混合原理，比如蓝色和黄色混合可以得到绿色，红色和黄色混合可以得到橙色等。

这也可以培养幼儿的创造力和想象力。

3. 基本绘画技巧幼儿在学习水彩绘画的过程中，需要掌握一些基本的绘画技巧，比如如何用刷子涂抹颜料、如何控制笔触的轻重和方向、如何在纸上画出简单的图案等。

这些技巧的掌握可以让幼儿更好地表达自己的想法和情感。

4. 学习观察和模仿幼儿在绘画的过程中，可以通过观察周围的事物来学习绘画技巧和表现形式。

家长和老师可以通过引导幼儿观察花草树木、水果动物等生活中的事物，并让他们尝试模仿这些事物的形态和颜色来进行绘画创作。

5. 培养绘画兴趣通过水彩绘画，可以培养幼儿的对艺术的兴趣和热爱。

家长和老师可以通过欣赏名家作品、参观美术馆和画廊等方式，开拓幼儿的艺术视野，激发他们对艺术的兴趣。

6. 鼓励创作在学习水彩绘画的过程中，鼓励幼儿进行创作是非常重要的。

家长和老师可以给予幼儿充分的自由空间和创作机会，让他们根据自己的想法和感受进行绘画创作，不断激发幼儿的创造力和想象力。

总之，水彩绘画是一项非常适合幼儿的艺术活动，可以通过学习颜色知识、绘画技巧和艺术欣赏来培养幼儿的绘画兴趣和艺术素养。

希望家长和老师可以在幼儿的成长过程中，多多鼓励和引导他们进行水彩绘画，让他们在艺术的世界里茁壮成长。

论当代中国水彩画家创作观一、中西融合、相得益彰当代中国水彩画中的当代是一个时间概念,是随着研究者生存时段的不同而不断发生变化的时空观。

当代的中国水彩画是在东西方两块沃土中健康成长起来的画种。

它以中国传统文化为纲,以西方绘画观念为要,孕育出具有中国特色的当代中国水彩画。

中国人是善用水的民族,从大禹治水的历史故事、老子《道德经》中上善若水可见中国人对于驾驭水有着天然的灵性。

因此水质材料这种绘画语言体系也得到了很大发展。

中国水彩画家用中华民族敏于心象而略于表象的审美意识使得水彩画在中国焕发出新的生机。

中国水彩画创作观念意识上的超越不是停留在绘画材料、表达语言等表面功夫上的翻新,而是对精神层面上的深层挖掘,是对当代中国水彩画应当关注社会、关注人生的深度思考。

正如清唐岱有言胸中具上下千年之思,腕下具纵横千里之势。

观念超越要求画家需要具有大思想、大格局、大气象,以此来引领观者关注当今社会的真善美中国优秀的水彩画家在绘画观念转变的深度和广度上令外国水彩画家称赞。

对于他们而言,绘画不是休闲,而是一种具有使命感的呐喊和对美好人生的发现与描绘。

所谓人不媚世,画不随俗。

方寸间的天地展现的是一个艺术家的内心世界,是以绘画作为终身信仰的虔诚教徒的圣经。

当代中国水彩画家以作品言志,改变了水彩画是轻音乐的陈旧观念。

第十一届全国美展的入选作品中,大多数水彩画作品都在全开以上,xxxx,尺幅的大小已然与油画不相上下。

这种变化仅仅停留在作品尺幅的改变上显然是不够的,我们注意到当代中国水彩画家们正在努力拓展水彩画的外延范围。

他们作为不同的个体适应了变化的教育环境,在画面中呈现出不同个体对于生活、艺术以及真实感、空间感、色彩、形象等的多元化理解。

老一辈中国水彩画家从中国画中借鉴了骨法用笔和对气的运用,画面中既包含西方绘画的写实效果又有中国画的精神气韵。

如张充仁的水彩静物《黄鱼》（如图1）,从画面静物的摆放可看出是典型的西方绘画模式,倚靠在菜篮子前的黄鱼是画面的主体物,画家吸收了中国传统绘画突出画面中心的画法,主观的将黄鱼比例稍稍放大。

2022·06一、水彩风景画的溯源与发展水彩画作为重要的绘画种类之一，在美术界的地位举足轻重。

从历史溯源来看，最早的水彩画可以追溯到距今三万年前的法国拉斯科洞穴岩画和距今一万多年前的西班牙北部阿尔塔米拉洞穴壁画[1]，而真正严格意义上的水彩风景画则源自16世纪英国的地形图。

此时的英国资本主义极速发展，出于对扩张殖民以及贵族旅游的需求，英国的地图绘制得越来越详细精致，并且加入了不少各地的特色风貌。

早期的地形图，或者说“风土地形画”，采用的是淡彩或单色素描来绘制，色彩所占的部分较少。

直至17世纪，色彩才被大量运用到地形图当中，逐渐形成水彩风景画[2]。

水彩风景画诞生于16—17世纪，成熟于18世纪中叶，鼎盛于18世纪末19世纪初。

尽管17世纪的水彩画已经成为独立画种，但同样色彩丰富的油画对当时的水彩画影响依旧巨大。

换句话说，此时的水彩画并没有脱离油画的技法而真正独立起来。

直到18世纪中叶，艺术家们逐渐意识到水彩画之于油画的区别，并由此探索出独属于水彩画的绘画技法，水彩画才算真正脱离油画自成一派。

也正因如此，一大批杰出的水彩画家先后涌现，造就了水彩画的鼎盛时期。

比如英国的保罗·桑德比、汤姆斯·格尔丁、约翰·康斯太勃尔、约瑟夫·马洛德·威廉·透纳、约翰·塞尔·科特曼，美国的约翰·派克、安德鲁·怀斯，加拿大的佐尔坦·萨博等[3]。

二、水彩画的色彩特性色彩对于绘画作品而言至关重要，色彩的相互搭配以及人们对色彩的感知等都影响着作者情绪、情感与思想的表达。

色彩是一种客观存在的事物，对于色彩，不仅可以根据其本身属性进行分类，还能从创作者与观赏者的角度进行分类。

此外，作为独立画种，水彩画的色彩也有着独特的属性和运用方法。

(一)色彩的分类1.根据本身属性分类：客观色彩客观色彩指的是客观存在的、能为人眼观看到的色彩。

水彩绘画的特点与技法水彩绘画作为一种独特的艺术表现形式，具有其独特的特点和技法。

本文将从颜色运用、透明度与层次感、湿度控制、笔触运用和纸张选择等方面，探讨水彩绘画的特点与技法。

一、颜色运用水彩绘画以其鲜艳、透明的颜色而闻名。

在水彩画中，颜色的运用是至关重要的。

艺术家可以通过调配不同的颜色，创造出丰富多彩的效果。

在水彩画中，常用的颜色有红、黄、蓝等基本颜色，通过混合这些颜色，可以创造出各种中间色和次级色。

此外，水彩画还可以利用颜色的透明度来表现光线的效果，增强画面的层次感。

二、透明度与层次感水彩绘画的一大特点就是透明度的运用。

通过调节水彩颜料的浓度和水的比例，艺术家可以创造出不同的透明度效果。

透明的颜色可以使画面更加生动，同时也可以通过叠加不同的颜色，形成丰富的层次感。

在水彩画中，透明度的运用可以使画面更具深度和立体感，给人以视觉上的愉悦。

三、湿度控制水彩绘画对湿度的控制要求较高。

在绘画过程中，艺术家需要掌握好水彩颜料的湿度，以便实现不同的效果。

湿度过高会导致颜料扩散，失去控制，而湿度过低则会使颜色难以融合。

因此，艺术家需要通过调节画笔上的水分，控制好颜料的湿度，以达到所需的效果。

四、笔触运用水彩绘画的笔触是表现力的重要手段之一。

通过不同的笔触运用，艺术家可以表现出不同的纹理和质感。

在水彩画中，常用的笔触有湿画法、干画法、刮画法等。

湿画法是指在湿润的画面上运用湿笔进行绘画，可以创造出柔和、流动的效果；干画法是指在干燥的画面上运用干笔进行绘画，可以创造出精细、细腻的效果；刮画法是指利用刮刀或其他工具在画面上刮出纹理，可以创造出独特的质感效果。

五、纸张选择水彩绘画的纸张选择对作品的效果有着重要的影响。

水彩画常用的纸张有熟练纸、冷压纸和热压纸等。

熟练纸的表面光滑，适合绘制细节和精细的作品；冷压纸的表面有一定的纹理，适合绘制自然风景和大面积的颜色渲染；热压纸的表面光滑，可以使颜料更好地渗透和扩散，适合绘制湿润的效果。

水彩画介绍水彩画，顾名思义，就是以水为媒介调和颜料完成的绘画作品。

水彩画的释义：是用水调和半透明颜料作画的一种绘画方法，简称水彩。

由于色彩基本透明或半透明，一层颜色覆盖另一层可以产生特殊的效果，但调和颜色过多或覆盖过多会使色彩肮脏，水干燥的快，所以水彩画不适宜制作大幅作品，适合制作风景等清新明快的小幅画作。

颜色携带方便，也可作为速写，搜集素材用。

另一个水彩画重要的关键就是挑选良好的水彩纸。

良好的水彩纸能够在大量水分和快速反复涂抹下不起毛球，但也十分昂贵，所以学习水彩画的学生常常一纸双面都用来练习。

与其他绘画比较起来，水彩画相当注重表现技法。

成功的水彩画除了要掌握水分，色彩，也必须掌握如何仅用水跟薄薄的色彩来表现质感，量感。

水彩的画法通常分干画法和湿画法两种，干画法是在前面的基本干后再进行画，一般可以画出很多层次。

湿画法则是一气呵成，因此不同的笔触的墨彩相互渗透，有一种类似于中国画的效果。

水彩画是艺术实践的一种手法。

由于水彩画颜料比较便宜，使用方便，而且色彩感觉也很理想，所以一般人都乐于使用。

其次，水彩画本身具有十分迷人的魅力。

它的清爽神俊，浓淡相宜，都具备潇洒风雅的格调。

水彩画颜色的透明性，重色彩技法，干湿技法运用，使画面显得水乳交融，带着令人陶醉的特殊风韵，对观众就像感受爽朗的清风。

作为艺术创作活动的一种形式，水彩画是艺术情感流露的语言中的一种。

画面中水的渗化作用，流动的性质，以及随机变化的笔触，让人感觉得到那种光波的流动。

这种意境是其他画种难以比拟的。

从字义上来看，所谓的水彩画就是用水作为稀料来专门调合能被水稀释的。

水彩画颜料，所绘制在特别的水彩纸上的图画。

由于它们采用的工具与所用材料和制作过程的特点，水彩画与其他各种绘画有着显著的区别。

当今随着科技的发展，绘画材料的增多，用水作为稀料的颜料又多了水粉、丙烯、透明水色等。

西涅克的水彩画如今我们在许多优秀的水彩画中，很难再看到修改、揩擦和小毛点彩的痕迹，更少看到油画技法的影子，因为水彩画的特性就是在第一笔中便饱含了自己的特色——颜色纯净、透明、清晰、自然。

水彩画发展简史第一节水彩画的特点及表现语言一、水彩画的特点水彩画是具有独特艺术魅力的画种之一;其特有的艺术语言和审美价值使它独立于其他画种;并在艺术领域中占有不可替代的地位和作用..水彩画是以水为媒介;调和水彩颜料来进行色彩表现的画种..水彩画因其工具材料的特点和特有的表现语言而形成鲜明独特的艺术特色;常常被誉为绘画中的“抒情诗”和“轻音乐”..透明清新、滋润空灵成为水彩画艺术语言所具有的独特魅力..一、水色韵昧水彩画强调水色的运用..没有水;就没有水彩画..水彩画因其对水的性能的充分运用和尽情发挥;形成了其他画种所不易做到的水色韵味..水彩画是通过水彩颜料、水及其他工具材料;按照画家的创作意图;利用水彩画的技法和表现手段;通过形体、色彩、光影等进行形象的描绘..水彩画颜料直接用水稀释;颜料中加入的水越多;颜色就会越浅;其透明性也就越高..用水调和颜料;可浓、可淡、可干、可湿..通过水与色的巧妙配合;或泼洒、或点染、或浸润;运用各种表现技法创造出千姿百态、韵味无穷的画面..水彩画的“韵”;既指水色交融的“节奏韵律”;也指因画面形神妙达所产生的“气韵”、“神韵”及带给欣赏者的无穷“韵味”..“韵”在中国古典美学中代表着一种超逸洒脱的精神境界和回味无穷的审美情趣;是一种理想美..范温潜溪诗眼曰：“韵者;美之极..”六朝时期;“韵”指的是人物的风度气韵;又可解释为音乐的节奏韵律..后来;韵的使用范围扩大到绘画、书法、诗文等艺术领域;通常指一种以抒写作者主观审美体验为主导、生动自然、委婉含蓄、趣味无穷的艺术境界..严羽沧浪诗话论：“诗之有神韵者：如水中之月;镜中之像;言有尽而意无穷..”谢赫在古画品录中将“气韵生动”列在“六法”之首..韵之极;更体现在审美欣赏时能引发欣赏者无尽的遐思与想象;即所谓“有深远无穷之昧”才可称作“韵”..水彩画的“韵”;离不开水彩画的重要媒介——水..水的轻盈、透明和流动性;色彩的透明感;使画面构图的形式结构、章法体势更容易产生一种音乐的节奏韵律美;故水彩画又有“小夜曲”之称..这种韵律美;或通过线条的粗细、构图的疏密来表现;或通过干湿交融、色彩浓淡来达到..同时;水彩画所产生的“韵”;不仅仅包含节奏之韵;更为重要的是水的不确定性及水色交融后在画纸上所产生的意想不到的多样性;让欣赏者产生丰富的联想;从而获得“言有尽而意无穷” 的审美趣味..这种审美趣味徘徊在有形、无形、有势、无势、似与不似、生与灭、轻与重、隐与露的状态之中;使画面在主体与客体、主观与客观方面取得某种联系;从而进入一种“惚兮恍兮;其中有像;恍兮惚兮;其中有物”的审美境界..自有水彩画以来;特别是自英国水彩画问世之后;水彩画家追求的正是这一审美境界..从透纳的暴风雨、惠斯勒的夜曲到吴冠中、古元等大家的作品中;我们都能悟出这其中的奥秘..这种独特的审美韵味;正是由水彩的特点和优势带来的..水的运用在画家的手中并不十分温顺;哪怕是最为熟练地掌握了水彩技法的大师;也不可能像油画家那样可以精确地控制每一笔和每一色的浓、淡、深、浅..因为水彩画在干与湿的过程中会相互产生预料不到的变化;画家只能探其规律;用其规律;却无法百分之百地控制它..这种不确定性;正是水彩的特点..画家们可以利用这一特点在作画中通过水的流动来发现和捕捉下意识过程中出现的美;这种美不是有意做出来的;而是自然形成的..这种自然美所产生的不可言状的韵味和风格;恰与中国画不谋而合..水彩画家的任务之一;包括在有意地表现某一物体时;还要发现由于水的关系无意中产生的自然肌理美的规律;从自然美中寻找必然美的规律..二、纸、笔效果水之韵;色之美;都要在纸上表现出来..纸质特点与画面肌理也是表现水彩画艺术魅力的重要因素..水彩纸一般具有吸水、爽快、通透、松软的特性;同时又因产地和种类的不同而具有细微的区别..吸水性能有强弱之分;纸质纹理有粗细之别;此外;纸面光滑度也有不同;凡此种种不同特性都会使纸上的水和色产生不同的效果..比如;可以运用水彩纸粗面的网纹肌理; 纸面上的水渍;以及水渍浸染化开后所形成的干爽的水痕边缘等等;来表现大千世界的种种自然现象..同时;还可根据纸质的特点;运用一些特殊的技法处理;形成新的肌理效果;表达变幻多样的形式与风格..常用的特殊技法有：揉纸法、刮纸法、纸拓法、洒盐法、喷水法、涂蜡法、调油滴油法、遮挡法、对印法、拼贴法、砂纸擦法、弹色法、破色法、沉淀法、吸洗法、留白法等等详见后面的有关章节..还可以根据自己所要表现的内容和意境的需要;大胆创新;充分发挥水彩纸的特性和作用;创造出新的艺术效果..水彩画运用水和颜色表现物象;还离不开笔的巧妙运用..水彩画的用笔相当灵活;涂、染、扫、揉、拖、擦、摆、点、勾等不拘一格;既可强调“写”;也可强调“塑”..同样的用笔方法;由于笔的含水含色量的多少;运笔速度的快慢;落笔时的用力幅度等变化;也都会在画面上产生截然不同的效果..特别引人注意的是;笔触在画纸上运动所产生的笔痕韵味;充分体现作画者的性情个性;也是绘画风格的突出表现..奔放、洒脱的笔触显示出性情的豪迈与潇洒;严谨、准确的用笔反映出细腻、朴实的性格特点……所谓“画如其人”;这在水彩画中表现得尤为突出;也是水彩画独特艺术魅力的又一重要方面..第二节水彩画发展简史水彩画是人类劳动的产物;是从原始社会就已经开始出现的艺术形式之一..在还没有创造出语言和文字以前;原始人就用水彩画的形式来表达自己的生活、劳动和情感..水彩画的早期阶段;其表现手法非常简单;它只需用水调配可溶性颜料就可作画..古代人利用兽血、赤铁矿以及植物的花茎色液在山洞、木器、砾石、陶器器皿上进行的绘画;都可列入水彩画的范畴..早在 150万年以前;西班牙旧石器时代的阿尔太米拉石窟壁画中的野牛、古埃及盛行于Memphie 时期用芦笔画在草纸和墙壁上的画以及我国西南地区诸省的崖画;都可以说是原始社会早期的水彩画..水彩画是标志人类文化与文明的最早的艺术形式之一 ..但水彩画真正发展成为独立画种;则主要是通过英国水彩画家们的努力来完成的..18世纪到19世纪中期;英国水彩画取得辉煌成就;使水彩画作为一门独立画种真正登上艺术殿堂;在世界艺术格局中占有一席之地..因此;人们把英国作为水彩画的发源地..事实上;欧洲在中古时代的 4世纪到文艺复兴时期;就有了水彩画的雏形..那时的经本、书籍中所装饰的插图;是先用钢笔鹅翎笔勾画精致的线条;然后用清水浸颜料;敷以深浅不一的单色..如德国画家丢勒Albreck Dürer 所画的风景、小野兔等画幅;细致、生动;表现出冷静的设计性;至今仍不失为佳作..18世纪的欧洲;随着资本主义经济的飞速发展;为了开拓原料的产品市场;为了殖民扩张的需要;地质学和制图学的产生;透视学、色彩学原理的完善;使水彩画在这些国家的经济、军事中发挥了很大的作用;同时水彩画也随之受到极大的重视;进而演化发展成一门独立的艺术品种..在英国;用来描绘乡土风物、地理形势的“地形画”;进一步推进了水彩画色彩技巧的发展..被称为“英国水彩画之父”的保罗．桑德比 Paul Sand- by;1725-1809;在绘制大量的地形画过程中;对大自然进行深入的观察与表现;并在颜料制造和绘画方法方面;作了不断尝试..他把从纪录性为目的的地形画; 推向表现自然的欣赏性风景画..在色彩上突破前人的局限而追求真实的光色效果;显示了水彩画表现阳光和空气的能力;将色彩与水彩画的表现技巧向前推进了一大步..18世纪后期;汤姆斯吉尔丁 Thomas Girtin;1775-1802力图改革并摆脱早期的铅笔淡彩1-3种极单调的蓝、紫、褐灰色;变为以灰色打底;然后大胆着色;或者完全改变打底色的方法;分别用不同色彩将各种景物直接画在纸上;使淡彩画发展成为多彩的富有诗意的风景画;成为开创现代水彩风景画新纪元的画家..此后;理查德.波宁顿 Richard R.Bonington;1801-1828进一步奠定了英国水彩画的色彩基础;并使之趋向成熟..他少年时期;随家移居巴黎;其作品大受法国同行赞赏;并多次获奖;成为法国水彩画的启蒙者..与此同时;威廉.透纳 William Tumer;1775-1851 使英国水彩画达到繁荣的顶峰..他既以油画着称;又是水彩画史上的巨匠..他在色彩与空气表现技巧方面作了大量的尝试和革新;他的画解除了线条与淡彩的束缚;使水彩走入色彩表现的新境界;形成异常独特的风格;成为水彩画发展史上的转折点..他所绘的大量海景作品;用透明的色块将物体与结构融于光色的波动之中; 大气弥漫;若隐若现;十分动人..透纳还被认为是印象主义的先驱者;他的作品从迪卡尔看维也纳;表现了薄雾笼罩中顷刻即逝的光影弥漫的神奇效果..廷尾湖风景、达得利堡河上的货船等名作;光色烁动;神奇动人;早已被公认为是世界艺术宝库中璀琛夺目的明珠..另一位以故乡风光为创作题材的田园画家约翰．康斯泰布尔 John Consta- ble;1776-1837;以一种非常纯真的、不加任何修饰的独特风格描绘大自然..他的水彩画清新淡雅;平实真切;反映出他对光和影的洞察力和表现力;他的纯真朴实的风格对后世艺术家有着非常广泛而深远的影响..英国水彩画;几经沿革;由钢笔淡彩发展成多彩风格;直至逐步突破古老画法;大胆追求自然光色;从而创造出英国水彩画最辉煌的时代..技法日趋成熟; 水彩画特性更为明显;名家辈出;享誉世界; 19世纪中期;达到了可与油画相媲美的水平;终于登上绘画艺术的巅峰..同期或稍后;还有许多杰出的水彩画家;都对英国水彩画史做出了巨大的、贡献..约翰．塞尔．科特曼 John Sell COMan;1782-1842 带有装饰味又透明轻快的画风;彼得．特．温特 Peter De Wint;1781-1849细腻而抒情的风格;威廉．布莱克 Rfillian Blake;1757-1827画中耐人寻味的情趣;以及后来的约翰．萨金特 John S.Sargent;1856-1925温馨感人的画幅……他们都是英国水彩画史上的先驱..19世纪末20世纪初;法国画家塞尚P.Cezanne;1839-1906的绘画表现手法则对后世影响极深..他认为自然不只是表面的;而有它的深度..他在水彩画上的留白;表现了白色本身机能上的感觉;他的分面笔触;高度概括又准确肯定; 具有深刻的推理;给予后世水彩画家许多启发..20世纪上半叶;俄国抽象表现主义画家康定斯基Wassily Kandinsky;1866 -1944作的第一幅水彩抽象画;纯粹抒发心灵意象..他以薄薄的奶黄色涂底;用轻灵笔触勾画出不规则的色彩与形状..画面上;弯弯曲曲的线条;丰富多样的色彩;不停地跳动、碰撞;仿佛组成了一曲曲动人的交响曲 ..由此;开启了抽象绘画的序幕..康定斯基在作了许多实验性的水彩画后;完成了一种比较稀疏的构图;由感性发挥走向严格的自律;创作出一种理性的抽象构成绘画..德国画家保罗．克利 Paulklee;1879-1940运用对比技法融合于色彩的层次变化之中;并使色彩的分配、安排与造型的时空理念相互呼应;创作出富有诗意的造型与梦幻般色彩的水彩画..现在;水彩画不仅在西方;也在东方蓬勃发展;水彩画已成为一个世界性画种..我国水彩画的起源;可以上溯到 5000年以前的新石器时代..青海大通县上孙家寨出土的舞蹈纹彩陶盆;以流畅的笔法;单色平涂的剪影手法;描绘了五个手拉着手舞蹈的人..整个队形有强烈的运动感;表现出活泼欢快的气氛..还有河南临汝阁村出土的鹤鱼石斧图;白、黑、土红色彩与土黄色的陶衣共同形成了一个强烈、单纯、朴质的彩色画面..随着社会的发展;颜料及绘画工具的发明与演变;水彩画的内容与形式也在不断擅变和发展..春秋战国时已出现象御龙人物这样精彩的水彩画作品;这时的宫廷壁画艺术实际上就是用水彩或水粉的形式进行绘制的;如色彩绚丽、气势宏伟的长沙马王堆墓吊画及秦宫壁画艺术;其水彩画特点明显;已形成水彩画的雏形..魏晋南北朝时期;佛教传入中国;水彩画表现手段更为完善..这时的水彩画已经有了明暗关系和虚实相生等种种艺术处理;画面色调明快;光感异常突出;风格上较强调写实;而且渐渐淡化传统的线条而追求光色..如北魏时代敦煌 272窟的菩萨和伎乐天；275窟的鹿王本生故事壁画;用晕染来表现人物的体积和肌肉质感；257窟的鹿王本生和254窟的萨垂太子本生则采用明暗造型方式进行绘制..随着六朝山水画的出现;发展到隋、唐、五代之时;我国绘画一方面吸收外来宗教绘画的特点;另一方面发挥了民族审美意识的传统而进入一个比较繁荣的阶段..水彩画的运用更加广泛;形式更加多样;绘画技法更见新颖..如唐代的宫女图所绘人物;可以看出画工们熟练地运用石绿、石青、大红、深红等颜色的水平;人物的服饰、衣裙采用晕染法;色彩对比强烈鲜明；新疆克孜尔千佛洞118 窟中娱乐太子图在用色和技法处理上已不像早期壁画那样多用原色;而是以紫红色、乳白、浅灰、绎绿、橙黄、棕红等复色和间色来进行描绘;使其画面具有冷暖相间、和谐滋润的效果..明清时期;西学东渐;西方水彩画传入中国..清康熙年间;传教士郎世宁 Giuseppe Castiglione;1688-1766来华;并任清王朝的宫廷画师;常使用水彩画工具作画..此后;有不少英国水彩画家来到中国..西洋水彩画的性能特点与中国传统绘画的艺术情趣所具有的异曲同工之妙;使西洋水彩画很快得到国人的欣赏、接纳;并为一些画家借鉴..水彩画在我国的艺术园地逐步成长并有了很大发展..鸦片战争后;上海成了远东和亚洲最繁荣的商业城市;天主教会在上海开办土山湾国画馆;系统地传授西洋绘画技法;引进水彩画;为我国培养了最早的西洋画人才和最早的水彩画家..清末名家任伯年所画册页;明显吸收了不少水彩画技法..徐泳清所着水彩画风景写生法;可谓我国最早的水彩画理论技法书籍..民国初;在蔡元培的倡导和扶植下;我国出现了一批依照西方美术教育的模式进行教学的美术学校;以写生的方法传授素描、水彩画、油画..1912年创办上海美术院上海美专前身;刘海粟、潘思同等担任水彩画教学..1918年成立国立北京艺术专科学校后改为北平艺专;担任水彩画教学的有灵法鼎、李毅士等..1928年国立中央大学艺术系成立;李叔同、徐悲鸿等从事西画教学..同年; 在杭州成立国立艺术院后更名为国立杭州艺术专科学校;林风眠、吴大羽在此任教……这些学校培养出了一大批杰出的水彩画画家;如陈秋草、李剑晨、李有行、王肇民等;中国水彩画的发展出现了第一个高潮;水彩画家队伍不断扩大; 作品风格日趋多样化;既有张眉孙的强调客观真实的淤口帆影;又有常玉的夸张、变形的女人体..抗日战争时期;水彩画发展受到一定影响;但同时;恶劣的环境也激发艺术家的创作欲望;并以画笔作为抗日救亡的武器;创造出许许多多可歌可泣的具有生命力的艺术佳作;如李剑晨的智取鬼子兵、魏正起的日本俘虏等..在解放区;延安创办“鲁迅艺术文学院”;培养了一批优秀的版画家、水彩画家;古元是其中的代表..新中国成立后;在“百花齐放、百家争鸣”方针的指引下;水彩画蓬勃发展.. 1949年;“中华全国美术工作者协会”在北京成立;组织创作活动..1954年;中国美术家协会举办“全国水彩画、速写展览”..1956年举办的“全国第一届青年美术作品展览”展出水彩画一百多件..20世纪五六十年代;画家们深入生活;用水彩画来反映新中国的新面貌;写实风格得以确立;奠定了中国水彩画重写实的传统模式..李剑晨的晨曦中的人民英雄纪念碑、古元的延河饮马、萧淑芳的丁香花都是当时影响广泛的佳作..20 世纪50年代;苏联格拉西莫夫、茹可夫、克里马中等画家的水彩画相继传入中国;他们“讲究造型严谨和色彩真实” 的写实传统极大地影响了中国水彩画艺术的发展..1963年“英国水彩画三百年作品展览”来华展出;开阔了中国水彩画家的视野;从此拉开了中西美术文化交流的新序幕..改革开放后;随着中西文化交流的增加;中国水彩画再次崛起..中国水彩画家在吸收西洋传统技法精华的同时;将自己深厚的传统文化、哲学观念、生活体念融合其中;不断探索;寻找着水彩画发展的新方向;水彩画逐渐从单一的传统模式向多样的现代形态转变.. 1980年的京、津、沪三市水彩画联展在北京开幕..虽然仅仅是三市百余名水彩画家的联展;但他震动了整个中国画坛..标志着中国水彩艺术的第二次高潮的到来..1981年上海、江苏、浙江、山东、江西五省市水彩画联展在上海开幕..1982年英国水彩画第二次来华展出;展出了包括 20世纪现代派风格的水彩画..中国水彩画家们受到莫大的鼓舞;全国各地各种画会、研讨会、画展纷纷召开..1983年的上海水彩画展..1984年的京、津、鲁水彩画联展及第六届全国美展的频频举办;大大的鼓舞着全国的水彩画家与爱好者们;他们继承、发展、探索、追求着水彩画的繁荣..1984年;“第六届全国美展水彩画作品展”在广州展出..华纫秋的渔寨新歌、柳新生的雨后等作品;运用新的水彩艺术语言;开辟了观念和技法革新的道路..1989年;杭州举办了首届全国水彩画展.. 1990年;在杭州成立了“中国水彩画家学会筹”;决定每年举办一次全国性水彩画大展及学术研讨会..接着 1990年首次召开了“中国当代水彩画学术研讨会”对水彩画的理论建设起到了积极的促进作用..1990年8月;在第十一届亚运会前夕;由天津十人水彩画会邀请;来自日本、新加坡、马来西亚、韩国、巴基斯坦、美国特邀等10多个国家和台湾、香港地区的14个水彩画会270余件作品参加了“天津-亚洲国际水彩画展”..1993年中国美术家协会水彩画艺术委员会成立;1995年全国首届水彩画艺术展览在石家庄博物馆举行;送展作品达1500多件;新生力量涌现;作品呈现多样化发展趋势..1995年、1997年连续举办两届中国青年水彩画大展;鼓励青年画家树立探索和创新精神..20世纪90年代后期;一大批新一代水彩画家勇于开拓创新;基本摆脱传统水彩画模式;着力表现现代人的精神面貌、审美观念和情趣追求;题材内容不断拓展和深化;人物画、风景画、静物画;历史题材、都市题材;花鸟、鱼虫、走兽等多方面;都有突出的成就；表现形式和技法丰富多样;既有写实的;也有写意的;还有抽象的；观念的扩展;素材的广泛运用;影响了绘画的表现方法; 画法不断突破;中国水彩画逐步形成为具有现代感的多样化的艺术样式..1999年5月;中国美术家协会第二届水彩画艺术委员会在桂林成立..先后举办“第五届全国水彩粉画展”、“中国首届水彩人物画大展”、“第六届全国水彩粉画展”、“中国水彩画写生精品大展”、“全国首届小幅水彩画展”、“第二届‘李剑晨奖'水彩双年展等..积极开展水彩画创作、展览和研究活动..不仅在国内各地的展览交流频繁;中国水彩画还多次在美国、日本、印度、台湾、香港等国家和地区展出;让中国水彩画走向了世界..在上个世纪末;中国水彩第一次堂而皇之的与大画种比肩而立;在第九届全国美术作品展览评奖中;水彩画与油画、国画各占三个金奖..目前;中国水彩正在蓬勃发展..第三节水彩画在绘画训练中的作用与地位水彩画作为独立画种;自19世纪传入中国;很快就被中国民众接受;并在中小学里普及开来..现在;不仅美术院校开设水彩画教学课程;而且在其他高校;还有中小学美术及色彩基础教学中;均采用水彩和水粉来组织教学;培养学生的色彩表现能力;使学生掌握色彩的基本规律和知识..水彩画在绘画训练中发挥着日益重要的作用;占据着不可替代的地位..一、通过水彩画的训练掌握色彩规律及绘画方法水彩画是以水与色的交融而形成的画种..它主要借助于光在物体上产生的明暗关系和色彩变化来进行物体的塑造;是真实客观地对事物的形态、色彩和特征作深入刻画的绘画形式..长期以来;人们通过水彩对客观事物的造型与色彩等因素和艺术表现法则进行全面认识和研究;水彩画成为色彩的科学表现的典范..西方传统绘画观念认为;现实对象最真实的再现只有轮廓和形;而轮廓线是通过与背景不同的色彩和明暗对比产生出来的;西方水彩画追求光影变化的形式成为水彩画通常的表述形式..水彩画根据对象的明暗光影对其进行形象塑造..它利用明前暗后、明实暗虚、明强暗弱、明主暗宾的视觉规律来进行水彩画的创作与表现;并能通过光的变化来表现其空间感、质感、层次感和立体感..同时;画家还可根据自己对事物的直观印象来描绘和反映现实生活;表达画家的感觉和观念;把对物体的色彩特征作为描绘的前提和主体;从中发现一般人所不能发现的带有画家个人主观认识的色彩关系、色彩现象和色彩感受..明暗水彩画所追求的就是塞尚所说的能“代表自然”;而不只是“再现自然”的那种形式和方法..水彩画家为了真实地反映客观事物;经过长期的研究与绘画实践创造出一系列画理和法则..这些画理和法则是人们探索和认识水彩画艺术的总结;也是人们学习和研究其他门类绘画的重要途径..二、水彩画与其它画种的联系与区别。