史上最牛声乐教法——自然声乐教学法系列二
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世界著名三大音乐教学法随着新课程的改革和实施,素质教育的推进,教育创新势在必行。
在经济发展过程中,多种文化在相互融合和渗透。
音乐教育可以强化学生的道德观念和情感,培养人的创造力。
那么,小编给大家介绍下世界三大音乐教学法,其效果好,实用性强。
一、达尔克罗兹音乐教育其特色是体态律动教学。
它要求学生把身体作为乐器,把听到的音乐再现出来。
体态律动不同于舞蹈,它是以身体作为乐器,通过身体动作,体验音乐节奏的速度、力度、时值变化,体态律动的动作一般分为原地动作和空间动作两类。
原地动作包括;拍手、指挥、摇摆、弯腰、说话、歌唱等;空间动作包括;走、跑、爬、蹦、跳、滑等。
这些动作可以和身体的高、中、低位置结合,也可以用身体的头、身、臂、手、脚等各个部位,与歌声的动作、体感、表演等相互配合,以表示不同的节奏、旋律、和声、复调、曲式等。
它以游戏为课程方式,发现个别学生松懈、涣散时,会立即变换,永远处于新鲜状态。
二、柯达伊音乐教育其特色是以歌唱教学为主,从简单的单声部旋律到轮唱、合唱等歌唱形式,都是以清唱的方式来实施教学,而且不依赖任何乐器的伴奏。
声音是听觉的艺术,它没有视觉的形象,柯达伊教学法中有一套非常实用的手势,可以让孩子通过视觉形象来感受音高的概念。
这组手势其实是英国人约翰·柯尔文首创的,柯达伊把它借鉴到自己的音乐教育体系中来,并发扬光大。
儿童不但能在「唱」当中学会呼吸、歌唱的技巧,更重要的是各种音乐的知识和常识也能通过「唱」的方式来学习。
三、奥尔夫音乐教育奥尔夫倡导元素性的音乐思想,他指出:学生在学习中必须动脑、动手、动脚,全身心地感受和表现音乐。
于是他发明了一套“元素性”的奥尔夫乐器,是一组很容易掌握的打击乐器。
同时,他还充分运用人体各部位可能发出的声音参与演奏,并冠以“人体乐器”的美称。
学生在课堂上在教师的引导下作音乐性的“动”,必然沉浸在一种游戏般的欢快之中,他们在不知不觉中就会接受到音高、节奏、听辨、协调统一等等综合音乐能力的训练。
声乐训练知识:如何在演唱中展现出自己的自然唱腔声乐训练知识:如何在演唱中展现出自己的自然唱腔演唱是一门需要技巧和天赋相结合的艺术。
要想让自己的歌声更有特色,在演唱中展现出自己的自然唱腔是非常重要的。
那么如何做到呢?下面介绍几个方法。
一、技巧训练要想在演唱中展现出自己的自然唱腔,首先要进行声乐训练,熟练掌握技巧。
这包括:1、呼吸训练:演唱时的呼吸非常重要。
要做到喉部放松、腹部用力呼气,让声音更加自然、富有弹性。
2、音准训练:准确、清晰的音准是演唱的基础。
要把握好自己的音高和节奏,锻炼出稳定的音准感。
3、发声训练:声音的发出需要经过声带、口腔等各个器官,需要进行针对性的训练。
通过练习共鸣、发音、咬字等方法,让声音更加清晰、宽广。
二、感性表达除了技巧训练,感性表达也非常重要。
在演唱中,我们需要将自己的情感表达出来,让歌曲更加动人。
而要做到这一点,需要:1、深入理解歌曲:一首好的歌曲往往都有深刻的内涵和情感。
在演唱之前,我们需要仔细理解歌曲的歌词和旋律,感受其情感并进行情感调整。
2、情感体验:演唱需要情感投入,要使自己真正沉浸在歌曲之中,让自己的情绪顺着音乐流淌出来。
三、个人特色展现自己的自然唱腔还需要有个人特色。
每个人的嗓音都不同,我们需要发掘自己的特色,使其成为我们演唱的一种优势。
具体方法包括:1、尝试不同的音乐风格:多样化的音乐风格可以帮助我们找到适合自己的音乐类型,同时也可以锻炼我们的唱腔。
2、注重细节:不同的演唱细节也会对声音产生影响。
在演唱中,我们可以尝试将自己的特长运用到音乐之中,形成自己独有的音乐特色。
3、勤加练习:想要锻炼出自己独有的唱腔,需要进行长期、持续的练习。
只有不断的实践和尝试,才能在演唱中展现出自己的自然唱腔。
总之,展现自己的自然唱腔需要技巧训练、感性表达和个人特色的打磨。
当我们掌握了这些方法,演唱也会变得更加自然、动人,让我们的歌声也更加独具特色。
声乐学习技巧声乐学习技巧大全在学习声乐的过程中,我们会遇到很多的问题,下面店铺为大家整理了18个声乐技巧,希望能帮到大家!1.歌唱的姿势很重要。
要站直,要平均站在两腿的支持力量上。
头的位置比身体的位置更重要。
有人唱高音时把头抬起来,似乎唱上去省些劲,事实并非如此。
头抬起来高音紧了。
喉咙也会发紧,不松。
正确的是:头应稍低,但别太低。
头部有很多共鸣,声音在头部产生共鸣,声音就大。
头的动作要与旋律相反,越高头略低,声音好象下到胸腔里去。
2.歌唱时,尽量避免用那些与唱无关的肌肉。
控制呼吸用横隔膜时尽量不牵扯到其它肌肉,不要象搬东西那样使劲,那样会将所有的腔体关闭起来,把声音也关紧了。
唱的时候不要紧张,自然的唱,肩部要放松,不要有小动作,唱时只用横隔膜。
3.打开喉龙。
打开喉咙很简单,当你困时,一面讲话一面打呵欠,这时候喉咙就打开了。
打开喉咙比打开嘴巴更重要!这样唱起来的声音比只张嘴不打开喉咙的声音更亮些。
所以,嘴要与喉咙一起张开,最好后面张得更大些!如同用一个倒立的漏斗,大口一方在颈部喉咙处,漏斗尖在面罩处。
如果声音位置已全部进入面罩,声音就能从最轻逐渐唱到最强。
注解:只张嘴不开喉咙:前嘴后嘴嘴不大,但开喉咙:前嘴后嘴(倒立的漏斗)4.焦点。
歌唱时声音好象放电影一样,声音要有共鸣,焦点要集中,集中在面罩。
太远、太近都不行。
每个人都有自己做好的发声焦点,焦点集中了,声音会越来越大;没有焦点的声音就散了。
要求声音大,不能一天就摆出一个架子,开始时共鸣点要小,然后扩展开来,越唱越大。
这种发声方法,声音小,好象灯后面有面镜子,可以使光照得更远。
头额、鼻窦等处都是空的共鸣腔,要尽量利用。
5.呼吸。
歌唱时,要用躺着睡觉时的呼吸方法。
在胸式呼吸和腹式呼吸(横隔膜)中,我更倾向于腹式呼吸,这样可以吸得深。
且快。
但无论哪种呼吸,不可二种同时用!这样是矛盾的,如同一脚踩刹车,一脚踩油门。
6.训练声音。
你先找到最好的音以后然后顺着往上、往下去唱,嘴、喉咙位置都不要移动,在唱邻近的音时尽量体会,尽量模仿那个最好的音,这就叫“自我模仿”。
声乐教学法教案教学目标:1. 了解声乐的基本知识和技巧。
2. 掌握声乐的正确发声方法。
3. 提高歌唱技巧和音准感。
4. 培养学生对音乐的欣赏和表现能力。
教学材料:1. CD/MP3音乐播放器2. 音乐配乐3. 短歌曲教学过程:引入活动:老师可以播放一段精选的优美歌曲,让学生静心倾听。
引导学生表达对歌曲的感受,并提问是否有人梦想过成为一名歌手。
知识讲解:1. 声乐基础知识:- 声音的产生原理和喉咙的结构;- 音阶、音程及音高的概念;- 节拍的概念和节拍器的使用。
2. 声乐技巧:- 呼吸控制:练习腹式呼吸,使气息充足;- 声音发声:讲解喉咙的正确位置和发声器官的运用;- 声音共鸣:教导学生如何利用共鸣箱和腔位来提高声音的品质;- 发音技巧:指导学生正确发音和发音方法的训练。
实践练习:1. 温声练习:- 利用简单的音阶练习,让学生放松喉咙,并熟悉音高的变化。
- 在伴奏下,教学生每个音级的发声和发音。
2. 歌曲学习:- 选取适合学生年龄和能力的短歌曲,如民歌、儿歌等。
- 分阶段学习歌曲,重点训练歌曲的发声、发音和音准感。
3. 个别指导:- 针对学生的不足,进行个别指导和练习。
- 引导学生在练习过程中发现问题并自我纠正。
展示和评估:1. 学生个别进行歌曲表演展示。
2. 老师对学生的表演进行评估,包括声音的发音、音准感和表现能力。
3. 鼓励学生互相欣赏并给予建设性的意见和反馈。
延伸拓展:- 组织学生参加校内演出活动,展示他们的歌唱才艺。
- 邀请专业声乐教师或歌手给学生进行现场指导。
总结:通过本课的学习,学生们对声乐的基本知识和技巧有了更深入的理解。
他们不仅学会了正确的发声方法,还提高了歌唱技巧和音准感。
希望学生们能够继续坚持练习,并在未来的音乐表演中展现自己的才华。
声乐教案(一)第一篇:声乐教案(一)声乐教案(一)内容:歌唱机理及运动原理教学时数:12 教学目的与要求:通过对歌唱机理的讲解,让学生认识歌唱发声器官生理结构以及歌唱的发声原理,了解发声器官的相互作用以及协调配合。
教学重点与难点:歌唱器官及发声原理教学手段与形式:采用大课形式,以传统理论讲解为主,并运用多种声、像资料,形成能听能看,课堂互动的教学模式。
教学过程:一、绪论人类自从开始音乐活动以来就有了歌唱,歌唱艺术经过漫长的发展历程,现已成为具有高度发展水平的艺术,不但有众多的表现形式,形成了各具特色的艺术风格和歌唱流派,还具有丰富的艺术作品和声乐文献,在歌唱的艺术表现和技能技巧训练上已具有较科学的理论指导。
人类历史上关于歌唱的起源,有过多种说法,较多来源于神话和传说。
随着社会的不断发展人们对艺术以及歌唱的起源也提出了自己的见解。
游戏学说者认为:人生来就有要求发泄剩余精力的能力,人类的歌唱活动,以及其它的文艺形式都是由于这些本能的冲动引起的。
心灵表现学说者认为:人本身就有一种表现自己情感的要求,高兴时要笑,痛苦时要哭,当这些还不能表达内心感受时,就用歌唱,舞蹈,或是吟诗等形式来表现。
模仿学说者认为:歌唱的起源来自人类对自然界各种声音的模仿。
以上各种对歌唱的解释,只接触到歌唱活动产生的某些现象,脱离了人类的社会实践。
人们从历史唯物主义的观点,认为歌唱及其它艺术形式都起源于人类的劳动生活。
比如鲁迅先生在他的《门外文谈》中说的“人类在没有文字之前,……。
” 人类的歌唱活动来自丰富的劳动生活,说明了歌唱是音乐艺术中最早的表现形式。
歌唱是众多音乐表演艺术中的一部分。
它是以人体的发声器官为“乐器”来表现美的旋律,生动的语言,抒发人们的思想感情的一种艺术活动。
它较之其他乐器更能直接与听众进行感情交流,是音乐艺术中最富有艺术感染力,最容易受人理解和接受的一种表演形式。
歌唱艺术是通过歌唱者的嗓音来进行二度创作,它以歌唱者的发声器官为表现手段和工具,是一种十分复杂的主、客体的创造劳动,是歌唱者在身体处于激动情绪之中进行艺术创造的高级神经活动。
自然声乐教学法之呼吸训练呼吸训练是声乐训练最重要的部分,很多声乐教学理论都很重视呼吸的作用,用大量的篇幅详细介绍呼吸训练的内容。
很多声乐教师在教学中也是十分重视呼吸训练,将呼吸训练列为声乐教学中的重中之重,呼吸真的很重要吗?目前声乐教学的呼吸训练基本分为:腹式呼吸、胸式呼吸和胸腹式三种呼吸方法,其训练方法也很复杂,牵扯到身体的诸多肌肉运动和感觉。
学生在学习呼吸的过程中也常常是不得要领。
的确,呼吸是很重要的,一方面呼吸起到了对发声基本状态的支持,可以说没有呼吸就没有声音;另一方面呼吸又直接影响音乐情感的表达。
所以应该说呼吸是声乐训练中决定性的因素。
不知道大家注意到没有,我们平时说话的时候,很少会留意自己的呼吸,我们也不用认真的训练呼吸就能够很好的通过语言表达自己的情感。
也许有人会说,那是说话,我们学声乐是歌唱状态,这两者有很大的差别。
歌唱状态是需要学习和训练的,所以呼吸也是一样需要学习和训练的。
我要提醒大家的是我们要留意,在生活中我们从来没有出现过呼吸的问题,而在歌唱中为什么会出现问题呢?很多学生为了能够将发声的时间持续较长,往往会在发声之前深吸一口气,这个深吸气的动作对呼吸有帮助吗?虽然在现行声乐教学中出现各种各样的呼吸,包括收腹呼气,开腹呼气,吸气发声等等,,我们有一个最简单的道理要明白:发出声音的基本原理就是因为腹部支持下的呼气吹动声带,声带发出声音。
也就是说一定是呼气的时候发声的。
而呼气的时候,也必须是通过腹部的收缩力量,使横膈肌产生动力,支持肺部将气体呼出。
这是医学上的基本常识。
也就是说,发声的动作就是收腹—呼气—发声的,其他任何腹部的动作,以及呼吸和发声的方法都是没有科学的理论支持的。
那么明明是这么简单的道理,而为什么会有很多人提出吸气发声呢?前面我们讨论过哲学的对立统一问题,就是任何事物都是由物质和意识组成的,这个道理在声乐发声中也是一样的。
我们每一个发声动作都需要有一个基本的动作支持,在做动作的同时也会有感觉和状态的体现。
声乐教学内容及过程(合集7篇)时间:2023-07-12 16:27:32声乐教学内容及过程第1篇目前我国的音乐类院校中,进行音乐类专业课的方式往往分为了三个部分,即器乐教学、声乐教学以及理论教学。
其中尤其以理论教学最为重要,由于理论教学相比其他两项教学较为枯燥,同时在理论教学的过程中,由于其抽象性高的特点,在实际的理论教学过程中,学生往往无法较好的进行。
而在理论教学中,尤其以视唱练耳课较为复杂。
由于视唱练耳课是一门应用性和技术性都比较强的基础课,同时视唱练耳课中的内容以及其他教学活动也都是为了将学生的音乐思维能力以及音乐听觉进行相关的发展,以帮助学生能够将听觉知识应用到其他的专业可以及相关的音乐实践课程中,帮助学生更好地学习音乐专业课。
由此可见,视唱练耳课对于音乐类院校的学生是极为重要的,是学习音乐的过程中的重要课程。
因此将视唱练耳课在音乐教学活动中的作用进行分析,并且得到视唱练耳课和其他音乐专业课的关系,对于音乐类院校的学生而言是极其重要的。
一、视唱练耳课和声课的关系和声在音乐院校学生的日常学习活动中占有十分重要的地位,在和声课教学的过程中,主要为学生讲解了各种和弦的特性以及相关的连接方法、音响效果以及进行的规律,同时也需要为学生讲解和声在作曲实践中的相关应用方法。
但是在和声教学的过程中,由于理论知识较为繁杂,因此学生在学习的过程中往往是采用死记硬背的方式将相关的和声规则进行背诵,但是这种方法不仅效果不佳,效率不高,同是学生也是无法真正的学习到和声知识的。
因此,可以在和声课中适当的引入视唱练耳的相关内容。
例如可以在和声课进行的过程中,可以安排学生进行和声听觉的训练,通过在和声听觉训练的过程中,学生就能够体现出在和声教学过程中的听辨的连接、位置或是性质等过程中出现的错误,而教师针对学生出现的这些错误就可以为学生及时的进行纠正。
同是学生也需要掌握各种和弦以及音程的音响特点以及相关的音响效果,而如果学生通过视唱练耳的方式掌握了和声的相关理论后,就能够更好的在此方面得到效果。
一组一目了然的歌唱示意图,让歌唱爱好者,收走弯路!【歌唱训练营】一个歌唱爱好者花费一天的时间,把歌唱发声基本要领,包括胸腹式呼吸、歌唱的声柱、歌唱的共鸣(以字带声)、弱声训练等。
绘成了看得见歌唱原理图。
想让更多的歌唱爱好者少走弯路,只有用心的人,才会有所收获!1、歌唱发声的呼与吸训练(图一)吸气正面图吸气时意念感觉喉咙打开一个大管子往下延伸一直到丹田下3寸处,随着大管子打开空气会自己跑进去,用不着人为去吸气,管子要有弹性又有力量,歌唱发声呼与吸和婴儿啼哭及狗叫的状态很接近,只是歌唱要求更高一些,唱一句可能需要延长10-45秒,因此对吸气保持扩张的肌肉群需要特别的训练。
参看图一讲解更容易理解。
吸气时从胸开始到腹部都往外弹性的扩张,感觉胸腹腔形成大风箱。
(图二)吸气侧面图吸气时从喉咙开始往下延伸打开形成有弹性的大管子,一直延伸到肚脐下三寸丹田处。
吸气时胸腔一直到腹腔都在弹性的往外扩张,吸完气形成管子后继续少量进气略保持几秒钟,要特别注意保持弹性。
以此体会吸气肌肉群的力量。
(图三)练习大管子先伸出舌头保证动作正确性。
开始练习歌唱发声大管子时,为了防止舌头往后往下压,可先往上往前的感觉伸出舌头,再打开喉咙大管子,等到自己确信舌头不会往下往后压迫喉头时,再收回舌头,继续练习大管子,发现有问题可再伸出舌头练习,确保动作正确。
以上图一.图二.图三描述的是歌唱发声吸气肌肉群的运动,打开喉咙形成大管子是歌唱发声意念的感觉,从生理医学角度看是横膈膜下降周围吸气肌肉群扩张,牵拉扩大肺部空间吸进更多空气,并保持空气不一下子泄漏。
(图四)歌唱发声腹部往外扩张的力量更强有力,可用两手掐住腹部两侧,小腹内呼气肌肉群和吸气肌肉群对抗,把气慢慢呼出去。
(图五)呼与吸肌肉群对抗运动侧面图呼气时吸气往外扩张的力量要保持扩张呼气时腹部吸气保持扩张力量更坚强呼气主要动力在小腹呼气肌肉群的力量图四、图五可看出,呼吸时吸气扩张状态要保持,特别是腹部一圈,更要强有力往外,小腹呼气肌肉群运动把气息推压往上,通过大管子通过喉咙口腔往外呼出,这种在吸气肌肉群保持扩张,但呼气肌肉群的力量又略大于吸气肌肉群的力量,气息就会有控制有计划的往外呼出。
声乐的唱法有关声乐的唱法声乐,是指用人声演唱的音乐形式,要学好声乐,必须具备一定的条件,即具有良好的音乐素质、掌握相应的音乐基础知识和技能,有良好的嗓音条件。
那么,大家知道声乐有哪几种唱法吗?下面店铺给大家带来声乐唱法的相关介绍,欢迎阅读!声乐的唱法:美声唱法美声唱法产生于17世纪初叶的意大利,以音质圆润饱满,音色华丽流畅而著称。
在长达几个世纪的发展过程中,美声唱法因为有大批专家学者的精心研究,其歌唱理论与训练方法在三种唱法中,是最完整和系统化的。
由于该唱法的发声方法符合人体生理机能的自然规律,依靠科学的呼吸方法和科学的发声方法的歌唱,减少了声带因长期歌唱所带来的负荷过重与磨损,从而延长了声带的有效使用时间。
许多中外歌唱家如男高音藏玉琰、楼乾贵、梯·斯基帕(意大利)、男中音特·鲁卡(意大利)等的歌唱寿命都达到七十岁以上的高龄。
美声唱法在演唱方法上又分竖唱法和横唱法两种。
所谓“竖”唱法是因为歌唱时嘴巴上下拉开,形成长条型或椭圆状的O型; 喉咙以上下打开为主,会厌软骨充分“竖”起,声音给人有“竖”或垂直的感觉。
所谓“横”唱法则是歌唱时嘴巴左右拉开,露上齿亦像在笑;喉咙前后打开,不强调会厌充分“竖”起,而突出声带的张力——阻力为发音主体。
由于声带的位置呈前后向,因而声音则有“横”的感觉。
在歌唱实践中是选择“竖”唱法还是选择“横”唱法,主要是要根据每个人的具体生理条件及歌唱爱好者心目中所向往的声音模式而定。
总而言之,不论选择哪种唱法,只要运用得法,都可能达到歌唱表演的最佳境界。
譬如当今世界男高音之王,具有“欧洲三杰”美称的帕瓦罗蒂、多明戈、卡雷拉斯,他们三人的唱法虽都属于美声唱法,但具体地说又有所不同。
卡雷拉斯是典型的竖唱法,他在唱高音时嘴巴上下拉得特别长,呈O型。
帕瓦罗蒂是横唱法的典型代表,他在唱高音时上齿始终是露出来的,而且口型是横向拉开的。
而多明戈则为折中,介乎于二者之间,但偏向竖唱法较多。
最著名的四大音乐教学法一、达克罗士教学法:内容概述:“达克罗士音乐教学法”为世界四大音乐教学法之一,其特色为教师以钢琴即兴方式教学,学生则以身体律动来体验对音乐的感受。
达克罗士教学法是瑞士集音乐家、教育家、作曲家、指挥家、舞蹈家及诗人于一身的艾弥尔.杰克-达克罗士(Emile Jaques - Dalcroze,1865-1950)于1905年在日内瓦音乐院实验成功而公诸于世旳教学法。
其教学方式有:1.律动教学2.听音训练3.即兴创作。
1.律动教学:这是藉着身替肢体最自然的律动,表达对音乐节奏的反应。
这种教学模式常用在我们幼稚园、国小低年级的韵律、唱游…。
它经常以肢体的动作:如走步、跑步、弯腰动作来代表拍子;或藉着拍手、脚踏来分辨不同的音符;或藉着游戏的规律节奏来激发学生对节奏的反应能力…这种以肢体的节奏感,导引学习音乐基本能力的潜能发挥可说是最符合认知、思考的一种音乐教学。
2.听音训练:达克罗士认为以首调唱名来训练歌曲教唱,对于音乐欣赏的听音或记忆较有助益于能力的发挥,尤其音程间的认知,简单歌曲的仿唱,一定要配合身体的律动以达到「内在听觉感受能力」的音乐熏陶3. 即兴创作:这是藉着任何乐器的弹奏,学生可以自由发挥创意性的舞蹈动作来揣测音乐的动机及意境。
另一方面达克罗士也鼓励对旋律与和声方面的创作与尝试,他认为节奏、韵律的配合是不能疏忽的。
达克罗氏教学法教学特性:1. 重视以儿童之体律动的节奏配合音乐教学。
2. 舞蹈与律动为音乐教学的主要活动。
3. 教材应取之于自然界中的节奏素材,是儿童音乐学习最自然的感受。
4. 非常重视儿童对「视觉」、「听觉」感受能力的培养。
5. 即兴的舞蹈表演动作可促进儿童的表达能力。
6. 音乐教学应以节奏教学作为基础。
二、高大宜教学法:内容概述:根据高大宜的看法,他认为人声是最好的教学工具。
唱歌必须是无伴奏的,就像传统的民谣演唱一样。
由这个观点来看,音乐教学的实施,祇要具备接受良好训练的师资和完整的教材,则无论在都市乡镇,甚或最偏远的地区,都可以实施;而且它的教学对象由二岁的幼儿至成年人,都可以透过歌唱的方式来学习音乐,可说是最理想的全民音乐教育。
[0853]《声乐教学法》第一批次[论述题]二、名词解释1、声乐教学法?2、声乐教学法的目的是什么?三、简述:为什么声乐不宜自学?四、简答:声乐教育的教学方法有哪些?参考答案:二、名词解释1、声乐教学法就是研究声乐受教育者,在一定时间内,既保留自己天赋的声音特色,又掌握科学的发声方法、提高歌唱能力和艺术修养的一个具体实施过程。
2、培养学生以下能力:a、丰富的想象能力;b、严谨的思维能力;c、大胆的表现能力;d、深刻的理解能力;e、优秀的记忆能力;f、良好的协调能力;g、沉稳的控制能力;h、杰出的组织能力.三、简述声乐不适宜于自学,须在声乐教师的指导下进行,原因有二:1、声音的好坏靠听觉判断,歌唱者在歌唱时所听到的自己的声音有主客观之分。
声带在气息的作用下所发出的"基音”,很大一部分是通过歌唱者自己的身体传导至耳内膜,另外一部分是通过空气传导至歌唱者和听者的耳中,这两种声音的差异是很大的。
2、每个歌唱者的个体因素不同,对声音的审美取向有差异,但美好的声音标准是统一的。
每个歌唱者的嗓音条件、文化背景、音乐修养、声音感受、理解能力等等方面不尽相同,对声音的审美取向也有差异。
而美好的声音标准是:松弛而马林、强弱变化自如,中声区丰润、高音透亮而不尖锐、低音浑厚而不浑浊。
初学者对自己的声音不可能有客观的判断,因而对"美好的声音”出现误判。
凭主观的判断而走上一条正确的道路是不太可能的。
四、简答1、讲解分析法(1)、叙述法(2)、讲解法(3)、朗读法;2、明理范唱法;3、以动辅唱法;4、交流对比法;5、情景引导法;6、观摩听赏法;7、表演体验法;8、理解实践法。
[填空题]一、填空1.从物理学上讲:声乐是指声带闭合后,气息冲击声带使其振动而发出的声音,通过()、()、()、()等大小和形状的改变产生不同形态的共鸣,而得到歌唱者所需要的声音。
2. 从生理学上讲:声乐是以人的身体为乐器,在大脑神经的指挥下,协调有关肌肉做有效的运动后,产生出来的有明显()、()、()变化的非自然状态的乐音。
声乐教学要领口诀声乐教学要领口诀一、歌唱姿势要领口诀:头正、颈直、看前方,“脊梁插着擀面杖”自然挺胸双肩垂,张嘴下巴“懒洋洋”双腿站立前后分,重心放在前脚上手势自然形体美,“松而不懈”“紧不僵”收腹提臀两胯张,积极松弛全身唱。
二、歌唱呼吸要领口诀:鼓腹吸气沉“丹田”,贴着咽壁“吸着唱”胸口松开向下“叹”,气沉腔底“腰扩张”“又吸又呼”声流动,气向下“铺”音向上腰一缓劲就换气,被动换气不用想“关闭”高音气倒灌,腔体松开“一米长”“气行与背”“吹瓶口”,“吹”响头腔头明亮后背控制上、下“吸”,全身舒畅气通畅呼吸稳定最省力,轻松愉快把歌唱(一米长指的是气息的“支撑感”和声音的“通畅感”气倒灌,到了高音区,歌唱者感觉口盖与鼻咽口上方的鼻咽腔里,有一种吸气状态,这就是头腔打开的正确感觉)三、歌唱发音要领口诀胸口发音不能憋,“声音落底”气通畅“声门适度”“三不准”,腔体上下要“虚张”张嘴内视“往下看”,喉结下沉底宽敞忘掉喉头没感觉,“听着、看着”咽腔响胸口往下找气柱,音色纯净又明亮“高音气大嗓眼儿小”,声带不躲要敢唱气混声来声混气,贴边向后进咽腔。
四、歌唱共鸣口诀共鸣位置在咽壁,共鸣音响灌咽腔共鸣反射找“焦点”,前“哈”后“哼”气通畅音域升高变母音,腔体打开要舒张“关闭”拢住共鸣点,声音胀满鼻咽腔抬起软腭“打哈欠”,“打开喉咙”气通畅“脑后摘筋”“拿咽管”,“气行与背”“翻”着唱“高位置”挂“深呼吸”,上下前后都不忘“通、实、圆、亮、纯、松、活”,声音柔美如月光共鸣“亮暗”要适度,“平衡、协调”最理想扩展音域靠技巧,统一音区音嘹亮(用深呼吸的感觉把腔体打开等在那里唱,好的共鸣音响就出来了。
空腔的四种感觉是:1、空腔充气的“空荡感”2、空腔扩张的“吸气感”3、空腔拢住共鸣的“振动感”4、亮暗适度的“音色感”)五、歌唱技巧要领口诀起音找气儿不找劲儿,“声音落在胸口上”“连音”串在气息中,旋律优美又流畅断音想着“拍皮球”,颤音由紧往松唱滑音保持高位置,跳进准备“翻”着唱要靠灵巧装饰音,共鸣点上找音响高音激起“精、气、神”,腔体打开头腔响由弱渐强灌气儿,小点鼓胀声儿振荡由强减弱真换假,有实变虚“向远方”从亮变暗实变空,由暗变亮点臌胀花腔声音最华丽,“以静制动”用“心”唱“脑后摘音”高位置,断、颤走句在气上超高音区不害怕,打开喉底挺胸膛音域越高“点儿”越小,“挂、抬、哼、拢”心里想“气行与背”“吹”“小点儿”,脱离身体唱花腔(“声音落下来”一起音就要张开大嘴,贴着咽壁看着嗓子眼(胸口第二纽扣的位置)往下吸着唱,往后往下“看”,一直看到横膈膜,让声音落下来,落到喉底的胸口上。
第一章自然教学法理论基础作者:杨璟春北京古典创新音乐艺术研究院院长,中音艺校创始人,著名钢琴理论家、教育家,对中国古典哲学、禅宗、道学有较深的研究。
2019年成立北京音乐教育网。
2019年成立北京古典创新音乐艺术研究院。
2019年成立中音艺术学校。
多年从事研究声乐、钢琴的教学工作,创立自然声乐、钢琴教学体系,培养出大批优秀的学生,并在普及和推广古典音乐方面做出了杰出贡献。
第一节关于自然的概念自然这两个字我们整天在接触,尤其当今社会,由于我们过渡的关注物质文明的建设,忽略了与自然界的和谐相处,已经造成了很多的社会问题。
一方面是我们与自然进化背道而驰的发展道路,使我们不能够与自然界和谐相处。
同时由于社会的发展以及社会竞争造成的后果,使得我们也远离了人最原始的自然状态。
我们在注重科技发展的同时破坏了环境,我们在注重自身生存的同时破坏了自然界的生物链,这些问题的出现表面上看是社会化发展和科技发展造成的,而实际上是由于我们的世界观也就是我们的哲学观念造成的。
有这样一个故事:在一个美丽的大森林里,住着很多可爱的小动物。
一天来了一个推销员,像这些小动物推销防毒面具。
小动物们很难理解防毒面具的作用,因为大森林的空气很好,带上防毒面具反而很不舒服。
于是小动物都没有购买防毒面具。
过了一段时间,来了很多人在森林里建了一个很大的工厂,工厂里滚滚的黑烟很快地污染了森林,大森林的空气也很快被污染了。
这时那个推销员又来了,小动物们由于无法忍受被污染的空气纷纷购买了防毒面具,小动物们对于这种科技产品很感动,认为防毒面具救了他们。
他们同时也好奇地问推销员:“这个冒黑烟的工厂里生产什么东西啊”?推销员告诉小动物们:“生产防毒面具”。
我想大家看到这个故事也一定会有所感悟的,我们的发展过程看似社会在进步、科技在发展,但很多时候我们就是在挖自己脚下的土来掩埋自己。
我们提到自然的概念的时候就是这样一个目的:就是在与自然和谐相处的基础上发展。
自然声乐教学法作者:杨璟春北京古典创新音乐艺术研究院院长,中音艺校创始人,著名钢琴理论家、教育家,对中国古典哲学、禅宗、道学有较深的研究。
2002年成立北京音乐教育网。
2003年成立北京古典创新音乐艺术研究院。
2006年成立中音艺术学校。
多年从事研究声乐、钢琴的教学工作,创立自然声乐、钢琴教学体系,培养出大批优秀的学生,并在普及和推广古典音乐方面做出了杰出贡献。
第一节自然音乐教学法理论分析自然音乐教学体系是由自然钢琴教学法和自然声乐教学法逐渐总结形成的。
最早在解决学生钢琴演奏及声乐训练中出现的一些问题时发现,我们所沿用的教学体系有许多问题,集中体现在教学与人性脱节、技术要求相对矛盾和过于概念化、教学理论不够系统、缺少其他学科的科学支持等等问题。
随着教学研究的深入,问题越来越明确。
我们现有的教学体系,虽然也培养出一些成绩较好的专业学生,但大部分的学生由于存在技术和音乐脱节的问题,造成学习时间、投入精力和取得的成绩不成正比。
前些年钢琴热时,许许多多的家庭都热衷于对孩子进行钢琴教育,但其结果却是对于绝大多数的孩子来说,学琴的过程是一场恶梦。
就我所了解的情况,大部分的孩子学琴不超过2-3年。
什么原因造成这种现象?那些天才的钢琴家,往往在很短的时间就取得很大的成绩,我们总是把这种情况归于其“天份”,可究竟什么是“天份”?带着这些疑问我开始对钢琴教学法进行研究。
通过多年的研究和分析,逐渐抓住了钢琴教学内在的一条脉络。
下面我简要地介绍一下以供大家参考。
1、音乐技术的发展方向从哲学的角度讲,事物的发展就是趋向于简单或者是复杂这两个方向,我们的社会经过几千年的发展,只见形成了庞大的、复杂的社会体系和科学体系。
但至今我们的面前仍然存在许许多多无法征服的障碍。
无论事物的表面有多简单,其内在结构必然是很复杂的。
我们对事物的了解是一个渐进的过程,随着了解的深入,就必然会接触越来越复杂的内在结构。
就像用显微镜就可以见到我们平时根本无法见到的事物一样。
而专业的含义就是更细致,一个专业的人就比非专业的研究的更细、更复杂。
弹钢琴对于一个不懂的人来讲就是动手指弹,而从专业的角度看是非常复杂的。
所以钢琴的演奏过程应该是纷繁复杂的,但这不等于钢琴技术的训练也很复杂。
就像音乐的组成一样,简单的七个音,却可以变化出丰富多彩的音乐内容。
而这些变化的本质不是由于创作技术的需要,而是由于人类情感的需要所形成的。
音乐体现的是情感而不是技术,无论情感有多复杂,技术的标准就是一条:真实地体现情感。
也就是说一方面我们要通过技术来表现内在的情感,另一方面技术又不能影响情感的真实。
什么样的技术可以做到这一点?就是一条“自然”。
当然,所指的自然并不是我们平常的状态,我们平时由于性格、教育等方面的影响已远远偏离了自然的状态,许多人追求自然,崇尚简单也是由于已经意识到自己的不自然的状态了。
弹琴的过程就是情感通过手的动作传达给钢琴的过程,手就像是一个过滤器,情感要经过过滤在传达给钢琴,复杂的技术即使是很自然的,经过层层的过滤,情感也会淡化很多,况且复杂的技术是很难达到自然状态的。
那么就形成情感因技术复杂而淡化,因技术不自然而失去真实。
这一点不仅弹钢琴是这样的,在许多专业都存在这样的问题。
而且不仅是专业的问题,其社会生活也是一样。
所以,钢琴技术的发展方向应该像简单化、自然化发展。
声乐上也是如此,我们不停的进行咽壁、头腔、呼吸等等复杂的技术训练,结果是不仅越唱越难听,而且声带老出毛病。
美声的方法不是老百姓不接受,而是假美声太多。
演唱者累得面目狰狞,连字都唱不清楚,观众如何接受?许多不懂美声的人都喜欢帕瓦罗蒂,也是因为演唱的真实自然。
所以声乐技术的发展方向也是一样,要自然,要简单。
有关共鸣、呼吸等问题在自然声乐教学法中有较详细地介绍。
2、专业的标准以社会发展的角度看,人类的发展过程就是逐渐征服的过程,许多的障碍将必然被人类所征服。
但以哲学的角度来看,事物是对立统一的,任何事物都是矛盾的统一体,平衡的矛盾产生相对静止和稳定的事物,不平衡的矛盾造成事物的运动和不稳定。
对事物的稳定性是我们所追求的一种境界,也就是说我们所做的就是寻求矛盾的平衡点。
这一点在社会上体现在国与国之间所寻求的军事力量的平衡,人与人关系的平衡等等,在专业上,则体现在专业标准上。
优秀的钢琴教师都具有对平衡的钢琴声音的判断能力,她能辨别出学生弹琴声音的好坏,并通过技术要求使学生弹出这种声音,钢琴的许多技术就是围绕这种声音来进行的。
在传统教学中经常提到的“触键到底”就是对那种声音的技术要求。
取得平衡声音是以“小心”为状态的。
平时我们经常会要求学生,要认真,要细心。
实际上这种要求太概念化了,就不会取得实际的效果。
什么是认真?什么是细心?就是要那种“小心”的状态,只要小心了,就能达到认真、细心的效果。
而小心的另一个含义就是“不叫劲”。
我们在天平的两头放同样重量的砝码,都能取得平衡。
两个5克是平衡的,两个500克也是平衡的。
音乐技术也是一样,用最小的力量取得平衡就是做好的技术。
这一点在声乐上表现得十分明显,有的人唱的声音也挺好的,就是特别的使劲,长时间这样的演唱就会出现心有余而力不足的现象,直接影响演唱的效果。
这些问题在特意练过呼吸的人中更为突出。
“巧”是技术的灵魂,如果是硬来,就不用练技术了。
“巧”的具体状态就是“小心”。
钢琴演奏的过程就是以平衡的声音为载体,真实的表达作者和演奏者的情感,情感,我们在音乐上称作:激情,取得平衡的声音的能力我们称作:技术能力。
实际上在钢琴演奏中,力度和速度的概念都是相对的。
力度可以形成音量的变化,所以传统教学很强调弹琴的力度训练。
可我们要注意到,音量的变化是由于音乐情感的需要而变化的,在音量变化的背后,还有一个情感变化在里面。
而且同样的音量,其情感的含义是多种多样的。
如果我们以增加力度来达到音量的变化,就可能出现不是没音乐就是与音乐内容不一致的结果。
就像是一句话,以不同的语气说就有不同的含义一样。
于是我们还要另外去训练学生的音乐感,表面上看是很合理的,实际上是很滑稽的。
就像是上语文课,老师是很少教学生平时说话的语气的,我们平时说话也是一样,主要考虑的不是音量的变化,而是情绪的表达。
如果我们一边说话一边想,这句话应该渐强,这个字应该加重,说这句话是应该加什么动作等等,看上去是不是很滑稽?所以弹钢琴时音量变化的本质就是情感的变化,音量变化是由于情感变化而形成的,只要表现出真实的情感,音量的变化一定是合理的。
而速度也是一样的道理,平衡的声音既灵活又轻巧,而且也比较自然,在这种情况下就是能够取得速度的。
而且我们也不要把速度看作是技术问题,如果我们在马路上遇到老虎,因为逃命就可以取得我们前所未有的奔跑速度,所以有句话叫:狗急跳墙。
这是什么原因?就是情感造成的。
如果技术上平衡,又有很真实和充沛的情感,我们就会取得前所未有的演奏速度。
所以技术的训练主要是寻求两种状态:兴奋和小心。
声乐上更是如此,一个人被惊吓所发出的声音是非常合乎声乐技术标准的,而且在音高上也是平时所不能达到的,这就是情感的原因。
所以我在教学中,经过情感训练,学生可以在几节课之内提高2、3度的音高,并且能够很快发出有共鸣的声音。
所以,专业的标准就是通过平衡的声音,传达真实自然的感情。
训练要求在钢琴、声乐的教学法中有详细地介绍。
3、音乐与禅宗修行的关系人人都具有一定的审美能力,每个人都会对自己身边的事物进行优劣的判断,这种判断的能力是不用学习就可以具有的。
我们以什么标准对事物进行判断呢?就是根据自身的平衡状态。
性格急躁的人,判断事物的标准就会偏向于急躁,那么对急躁的事物就不会判断得很准确;性格安稳的人,判断事物的标准就会偏向于安稳,那么对缓慢的事物就不会判断得很准确,这也是造成每个人都不同的的审美差别,这样这个世界才更丰富多彩。
但这种性格的偏差会一定程度的影响人对事物的正确判断,同时也就影响了人的行为。
比如像钢琴的放松问题、声乐的声音“紧”的问题,都同性格有一定的关系,性格太急就容易造成紧张,性格太慢就容易造成懒散。
所以在学习的过程中,如果只注意调整紧张、懒散等行为问题,就等于是治标不治本,不能彻底解决问题。
那么另一种方式就是解决性格的偏差问题,当在技术上出现比较“紧”的问题时,只要注意调整急躁的性格,就可以解决“紧”的问题,当然,造成“紧”的原因有许多,也有可能是由于心理紧张造成的,有关这个问题,在心理学和注意力的关系里有详细的介绍。
佛教发源于印度,再发展到中国,而禅宗就是佛教中国化的结晶。
对于不了解佛教的人,认为佛教是一种宗教信仰,对佛教的认识大致是烧香、拜佛、许愿、还香等这些层面上。
实际上许许多多的佛经所讲述的,就是如何做人的道理。
只不过论述的方式同现实生活有一定的距离,这也是佛教界应该注意的问题。
(这种情况就像是京剧一样,传统京剧就是远离了现在的生活,所以京剧也在改革)。
而佛教信徒所修行和感悟的也是做人的问题,用现代科学的角度解释修行就是对注意力、情感、行为进行一定的控制训练,使其注意力达到很高的集中程度,使其性格和行为更加中正,由于人的中正和静心,可以感悟到我们平时注意不到的许多事物。
例如多心经中说到的:是故空中无色,无受想行识、无眼耳鼻舌身意、无色声香味触法…,就是形容注意力集中到一定深度的状态。
这种例子还有很多。
音乐技术的训练也应该是同禅宗修行是一样的,不能仅仅去解决表面的行为问题,还应该看到在表面行为的背后还有性格、注意力等因素在影响人的行为,就像我们现行的义务教育一样,整天的提到素质教育,可最后无非就是通过知识性来向学生灌输一些思想,已达到限制学生行为的作用,这种教育使学生在表面上看都很正常,其内在的思想、感受、性格都深深的隐藏着,长期的压抑使人都变得很虚假,也容易产生一定的心理障碍。
所以,我们必须要把性格、注意力、修养、感受和技能统一的进行训练,才能达到彻底解决的效果。
4、心理问题和注意力的关系研究心理学多年,猛然间明白了一个道理,心理学和注意力之间存在一定的联系,往往注意力越强的人,心理的问题越少。
而注意力很差的人,心理的问题就比较多。
我们平时都经历过这种事情,当你特别专注的做完一件事情时,你周围所发生的其他事情就顾不上注意。
人的知觉可以是多点的,也可以是一点的。
知觉越集中一点,注意力就越集中。
当注意力很集中时,就根本顾及不到心理的上问题。
经常表演的人能有体会,往往是上台之前很紧张,等上台后专注于表演时心理的紧张就缓解了,很多都是这个道理。
理论上讲,当一个人注意力达到非常集中的程度时,心理问题就可以渐弱到非常轻的程度,甚至我们都察觉不到。
比如我们做一件非常紧急的事情,路过一片树林时,即使有鬼,因为急于走路也感觉不到有鬼的存在。
可如果没事路过,没鬼也能想象出鬼来吓自己。