论伊戈尔·斯特拉文斯基的《春之祭》

从“刺⽿”到经典，⼀百多年来《春之祭》经历了什么？“现代主义”的梦开始的地⽅伊⼽尔·斯特拉⽂斯基1913年5⽉29⽇，俄罗斯作曲家斯特拉⽂斯基创作的芭蕾舞剧《春之祭》在巴黎⾹榭丽舍剧院⾸演。

⽽⾳乐中“难忍的噪⾳”和“狂野的节奏”令当时⾸演现场的很多观众感到强烈不适，直接挑战了他们根深蒂固的美学观念，这其中也包括法国著名作曲家圣-桑，⽽另外两位法国作曲家德彪西与拉威尔则认为《春之祭》是⼀次意义重⼤的创新。

芭蕾舞剧《春之祭》所谓“春之祭”，是指古代俄罗斯祈求丰年所举⾏的⼀种祭礼，祭祀中常把少⼥作为祭礼献给太阳神，以求⼤地回春，万物兴盛。

斯特拉⽂斯基称⾃⼰曾梦到过原始社会少⼥舞蹈献祭的场景。

⽽这场梦，成为了古典⾳乐在20世纪的新起点，预⽰着现代主义⾳乐的诞⽣。

有多少⼈推崇，就有多少⼈批判不仅是⾸演现场的观众分成了两派，⼀百多年来，关于《春之祭》的辩论从未停⽌过，有⼈曾说：“我们⾄今都在消化这场艺术⾰新带来的后果。

”但⼀个不争的事实是，在当时听来刺⽿⽆⽐的⼤量不和谐复合和弦与不断变化的切分节奏在现代⾳乐中已经不是什么新鲜事，现代⼈的⽿朵已经具备⾜够的经验来接受《春之祭》的听感。

哲学家、⾳乐理论家阿多诺历史上对于《春之祭》的批判却远不⽌与对其听觉效果的攻击，最著名的当属法兰克福学派领军⼈物、哲学家、⾳乐理论家西奥多·阿多诺的著作，他在上世纪40年代末期出版的《新⾳乐的哲学》中，⽤⼤量的篇幅批判了“斯特拉⽂斯基与倒退”。

其中最过分的段落莫过于：“他的作品⾥有施虐和受虐狂的特征，他让⾃⼰处于集体中，并设想⾃⼰就是集体中的潜在牺牲者，他⾳乐中的阴暗惨淡不与疯狂和悲痛相关，⽽与被束缚者的情绪相关，像是陷⼊罗⽹中的动物。

”他还⽤弗洛伊德式的⼝⽓将斯特拉⽂斯基诊断为“青春期的痴呆症，属于精神分裂症的⼀部分，病⼈对于世界的冷漠和情绪的平淡都与此类似。

”卡拉扬与柏林爱乐乐团录制《春之祭》如果说阿多诺对斯特拉⽂斯基“倒退”的批判有⼀部分源于其脱离⿊格尔古典美学观念的“任性”与“⽆意图性”，那么到了当今这个时代，我们可以看到，对⼀部艺术作品“解释”乃⾄“解构”的权⼒早已不仅掌握在艺术家本⼈⼿中了，曾经固化在某些特定圈层中的⽂化场域界限不再清晰，话语权也更加分散。

斯特拉文斯基的《春之祭》Richard Taruskin (王业伟译) 斯特拉文斯基：春之祭、彼德鲁什卡布莱兹指挥克利夫兰交响乐团DG 435 769-2 斯特拉文斯基把他的第三部芭蕾音乐作品称为Ve sna svyashchennaya，即“神圣的春天”。

“Le Sacre du printemps”这个1913年5月29日俄罗斯芭蕾舞团首演时的名字是作品写完后，画家Leon Bakst给起的（最初是复数的）。

它成了俄罗斯以外的标准标题，英文标题The Rite of Spring就是从这个名字转译而来的。

1921年，佳吉列夫剧团为纪念战后复兴在伦敦上演了《春之祭》，第一次使用了这个英文标题（Leonid Massine编舞）。

斯特拉文斯基1910年构思这部作品。

从1911年9月到1913年3月间实际投入创作。

首演时一片骚乱，演出以失败告终（实际上，激怒观众的更多是尼金斯基令人反感的编舞，而不是音乐）。

这次演出后，1914年，刚刚过完32岁的生日的斯特拉文斯基迎来了职业生涯的巨大成功（他晚年回忆起这段经历时说：‘很少有作曲家曾享有过这种成功’）。

在此后漫长的生活中，斯特拉文斯基提到这部作品时一直在撒谎。

1920年，他对一个采访者说，这部作品最初被构思成一部没有情节的纯粹器乐作品。

（'une oeuvre architecto nque et non anecdotique '）1931年，他告诉第一部权威传记的作者，在整部作品的总谱中只有开始时巴松管吹奏的旋律引用了民歌。

1959年，通过音乐和文学助手Robert Craft，他再次强调，这部作品完全不存在传统因素，而仅仅是他直觉的产物。

“我听到了，就把听到的东西写下来。

”他声称，“我只是《春之祭》流淌而过的一个容器而已。

”这些表白和名言已经逐渐成为20世纪音乐持久的神话。

事实上，这部芭蕾舞剧的脚本细致入微、在民族志方面精确无误地（除了高潮时用人献祭的那一段以外）描写了“俄罗斯异教的场面”——正如芭蕾舞剧经常被隐瞒的副标题表明的那样。

十九世纪末、二十世纪初,西方涌现出许多着名的音乐家和众多的音乐流派,美籍俄国作曲家伊戈尔·斯特拉文斯基(Igor Stravinsky,1882-1971)无疑是其中最有影响力,同时也是最富创新精神的音乐家之一。

斯特拉文斯基的一生共创作了一百多部、各种各样体裁的作品，上个世纪没有哪个作曲家的音乐风格能像斯特拉文斯基那样多变，涉猎范围那样广泛，《俄狄普斯王》典雅华丽、《乐章》优美简洁、《春之祭》狂野奔放、《敦巴顿橡树园协奏曲》幽默风趣、《C大调交响曲》明媚洗练等等不胜枚举，而且更难能可贵的时，不管哪种风格流派，他都获得了巨大的成就。

他娴熟运用各种音乐风格,从多神教古风到古希腊神话,从欧洲十七、十八世纪音乐到俄罗斯音乐,从中世纪法国音乐到现代美国音乐,从爵士乐到弥撒曲,从交响乐到马戏团波尔卡无不囊括。

他的作品体现了二十世纪上半叶西方主要音乐流派的特征。

斯特拉文斯基作为新古典主义风格的代表性人物,对同时代和后来的许多作曲家都产生了很大影响,有力地推动了现代音乐的发展。

《春之祭》是斯特拉文斯基创作初期的第三部作品，创作于1913年，是一部蔚为大观的芭蕾舞剧，也是他的代表性作品之一，曾被英国古典音乐杂志《Classical CD Magazine》评选为对西方音乐历史影响最大的50部作品之首。

斯特拉文斯基努力在音乐中表现人与自然的不可调和性。

在他的音乐中一方面是原始人对大地的恐惧与崇拜，另一方面是对大地回春、万象更新的陶醉和狂喜。

《春之祭》从仪式的感觉上讲也是个神话。

它源于斯特拉文斯基关于古老的斯拉夫仪式的梦想。

他看到了被智慧老人们环绕着的年轻女子为了唤醒春天而一直跳舞到死。

斯特拉文斯基把这个梦想向一个画家、考古学家Nichdes Roenzh 进行了描述，Roenzh和斯特拉文斯基开始以他的梦为基础构想这部芭蕾舞剧。

他们用一种仪式结构创编了剧本，开始是一个老巫婆指名了芭蕾的行动，并预知其节目及庆典仪式。

漫谈斯特拉文斯基的《春之祭》在钱海霞老师的课上她为我们介绍了一首斯特拉文斯基的《春之祭》。

初次欣赏这首乐曲给我带来的是一种原始、虚幻、神秘、狂乱之感，尤其是乐曲中繁杂、多变的节奏使我的心灵受到了一次强烈的震撼。

《春之祭》听完第一遍之后我并不是很喜欢这首乐曲，但是经过钱老师细心、耐心的讲解我对斯特拉文斯基以及他的这首《春之祭》有了新的认识和感悟。

俄罗斯作曲家斯特拉文斯基是新古典主义音乐的主要代表人物，也是20世纪最有影响的作曲家之一。

斯特拉文斯基生于俄国彼得堡附近的奥拉宁鲍姆，他的父亲是一名男低音歌手。

他的大学时期攻读法律，毕业后在一次偶然的机会中遇到了里姆斯基—科萨科夫，从此走上了专业作曲的道路。

斯特拉文斯基一生的创作中可以分为三个时期。

第一个时期是俄罗斯风格时期（原始主义风格）；第二个时期是新古典主义时期；第三个时期是十二音序列音乐时期。

《春之祭》这部作品是斯特拉文斯基在俄罗斯风格时期著名的代表作品之一，同时也是20世纪最有影响的作品之一。

《春之祭》最初源于突然闪现的一幅史前期古俄罗斯部族祭祀的图景。

斯特拉文斯基在自传中写到：“我好像看见一个庄严的偶像崇拜仪式：年老的智者们围成一个圆圈席地而坐，眼看着一名少女跳舞直到跳死，他们要把她作为告慰春神的奉献。

”《春之祭》原是作为一部交响曲来构思的，后来季亚吉列夫说服了斯特拉文斯基把它写成一部舞剧。

①舞剧《春之祭》描写的是俄国古代未开化民族在春天祭献大地的仪式。

首演的当晚，听众对他们从未听到过的、如此粗野和凶猛的音乐大为震惊，也为披着粗麻袋的演员们的缺乏传统美感的舞蹈感到意外，以致剧场里发生了音乐史上少见的骚乱。

②在当时这是一部极具争议的作品。

因为在这部作品中它打破了当时人们对音乐的审美标准。

在这部作品中没有优美动听的旋律、没有规整的节奏、也没有丰富多彩的配器，相反取而代之是不和谐的音程、狂乱的嘈杂的节奏、离奇的曲调。

当时的人们已经听惯了古典浪漫时期那些优美动听的音乐，所以像这种运用打破传统、推陈出新的创作手法而创作的乐曲很难被那个时期的人所接受。

外国著名芭蕾舞剧故事——春之祭1（1）芭蕾舞两部曲。

作曲：伊⼽尔·斯特拉⽂斯基；编舞：⽡斯拉夫·尼⾦斯基2；编剧：伊⼽尔·斯特拉⽂斯基，尼古拉·罗叶⾥奇。

⾸演于1913年5⽉29⽇，巴黎⾹榭丽舍剧院，由佳吉列夫俄罗斯芭蕾舞团演出。

玛丽·⽪尔茨扮演⼈选的少⼥。

其后，列昂尼德·马⾟3重新编舞，于1920年在⾹榭丽舍剧院，由佳吉列夫俄罗斯芭蕾舞团演出，莉迪亚·素科洛娃扮演⼈选的少⼥。

斯特拉⽂斯基曾说，“暴烈的俄罗斯的春天，似乎每每猝然⽽⾄，势若⼤地崩裂。

……它是“我⼉童时代每年中最惊⼈的竒观”。

1910年，斯特拉⽂斯基在完成《⽕鸟》的时候，⼀个出乎意料的幻象出现：“我在想象中看到了⼀场肃穆的异教仪式：贤明的长者围坐成圈，观看⼀个少⼥跳舞⾄死，这是把她当作牺牲祭献春神。

”从这个幻象中诞⽣了⼀个永垂⾳乐舞剧青史的芭蕾舞作品，它的⾳乐⼀向是现代节⽬表上的⼀个杰作，虽然现在这⾳乐在⾳乐厅已经⽐在剧院更加风⾏，可是⼈们仍继续依据它编出了相当数量的芭蕾舞演出本（其中肯尼思·麦克⽶伦为皇家芭蕾舞团编导的⼀个演出本，布景及服装由西德尼·诺兰设计，⾸演于1962年3⽇，并于次年。

⽉8⽇引进美国）。

这个芭蕾舞的副标题为“异教俄国场景的两部曲”。

舞蹈把⼈们带回到⼀个原始时代，那时，原始宗教仪式统治着俄罗斯各部族的⽣活，每年春天要⽤⼀个活⼈作祭，奉献给神。

场最之⼀——崇把⼤地序曲回忆着⼈与世興的最初纽结。

幕启。

在遍布⼤⽯堆的莽原上，⼀群少男和⼀群少⼥分别端坐，凝神屏息地守望那些⽯堆，似乎期待着从中出现异象。

⾳乐呼唤少⼥们注意⼤⾃然的富饶，她们⾝不由⼰地站起，仿佛受到⼤⾃然的吸引。

⼀位贤哲坐在中央，少⼥们围绕他不断地疾奔。

然后他朝神圣的⼤⽯堆移动；少⼥们相随，对他⾏礼。

开场的乐句反复奏响，那是⼈在竦然悲怆地向着神⼒⽆边的⼤⾃然号叫。

弦乐器奏出强悍执拗的和弦，惊动了那群男孩⼦，他们在雄浑刚健的⾳乐节奏中起舞，并顺应节拍的要求，加快舞蹈速度。

《春之祭》何以成为音乐经典？《春之祭》（The Rite of Spring），是美籍俄罗斯音乐家斯特拉文斯基的芭蕾舞剧，是他的第三部芭蕾音乐作品，被英国古典音乐杂志《Classical CD Magazine》评选为对西方音乐历史影响最大的50部作品之首。

《春之祭》原本是作为一部交响曲来构思的，后来季亚吉列夫说服了斯特拉文斯基，把它写成了一部芭蕾舞剧。

该剧于1913年在法国香榭里榭大街巴黎剧院首演时，曾引起了一场大骚动，遭到了口哨、嘘声、议论声，甚至恶意凌辱的侵袭。

而在音乐家和乐师们中间，引起的震动则比一场地震还要剧烈。

本文作者班丽霞，原载《艺术评论》，2013年第八期。

关于“经典”（classic）的探讨是当下文艺理论界的热门话题，尤其是文学与艺术社会学领域已为这一研究提出不少有价值的理论与观念，对我们思考音乐经典及经典化问题有重要的启发意义。

就“经典”的定义来说，意大利作家卡尔维诺在《为什么读经典》中提出，经典就是“那些你经常听人家说'我正在重读……’而不是'我正在读……’的作品”。

同理，音乐经典也正是那些历经时间考验，被一代代爱乐者反复聆听和诠释，从而彰显出持久生命力的作品。

在西方音乐领域，与“经典”类似的表述还有“保留曲目”（repertoire，最常用）、“音乐杰作”（masterpiece）、“博物馆作品”（museum piece）等称谓，基本只限于“艺术音乐”或“严肃音乐”的范畴。

自巴赫、亨德尔两位巴洛克晚期的音乐大师开始，经维也纳古典乐派至19世纪多位浪漫主义“天才”的杰作，共同构成了西方音乐经典曲库的主体部分。

与文学和视觉艺术经典一样，音乐作品经典地位的确认也不是自然天成的，而是经历了或长或短的“经典化”过程，像巴赫的《马太受难乐》（1727）就为之等候了上百年的时间。

音乐经典在19世纪中叶之后逐步占据音乐厅，将音乐厅转变为主要上演保留曲目的“音乐博物馆”。

斯特拉文斯基《春之祭》赏析第一篇：斯特拉文斯基《春之祭》赏析斯特拉文斯基《春之祭》赏析十九世纪末、二十世纪初,西方涌现出许多著名的音乐家和众多的音乐流派,美籍俄国作曲家伊戈尔·斯特拉文斯基(Igor Stravinsky,1882-1971)无疑是其中最有影响力,同时也是最富创新精神的音乐家之一。

斯特拉文斯基的一生共创作了一百多部、各种各样体裁的作品，上个世纪没有哪个作曲家的音乐风格能像斯特拉文斯基那样多变，涉猎范围那样广泛，《俄狄普斯王》典雅华丽、《乐章》优美简洁、《春之祭》狂野奔放、《敦巴顿橡树园协奏曲》幽默风趣、《C大调交响曲》明媚洗练等等不胜枚举，而且更难能可贵的时，不管哪种风格流派，他都获得了巨大的成就。

他娴熟运用各种音乐风格,从多神教古风到古希腊神话,从欧洲十七、十八世纪音乐到俄罗斯音乐,从中世纪法国音乐到现代美国音乐,从爵士乐到弥撒曲,从交响乐到马戏团波尔卡无不囊括。

他的作品体现了二十世纪上半叶西方主要音乐流派的特征。

斯特拉文斯基作为新古典主义风格的代表性人物,对同时代和后来的许多作曲家都产生了很大影响,有力地推动了现代音乐的发展。

《春之祭》是斯特拉文斯基创作初期的第三部作品，创作于1913年，是一部蔚为大观的芭蕾舞剧，也是他的代表性作品之一，曾被英国古典音乐杂志《Classical CD Magazine》评选为对西方音乐历史影响最大的50部作品之首。

斯特拉文斯基努力在音乐中表现人与自然的不可调和性。

在他的音乐中一方面是原始人对大地的恐惧与崇拜，另一方面是对大地回春、万象更新的陶醉和狂喜。

《春之祭》从仪式的感觉上讲也是个神话。

它源于斯特拉文斯基关于古老的斯拉夫仪式的梦想。

他看到了被智慧老人们环绕着的年轻女子为了唤醒春天而一直跳舞到死。

斯特拉文斯基把这个梦想向一个画家、考古学家Nichdes Roenzh 进行了描述，Roenzh和斯特拉文斯基开始以他的梦为基础构想这部芭蕾舞剧。

从舞剧《春之祭》的不同版本中探索舞蹈艺术的独特叙事规律舞剧《春之祭》是由俄国著名作曲家斯特拉文斯基于1913年创作的一部舞剧作品，原名为“Le Sacre du printemps”，是20世纪最具影响力的舞蹈作品之一。

舞剧围绕着古代俄罗斯的祭祀仪式展开，以独特的节奏、音乐和舞蹈叙述了一个充满原始力量和野性的故事。

在不同版本的演绎中，舞蹈艺术呈现出了不同的叙事规律，各具特色。

我们可以从舞蹈的肢体语言和动作特点来探索不同版本中的独特叙事规律。

在《春之祭》的最初版本中，舞蹈充满了原始的野性和原始力量，舞者们的动作大胆而激烈，像是在向大地发出挑战，展现出了一种狂野的美。

而在后来的一些现代版本中，舞者们的动作更加流畅和柔和，更注重舞蹈的技巧和表现力，呈现出了一种更加精致和优美的舞蹈艺术。

这种变化不仅反映了舞者们的个人风格和功底水平的提高，也体现了舞蹈艺术在不同时代的演变和发展。

不同版本中的舞台设计和道具运用也展现了舞蹈艺术的独特叙事规律。

在最初的版本中，舞台设计简单而原始，基本上就是一个代表祭祀场景的大地板，没有太多的装饰和道具。

而在后来的一些现代版本中，舞剧的舞台设计更加精致和华丽，道具的运用也更加丰富多样，通过舞台的视觉效果来强化舞蹈的叙事力量。

一些版本中会用树枝、鲜花等来装饰舞台，营造出春天的气息，让观众更加身临其境地感受到舞剧所表达的故事。

不同版本中音乐的运用也是舞蹈艺术独特叙事规律的重要组成部分。

斯特拉文斯基创作的原版音乐是舞剧《春之祭》最重要的元素之一，其极具震撼力和节奏感的音乐旋律成为了舞蹈叙事的灵魂。

而在不同的版本中，对音乐的运用也体现了不同的叙事规律。

一些现代版本会对音乐进行重新编曲或者加入一些新的音乐元素，来与舞蹈更加契合，增强舞蹈的表现力和叙事感。

一些版本中会加入声效、现代音乐或者电子音乐元素，来以创新的方式诠释舞蹈的主题和内涵。