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对大地的崇拜（舞剧《春之祭》第一幕）-花城版音乐鉴赏教案一、音乐剖析1. 作品背景舞剧《春之祭》为瑞士作曲家斯特拉文斯基创作的芭蕾舞剧，分为两幕，于1913年在巴黎首演。
花城版是在原版基础上修改过的，由中央芭蕾舞团创作并演出，于1982年首演。
第一幕《对大地的崇拜》，反映了原始人的生活和精神。
2. 音乐概述本场景背景音乐由斯特拉文斯基创作，是芭蕾舞剧《春之祭》中的一部分。
以非常独特的方式表达了人类对大地的崇拜。
3. 音乐元素音乐风格受到了波西米亚的民间音乐和特殊的肢体舞蹈的影响。
节奏极快，强烈的多彩而极端的对比。
4. 音乐分析整个乐曲分为三个部分，首先是一前奏曲，其次是一种简短而复杂的舞曲，最后是一场表演。
主题在前两个部分中经过了多次的变换和重复，这种复杂性不仅与乐器的协同相关，而且与舞蹈的表现密切相关。
乐曲结束，像火山一样爆发的狂热情绪在全曲中达到了最高潮。
二、音乐鉴赏教案1. 教学目的通过对芭蕾舞剧《春之祭》第一幕背景音乐的学习和鉴赏，探讨音乐元素和意象对情感的影响，启发学生对音乐作品的理解和感受。
2. 教学内容1.音乐剖析：介绍乐曲的背景、概述、元素和分析。
2.音乐鉴赏：通过欣赏和观察音乐视频，感受音乐与舞蹈的协调和互相影响。
3.音乐表现：分小组进行音乐表现活动，模拟舞蹈和乐器。
3. 教学过程1.导入环节：师生一起欣赏芭蕾舞剧《春之祭》第一幕背景音乐，引导学生关注音乐中的节奏、旋律、乐器和意象。
2.音乐剖析：对乐曲进行简要的介绍和分析，让学生对音乐有一个整体的认识。
3.音乐鉴赏：让学生观看《春之祭》第一幕的视频，关注音乐和舞蹈的配合和表现。
观看后，学生可以回答一些问题，比如乐曲和舞蹈中反映的哪些情感，这些情感是如何表现的等。
4.音乐表现：将学生分成小组，每个小组根据音乐元素和意象来模拟舞蹈和乐器演奏。
教师可以提供一些乐器或零碎物品作为辅助，例如冰块、拍子等。
每个小组最后可以进行展示，分享自己的表现。
十九世纪末、二十世纪初,西方涌现出许多着名的音乐家和众多的音乐流派,美籍俄国作曲家伊戈尔·斯特拉文斯基(Igor Stravinsky,1882-1971)无疑是其中最有影响力,同时也是最富创新精神的音乐家之一。
斯特拉文斯基的一生共创作了一百多部、各种各样体裁的作品，上个世纪没有哪个作曲家的音乐风格能像斯特拉文斯基那样多变，涉猎范围那样广泛，《俄狄普斯王》典雅华丽、《乐章》优美简洁、《春之祭》狂野奔放、《敦巴顿橡树园协奏曲》幽默风趣、《C大调交响曲》明媚洗练等等不胜枚举，而且更难能可贵的时，不管哪种风格流派，他都获得了巨大的成就。
他娴熟运用各种音乐风格,从多神教古风到古希腊神话,从欧洲十七、十八世纪音乐到俄罗斯音乐,从中世纪法国音乐到现代美国音乐,从爵士乐到弥撒曲,从交响乐到马戏团波尔卡无不囊括。
他的作品体现了二十世纪上半叶西方主要音乐流派的特征。
斯特拉文斯基作为新古典主义风格的代表性人物,对同时代和后来的许多作曲家都产生了很大影响,有力地推动了现代音乐的发展。
《春之祭》是斯特拉文斯基创作初期的第三部作品，创作于1913年，是一部蔚为大观的芭蕾舞剧，也是他的代表性作品之一，曾被英国古典音乐杂志《Classical CD Magazine》评选为对西方音乐历史影响最大的50部作品之首。
斯特拉文斯基努力在音乐中表现人与自然的不可调和性。
在他的音乐中一方面是原始人对大地的恐惧与崇拜，另一方面是对大地回春、万象更新的陶醉和狂喜。
《春之祭》从仪式的感觉上讲也是个神话。
它源于斯特拉文斯基关于古老的斯拉夫仪式的梦想。
他看到了被智慧老人们环绕着的年轻女子为了唤醒春天而一直跳舞到死。
斯特拉文斯基把这个梦想向一个画家、考古学家Nichdes Roenzh 进行了描述，Roenzh和斯特拉文斯基开始以他的梦为基础构想这部芭蕾舞剧。
他们用一种仪式结构创编了剧本，开始是一个老巫婆指名了芭蕾的行动，并预知其节目及庆典仪式。
《春之祭》｜一场“少女祭祀”开启现代舞蹈的大门在谩骂与赞叹中拉开帷幕优秀的艺术作品，都融汇了艺术大师的心血和才华，芭蕾舞剧也不例外。
可以说，将舞剧搬上舞台的不是一些艺术大师的作品，而是一群为艺术奉献自我灵魂的大师。
我们在观赏芭蕾舞者优美舞姿的同时，也沉浸在波澜起伏的故事情节当中，还可以去细细聆听可以打动人心的音乐。
芭蕾舞剧《春之祭》正是汇聚了众多艺术家的心血与情感，完美地将音乐、舞蹈与戏剧艺术相融合，造就如此震撼而又令世人回味无穷的经典传世之作。
本人也自此转向“新古典主义”的创作道路。
自首演后，《春之祭》也成为现代编舞大师们的试金石，各位舞蹈家都根据各自对音乐的理解，演绎着自己的《春之祭》。
斯特拉文斯基也就是说，《春之祭》作为音乐，就只有一个版本，但是作为舞剧却有很多版本。
早期的现代舞大师，包括德国人皮亚·鲍什、美国人玛莎·格兰姆等人都有过自己的演绎，而现在诸多舞蹈节演出中，也会上演不同版本的《春之祭》，难怪有人说它是舞蹈史上最具生命力的作品。
【故事，关于“少女献祭”】当然，不论《春之祭》版本有多少，故事的内核也只有一个关键词就是“祭祀”。
它是一个“仪式感”极强的故事，取材于俄罗斯古典神话，源于作曲家斯特拉文斯基对古老斯拉夫仪式的梦。
他看到了被智慧老人们环绕着的年轻女子为了唤醒春天而一直跳舞到死。
斯特拉文斯基把这个梦想向一个画家、考古学家Nichdes Roenzh 进行了描述。
斯特拉文斯基和Roenzh在1911年以他的梦为基础构想这部芭蕾舞剧。
作曲家从俄国古代未开化民族在春天祭献大地的仪式上，用音乐画卷让我们看见了一个庄严的宗教仪式，睿智的长老们围成一个圈，观看一个年轻姑娘的跳舞，这个年轻的姑娘用自己的舞蹈作为祭品，一直跳到死亡来祭祀春神。
斯特拉文斯基把这部舞剧构思成完全由舞蹈来表现的神圣祭典：“一切都应该是舞蹈的，没有哑剧”。
事实上，完成后的音乐是将哑剧融于舞蹈之中，把舞剧从注重造型性的情节舞剧的束缚中解放出来而成为富有表现力的作品。
《春之祭》何以成为音乐经典？《春之祭》（The Rite of Spring），是美籍俄罗斯音乐家斯特拉文斯基的芭蕾舞剧，是他的第三部芭蕾音乐作品，被英国古典音乐杂志《Classical CD Magazine》评选为对西方音乐历史影响最大的50部作品之首。
《春之祭》原本是作为一部交响曲来构思的，后来季亚吉列夫说服了斯特拉文斯基，把它写成了一部芭蕾舞剧。
该剧于1913年在法国香榭里榭大街巴黎剧院首演时，曾引起了一场大骚动，遭到了口哨、嘘声、议论声，甚至恶意凌辱的侵袭。
而在音乐家和乐师们中间，引起的震动则比一场地震还要剧烈。
本文作者班丽霞，原载《艺术评论》，2013年第八期。
关于“经典”（classic）的探讨是当下文艺理论界的热门话题，尤其是文学与艺术社会学领域已为这一研究提出不少有价值的理论与观念，对我们思考音乐经典及经典化问题有重要的启发意义。
就“经典”的定义来说，意大利作家卡尔维诺在《为什么读经典》中提出，经典就是“那些你经常听人家说'我正在重读……’而不是'我正在读……’的作品”。
同理，音乐经典也正是那些历经时间考验，被一代代爱乐者反复聆听和诠释，从而彰显出持久生命力的作品。
在西方音乐领域，与“经典”类似的表述还有“保留曲目”（repertoire，最常用）、“音乐杰作”（masterpiece）、“博物馆作品”（museum piece）等称谓，基本只限于“艺术音乐”或“严肃音乐”的范畴。
自巴赫、亨德尔两位巴洛克晚期的音乐大师开始，经维也纳古典乐派至19世纪多位浪漫主义“天才”的杰作，共同构成了西方音乐经典曲库的主体部分。
与文学和视觉艺术经典一样，音乐作品经典地位的确认也不是自然天成的，而是经历了或长或短的“经典化”过程，像巴赫的《马太受难乐》（1727）就为之等候了上百年的时间。
音乐经典在19世纪中叶之后逐步占据音乐厅，将音乐厅转变为主要上演保留曲目的“音乐博物馆”。
斯特拉文斯基《春之祭》赏析第一篇：斯特拉文斯基《春之祭》赏析斯特拉文斯基《春之祭》赏析十九世纪末、二十世纪初,西方涌现出许多著名的音乐家和众多的音乐流派,美籍俄国作曲家伊戈尔·斯特拉文斯基(Igor Stravinsky,1882-1971)无疑是其中最有影响力,同时也是最富创新精神的音乐家之一。
斯特拉文斯基的一生共创作了一百多部、各种各样体裁的作品，上个世纪没有哪个作曲家的音乐风格能像斯特拉文斯基那样多变，涉猎范围那样广泛，《俄狄普斯王》典雅华丽、《乐章》优美简洁、《春之祭》狂野奔放、《敦巴顿橡树园协奏曲》幽默风趣、《C大调交响曲》明媚洗练等等不胜枚举，而且更难能可贵的时，不管哪种风格流派，他都获得了巨大的成就。
他娴熟运用各种音乐风格,从多神教古风到古希腊神话,从欧洲十七、十八世纪音乐到俄罗斯音乐,从中世纪法国音乐到现代美国音乐,从爵士乐到弥撒曲,从交响乐到马戏团波尔卡无不囊括。
他的作品体现了二十世纪上半叶西方主要音乐流派的特征。
斯特拉文斯基作为新古典主义风格的代表性人物,对同时代和后来的许多作曲家都产生了很大影响,有力地推动了现代音乐的发展。
《春之祭》是斯特拉文斯基创作初期的第三部作品，创作于1913年，是一部蔚为大观的芭蕾舞剧，也是他的代表性作品之一，曾被英国古典音乐杂志《Classical CD Magazine》评选为对西方音乐历史影响最大的50部作品之首。
斯特拉文斯基努力在音乐中表现人与自然的不可调和性。
在他的音乐中一方面是原始人对大地的恐惧与崇拜，另一方面是对大地回春、万象更新的陶醉和狂喜。
《春之祭》从仪式的感觉上讲也是个神话。
它源于斯特拉文斯基关于古老的斯拉夫仪式的梦想。
他看到了被智慧老人们环绕着的年轻女子为了唤醒春天而一直跳舞到死。
斯特拉文斯基把这个梦想向一个画家、考古学家Nichdes Roenzh 进行了描述，Roenzh和斯特拉文斯基开始以他的梦为基础构想这部芭蕾舞剧。
从舞剧《春之祭》的不同版本中探索舞蹈艺术的独特叙事规律1. 引言1.1 舞剧《春之祭》的背景介绍舞剧《春之祭》是由俄国作曲家斯特拉文斯基创作的一部融合音乐、舞蹈和戏剧的作品。
该作品首次于1913年在法国巴黎的波尔多剧场首演，被认为是20世纪舞蹈史上的里程碑之作。
《春之祭》的剧情取材于俄罗斯民间传说，描绘了一个古老而神秘的仪式，以春祭为主题，融合了古代神话、宗教仪式和原始风俗。
整部舞剧的氛围异常神秘，节奏多变，音乐和舞蹈互相交织，展现出独特的艺术魅力。
《春之祭》的首演曾引起轰动，不仅因为其大胆的音乐语言和创新的舞蹈形式，更因为其引人入胜的剧情和深刻的内涵。
这部舞剧被认为是现代舞蹈的奠基之作，对后世的舞蹈艺术产生了深远的影响。
通过《春之祭》，人们可以感受到舞蹈艺术的力量和魅力，领略到舞蹈在艺术表达中的独特魅力和叙事魔力。
舞剧《春之祭》的背景和内涵丰富多彩，使其成为舞蹈史上的经典之作，令人难忘。
1.2 舞蹈艺术在舞剧中的重要性舞蹈艺术在舞剧中扮演着至关重要的角色，它不仅是舞剧的灵魂和核心，更是通过独特的身体语言和动作表达出剧情、情感和思想的重要工具。
舞蹈艺术的存在使得舞剧能够以非常直观和具体的方式传达故事情节，观众通过观赏舞蹈可以更深入地理解剧情的发展和人物的内心世界。
在舞蹈艺术的带动下，舞剧《春之祭》能够通过优美的舞姿和动作来呈现出故事中所蕴含的情感和主题，使得观众在沉浸于舞者的表演中感受到强烈的情绪共鸣和思考。
舞蹈艺术不仅是表现形式，更是一种情感的传达和思想的阐释，它能够触动人们内心最深处的共鸣，引发人们对生命、爱情、人性等主题的思考和感悟。
舞蹈艺术在舞剧中的重要性不可低估，它是舞剧中独特的表现手段，能够为观众带来独特的艺术体验和思想启迪。
舞蹈的美妙之处在于它能够通过身体的动态表达出无数的意义和感情，让观众在观赏中领悟到生命的深刻含义。
2. 正文2.1 不同版本的《春之祭》舞剧中的原创舞蹈叙事在不同版本的舞剧《春之祭》中，原创舞蹈叙事是各个版本中的核心要素之一。
春之祭幻想曲2000音乐鉴赏观后感
如同矗立地表的艾尔斯岩、白朗峰、维苏威火山和波波卡特佩特火山，斯特拉文斯基的“春之祭”巨大而且坚毅不摇。
这首芭蕾舞音乐为达基列夫舞团，以及芭蕾舞星同时也是编舞家的瓦斯拉夫·尼金斯基所写；不管观点如何，你都无所遁逃，也不该遁逃。
从众多曲子中筛选，“春之祭”绝对是定义20世纪音乐的关键作品。
“春之祭”由两个部分组成，斯特拉文斯基本人同意这首曲子并没有清楚的叙事风格，也表示“创作时眼前浮现的景象是一场盛大的异教徒祭典：多位智慧老人围坐一圈，看着年轻的女孩跳死亡之舞，她将被献祭以取悦春神”
1913年年5月，“春之祭”如祭典仪式一般在巴黎首演。
乐曲开头，低音管独奏出缥缈迷醉又神秘的旋律。
关于这部作品的论述多不胜数，不管是斯特拉文斯基所使用的革命性作曲手法，还是狂野又极端的管弦乐器编制，抑或他在新时代重新演绎传统俄罗斯民谣，甚至是乐谱呈现的原始与狂暴风格。
这些论述多少值得参考，因为你在这本书中读到的不见得客观。
通过迪士尼动画“幻想曲”的巧妙使用，“春之祭”变得众所周知。
它绝对是交响作品中至为重要的一部，原始而神秘的力量至今仍在，即便
听100遍，天崩地裂的强度未曾稍减。
从舞剧《春之祭》的不同版本中探索舞蹈艺术的独特叙事规律舞剧《春之祭》是由俄国作曲家斯特拉文斯基（Igor Stravinsky）和芭蕾舞剧编导（Ballets Russes）的创始人塞尔吉·达基尔（Sergei Diaghilev）联手创作的一部具有里程碑意义的作品。
这部舞剧首先于1913年在巴黎首演，由于其独特的音乐和前卫的舞蹈表现引起了轰动，成为20世纪最重要的舞蹈作品之一。
《春之祭》讲述了一个古老的俄国祭祀仪式的故事，充满了原始、野性和仪式感。
舞剧中的舞蹈呈现出强烈的节奏感和力量感，使观众仿佛置身于一个神秘而危险的仪式之中。
而在不同版本的《春之祭》中，不同编舞家和舞团对舞蹈艺术的表现和叙事规律进行了独特的探索和创新。
接下来，我们将从不同版本的《春之祭》中探索舞蹈艺术的独特叙事规律。
让我们看看最经典的《春之祭》版本之一，由著名芭蕾舞团王者莫里斯·贝嘉创作的《春之祭》。
在这个版本中，贝嘉将舞蹈表现得更加肢体化和动感化，强调舞者身体的力量和张力。
舞蹈动作更加明快、犀利，与斯特拉文斯基的音乐相得益彰，呈现出一种极具震撼力的视觉效果。
在叙事方面，贝嘉通过舞者的表情和肢体语言，将祭祀仪式中的原始、神秘和野性表现得淋漓尽致，使观众仿佛置身于一个充满危险和神秘感的世界中。
贝嘉的《春之祭》强调舞蹈的表现力和身体的力量，将舞蹈艺术的独特叙事规律展现得淋漓尽致。
值得一提的是日本舞蹈家桥本小雪的《春之祭》。
桥本小雪将传统的芭蕾舞和日本传统舞融合在一起，创造出一种独具东方韵味的舞蹈风格。
在她的版本中，舞者的动作更加柔美和含蓄，强调舞蹈中的情感和内心世界。
桥本小雪试图通过舞蹈来探讨人类情感和灵魂的根源，将《春之祭》演绎成一种充满东方神秘色彩的舞蹈艺术作品。
在叙事方面，桥本小雪注重舞蹈中的细节表达和情感交流，通过舞者的肢体语言和情感表达，传达出对于生命力和自然力量的敬畏和探索，展现出一种独特的叙事规律。
斯特拉文斯基《春之祭》赏析
十九世纪末、二十世纪初，西方涌现出许多著名的音乐家和众多的音乐流派，美籍俄国作曲家伊戈尔•斯特拉文斯基(Igor Stravi nsky,1882-1971) 无疑是其中最有影响力，同时也是最富创新精神的音乐家之一。
斯特拉文斯基的一生共创作了一百多部、各种各样体裁的作品，上个世纪没有哪个作曲家的音乐风格能像斯特拉文斯基那样多变，涉猎范围那样广泛，《俄狄普斯王》典雅华丽、《乐章》优美简洁、《春之祭》狂野奔放、《敦巴顿橡树园协奏曲》幽默风趣、《C大调交响曲》明媚洗练等等不胜枚举，而且更难能可贵的时，不管哪种风格流派，他都获得了巨大的成就。
他娴熟运用各种音乐风格，从多神教古风到古希腊神话，从欧洲十七、十八世纪音乐到俄罗斯音乐，从中世纪法国音乐到现代美国音乐，从爵士乐到弥撒曲，从交响乐到马戏团波尔卡无不囊括。
他的作品体现了二十世纪上半叶西方主要音乐流派的特征。
斯特拉文斯基作为新古典主义风格的代表性人物，对同时代和后来的许多作曲家都产生了很大影响，有力地推动了现代音乐的发展。
《春之祭》是斯特拉文斯基创作初期的第三部作品，创作于1913年，是一部蔚为大观的芭蕾舞剧，也是他的代表性作品之一，曾被英国古典音乐杂志《Classical CD Magazine》评选为对西方音乐历史影响最大的50部作品之首。
斯特拉文斯基努力在音乐中表现人与自然的不可调和性。
在他的音乐中一方面是原始人对大地的恐惧与崇拜，另一方面是对大地回春、万象更新的陶醉和狂
喜。
《春之祭》从仪式的感觉上讲也是个神话。
它源于斯特拉文斯基关于古老的斯拉夫仪式的梦想。
他看到了被智慧老人们环绕着的年轻女子为了唤醒春天而一直跳舞到死。
斯特拉文斯基把这个梦想向一个画家、考古学家Nichdes Roenzh进行了描述，Roenzh和斯特拉文斯基开始以他的梦为基础构想这部芭蕾舞剧。
他们用一种仪式结构创编了剧本，开始是一个老巫婆指名了芭蕾的行动，并预知其节目及庆典仪式。
斯特拉文斯基把这部舞剧构思成完全由舞蹈来表现的神圣祭典：“一切都应该是舞蹈的，没有哑剧。
”但是，事实上，完成后的音乐是将哑剧融于舞蹈之中，把舞剧从注重造型性的情节舞剧的束缚中解放出来而成为富有表现力的作品。
《春之祭》原本是作为一部交响曲来构思的，后来季亚吉列夫说服了斯特拉文斯基，把它写成了一部芭蕾舞剧。
这部作品首次在巴黎上演时，就引起了观众强烈的反应。
第一场一开幕，台下就开始因为这部芭蕾舞剧与传统的芭蕾舞剧大相径庭大吵大闹，因为《春之祭》的演员们身着粗布袋、动作生硬、姿态粗野，而音乐也是一反常态的不协调甚至刺耳，乐曲的节奏非常野蛮，这与传统的芭蕾舞剧一直优雅华丽、多姿多彩的服装完全不同，而对于芭蕾舞中的演员角色也是一个颠覆。
可以说斯特拉文斯基以其冲突的调性、冲突的和弦以及冲突的节奏震惊了整个音乐界。
《春之祭》共有两部分，第一部分《大地的崇拜》将我们带到史前一座孤寂无人的山谷，由巴松管奏出的音符使人感到原始森林的召唤，那些怪诞的、梦幻的、甚至怪诞的感觉。
开头即可听出斯特拉文斯基独有的风格：拍子变化多、音乐狭窄。
引子以独奏大管在高音区吹出的一支阴郁的立陶宛民间曲调开场，它那神秘的音响把我们带到了史前时期的一座孤寂的山谷。
在这里，春天即将来临，大地逐渐苏醒，一群男女在静静地沉思。
第二段大地回春；青年舞曲：这一段以模仿沉重踏步的节奏作为开始，青年们和着这种粗野的节奏而跳舞。
这是“春天到来”的欢乐宣告。
第三段诱拐之舞，这是整部舞剧中最粗野、最恐怖的一段，舞蹈也是激烈而粗犷的。
整个乐队变得越来越喧闹，不时还传来雷鸣般的爆裂声。
第四段春之轮舞，单簧管奏起了似乎无始无终的抒情旋律，像一支牧歌，充满了质朴的思慕之情，同时又表达出热烈的愿望。
对垒游戏是一场描写部落间战斗的舞蹈。
在舞剧中，这是一段两人一组的体操般的舞蹈，而乐队则用一支受到“古怪而有力”的节奏交替支撑和推进的旋律，来为这一舞蹈伴奏。
第六段长者的行列，用四支法国号以不同的调性，庄严而有力地宣告长者的到来。
这时，打击乐器用各种节奏来做伴奏，其中还有弦乐器的颤音缠绕其间，呈现出在远古的献祭仪式上香烟缭绕的情景。
第七段大地的崇拜，这一段仅四小节，以一个轻微而神秘的不协和和弦构成，是上一段突然刹住后的一个尾音，它与先前的轰然巨响形成鲜明的对比。
第一部分的最后一段是大地之舞，这是一段气氛热烈、力度与配器变化多端的音乐。
当这一音乐最后上升到极度狂乱的音响时，全曲的第一部分在乐队的沉
重切分和弦音响中，以最强音结束
第二部分的舞蹈由少女们在黑暗中的游戏开始。
少女们的旋转舞蹈预示着，他们最终会将某位少女围起并奉献给春天。
被选出的少女将接受春天的祝福，并将从春天那里获得的青春力量还给春天。
少女们环绕着被选中的少女舞蹈，后者满足地静处于中央。
接着是大地的净化与召唤祖先的仪式，其后被选中的少女开始跳献祭舞，当她舞至精疲力竭就要倒下时，祖先如猎食的猛禽扑向她，在她倒下前的那一瞬将她抓起并向天高举，使她免于触及大地。
斯特拉文斯基曾为第二段的引子取名为“异教徒之夜”。
这段音乐描写出献祭前夜的沉思：长者和少女们围坐在篝火旁，他们都沉思不语，因为要从这些少女中挑选一个作牺牲者------- 她将不停地跳舞，直至死去，这就是对大自然的献祭。
下一段是青年人神秘的环旋舞，为表现精细效果而细分成十三个声部的弦乐器组，奏起了一支阴沉的、忏悔似的旋律。
第三段是对被选少女的颂赞一一这段表现被选少女与其他少女们和男青年的两段舞蹈。
音乐节奏复杂，节拍多变。
紧接着是祖先的召唤：在低音单簧管和低音弦乐器低沉的长音背景下，木管乐器和铜管乐器的一连串蛮横和弦，令人心焦地反复奏响。
它们不时被定音鼓和低音鼓打断，这鼓声仿佛是在催促被选少女跳“献祭舞”。
第五段祖先的仪式，这一段英国管奏出一支粗野的歌，仿佛一个原始的咒语，全场为之震惊，并在这激发原始人举行神秘祭仪的咒语声中感到颤栗。
最后是被选少女的献祭舞一一这最后一段音乐是整个献祭仪式的最高潮。
被选少女经过前几段音乐的催促，在彷徨以及因惧怕而神思恍惚之后，终于跳起了献祭舞。
被选少女在越来越粗野的音乐声中，精疲力尽地倒下一一她终于将自己的生命献给了大地和春天。
《春之祭》表达的是大自然万象更新带来的生机勃勃和躁动不安。
在帷幕升起前的前奏中，乐队表达出巨大的慌乱，这是所有感觉敏锐的生灵面对自身可以无限制地成长、发展所感受到的那种巨大的慌乱。
这股力量从长笛高音区稀薄的音色逐渐传递到了整个乐队。
大自然复苏的感觉朦胧但强烈，这是青春期既迷茫又深刻的躁动。
前奏部分一直以“中强”的力度为基础，旋律的起伏较为平缓。
音乐力度的变化取决于演奏乐器的多寡，而非旋律本身。
乐曲没有使用弦乐器奏出这段旋律，因
为弦乐器的音响以及其强弱变化，很容易唤起听众对人声的记忆，而将声音较干涩，情感表达不太浓烈的木管乐器置于音乐的前景，更合乎美学。
总的来说，前奏曲表达的是大自然在春日复苏中的骚动，是对正午阳光的敬畏之情，是希腊牧神潘的哀叹。
最初的音乐素材不断膨胀，发展，蔓延。
每一件乐器都如同一颗幼芽，突破厚厚的老树皮，形成一个慑人的整体。
而乐队必须展示出春日万物复苏的景象。
《春之祭》这部作品使斯特拉文斯基进入一个新的音乐世界，形成自己不可被超越的独特风格，他的乐思通过非常准确的组合方式和音区获得“枯涩”的效
果，而整部作品中最有价值的部分就是“冲突的节奏”，他的节奏突破了强弱交替的限制，和小节线的限制，因而节奏更加多样化、复杂化。
而在和声中使用各种不协调和弦，突破和声体系的限制，从音乐的束缚中解放自己。
《春之祭》作为斯特拉文斯基的主要代表作品之一，是现代主义音乐史上浓墨重彩的一笔。
