文艺复兴时期的温情主义温情的定义什么是温情的？温情，辞海里的解释就是温柔的感情。
在十五、十六世纪时期欧洲的文艺复兴时期的温情主要体现在什么地方？文艺复兴的美的标准温柔的感情必定是美的。
弄清这个问题就要首先知道文艺复兴追求的是什么？那时什么视为美的？对我们来说，文艺复兴开创了这样一种视觉景象：披着迎风轻拂的纱巾、衣着鲜丽、白皙可爱的姑娘，有鲜花盛开的草地，和修长的圆柱，拱门，还有宽敞大厅。
这意味着非常充沛的青春与力量，真挚、自然，还带有一抹神话故事的色彩。
文艺复兴以新兴阶级为代表，它提出了健康的、充满力量的一整套观念，是真正的现实主义。
它把一切从天上接引到地上，剥去了宗教神秘的外衣。
其中首先是人。
人开始作为生理概念的人，处于中心位置，而不是过去那种不灭的灵魂可怜巴巴的躯壳。
不是人变了，而是对人的观念变了。
于是全新的亚当和全新的夏娃诞生了。
文艺复兴从根本上努力揭示男人和女人的截然不同，尽量鲜明地揭示男人不同于女人、女人不同于男人的生理特点。
文艺复兴时代最终宣布人的理想典型是性感的人。
而母性的美是温情的。
女人的身体如果具备为人母者所必须的一切条件，就称作美人。
首先是哺育生命的源泉——乳房。
随着文艺复兴的发展，乳房的意义越来越大。
中世纪欣赏窄胯、苗条的女人；文艺复兴时代与中世纪相反，看重宽胯、粗腰、肥臀。
早期的文艺复兴乔托意大利绘画肇始于乔托，他以亲切的、富有个性的特征描述和解释圣经故事，把它们用绘画的方式呈现在人们眼前，在那之前是没有的。
但是，它的画中的人物还是缺少“人”的特征，更谈不上温情。
马萨奇奥比乔托的绘画更具有“人情味”的是马萨奇奥的作品。
瓦萨里有一句评论马萨奇奥的话，听起来很平常。
他说：“他承认，绘画不过是模仿事物的本来面目。
”我们现在觉得绘画应该给人以真实的印象，是非常自然的事情，但那时并非是如此。
中世纪的人们不曾用我们的错觉效果去看待绘画，他们觉得在平面之上再现真实的空间是不可能的。
而马萨奇奥的率先突破限制尝试去模仿事物的本来面目。
图画第一次变成了由一个统一视点构建起来的舞台，并且在马萨奇奥的画中，他试图用光与影来表现事物的真实效果。
而对于画面中人物的描绘，马萨奇奥使得每个人物都具有了它的个性。
虽然乔托也使他的人物各不相同，但是他们只有一般的差别，而在马萨奇奥的画中，我们见到的是清清楚楚的是每个人物个性的不同。
这个新时代被称为“现实主义”的世纪。
文艺复兴时期艺术作品中的温情主义多纳太罗15世纪的现实主义是一种温情的现实主义，艺术家们不仅专注于“人物”的头部描绘，而且也注重人物的形体、姿态、皮肤、服饰的质地以及衣服的褶皱，表现人本身的生命力和人性的自然美。
多纳太罗是新精神的第一位名副其实的倡导者，他是一位着眼于人性的雕塑家，他探索独特的形式，拥有几乎不可思议的想象力，他在一些雕塑作品中，把不同寻常的个性的探索推到了极致。
在《大卫》这件青铜雕像，让人们已经能清楚地看到盛期文艺复兴对美的感受力。
这位头戴牧人帽子的裸体少年大卫呈S形造型，身躯微微扭动，具有一种律动美，肩臂和胸部肌肉微微突起，显示出少年男子的美态。
五官的处理富有人情味，少年脸上洋溢着胜利的微笑，轻蔑又略带顽皮地看着他的敌人。
敌人的头被处理的略微繁杂，恰好与刻画简约的裸体少年形成装饰手法上的对比。
这件作品着重突出人物的形体美，少年毫不掩饰地展示着自己，充满着现实主义气息，处理手法富有戏剧性，表现出一种要求从封建保守的桎梏下求得解放的精神气息。
我们不得不说，多纳太罗是带着温柔细腻的感情去创作这样一件作品。
米开朗基罗美第奇宫的生活打开了米开朗基罗的眼界，异教的繁荣世界令他着迷，他从中吸取到美和智慧，因而诞生了呈现出希腊式的匀称的人体美的作品，使得古希腊精神重生于文艺复兴的世界当中。
他曾经创造过一个夏娃，描绘出女性之本性的慵懒、温柔的美，闪耀着肉感特性的全部光辉。
而《圣家族》又在圣母、圣父约瑟和圣婴基督的这类宗教画的描绘中，体现了世俗的温情，这幅温馨的画可以说是一首美丽充满温情的天伦诗。
画作体现了圣家族的天伦之乐，三个宗教形象已经成了民间生活中的普通人物，通过其戏剧性的组合而得到了和谐的世俗化体现。
而文艺复兴时期最具有温情主义色彩的两个人是达芬奇和拉斐尔。
两个人的作品都通过圣母题材和女性题材的作品中诠释对温情的表达。
莱奥纳尔多在所有文艺复兴时代的艺术家中，莱奥纳多是最热爱宇宙万物的一个。
一切现象都吸引着他——物质生活和人类感情、植物与动物的形状、清澈见底的小溪。
在画家中，莱奥纳多天生具有贵族气质，感觉灵敏，对纤纤素手、透明衣服、细腻肌肤很敏感，尤其喜爱柔软卷曲的秀发。
在韦罗基奥的《基督受洗》一画中，他画了几簇青草，你马上就会看出这是他画的，因为没有其他人真正具有这种对植物天然魅力的感受力。
他刚柔兼备，如果描绘一场战役，他在表现奔放的激情和激烈的运动方面超越了所有其他的人，而且他还善于抓住最微妙的情感，捕捉转瞬即逝的表情。
从单个人物头像来看，他像是最顽固的现实主义者，然而他却突然抛开这一切，热衷于近乎超自然美的理想面孔、温馨的梦幻和发自内心喜悦的甜蜜的微笑。
他发现了事物外表的绘画性的魅力，但他能够像一个物理学家和解剖学家那样去思考。
科学家孜孜不倦的观察和对材料的收集，与艺术家最敏锐的感觉，这些似乎相互排斥的品质，他都兼而有之。
对他来说，画家好比一只敏锐的眼睛，它俯瞰世界，把所有可见之物都置于视界之内。
这个世界突然展现出其无穷无尽的丰富性，莱奥纳多似乎感到自己已对一切生命的伟大之爱融为一体。
瓦萨里所讲的一个故事说明了这一点：人们时常在集市上看到他购买囚在笼中的小鸟，为的是还它们自由。
他或许是第一个富有表情地运用线条的画家，他以不同力度的笔触描画轮廓的方法几乎是独一无二的。
●母性题材《圣母子与圣安娜》，在这里，巧妙的人物组合取代了枯燥乏味的叠罗汉式的布局，死气沉沉的框架被注入了生气勃勃的动势。
玛利亚侧身坐在她母亲的膝头上，她微笑着向前俯下身去，用双手抱着小基督，而小基督在马利亚脚边正试图跨上一头羔羊。
他好奇地抬头向上看，但依然牢牢抓住这只蹲伏着的可怜的动物的头不放，尽管小基督已将一条腿跨在它背上，但它仍然竭力退缩。
那位长相年轻的外婆微笑着，注视着这场愉快的游戏。
构图非常耐人寻味，在小小的空间中表达了许多东西。
所有的人物都有着相互对比的动态，而且主要形体相互对立的方向被融入一个紧凑封闭的团块中，这个团块确然能被包容在一个等边三角形之中。
莱奥纳多取得了非常清晰的效果，而且他的主要母题——俯身向前的圣母——美丽动人且热情洋溢。
他以无与伦比的表现技巧使所有次要的美都服从于主要母题。
肩膀与头部的处理方式：以暗部衬托亮部，鲜明地突现出来，但仍然那么温柔。
这是多么平静，而又多么富有动势啊！圣安娜的自持态度提供了最生动的对比。
在下方通过圣子与羊羔的抬首仰视，以最欢乐的方式完成了这一人物组合。
《岩石中的圣母》达芬奇作于1506年。
虽然是宗教画，但人物都已经被世俗化了。
玛利亚体现着年轻母亲的幸福和情爱，施洗约翰和耶稣都是充满生命力的可爱的孩子。
多么温情的画面。
背景的嶙峋山岩和透光的远景更渲染了画面中的世俗气氛，烘托着现实中人的伟大。
●女性题材在伦巴第，莱奥纳多艺术的女性气质方面最有影响，如那娇羞的情感，朦胧而柔软的年轻躯体，特别是女性形体。
莱奥纳多对女性人体的美非常敏感，人们甚至可以说，他是第一个逼真地表现细腻柔滑的肌肤的人。
他的佛罗伦萨同代人也在画女裸体，但是他们所缺少的正是莱奥纳多的这种魅力。
在他们中间，即使是最富有涂绘感觉的人，如皮耶罗·迪·科西莫，其主要兴趣也只在于形状而不在于表面的品质。
随着在莱奥纳多采用的那类塑造类型中所演示的更微妙的触感的觉醒，女性人体在艺术上获得了一种新的意义。
《蒙娜丽莎》，15世纪的艺术家们再满足于赋予人物特征的头部固定形状，她们追求某些反映某一时刻精神状态的东西，并通过脸部瞬息变化的情感记录下这一片段。
《蒙娜丽莎》脸上的微笑成为一个千古的迷，嘴角上的一丝淡淡的微笑，悄悄地在脸上掠过，像一缕清风漾起涟漪，拂动了脸上柔滑的皮肤，面部的光影像在窃窃私语。
棕色的眼睛从狭小的眼睑下向外望着，这不是15世纪那种目光直率的眼睛，而是神色暧昧的眼睛。
眼睛下面各部分都表现出高度的敏感和皮肤之下纤细的神经。
如眼睛那样呈栗色的秀发，同披在头上松开的纱巾一起，顺着她的两颊，像轻柔的波浪滑下来。
一只手搭在另一只手上。
这双姿势宁静的手大大加强了性格表现，而且让人感受到这些灵敏的手指的微妙触感。
《吉内弗拉·德·本齐像》，“你有没有在阴晦的黄昏，观察过男人和女人们的脸？在没有太阳的微光中，它们显得何等柔和！”这一瞬间，当达芬奇捕捉到那一丝细腻莫名的颤动，透过画中女子烟雾一般淡定的双眸流露出来。
背景浓密的树阴，透出以逆光夕阳的色调渲染的远景，暗合了达芬奇一贯倡导的透视效果，一反15世纪艺术追求线条分明的传统。
《基督的洗礼》，中达芬奇笔下的天使：人的肌肤是略微透亮的，将手置于眼和太阳之间，你会温柔地觉到它的透光晶亮，因而显得愈加富有色彩。
《丽达与天鹅》中一个魅力的裸女稍具动感，她站立着，双膝并拢，正在抚摸天鹅。
这个人物身躯扭转，头部歪斜，一条臂膀横过身体，而且一个肩膀较低。
这个人物产生了相当重要的影响，整个身躯的具有动态，女性裸体在莱奥纳多那些伦巴第追随者中变成了一个共同的主题。
拉斐尔拉斐尔在翁布里亚长大，他如此完全地吸收了他老师佩鲁吉诺的温柔风格，以至于按照瓦萨里的看法，不可能将这位学生的作品与他老师分开。
拉斐尔如此清秀而又气质天成。
而“拉斐尔”这个名字，本身就是一位天使的名字，拉斐尔的父母给他取了这样的名字，大概不会料到日后的拉斐尔在世人心目中，几乎成为天使和圣母的“代言人”。
母性题材《大公的圣母》，这幅画是拉斐尔21岁刚到佛罗伦萨时的早期作品。
此图虽然是拉斐尔的早期作品，但已经显示出了画家的超人的才华。
画中的圣母虽然没有后来所画的圣母那样温馨，但已经十分的宁静可人，显得沉着、端庄、显示出一种人间的母性美。
圣母怀中的基督也画的十分生动。
《坐着的圣母》，此图是拉斐尔笔下的圣母形象从人间母亲向“女王式”蜕变的起点。
画中的圣母虽然还戴着农妇的头巾，但她的容貌和精神状态已经开始脱去贫民气质、纯朴和悦的气质也保留不多，矜持和严峻的神色却逐渐增多，圣母的眼睛放射出一种凛然不可侵犯的光芒，变得庄重而威严，令人肃然起敬。
画中人物安排紧凑，坐着的圣母和圣子占据了画面的大部分位置。
对画中复试和座椅的描绘，加上和谐的构图和温暖的色调，使此画看上去极其美丽。
时至今日，人们还津津乐道那圆弧形的“园椅”和圣母秀美妩媚的脸庞那种自然亲切的和谐美。
据史料记载，画中的圣母正是拉斐尔的恋人芙纳雷那，画家在此寄托了自己对永恒的理想美的最高境界。
