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后现代主义感想后现代主义设计分析、感想后现代主义“后现代主义设计”是在60年代反文化运动、波普艺术思潮影响下从建筑上发展起来的一个风格鲜明的设计运动，在90年代初期开始没落。
后现代主义设计的风格特征：第一，重视产品的装饰效果。
第二，注重形态的历史与文化内涵。
第三，强调设计的精神娱乐功能。
第四，后现代主义设计不排斥模糊性、矛盾性、复杂性和不一致性。
在后现代主义中，美国的建筑设计师罗伯特·文丘里和查尔斯·詹克斯是最具有代表性的理论家。
作为“后现代主义奠基人”之一文丘里也是迄今为止具有相当影响的国际建筑大师。
文丘里1925年6月25日出生于美国的费城。
1947年在普林斯顿大学建筑学院学习，毕业后为了进一步了解欧洲传统的建筑体系，他又到意大利罗马的美国学院学习深造。
回国后曾在三个非常重要的现代主义建筑大师手下工作，一个是奥斯卡·斯托罗诺夫在费城的建筑设计事务所，一个是功能主义大师埃罗·沙里宁在密执安布鲁姆菲尔德山的建筑设计事务所，最后是路易·康在费城的建筑设计事务所。
跟随这三个风格不同的大师工作，文丘里学习到许多东西，一方面对现代主义、国际主义风格有了深刻的理解，同时也对几位大师企图突破密斯风格垄断的努力印象深刻。
1964年，他与友人约翰·劳什、妻子丹尼斯·布朗合作，开设了自己的设计事务所，开始了他漫长的设计生涯。
文丘里重视理论研究，因此从1957年开始，一直到1965年都在宾夕法尼亚大学建筑学院担任教学，通过教学他一方面把自己的设计思想传授给学生，影响下一代，另一方面利用学院的研究条件来丰富自己的设计思想。
他于1966年出版了自己具有世界影响意义的重要著作，也是后现代主义建筑理论的里程碑著作《建筑的复杂性和矛盾性》，提出要采用折衷的装饰主义来修正国际主义风格建筑的刻板面貌，特别要折衷地使用历史建筑风格，波普艺术的某些特征和美国的商业建筑的细节。
梵高先生姓名：巩宜辉学号：15115503 你看不懂我的画，很正常，那是我给上帝的信件，你不是上帝，所以你看不懂——梵高世人愚昧，而我独醒，孤独的我在寻找志同道合的人，前几天我认识了一个称作上帝的家伙，他也许认为我是正确的。
没错接下来我要讲的是一位容易激动并且有“神经质”的艺术家，梵高先生越来越对艺术产生浓厚的兴趣，对艺术接近的人越接近人类的灵魂，人们啊，你怎么这么愚昧无知，我是疯了，我有精神分裂，我甚至不了解我为何在这里，我在做什么，难道是我错了吗？不，上帝告诉过我，我是正确的，看那向日葵，上帝笑着说着“追随阳光，即便是在黑夜，也要有追随阳光的心情”这不正是对我的肯定嘛，那我怎么办，似乎上帝只是单单眷恋了我一个，我要改变这里，让上帝的阳光散漫我的故乡。
我要把上帝的指示传给大家，我要画出来，让上帝看到，让醒着的人看懂，你不是孤独的，我一直等着你，直到你出现，拯救这错误的社会。
向日葵就是钥匙，通往上帝的钥匙。
在大多数人的眼中我是什么呢？一个无用的人，一个反常与讨厌的人，一个没有社会地位、而且永远也不会有社会地位的人。
好极了，即使这是事实，我也要以我的作品来表明，这样一个反常的人，这样一个毫不足取的人的内心是怎样的。
这是我的雄心，它的主要基础是爱而不是恨，是冷静而不是热情，我时常陷入极大的痛苦，这是事实。
但是我的内心仍然是安静的，是纯粹的和谐与音乐。
在最寒碜的小屋里，在最肮脏的角落里，我发现了图画。
一个已经逝去上百年的艺术家，一个最接近上帝的虔诚的教徒。
在当时却被理解是精神分裂？没有惊天地，动鬼神的故事，怎么可能会精神分裂？他那虔诚的灵魂在脏乱的世界被脱离出来，他想让人们知道上帝对每个人都是相等的，你们不可以这么将人分为三六九等，你们这么做上帝会不开心的，会受到惩罚。
但是谁会理解这样的疯子。
没有人相信他，就连他画的画，都没人欣赏。
那是只有上帝才有资格看到的画作啊，每一个花瓣都是那么富有灵魂，简直就是上帝的光芒，他多希望向日葵马上发光，照亮这片世人愚昧的大地。
浅谈后现代主义在艺术观念上的变化后现代主义是20世纪末出现的一种哲学和文化思潮，它对传统的艺术观念、审美标准进行了颠覆和重塑，给当代艺术带来了新的可能性和挑战。
后现代主义在艺术观念上的变化体现在对艺术的定义、创作方式、审美标准以及艺术家的角色等方面。
本文将从这几个方面对后现代主义在艺术观念上的变化进行浅谈。
后现代主义重新定义了艺术的概念。
传统意义上，艺术被理解为一种具有高度审美价值和象征意义的创造物，其创作过程需要经过严格的训练和技术的精湛运用。
然而后现代主义对艺术作出了新的解释，认为艺术不仅仅是一种表现形式，更是对社会、文化、政治等方面的反思和批判。
艺术不再被局限于传统的绘画、雕塑、音乐等形式，还可以是一种观念、行为或者装置。
后现代主义的艺术概念的开放性和多样性，使得艺术家可以拥有更多的自由度和创作空间，也为观众带来了更多的审美体验。
后现代主义改变了艺术的创作方式。
传统艺术中，艺术家通常需要经过严格的学习和技术训练，才能够进行创作。
而后现代主义艺术家更加注重创作过程的自由和个性化，他们不再受传统的规范和限制，可以通过各种媒介和方式来表达自己的观点和情感。
后现代主义还注重艺术与生活的融合，艺术作品不再是孤立存在的，而是与社会、文化、政治等方面紧密联系的。
这种创作方式的变化，不仅为艺术带来了更多的可能性，也使得艺术与日常生活更加贴近，更具有参与性和互动性。
后现代主义对审美标准进行了重新思考。
传统的美学标准强调作品的完美和统一性，追求一种普遍适用的审美价值。
但后现代主义认为，审美标准是相对的、多样的，不应该受到传统的规范和限制。
后现代主义的艺术作品注重个性化和多元化，它们可能具有多种风格和形式，不再追求传统的“美”或“丑”，而是更加注重观众的情感共鸣和思考。
这种审美标准的变化，使得艺术作品更具有包容性和开放性，也更加贴近当代社会的多元文化。
后现代主义改变了艺术家的角色和地位。
传统的艺术家被理解为一种创造者和天才，他们的作品具有一种绝对的价值和权威性。
后印象主义对现代艺术的影响2019-08-17摘要：后现代主义出现在法国巴黎，以⾼更、梵⾼、塞尚为代表⼈物，影响⾄今。
到后⾯出现的野兽派、⽴体派、抽象派、波普艺术等等都受到了后印象派的影响，在这个时代艺术已经失去了传统的⾊彩，但是艺术中的精粹不会因为时代的改变埋没，相反它们的影响⼀直⾄今。
关键词：后印象主义现代艺术影响代表⼈物艺术的最终含义从我们最熟悉的印象派到后印象派，从马奈、莫奈、德加到塞尚、⾼更、梵⾼。
从相同到不同、从追求浪漫到精神追求、从柔美到粗放。
也是后印象主义的出现彻底与印象主义分道扬镳。
我觉得就是后印象主义的出现给艺术⼀个从新的形象，现代艺术的开启也是受到后印象主义的影响，不在⼀味的追求真实效果，⽽是强调艺术给每⼈个⼈的感觉。
或者说现代艺术的象征意义就是⼈的精神最⾼追求，⽽后印象主义对⼈⽣感慨、⽣活⽆奈、社会的⿊暗、⽣命的意义都在画家的笔下给出了答案，这是对艺术最⾼的诠释。
后印象主义对现代艺术的影响是深远、深刻、继承的，现代艺术的那种精神意义的追求就是延续了后印象主义的追求。
后印象主义的代表：梵⾼、⾼更、塞尚。
所谓后印象主义是指塞尚、凡·⾼和⾼更的艺术观念和艺术创造。
三个⼈的性格不同、结束⼈⽣的⽅式不同，命运不同，但是对待艺术的追求是⼀样的，想表达的情感是⼀样的。
这三个画家去世后他们的画才得到⼤家的认同。
梵⾼的《星⽉夜》是⼀幅带有强烈的主观情感的作品。
画家以奔放的类似⽕焰般的笔触，描绘了夜空中奇特的⽉亮和星星。
那⼀⼤⽚陷⼊蓝⾊和黄⾊的旋涡之中的天空，好像已经变成⼀束反复游荡的光线的⼀种扩散，使⼈头晕⽬眩。
这是凡⾼的躁动不安的思想感情的⾃然流露，其中也包含着画家⾝受精神创伤后的某种⾮理性的成分。
在《吃⼟⾖的⼈》这幅画上，朴实憨厚的农民⼀家⼈，围坐在狭⼩的餐桌边，桌上悬挂的⼀盏灯，成为画⾯的焦点。
昏黄的灯光洒在农民憔悴的⾯容上，使他们显得突出。
低矮的房顶，使屋内的空间更加显得拥挤。
后印象主义对现代绘画的影响摘要：后现代主义出现在法国巴黎，以高更、梵高、塞尚为代表人物，影响至今。
后印象主义风格在整个西方绘画领域中有着重要的地位，随着世界文化的交流，后印象主义风格的绘画理念与绘画风格逐渐融入世界各个艺术领域．它独特的艺术风格到后面出现的野兽派、立体派、抽象派等都受到了后印象派的影响，在这个时代艺术已经失去了传统的色彩，但是艺术中的精粹不会因为时代的改变埋没，相反它们的影响一直至今。
关键词：后印象主义现代绘画影响代表人物艺术的最终含义一、“后印象主义”的起源与特点后印象主义是继印象主义之后存在于19 世纪80 至90年代的美术现象，并不含有风格意义。
“后印象主义”的艺术家们既不同于印象派狂热地追求外光和色彩，也不同于新印象派对光色进行分析和运用逻辑思维进行艺术创作。
后印象主义的代表：梵高、高更、塞尚。
所谓后印象主义是指塞尚、梵高和高更的艺术观念和艺术创造。
三个人的性格不同、结束人生的方式不同，命运不同但是对待艺术的追求是一样的，想表达的情感是一样的。
我觉得就是后印象主义的出现给艺术一个新的印象，现代艺术的开启也是受到后印象主义的影响，不在一味的追求真实效果，而是强调艺术给每个人的感受。
或者说现代绘画的象征意义就是人的精神最高追求，而后印象主义对人生感慨、生活无奈、社会黑暗、生命的意义都在画家的笔下给出了答案，这是对艺术最高的诠释。
后印象主义对现代绘画的影响是深远、深刻、继承的，现代艺术的那种精神意义的追求就是延续了后印象主义的追求。
二、后印象主义对现代绘画的影响后印象主义画家的探索过程与成果对20 世纪现代美术流派产生很大的影响。
塞尚主张绘画摆脱文学性和情节性，充分发挥绘画语言的表现力，推动了欧洲纯绘画观念的流行和形式主义绘画的发展，被誉为西方“现代绘画之父”。
他的作品注重理念、注重结构，注重画面的建筑美。
他对体面的深入研究和高度重视，孕含了立体主义的因素。
（一）后印象主义的创作理念（1）色彩:平涂、抽象、概括、富有情感和象征内涵色彩作为现代绘画中最常用的艺术表现语言，色彩的独立对于古典绘画体系是一种革命性的创新。
现代艺术运动的代表作品与风格知识点现代艺术是20世纪初兴起的一种艺术形式，其作品常常以创新、前卫和独特的方式呈现。
本文将介绍几个现代艺术运动的代表作品和风格知识点。
一、立体主义（Cubism）立体主义是20世纪初兴起的一种艺术运动，其以多面体、多角度的视角表现物体。
典型代表作品包括毕加索（Pablo Picasso）的《亚娜宫的少女》和勒·柯布西耶（Georges Braque）的《小室内》。
立体主义的风格特点是几何化的结构、抽象的形式和多角度的视觉表达。
二、未来主义（Futurism）未来主义是20世纪初兴起的一种强调机械和科技的艺术运动，以强调运动、速度和动态为特点。
著名的未来主义画家包括贝鲁特·塞鲁帕（Giacomo Balla）和乔治·塞万蒂（Gino Severini）。
他们的代表作品《速度+噪音》和《分析的城市》等展现了未来主义的风格，即动态的线条、鲜艳的色彩和充满活力的场景。
三、表现主义（Expressionism）表现主义是20世纪初发源于德国的一种艺术运动，强调内心感受和情绪表达。
代表作品包括爱德华·蒙克（Edvard Munch）的《呐喊》和埃米尔·尼尔德勒（Emil Nolde）的《舞蹈圈》。
表现主义的特点是夸张的线条、扭曲的形象和强烈的情感表达。
四、超现实主义（Surrealism）超现实主义是20世纪中叶兴起的一种反对理性和现实的艺术运动，强调潜意识和梦境的表现。
代表艺术家包括萨尔瓦多·达利（Salvador Dalí）和勒内·马格利特（René Magritte）。
他们的作品《记忆的永恒》和《背后的镜子》等展示了超现实主义的风格：奇幻的场景、离奇的元素和不寻常的组合。
五、抽象表现主义（Abstract Expressionism）抽象表现主义是20世纪中叶兴起于美国的一种艺术运动，强调情感和个人内涵的抽象表达。
浅谈后现代主义在艺术观念上的变化后现代主义在艺术领域的兴起，标志着艺术观念上的重大变化。
后现代主义呈现出丰富多元的特征，对传统艺术观念进行了颠覆和重新定义，对艺术创作、审美观念、艺术市场等方面产生了深远影响。
本文将从多个方面对后现代主义在艺术观念上的变化进行浅谈。
一、对传统艺术观念的颠覆后现代主义对传统艺术观念进行了彻底的颠覆，打破了对传统艺术形式的束缚和定式化的思维。
在后现代主义的视野下，任何视觉、听觉和触觉的形式都可以成为艺术创作的素材。
传统艺术作品所具有的完整性、统一性和规律性被置于次要位置，艺术家更加注重对材料、形式、符号、意义等方面的解构和再构建，使得艺术作品呈现出了更加多元而混沌的面貌。
艺术作品不再局限于传统的绘画、雕塑、音乐等单一领域，而是从媒体艺术、行为艺术、装置艺术等方面进行了拓展和延伸，使得艺术表现的方式更加开放和多样化。
二、对艺术创作方式的重新定义后现代主义还对艺术创作方式进行了重新定义，不再强调艺术家的个人风格和创作能力，而是更加注重艺术家和社会、历史、现实之间的关系。
后现代主义者认为，艺术家不再是一个独立的个体，而是社会、历史和现实的产物。
艺术创作更加趋向于采取集体创作、群体创作、参与型创作等方式，以此来突破个人创作的局限，从而达到更加开放和多元的艺术表达。
后现代主义还重视艺术作品所呈现的随机性、偶然性和无序性，这也使得艺术创作的方式更加富有变化和想象力。
艺术家可以通过一种更加自由的方式来表达他们的创意，而不再受到传统艺术创作方式的限制，这也为艺术创作注入了更多的灵感和活力。
三、对审美观念的重新构建后现代主义对审美观念进行了深刻的重新构建，不再将美看作固定的、普世的价值标准，而是强调了审美的多样性、相对性和主体性。
后现代主义者认为，美是虚构的，是多元的，是历史和文化的产物，是个体感知和情感的体现。
在后现代主义的审美观念中，没有绝对的美和丑，而是将美和丑、高尚和低俗、传统和现代等二元对立的概念融为一体，以此来突破传统审美观念的边界和清晰度。
浅析后现代主义绘画作品《向日葵》摘要：本文以马克思现实主义为视角，从“现实的人”出发，通过对印象派绘画梵高的《向日葵》分析，通过印象派艺术家自觉的艺术实践精神，最后探讨和分析体验时代的艺术精神与人的主体意识的全面生成的现实主义内涵。
关键词：激情真诚色彩探索梵高，后印象派的三大巨匠之一，19世纪人类最杰出的艺术家之一。
他一生中共作了11幅《向日葵》，以《向日葵》中的各种花姿来表达自我，有时甚至将自己比拟为向日葵。
对于梵高而言，向日葵这种花是表现他思想的最佳题材，夏季短暂，向日葵的花期更是不长，梵高亦如向《向日葵》般结束自己短暂的一生，称他为向日葵画家，应该是恰如其分。
梵高热爱生活，但在生活中屡遭挫折，艰辛倍尝。
他献身艺术，大胆创新，在广泛学习前辈画家伦勃朗等人的基础上，吸收印象派色彩经验，并受到东方艺术，特别是日本版画的影响，形成了自己独特的艺术风格，创作出许多洋溢着生活激情、富于人道主义精神的作品，表现了他心中的苦闷、哀伤、同情和希望，至今享誉世界。
从《向日葵》中，我们可以看到一种高纯度色彩所带来的强烈的视觉冲击力，明亮的铭黄作为背景，衬托着用中黄和橙黄描绘的向日葵，令画面有一种极致的灿烂效果。
一位英国评论家说:他用全部精力追求了一件世界上最简单最普通的东西，这就是太阳。
他的画面上不单充满了阳光卜的鲜艳色彩，而且不止一次地描绘令人逼视的太阳本身，多次描绘《向日葵》。
从未有人为向日葵投注这样激烈专注的热情！梵高画的向日葵好像在燃烧，浮雕般色彩如此强烈厚重，感情笔触如此饱满有力，真正是天真充沛生命旺盛的太阳旋转之花。
梵高嗜画向日葵，因向日葵是追光拜日的农民之花。
画向日葵即画太阳，也是自画。
太阳、向日葵及梵高融成一体。
画家像闪烁着熊熊的火焰，满怀炽热的激情令运动感的和仿佛旋转不停的笔触是那样粗厚有力，色彩的对比也是单纯强烈的。
然而，在这种粗厚和单纯中却又充满了智慧和灵气。
观者在观看此画时，无不为那激动人心的画面效果而感应，心灵为之震颤，激情也喷薄而出，无不跃跃欲试，共同融入到梵高丰富的主观感情中去。
论后现代主义及梵高真正开始接触美术是在中学,当时看到课本上一幅幅图画感觉很平常,有一些让人感觉莫名其妙,根本理解不了其中画家所倾注的感情。
到了大学由于专业需要,系统的学习了一下西方美术史,终于对西方美术有了一定的了解。
特别是观看了那一幅幅堪称经典的作品之后,让我对西方美术有了一些自己的见解。
下面谈一下我对‘西方现代美术—后现代主义及其主要代表人物梵高‘的一些见解。
后现代主义简介“后印象主义”一词,是由英国美术批评家罗杰·弗莱发明的。
据说,1910年在伦敦准备举办一个“现代”法国画展,但是临近开幕,画展的名称还没有确定下来。
作为展览组织者的罗杰·弗莱事急无奈,便不耐烦地说:“权且把它称作后印象主义吧”。
这一偶然而得的名称,毕竟还切合实际,因为参展者都是印象派之后的画家。
以后,“后印象主义”便被用来泛指那些曾经追随印象主义,后来又极力反对印象主义的束缚,从而形成独特艺术风格的画家,其中杰出者有塞尚、梵高、高更和劳特累克等。
实际上,后印象主义并不是一个社团或派别,也没有共同的美学纲领和宣言,而且画家们的艺术风格也是千差万别。
之所以称之为“后印象主义”,主要是美术史论家为了从风格上将其与印象主义明确区别开来。
后印象主义者不喜欢印象主义画家在描绘大自然转瞬即逝的光色变幻效果时,所采取的过于客观的科学态度。
他们主张,艺术形象要有别于客观物象,同时饱含着艺术家的主观感受。
塞尚认为:“画画——并不意味着盲目地去复制现实;它意味着寻求诸种关系的和谐。
”他所关注的,是在画中通过明晰的形,来组建严整有序的结构。
凡高和高更则专注于精神性与情感的表现,其作品渗透着某种内在的表现力和引人深思的象征内涵。
后印象主义绘画偏离了西方客观再现的艺术传统,启迪了两大现代主义艺术潮流,即强调结构秩序的抽象艺术(如立体主义、风格主义等)与强调主观情感的表现主义(如野兽主义、德国表现主义等)。
所以,在艺术史上,后印象主义被称为西方现代艺术的起源。
梵高文森特·威廉·梵高(Vincent Willem van Gogh,1853-1890),荷兰后印象派画家,表现主义艺术的先驱,其作品如《星夜》《向目葵》与《有乌鸦的麦田》等深深影响了20世纪的世界艺术。
1890年7月29日,梵高因精神疾病的困扰,在美丽的法国瓦兹河畔结束了其年轻的生命,时年37岁。
梵高的一生是短暂的,也是伟大的。
梵高的伟大不仅是因为其艺术作品本身所具有的艺术价值和市场天价,更主要是其为艺术而燃烧自己生命的伟大殉道主义精神,富含悲剧色彩的人生经历和催人泪下、不被当世人所理解的苦难情感世界以及撼人心魄的传奇式绘画历程。
他的不朽足以当之无愧的堪称世界画坛屈指可数的巨匠。
这位易于激动而富于神经质的艺术家,在其短暂一生中留下大量震撼人心的杰作。
他的艺术,是心灵的表现。
他曾说:“作画我并不谋求准确,我要更有力地表现我自己”,他并不关注于客观物象的再现,而注重表现对事物的感受。
亨利·福西隆在论述凡高时说道:“他是他时代中最热情和最抒情的画家。
对他来说,一切事物都具有表情、迫切性和吸引力。
一切形式、一切面容都具有一种惊人的诗意”,“他感到大自然生命中具有一种神秘的升华,他希望将它捕捉。
这一切对他意味着是一个充满狂热和甜蜜的谜,他希望他的艺术能将其吞没一切的热情传达给人类”为了能更充分地表现内在的情感,凡高探索出一种所谓表现主义的绘画语言。
他认为:“颜色不是要达到局部的真实,而是要启示某种激情。
”在他画中,浓重响亮的色彩对比往往达到极限。
而他那富于激情的旋转、跃动的笔触,则使他的麦田、柏树、星空等,有如火焰般升腾、颤动,震撼观者的心灵。
在他的画上,强烈的情感完全溶化在色彩与笔触的交响乐中。
从某种意义说,梵高的人生轨迹并不是由自己一手所策划的。
梵高一直活在世俗和家人的既定法则和意愿中,但是当他遭遇了痛苦的感情世界、悲悯的传道士以及自虐式的基督情怀和种种不幸后,他开始领悟到以前从来没有想过的事情:一切关于上帝的说法都是天真幼稚的说辞,上帝是不存在的。
这个世界只有一片浑噩、悲惨、苦难、残酷、煎熬和无尽的黑暗。
他对世俗开始怀疑、不平、仇恨……这些都似乎预示着他的人生将有所改变。
终于他在生命的最后10年伴随着痛苦的冲突和摇摆中彻底的发现了自我。
正如梵高自己所说:“我也会有用处的,我也感到自己生存的理由,只是要怎么做,我才能成为有用的人?对哪一方面有用?”是上帝给予他天才式的思想和智慧。
由于以前对绘画的了解和热爱,他的脑海中时刻流传着对绘画的热望,这种急切的愿望正在超越其他一切感觉,而即将奔涌出来。
“经过了’这些虚度的岁月,我终于发现了自己!我将成为一个艺术家。
我一定要成为艺术家。
那就是我做不好其他一切工作的原因,因为我不是那料,现在我已经抓住了永远不可能失败的东西。
”梵高开始了真正意义上的绘画生涯。
初涉画坛之前,梵高通读了狄更斯、斯托、雨果、莎士比亚和米什莱等大师的文学著作。
接触和鉴赏过包括夏尔·得格鲁、伦勃朗、吕斯代尔、巴比松和海牙画派等大师的艺术作品,并以米勒和伦勃朗等大师为导师,精心临摹了自己喜欢的大量作品。
一开始梵高就显示出对绘画惊人的敏锐力和感悟力。
在寻求自己绘画的艺术道路上。
梵高先到布鲁塞尔学习透视学和解剖学,然后在法国的埃顿、海牙、纽南和安特卫普辗转学画。
这段时间他创作了大量的农民肖像画和风景画。
作品大都以灰暗的色彩表达了画家内心的苦闷孤独和对下层人民的同情与怜悯。
梵高并不满足于现有的艺术创作状况,而后他来到巴黎。
期间,在弟弟提奥的引荐下,梵高结识了许多印象派画家,并得到毕沙罗的赏识和指教。
他尝试着学习运用明亮的色彩,于是,其艺术作品也逐渐明亮起来,并通过技法、运用点状的笔触和单纯的色彩,将其对艺术的满腔热情表达出来。
此时,梵高总是处于创作的狂热之中,他的艺术风格也因此独树一帜,并成为后印象主义绘画艺术的杰出代表。
也就是在这一时期,日本的“浮士绘”出现在他的眼前,这些独具特色的东方艺术因为其色彩鲜明、线条简明而又富有表现力打动并唤起了梵高的共鸣。
他吸收其精华,并在自己的艺术创作中加以实践,使自己的作品更加丰富,更具特色。
这种博采众长、使东西方绘画技法集于一身的做法,致使梵高的绘画进入了一个新的境界,并超越了欧美同时代许多优秀的大师,形成了自己独特的艺术风格。
而后,拥有印象派灿烂色彩和东方艺术简洁线条的梵高,内心蕴藏着一股强烈的情感需要倾泻。
他已不满足于巴黎的阴郁,他向往着更加光明的地方,因为他心中有着十倍于太阳的热情,急需一团烈火来加以引发。
于是他来到了法国南部的阿尔小镇,这里到处辉煌,梵高的天分和激情完全得到了表露。
他曾如此自问:“我的体内存在着某种东西,那是什么呢?”现在,那个莫名的东西形成一股不可遏止的力量爆发出来。
他以惊人的勤奋不间断地进行创作,阳光让他兴奋,他用艺术描绘着象征热情、光明和生命、富有金黄色彩的太阳,描绘着阳光下的田野,描绘着田野周围生活的农民。
热烈的太阳神给了梵高源源不断的创作灵感,高涨的创作欲望驱使梵高投入近乎疯狂的工作之中。
期间,他大胆创新,大量运用红、黄、蓝等原色。
尤其喜欢用红色、黄色及柠檬黄和橘黄。
他认为。
这种红、黄原色产生的强烈效果会给受苦难的人以希望,也会给自己以慰藉。
他的作品色彩炫耀,笔触激情有力,一笔一画之中运载着奔涌不息的情感激流。
粗犷、豪放、充满动感,紧张、强烈而富节奏。
这些伟大的作品传递着梵高满腔激情,表现出一种既热烈又悲伤、既躁动又孤寂的内心情绪。
在一年多的时间里,他竟然完成了200余幅油画和许多素描作品,他的绘画技法臻于成熟。
但是。
他那不修边幅的艺术家外表、忧郁孤僻的内心及其意气冲动与暴戾的性格使得人们害怕他、讨厌他,甚至有人把他当作疯子。
而他却以高度的绘画热情忍耐着人们对他的误解、敌视甚至驱赶,终于在一次割耳事件后,他被送进了精神病院。
他忍受着内心不被人理解的巨大痛苦和身体的极度折磨,而他体内燃烧的绘画激情却从没有停歇。
这时的梵高开始按照自己内心的感受来作画,激越而狂放。
作品还使用了一些旋转、扭曲的线条,扭曲的笔触向上升腾着,画面给人一种流动感,并体现着、充满着力的搏斗。
这正是梵高内心所追求且意欲所反映的深刻的思想意境。
这种境界体现着梵高桀骜不驯、不屈于命运、积极向上且与命运抗争的人格与精神。
但是。
梵高还是没有战胜精神分裂抑或是癫痫的巨大创伤,他还是向自己扣动了扳机……。
倒下的36个小时后,一个幽灵飘向了极乐世界。
半年后。
他的弟弟也辞别于世,他们生前永不分离,死后仍旧魂魄不离。
我们很难相信一个人会把自己全部的生命都倾注于艺术创作中,但是面对梵高绘画艺术的真实感及其所表现出来的对生命力的追求及对苦难民众不屈于命运的关切之情,我们会为之一震。
因为这种面对社会丑恶、腐朽而表现出的不屈的精神将鼓舞后来者在艺术长河中不断地探索与追求。
论及个人,梵高无疑是不幸的,他单纯的理想主义信念,痛苦的疾病折磨,孤僻、直率、执着而神经质的性格使他难以融入当时的社会,并与人为善相处。
也许正是这种性格缺陷成就了梵高的不朽。
他以广博的文学修养,宽厚的人文情怀,博大的同情心,悲悯的基督精神,火热的创作激情,独特的绘画技巧,把生命中最宝贵的东西燃烧在绘画艺术中,形成了他得以不朽的艺术生命。
梵高的不朽来自于他高度自觉的自然观绘画思想。
早在18世纪,法国启蒙思想家卢梭就提出了“返回自然”的自然观思想。
自然观思想认为,艺术家只有投身自然。
才能创作出美的作品,诠释美的生活。
凡高的艺术创作深受自然观思想的影响,他以宗教徒般的虔诚走进自然,诠释人生。
他以其孤寂的生活和楚苦的精神世界为创作背景,运用绘画的艺术形式表达出了属于他自己的个性化的自然世界。
凡高描绘出的自然世界不是纯粹的外在于人的客观存在,它是内化于人的“人化自然”。
他通过绘画艺术将自身的内在心灵与其所处的社会联系起来,正如梵高所说:“在见到诸多自然事物时,如当看到一片树木时,我都能看到自然的表情,甚至感受到他们的心灵。
我甚至奢望能够在那里找到某种斗争的方式。
”于是,作为一名艺术者,梵高一直在努力寻求人生意义与自然的本质之关系,他说:“一名社会劳动者形象,一片沙滩、天空与海洋,一块犁地上的犁沟等,都理应成为艺术描绘的对象。
将这些自然物描述出来都是不容易的,但由于他们都是生活之美的对象,一名艺术家终其一生从事于表现这些自然物之美,确实是值得的。
”因为反映自然之美是非常值得的,所以,梵高常处于一种精神极度亢奋的状态来进行他的艺术创造,正因为这种执着,梵高的艺术作品才真正反映出来自然的“生气与真诚”,打动了有灵性的艺术之人,并传于后世而永不退色。
梵高独立特行的创作精神与思辨意识也促成了其不朽的艺术生命。
梵高也曾震撼于米勒、伦勃朗、德拉克罗瓦等艺术家的绘画作品,然而,他更多的是吸取其创作精华,注重自身情感的表达,强调自己的主观感受,追求形式和心理的平衡。
