提香与马奈的《乌尔比诺的维纳斯》和《奥林匹亚》比较

众多艺术评论者对马奈的《奥林匹亚》的内含和价值的分析可谓“仁者见仁智者见智”。

笔者认为，艺术批评有时需要“踩在巨人的肩膀上看世界”，故本文结合前人的观点，从各个角度出发，附加笔者的观点和见闻进行综述。

一、从绘画第一传达（即形式）的角度展开批评在《拥护马奈》中，爱弥儿·左拉提出：“在艺术的无尽理念中，最好不要带有社会、艺术道德。

”意思是，鉴赏艺术作品需要运用独立看法，在任何欣赏艺术作品的过程中，都应该尽量远离社会环境、他人意愿、自我主观意愿的影响，把单纯的画面形式提到最高点。

在左拉看来，进行艺术批评时不能因为欣赏时内心的主观态度的不同，从而对艺术批评的表达随机多变。

我们可以从作品最表象的元素开始，由浅入深。

因此左拉的观点是，绘画在不接受任何人赋予的现实意义之前，首先是独立于社会现实的非常纯粹的绘画技巧、绘画表现形式，那么对其欣赏和批评就要摆脱一定的社会中广泛存在的功利性。

对艺术作品的批评不应该臣服于广博的社会观念，那么，第一所见即第一所感就是我们要追求的。

作品《奥林匹亚》的画面中，色彩明暗对比干脆、强烈，强化主次人物的关系。

背景左右几乎平均分布，整幅画比例平衡稳定，没有焦点透视关系，也没有远近的景深。

这是最直观的形式感。

作者对人物、环境的描绘趋于平涂化、直接化，没有了之前裸体人物画的立体、雕塑感。

人们的视线大约在画面上下分割的二分之一处，由画面中心裸体女子的姿态向右方延伸至黑人奴仆，这位侧卧女子神情自若，盯着“画外人”，而一边的黑人奴仆则同样直勾勾地注视着她，其面孔与深色背景几乎融为一体，降低了存在感和地位，两位女性的神态形成情感顺位，同时把人们的视线拉回大面积的闪亮的浅色物象之中。

画面中的碎花披巾、彩色的花束是平静构图中的一丝明亮点缀，增加了变化和透气感。

此时，一只黑色的猫咪在右侧黑暗中伸展着，眼睛发亮，如同在黑暗中挣扎，追求自由。

二、从绘画史的角度展开批评贡布里希曾经形容马奈的创作掀起了法国绘画艺术革命的高潮。

2022/4/25 20:49:00关于透视学课程的总结与体会艺术产生于艺术，而不是产生于自然。

艺术家通过观察现实世界，在其视网膜上留下有触觉价值的印象，并运用自身的文化底蕴与独特的气质创造出艺术作品。

在这个过程中，透视法的运用技巧对于画家表达主观意念起到了重要的作用。

让利奥塔尔说：“绘画是最让人吃惊的女巫，她会用最明显的虚伪，让我们相信她是完全真实的。

”绘画所借助的魔法之一就是透视法，在本次课程中我有幸了解到了一些透视法在绘画史上的运用与发展，透视法通过制造“虚伪”而更深一层的表达“真实”的效力使我对于艺术表达语言有了很多新的思考。

本次课程第一节主要从科学的角度讲了透视法，也涉及到一些基本的透视法的运用，如距点的运用和被画物体的最佳位置选择等，这些都是我们在学画的过程中能够较早就了解到的基本表达方法。

更吸引我的是第二节部分：西方现代派绘画的空间表现法。

第二节第一部分：走向现代主义绘画。

现代主义绘画越来越向纯粹的审美对象发展，在空间透视法方面则表现为由“幻觉”上的立体表现向符合画面本身的平面性表现发展。

如老师介绍的从乔尔乔内的《入睡的维纳斯》到提香的《乌尔比诺的维纳斯》，再到马奈的《奥林匹亚》，已经逐渐摆脱宗教、政治、文学等的影响，人物表现更加世俗化，线条向平面化转变。

印象派的表现重点则更转向对于光与色彩的研究，是一种无功利的纯粹的审美趣味。

后来的立体派，则把物体归纳为具有永恒感和形象更为坚固的几何形体，这是一种经过归纳总结的感受，强调“第二质感”，体现出艺术家对形而上的追求。

毕加索的《亚威农少女》用使画面结构化的方法，把描绘对象分割，打散，再重新组合,仅考虑画面的形式,更注重绘画自身的研究。

现代主义追求创造性，旨在创造新的形式。

第二部分：媒介的作用。

人人具有“视觉概念”，而艺术家有常人所不能为的“再现概念，他们能够通过特定媒介去捕捉和体现通常经验的本质和意义，而绘画媒介的平面性也使艺术家运用平面构型与之相适应。

2020-11文艺生活LITERATURE LIFE提香·韦切利奥笔下的“维纳斯”王佳璇（青岛大学，山东青岛266071）摘要:提香·韦切利奥被誉为西方油画之父，是意大利文艺复兴后期威尼斯画派的代表画家。

与文艺复兴时期画家们的作品相比，提香的作品更重视色彩与自然光线的运用，对色彩有自己独特的表现方式，对画家鲁本斯、马奈等都有很大的影响。

关键词:提香·韦切利奥；维纳斯；人体美中图分类号：J201文献标识码：Ａ文章编号：1005-5312（2020）32-0027-02DOI：10.12228/j.issn.1005-5312.2020.32.013提香·韦切利奥是威尼斯画派最伟大的画家，出生在意大利威尼斯北部的小镇卡多莱。

后来到乔凡尼·贝利尼的工作室学习，在老师贝利尼与师兄乔尔乔纳以及当时人文主义思潮的影响下，继承并发展了威尼斯画派。

他发明了直接用颜料在画布上构图的“直接画法”与颜色叠加覆盖的“厚涂画法”，这种绘画的方法使得他创造了自己的代表色———提香金，让他的画看起来极为与众不同，其肖像画也极具特色，表现了人物复杂多变的内心世界。

曹意强《提香与油画的本体语言》（2016）中说到：“提香的艺术完美地体现了西方视觉艺术这两个核心标准。

他是第一位精妙地把握色彩，以此塑造生动形象，仿佛将色彩换华为生命而吹注笔下的每一个形体。

他画中光的细微变化打破并超越了柔和的威尼斯色彩传统，以大胆的色彩对比创造形体和运动感。

其画面充满感官性和真正意义上的绘画性。

”[1]他的绘画时期可大体分为三个时期：早期阶段（1500-1518年），也是他追求探索理想的时期，受到师兄的影响，作品具有抒情和牧歌式的特点，如《花神》《乌尔比诺的维纳斯》。

创作中期（十六世纪二十到三十年代）提香的绘画开始有了自己独特的艺术风格，趋于个性化，被称为“最典型的提香艺术时期”，这个时期画面的色彩绚丽且富于变化，人物形象开朗、欢乐，人物造型柔美，如作品《酒神祭》中描绘的女性，姿态优雅，赋有青春的气息，画面极为欢愉。

浅析西方经典绘画中卧女图式的形象象征性作者：张红江王茹来源：《艺术评论》 2017年第10期一、卧女图式的概念界定艺术家经常在画作中参考某一种主题相似、结构式样相仿的图像，随着这些作品间或的出现，形成了一种程式化的图形样式。

卧女图式就是这样一种图像样式。

表现卧女的画作不胜枚举，而本文所界定的“卧女图式”是以文艺复兴时期意大利威尼斯画派的画家乔尔乔内的作品《沉睡的维纳斯》为滥觞，进行继承和创新的油画人体作品，以其嬗变中处于结构性地位的画作为主。

例如同为威尼斯画派提香的《乌尔比诺的维纳斯》，西班牙画家委拉斯贵支《镜前维纳斯》和戈雅《裸体的玛哈》，19世纪法国新古典主义安格尔《大宫女》和柯罗的《仙女卧像》，法国画家马奈《奥林匹亚》和保罗·高更《捡拾芒果的女人》，以及当代中国画家杨飞云《大山水》等，都可以作为卧女图式的研究范畴。

卧女图式的相似性有两点：裸体女性和斜卧的姿态。

其一，女性形象在西方艺术中往往是艺术家创作、描绘和表现的主要对象。

而其中对女性裸体的描绘在自文艺复兴以来的欧洲绘画史上也是层出不穷。

裸体本身或许具有一定的视觉价值，而赤裸使观者对于他者身体神秘的“慰藉”消失，那么裸体自身似乎就不能代表情欲或者性的意味。

赋予裸体情欲或者性的隐喻寓意的是裸像。

裸像暗示出赤裸的过程，正如女性主义学者指出的：西方艺术中的女性裸体画是为“他人的凝视”而呈现，女性成为视觉的景观。

卧女图式基于此种背景，对裸体女性的演绎和“他人凝视”，互相作用透露“情欲”的意味。

其二，如果说女性裸体画传递出情欲，那么裸体在画面中斜卧的姿态则加深了这种意味。

在裸体绘画创作过程中，被描绘的对象依据创作者对其画面的掌握，摆出相对应的姿势。

对绘画者来说，模特的姿态不仅代表了绘画所要传递的感性的因素如气质、氛围、情趣等，更影响了画面的构图。

形象在画面空间的存在形式是构图的基础，对形象的选择和不同的组合方式影响了构图；而卧女图式，只有一个倾斜的主体，作为画幅中的视觉中心，这种排列方式决定了这类图式的构图要选择横向构图。

分析比较乔尔乔涅《沉睡的维纳斯》、提香《乌尔比诺的维纳斯》与马奈《奥林匹亚》作者：刘雅楠来源：《科学导报·学术》2020年第18期摘 ;要：自文藝复兴后，被奉于爱神与美神的维纳斯，成为画家们笔下最喜爱与热衷的绘画对象。

曾有三位艺术风格不同的艺术家对其进行了不同的表达，该文章对三位艺术家的三幅维纳斯进行了分析与比较。

关键词：乔尔乔涅;提香;马奈一、维纳斯的起源在西方世界，对人体美的欣赏与追崇溯源已久。

早在古希腊，人们就崇尚健美。

他们在长年不断的体育运动和舞蹈表演中孕育出完美的体型与形态。

这一社会传统折射到古希腊优良完美的艺术中。

自此便出现了欧洲人体艺术的启蒙。

古希腊哲学家苏格拉底的美学思想便是明证，他认为艺术中的人体美必须是精神与肉体都美的，应以精神为主导。

二、维纳斯的诞生在灿若星河的西方女人体绘画中，古罗马神话中被遵奉为爱神与美神的维纳斯。

因其清新脱俗的形象及其妖娆婀娜的体态成为画家们笔下最为热衷的表现对象。

自文艺复兴之初波提切利《维纳斯的诞生》中那位像珍珠一样从贝壳中站立冉冉升向海面的迷一样的女神之后。

在文艺复兴之后的三个不同历史阶段里，曾经有三位不同艺术风格的杰出艺术家都描绘了不同形象之下的维纳斯，维纳斯女神渐趋世俗化。

这三幅作品分别是意大利威尼斯画派画家乔尔乔涅的《沉睡的维纳斯》、乔尔乔涅的同门师弟提香的代表作《乌尔比诺的维纳斯》和印象主义画家马奈的《奥林匹亚》。

三幅别开生面的画面向我们呈现了三个形象、个性迥异的维纳斯女神。

维纳斯的形象分别在这三幅画中都有着不同程度的嬗变和渐趋世俗化，而画家命名为“维纳斯”的女人体，其实已经跳脱于人们印象中的那个集爱与美于一身的女神。

提香于马奈作品中的女性其实只是现实生活中的两个不同类型的平凡女性，除了和前幅作品的构图相一致以外，其形象以无丝毫神性的光辉，全然世俗社会中的女子。

乔尔乔涅《沉睡的维纳斯》中展现了纯净而典雅的亦人亦神的维纳斯形象。

此画透现了乔尔乔涅心中的理想美境界，一种冰清玉洁的女性美韵。

77审美与艺术学一、“挪用”在西方绘画中的起源“挪用”作为艺术创作的绘画技法，追溯其在西方绘画史中的发展演变，发现它是紧紧伴随着油画史的发展而发展的，也就是说古典时期每一种风格和样式在流传的过程中其实也是被摹仿、学习、延续的过程。

远在古典写实艺术期间，倘若一位艺术家的作品与另外一位艺术家的作品在谋篇布局、构图形式、表现手法上有相似之处，我们一般会将后者看作是对前者的模仿，而不会把这种现象归为挪用。

这是为什么呢？很显然，在古典主义时期，人们普遍追求艺术的功能性，艺术家时常受助于一些赞助人，即：宫廷的王公贵族或是宗教的教皇。

可想而知在艺术作品里或多或少都会强调它的教化功能，所以，艺术家的自由创造力、思想表达力在很大程度上会受到压制。

除了小比例的风俗画外，我们会发现大多数艺术作品的题材源自《圣经》里的故事，比如众人皆知的《最后的晚餐》(如图1)，许多优秀画家都有描绘过。

这样就会导致当时只能从艺术风格和表现技法上的差异来决定谁比谁更胜一筹，谁比谁更能在西方古典艺术史上占有不可取代的地位。

总地概括起来，古典时期的艺术史其实就是一部风格上不断变迁、图式技巧上不断精进、表现手法上追求完美的过程。

二、从“维纳斯”到马奈画中的“裸女”绘画艺术中的“挪用”法就是艺术家利用现成的、过去已经存在着的经典图式和语言符号，根据自身创作需求对有用的资料进行抽离和重新组合与构造，形成一种新图像的艺术创作手法。

“挪用”作为一种创作手法而渐渐进入绘画艺术的创作是在十九世纪左右。

其中典型的例子为提香的《乌尔比诺的维纳斯》(如图2)，以及后来被演绎成马奈的《奥林匹亚》(如浅谈西方绘画中的图式“挪用”历程文/李 燕摘 要：挪用法作为后现代主义艺术创作的主要方法，其本质是对现代主义艺术所推崇的原创性提出质疑和嘲弄。

探究西方绘画中“挪用法”的发展历程，西方绘画中的图式“挪用”就是艺术家借用美术史上的名作或者现成的图像经典，根据需要提取到自己的创作中重新组合与改造，使得完成后的作品常常给予观者以熟悉的陌生感。

爱德华·马奈代表作《奥林匹亚》（Olympia，巴黎奥赛美术馆）爱德华·马奈奥林匹亚 Olympia 巴黎奥赛美术馆维基百科Olympia is a painting by Édouard Manet, first exhibited at the 1865 Paris Salon, which shows anude woman ("Olympia") lying on a bed being brought flowers by a servant. Olympia wasmodelled by Victorine Meurent and Olympia's servant by the art model Laure. Olympia'sconfrontational gaze caused shock and astonishment when the painting was first exhibitedbecause a number of details in the picture identified her as a prostitute. The Frenchgovernment acquired the painting in 1890 after a public subscription organized by ClaudeMonet. The painting is on display at the Musée d'Orsay, Paris.What shocked contemporary audiences was not Olympia's nudity, nor the presence of her fullyclothed maid, but her confrontational gaze and a number of details identifying her as a demi-mondaine or prostitute.[1] These include the orchid in her hair, her bracelet, pearl earrings andthe oriental shawl on which she lies, symbols of wealth and sensuality. The black ribbonaround her neck, in stark contrast with her pale flesh, and her cast-off slipper underline thevoluptuous atmosphere. "Olympia" was a name associated with prostitutes in 1860s Paris.爱德华·马奈奥林匹亚 Olympia 局部细节The painting is modelled after Titian's Venus of Urbino (1538).[3] Whereas the left hand of Titian's Venus is curled and appears to entice, Olympia's left hand appears to block, which has been interpreted as symbolic of her sexual independence from men and her role as a prostitute, granting or restricting access to her body in return for payment. Manet replaced the little dog (symbol of fidelity) in Titian's painting with a black cat, which traditionally symbolized prostitution. Olympia disdainfully ignores the flowers presented to her by her servant, probably a gift from a client. Some have suggested that she is looking in the direction of the door, as her client barges in unannounced.The painting deviates from the academic canon in its style, characterized by broad, quick brushstrokes, studio lighting that eliminates mid-tones, large color surfaces and shallow depth. Unlike the smooth idealized nude of Alexandre Cabanel's La naissance de Vénus, also painted in 1863, Olympia is a real woman whose nakedness is emphasized by the harsh lighting.[1] The canvas alone is 51.4 x 74.8 inches, which is rather large for this genre-style painting. Most paintings that were this size depicted historical or mythological events, so the size of the work, among other factors, caused surprise. Finally, Olympia is fairly thin by the artistic standards of the time and her relatively undeveloped body is more girlish than womanly. Charles Baudelaire thought thinness more indecent than fatness.The model for Olympia, Victorine Meurent, became an accomplished painter in her own right. In part, the painting was inspired by Titian's Venus of Urbino (c. 1538), which in turn refers to Giorgione's Sleeping Venus (c. 1510). Léonce Bénédite was the first art historian to explicitly acknowledge the similarity to the Venus of Urbino in 1897.[6] There is also some similarity toFrancisco Goya's La maja desnuda (c. 1800).弗朗西斯科·⼽雅裸体的玛雅 The Nude Maja 西班⽛马德⾥普拉多博物馆There were also pictorial precedents for a nude woman, attended by a black servant, such as Ingres' Odalisque with a Slave (1842), Léon Benouville's Esther with Odalisque (1844) and Charles Jalabert's Odalisque (1842).[8] Comparison is also made to Ingres' Grande Odalisque (1814). Unlike other artists, Manet did not depict a goddess or an odalisque but a high-class prostitute waiting for a client.Though Manet's The Luncheon on the Grass (Le déjeuner sur l'herbe) sparked controversy in 1863, his Olympia stirred an even bigger uproar when it was first exhibited at the 1865 Paris Salon. Conservatives condemned the work as "immoral" and "vulgar."Journalist Antonin Proust later recalled, "If the canvas of the Olympia was not destroyed, it is only because of the precautions that were taken by the administration." The critics and the public condemned the work alike. Even Émile Zola was reduced to disingenuously commenting on the work's formal qualities rather than acknowledging the subject matter, "You wanted a nude, and you chose Olympia, the first that came along".[9] He paid tribute to Manet's honesty, however, "When our artists give us Venuses, they correct nature, they lie. Édouard Manet asked himself why lie, why not tell the truth; he introduced us to Olympia, this fille of our time, whom you meet on the sidewalks."乔尔乔睡着的维纳斯 Sleeping Venus 德国德累斯顿古代⼤师画廊Olympia's MaidAlthough originally overlooked, the figure of the maid in the painting, modelled by a woman named Laure, has become a topic of discussion among contemporary scholars. As T. J. Clarkrecounts of a friend’s disbelief in the revised 1990 version of The Painting of Modern Life:“you’ve written about the white woman on the bed for fifty pages and more, and hardly mentioned the black woman alongside her.” Olympia was created 15 years after slavery had been abolished in France but racist stereotypes had continued. In some cases, the white prostitute in the painting is described using racist language. "References to Blackness thus invaded the image of white Olympia, turning her into the caricatural and grotesque animal that Black people are frequently made to represent in the nineteenth century"Many critics have applauded Manet in his use of white and black in the painting, an alternative to the tradition of chiaroscuro. Charles Bernheimer has said,The black maid is not [...] simply a darkly colored counterpart to Olympia's whiteness, but rather an emblem of the dark, threatening, anomalous sexuality lurking just under Olympia's hand. At least, this is the fantasy Manet's servant figure may well have aroused in the male spectator of 1865.Black feminists have rejected his reading and argue that it is not for artistic convention that Manet included Laure but to create an ideological binary between black and white, good and bad, clean and dirty and "inevitably reformulates the Cartesian perspectival logic that allows whiteness to function as the only subject of consideration".[14] When paired with a lighter skin tone, the Black model stands in as signifier to all of the racial stereotypes of the West.The Confrontational Gaze and The Oppositional GazeIn Lorraine O' Grady's essay titled "Olympia's Maid: Reclaiming Black Female Subjectivity",[15] she asserts, "Olympia's maid, like all other 'peripheral Negroes'", is a robot conveniently made to disappear into the background drapery. While the confrontational gaze of Olympia is often referenced as the pinnacle of defiance toward patriarchy, the oppositional gaze of Olympia's maid is ignored; she is part of the background with little to no attention given to the critical role of her presence.O'Grady points out that we know she represents 'Jezebel and Mammy' "and best of all, she is not a real person...", rather she is object to the objectified and excluded from sexual difference according to Freudian theory.[15] While Olympia looks directly at the viewer, her maid, too, is looking back.[16] In her essay "Mammy, Jezebel, Sapphire and Their Homegirls: Developing an Oppositional Gaze toward the Images of Black Women", Catherine West concludes that by claiming an oppositional gaze we can identify, criticize, resist and transform these and other oppressive images of Black women.In January 2016, a Luxembourg performance artist, Deborah De Robertis, laid on the floor in front of the painting and mimicked the pose of the subject, and then security guards closed the room and police arrested her.爱德华·马奈奥林匹亚 Olympia 局部参考译⽂《奥林匹亚》是爱德华·马奈的⼀幅画，⾸次在1865年的巴黎沙龙展出，展⽰了⼀个躺在床上的裸体⼥⼈（“奥林匹亚”），由⼀名仆⼈带来鲜花。

外国美术史1.《受伤的公牛》是西班牙的阿尔塔米拉洞窟的壁画史前美术：2．被称为“公牛大厅”的是法国拉斯科洞窟，有“史前的西斯廷教堂”之称3．小型雕塑：威伦道夫的维纳斯，被称为“原始的维纳斯”苏美尔人最重要的建筑是塔庙，乌鲁克神庙是代表。

2.古巴比伦的汉谟拉比法典是历史上最早的成文法典。

3.古埃及最大的金字塔是胡夫金字塔；哈夫拉金字塔前的《狮身人面像》是最大最古老的室外雕塑；《司芬克斯狮身人面像》是整石雕成。

古希腊分：荷马时期、古风时期、古典时期、希腊化时期古希腊古风时期巴特农神庙是供奉雅典女神的建筑，位于雅典卫城，采用围柱４.古希腊式（多利安柱式）建筑类型，菲狄亚斯的《命运三女神》是巴特农神庙上的高浮雕。

古希腊古典时期的雕塑是优美而典雅的风格；米隆《掷铁饼者》；波利克托斯《荷矛者》，著书《论法则》，阐述人头与身比例是1：7。

古希腊希腊化时期代表作《米洛岛的阿芙罗狄德》又称《断臂维纳斯》。

.古罗马有各类型实用性和纪念性建筑：（１）科洛西姆斗兽场是古罗马最大的椰圆形竞技场。

（２）万神殿是拱顶建筑代表，是第一座注重内部装饰胜于部造型的建筑，代表着帝国时期神庙建筑最高成就。

（３）凯旋门是为纪念战争胜利而建立。

（４）图拉真纪念柱是罗马帝国纪念性建筑代表。

1．早期基督教美术：圣彼得教堂是规模最大的“巴西里卡”教堂之一。

建筑代表：圣索菲亚大教堂2．拜占庭式美术：镶嵌画代表：意大利圣维他尔教堂上方的《荣耀耶稣》3．罗马式美术：德国的圣基列阿达教堂、意大利的比萨教堂3．哥特式美术：法国巴黎圣母院、夏特尔大教堂，德国科隆大教堂，意大利米兰大教堂．早期文艺复兴代表：乔托（意大利）被称为“欧洲绘画之父”，佛罗伦萨画派创始人，《哀悼基督》《逃亡埃及》(1) 布鲁内莱斯基：直线透视结构原理(2) 多纳太罗：青铜雕刻《大卫》2.佛罗伦萨画派: (3) 马萨乔：意大利第一位伟大画家《出乐园》《纳税钱》(4) 乌切洛：透视学创始人《圣罗马诺之战》(5) 波提切利：画派最后一位画家《春》《维纳斯的诞生》达芬奇：《蒙娜丽莎》《最后的晚餐》《岩间圣母》3.意大利文艺复兴代表：米开朗基罗：《创世纪》《最后的审判》雕塑《大卫》拉斐尔：《西斯廷圣母》《雅典学院》乔尔乔涅：画派第一位画家《入睡的维纳斯》4.威尼斯画派：提香：《酒神节的狂欢》《花神》《乌尔比诺的维纳斯》丁托丁列：“要如提香般描绘，要如米开朗基罗般经营”5.尼德兰文艺复兴代表：扬·凡·埃克：油画发明者，《阿尔诺芬尼夫妇像》勃鲁盖尔：《农民的舞蹈》《农民的婚礼》《雪中猎人》6.德国文艺复兴代表：丢勒（木版画）作品《启示录》其中《四战士》用隐喻手法表现战争疾病死亡，油画作品《四使徒》小荷因拜尔：《伊拉斯谟像》7.法国文艺复兴代表：古戎：为“无辜者泉”所创造的六块浮雕《山林水泽女神》西班牙文艺复兴代表：埃尔·格林列：《基督诞生》《奥尔加兹伯爵的葬礼》卡拉瓦乔：意大利《基督下葬》《圣母升天》《圣马太和天使》2.贝尼尼：意大利雕塑家《圣德列萨祭坛》3.鲁本斯：《强劫留西帕斯的女儿》4.哈尔斯：荷兰《圣乔治射手连军官们的宴会》《吉卜赛女郎》5.伦勃朗：荷兰《杜普医生的解剖课》《自画像》《夜巡》6.维米尔：荷兰《倒牛奶的女人》7.委拉斯贵支：西班牙《教皇英诺森十世》《宫娥》《纺织女》《酒神巴库斯》洛可可美术——又称“路易十五式”：华多《舟发西苔岛》布歇《浴后的狄安娜》《维纳斯的梳妆》《蓬帕夫人》“向妇人献殷勤的洛可可画家”19世纪欧洲美术1.雅克·路易·大卫：《荷拉斯兄弟的誓言》《拿破仑加冕式》《马拉之死》2.安格尔：《泉》《土耳其浴室》《瓦平松的浴妇》席里柯：《梅杜萨之筏》2.德拉克洛瓦：《自由领导人民》《但丁和维吉尔》《希阿岛的屠杀》3.吕德：巴黎星形广场凯旋门上浮雕《马赛曲》4.戈雅：西班牙《查理四世一家》1.库贝尔：《打石工》《筛麦子的农妇》2.杜米埃：讽刺画家《三等车厢》(1)卢梭：《橡树林》《森林出口》法国： 3.巴比松画派：(2)杜比尼：“画水的贝多芬”(3)柯罗：提出“面向风景，写生风景”《诺曼底边界的池塘》(4)米勒：农民画家《拾穗者》《晚钟》《牧羊女》4.罗丹：雕塑家《青铜时代》《思想者》《雨果》《巴尔扎克》他与马约尔、布德尔被誉为欧洲雕刻“三大支柱”，著有《艺术论》英国：现实主义风景画：康斯特布尔：《白驹》《造船》《玉米田》透纳：《雨、蒸汽机和速度》德国：门采尔：“在历史画上运用现实主义方法的第一画家”《三月死难烈士的葬礼》《轧钢工人》珂勒惠支：现实主义女画家《纺织起义》《面包》俄罗斯巡回画派：创始人是克拉姆斯科依，最高成就是列宾《伏尔加河上的纤夫》批判现实主义1.马奈：印象派创始人，《草地上的午餐》《奥林匹亚》2.莫奈：创始人之一，《日出》《睡莲》3.德加：《舞台上的舞女》以画芭蕾舞女著称印象主义：4.雷阿诺：以画儿童妇女著称5.西斯莱：英国《马尔港的洪水》6.毕沙罗：《红屋顶》农村题材，被称为“印象派米勒”新印象主义：又称“科学的印象主义”，修拉《大碗岛的星期日下午》1.塞尚：现代艺术之父后印象主义： 2.高更：受印象主义影响后反印象主义，《手捧红花的女人》《红花和乳房》《我们从何处来？我们是谁？我们往何处去？》3.凡·高：印象主义影响作品《食土豆者》《塞纳河滨》，后期《向日葵》《星月夜》《咖啡馆的夜市》《包扎耳朵的自画像》20世纪欧洲美术野兽主义：马蒂斯《舞蹈》《生命的喜悦》《红色中的和谐》2.立体主义：毕加索(西班牙) 《亚威农少女》《裸女》《格尼尔卡》(1) 达利《永恒的记忆》《内战的预言》3.超现实主义：(2) 米罗《向鸟投石子的人》半回忆半梦幻，以儿童般方式作画(3) 玛格利《形象的背离》4.表现主义：蒙克《呐喊》《青春期》《病孩》5.抽象主义：康定斯基(热烈抽象)《红、黄、蓝》6.维也纳分离派：克里姆特《女人的三个阶段》7.未来主义：波丘尼反映机器文明《空间中独特形式之连续》8.风格派——几何抽象派（冷抽象）：蒙德里安外形缩减到几何形状，颜色只用黑白和原色9.达达主义：杜尚《泉》反战、反传统、反艺术，提倡无目的、无理想的生活和艺术巴黎画派：莫迪里阿尼《仰卧的裸女》用线来驾驭体面关系1.抽象表现主义——“行动绘画”：波洛克集表现主义、抽象主义、超现实主义之和，以滴泼、溅、扔等方式作画2.波普艺术：汉密尔顿《我们今天的生活为什么如此不同，如此富有魅力》把最常见最流行最熟知的东西搬上画面4.观念艺术：《一把和三把椅子》作品的本质是某种观念想法，是一种行为艺术5.大地艺术：以大自然作为材料6.超写实主义——“照相写实主义”：反对抽象，排除主观想法客观真实地再现物象7.新表现主义：表现主义回潮崛起。

37纸 贵在现代生活中，一提到巴黎，人们就会联想到著名的艾弗尔铁塔、世界足球先生齐达内、浪漫于世的法国文学家雨果以及喧嚣霓虹的夜场。

你很难想象19世纪法国巴黎社会的城市是怎样的南辕北辙。

在奥斯曼男爵的城市改造计划实施后，通过社会的不断城市化改造，画家笔下的作品也是惺惺呼应，艺术史也可以是社会史中一个非常独特的角度。

通过对一些马奈和巴黎社会历史文献的调研，笔者注意到艺术史和社会史的息息相关性，本文研究的主题是画作中的阶级性与社会的相关性。

为什么从马奈的画作内容中就能研究出19世纪法国社会的阶级性？反过来，社会的阶级性对马奈的画作产生了什么样的影响？马奈与19世纪法国官方画派的关系对后来的画家又产生了怎样的影响？本文就这些话题展开研究。

爱德华·马奈（1832-1883）不是真正意义上的印象派画家，他也从没有参加过印象派的画展，但他和印象派画家关系密切，深受印象派画家崇敬。

有人说他是19世纪中后期以后所有画派如野兽派、超现实主义和立体派的开山始祖，他的个人风格也直接影响了后来的梵高、马蒂斯和毕加索等诸多著名画家。

本文研究主题是画作所展现的阶级性和社会发展的关系，马奈在19世纪中期创作的《奥林匹亚》是当时的社会舆论中心，《奥林匹亚》犹如一颗深水炸弹，震动当时法国巴黎的官方画派，这幅尖锐的画作成了爱德华·马奈生活的滑铁卢，使得他众叛亲离，遭到了官方沙龙等权贵阶级一众的炮轰。

当时的法国巴黎正在迎来一次城市改造的计划，区域行政长官奥斯曼是资产阶级的维护者，他对当时的巴黎进行扩大，并置娱乐和工业，当时巴黎的郊区也在奥斯曼的改造计划里，这座城市成了资产阶级的乐园，在他们眼中，无产阶级不过是他们的压榨资源，这种敌对的、压抑的情绪一触即发。

而卖淫女这样的题材是极其尖锐的、敏感的，其本来就是生活在社会边缘的人物，是无产阶级的职业典型。

在资产阶级社会，卖淫是不能摆到台面上来讲的，因为它和“性”“金钱”息息相关，如果“性”和“金钱”一直处于相关联的状态，资产阶级社会的稳定性就会变得波澜起伏，使得上层建筑的状态变得岌岌可危。

[名人名作]你这造型真好看，大家一起学着摆裸女之友安格尔大师，虽然阅女无数，却是个专情汉子。

28岁上，他画了这个背：安格尔28岁时画的裸女背，这时还只有一个人。

48岁上，他老人家已经见多识广，但还是觉得此背最美，所以再画一遍，顺便请他其他画过的美女捧场：安格尔48岁那年又画了一遍，请几个姑娘来作伴。

到82岁上，老人家已经被浪漫主义家的德拉克洛瓦、现实主义家的库尔贝折腾过几次了，印象派正磨刀霍霍要造他的反。

然而情不知所起，一往情深。

一定是觉得自己也去日无多，要把所有自己画过的裸女来个大陈列，遂有了《土耳其浴室》。

当家的美女，依然是那幅54年之前的美背：82岁，安格尔把他画过的姑娘攒一起洗个澡，至爱依然是主角。

安格尔迷恋这个背，虽然有私人情感的考量，但他老人家画风一向理智内敛。

盖因他老人家学画，随的是大卫，新古典主义；往上拜祖师爷，是尼古拉-普桑；再追根寻源，是拉斐尔。

拉斐尔他们意大利人，画东西都讲究构图好看。

比方要画个张佳玮，就想法子往好看折腾，光影色彩都讲究；实在扶不上墙，就要求摆个造型，找个好角度，不好看也给你拗好看了。

不像荷兰人德国人，老老实实，张佳玮该是什么样就是什么样，如果张佳玮还长点羽毛之类就更好了：北方画派，描各类毛皮金属，特别显功夫。

一个美丽的构图，格外难得。

因为世上大多数对象不怎么好看，你又想画得不那么脱型，又得画得美丽，可不得一个造型来回摆？话说，传统的宗教题材《圣母领报》，都是这格式：传统的圣母领报造型。

这模式挺好看，所以后来文艺复兴佛罗伦萨的老干部波提切利，也照着这么画：波提切利画得很美，但样子不变。

波提切利的晚辈达芬奇，虽然出了名的能玩幺蛾子，遇到这题材，也只是把画幅拉拉宽，空间感好些，动作摆造型还是老样子：达芬奇承袭了这姿势，只是样子不变。

拉斐尔出名的构图完美，毫不用力，但天才也非凭空而来，而是慢慢雕琢的。

比如，1506年，他画了这幅：拉斐尔苦心经营，打了几万遍草稿，才得来完美构图。