欧洲四大艺术风格

14种风格大扫盲（一直不太能分清转来学习下）来源：♥汪可薇Katrina♪的日志1、哥特风格- Gothic「歌特」（Gothic）这个特定的字汇，早先指涉的是西欧的日耳曼部族。

出现于18世纪到19世纪的建筑文化与书写层面，当时的「歌特复兴」（gothic revival）是将中古世纪的阴暗情调从历史脉络的墓窖挖掘出来。

哥特这个词汇，主要存在于建筑，音乐，文学和服装当中。

现在所指的哥特风是指在八十年代，由音乐风格发展而来的一种着装风格，染黑的长发、苍白的皮肤、紧身黑衣、尖皮靴和大量银饰。

他们需要一种活死人的外表，也可能是因为想体现维多利亚时代关于“苍白的皮肤是贵族的标志”这一审美。

必要装备：皮革、束腰、宽领带、铆钉项圈或紧紧系在脖子上的丝绒绳。

T形十字章(古埃及关于永恒生命的标志)。

五角星。

这是异教徒关于火、土地、空气、水、灵魂的符号。

十字架(基督教的象征)。

歌剧风格的披肩、斗篷和长手套。

哥特族们一般不会像朋克们那么极端，他们会讲些品位。

2、巴洛克风格- Baroque巴洛克的字义源于葡萄牙语，意指“变了形的珍珠”。

因为一直与蕾丝、花边这些小资词汇“并肩战斗”，所以这种风格的时装和配饰表现出来的尽是奢华和古典的面貌。

必要元素：夸张、浪漫、抽绳、混搭、褶皱、花朵、水晶、繁复、蕾丝、贵族、花边、复古、束腰、花。

相关品牌：Dolce&Gabbana –性感巴洛克风3、洛可可风格- Rococo洛可可为法语rococo 的音译，此词源于法语，意思是贝壳工艺，意思是此风格以岩石和蚌壳装饰为其特色。

洛可可女装变得爱卖弄风情，有褶裥、荷叶边、随意的花边和隆起的衬裙。

由鲸骨圈取代了古老的钟式裙。

有着宽大的裙子和瘦削的肩膀，发型高耸的头部。

4、浪漫主义风格浪漫主义风格浪漫主义风格源于19世纪的欧洲，是近年来服装流行的主流。

服装的特点是细腰丰臀，大而多装饰的帽饰，注重整体线条的动感表现，使服装能随着人体的摆动而呈现出轻快飘逸之感。

代表作：芭蕾的形成芭蕾史上第一部芭蕾舞剧：《皇后喜芭蕾》启蒙主义芭蕾其代表作为《关不住的女儿》。

浪漫主义：《仙女》《吉赛尔》《蕾蓓莉娅》古希腊三大剧目：悲剧、喜剧、拟剧古典芭蕾：《天鹅湖》、《睡美人》、《胡桃夹子》芭蕾的四大审美：开、绷、直、立芭蕾经历了早期芭蕾浪漫芭蕾古典芭蕾现代芭蕾当代芭蕾五个历史发展时期。

古希腊舞蹈的最大特点是：1.舞蹈与颂诗（朗诵）、音乐的紧密结合，是综合性演出。

2.往往歌者和舞者由一人兼任，载歌载舞。

3.这些舞蹈的动作简单，变化不多，主要是组成一些不同的图案。

4.当时以群舞为基本形式，注重共性和协调，而不突出个性，独舞表演是很少见到的。

法国最早的皇家舞1661年，法国国王路易十四下令在巴黎创办了世界第一所皇家舞蹈学校。

俄罗斯芭蕾吸收了意大利，法兰西，丹麦三大学派的精华.《天鹅湖》的女主角叫奥杰塔芭蕾起源于意大利，兴盛于法国，并已经形成意大利、法国、丹麦、俄罗斯四大学派。

《天鹅湖》、《睡美人》、《胡桃夹子》三大舞剧音乐的作者是科夫斯基：“古典芭蕾之父”是马里于斯—毕季帕彼季帕在睡美人中间创作了双人舞模式、性格舞模式成为芭蕾必定的模式。

毕季帕的三部作品：《唐—吉歌德》、《舞姬》、《天鹅湖》（第三幕）《胡桃夹子》代表：1《巧克力舞》活泼洒脱的西班牙舞2 《咖啡舞》神秘色彩的阿拉伯舞3 《茶舞》快速灵巧的中国玩偶舞4《糖棍舞》快速热烈特列帕克舞5《杏仁舞》短促跳跃的长曲舞曲伴奏一群牧羊女出来跳舞。

6《酒心糖果舞》表现了法国童话里生过很多孩子的生姜妈妈和他们孩子的舞蹈。

7花枝圆舞曲圣诞蛋糕上用奶油做的朵朵玫瑰花跳的舞蹈交响芭蕾之父：巴兰钦现代芭蕾早期代表人物为佳吉列夫、福金、尼金斯基。

现代芭蕾中期代表人物为巴兰钦、阿希顿、图德。

现代芭蕾后期代表人物为贝雅、佩蒂、罗宾斯、克兰科、麦克米伦。

名词解释席间芭蕾：法国贵族在举行宴会时，通常都要邀请街头艺人前去表演各种短小精悍的节目，为来宾助兴，这些节目都是安排在宴席中各道大菜上桌之间，以转移大家注意力，由此产生了席间芭蕾。

欧洲四大艺术风格：罗马，哥特，文艺复兴和巴洛克在欧洲影响最广最深的艺术风潮。

分别为罗马式风格、哥特式风格、文艺复兴式风格以及巴洛克式风格。

罗马式艺术风格现在人们普遍所说的罗马式建筑，罗马式花园，罗马式画风都是指欧洲在11~13世纪的艺术风格，主要泛及整个西欧和大部分中欧地区。

主要表现在建筑，绘画等主要艺术作品当中。

其中因地域不同而又各有区别。

在建筑方面，最典型的是教堂罗马式教堂建筑艺术自公元1096年开始的十字军东侵，使欧洲兴起宗教的热潮，封建主对宗教的狂热达到如醉如痴境地，他们全力为自己领地兴建规模壮观的教堂和修道院，建筑史上称这种新形制为“罗曼内斯克”即罗马式。

而这个时期的其他造型艺术如雕塑、绘画等都成为与教堂不可分割的装饰部分，因此在美术史上统称为“罗马式”。

罗马式建筑外观巨大、繁复，但装饰简单大方。

最特别的是建筑的屋顶，罗马式风格建筑的设计都是一拱顶为主，以石头的曲线结构来覆盖空间。

法国Tournus的Saint Philibert教堂拱顶Cluny大教堂（于18世纪至19世纪初被毁，该图为效果图）在罗马式繁华的教堂艺术风格之中又有最典型的两种：伦巴第(Lomb arda)和诺曼底(Normanna)图为意大利米兰的sant'ambrogio大教堂，它是典型伦巴第风格。

它是第一个使用拱肋来加强交叉拱顶的教堂。

伦巴第风格的建筑给人很强的节奏感而诺曼底风格的教堂又要比伦巴第风格的教堂显得更加精致优雅，最著名的就是英国Durha m的Cathedral大教堂。

说到罗马式建筑不得不提到雕塑。

教堂雕塑也是十分典型的，其在教堂建筑中是画龙点睛的一笔。

在中世纪的欧洲，人们认为艺术不应该独立存在，每种艺术都得以自身的手段和方式为建筑所创造。

在这样的观念下。

雕塑、绘画都是臣服建筑这个主体。

常常运用杏型结构图为Moissac圣彼得修道院门楣雕塑既然是宗教建筑，怎么能少了著名的耶稣受难象呢？在罗马式风格影响下，雕塑家把作品创作得紧凑、复杂、色彩丰富。

艺术风格归纳总结艺术是一种独特的表现形式，通过各种媒介传达出艺术家独特的想法、情感和审美观念。

世界上有数不清的艺术风格，每一种都有其独特的特点和表现形式。

本文将对一些主要的艺术风格进行归纳总结，帮助读者更好地了解和鉴赏不同风格的艺术作品。

一、古典主义古典主义是一种追求对称、和谐和理性的艺术风格。

它源自于古希腊和罗马的艺术，注重对人体比例和结构的准确描绘。

古典主义作品通常具有平衡的构图、光影效果和经典的主题，如神话、历史和神圣故事。

著名的古典主义艺术家包括达·芬奇、米开朗基罗和拉斐尔。

二、文艺复兴文艺复兴是欧洲15至16世纪的艺术运动，致力于恢复古代希腊和罗马文化的精髓。

文艺复兴追求真实性和理性的表现方式，注重人体解剖学和线性透视的准确描绘。

作品主题广泛，包括宗教、神话、历史和肖像等。

伟大的文艺复兴艺术家有达·芬奇、米开朗基罗和拉斐尔，他们的作品至今仍然被人们所推崇。

三、印象派印象派是19世纪末至20世纪初在法国兴起的艺术运动。

印象派艺术家试图捕捉瞬间的光影和色彩变化，追求对自然景观的直观感受和个人表达。

他们重视色彩和光的运用，常常使用明亮的色彩和短而明快的笔触来描绘。

莫奈、雷诺阿等印象派艺术家对后世影响巨大，也开创了现代艺术的先河。

四、表现主义表现主义是20世纪初的一种艺术风格，强调表达内心情感和情绪，并通过夸张和扭曲的形象来传达。

表现主义艺术家试图反映现实生活中的压力、焦虑和不安。

他们笔下人物常常具有扭曲的身体形态和夸张的面部表情。

著名的表现主义艺术家包括蒙德里安、基立克和凡·高等。

五、抽象艺术抽象艺术是20世纪初兴起的一种艺术风格，主张通过形式、色彩和线条来表达感情和思想，摒弃了传统艺术对现实的直接描绘。

抽象艺术家试图突破物质世界的束缚，探索更抽象和纯粹的艺术境界。

著名的抽象艺术家有康定斯基、毕加索和蒙德里安。

他们的作品以形式的几何结构、明亮的色彩和抽象的意象为特点。

16世纪中西方艺术风格的概述16世纪是一个充满变革和创新的时期，艺术领域也不例外。

在这个时期，西方艺术通过吸收东方文化的影响以及人文主义思潮的推动，发生了许多重要的变化。

以下将为您概述16世纪中西方艺术风格的发展。

1.文艺复兴艺术16世纪初期，文艺复兴艺术在意大利开始兴起，并在欧洲其他地区迅速传播。

文艺复兴注重对古希腊罗马文化的回归和研究，艺术家们倡导人文主义思潮，追求人类的完美和自由发展。

这种艺术风格注重人的形象和解剖结构的真实表现，追求精确的透视和光影效果的再现。

杰出的文艺复兴艺术家包括达·芬奇、米开朗基罗和拉斐尔等人。

2.文艺复兴风格的影响文艺复兴艺术风格在16世纪中期开始影响到其他欧洲国家，特别是法国和西班牙。

在法国，法国国王弗朗索瓦一世成为艺术的赞助者，大量的艺术家在法国工作，绘制了许多庄严、优雅和真实的作品。

西班牙则以其宗教热情和丰富的政治历史为背景，艺术家在作品中展现了较为浓郁的宗教故事和人物形象。

3.马尼里斯蒂克风格马尼里斯蒂克艺术是16世纪的一个艺术风格，注重精确写实的描绘和细致入微的细节。

这种风格在佛罗伦萨和罗马得到了广泛的发展和应用。

马尼里斯蒂克艺术家通过强调透视和绘画技巧，使作品更具现实感和质感。

这个时期的杰出艺术家包括多梅尼科和卡拉瓦乔。

4.巴洛克艺术在16世纪末至17世纪初，巴洛克艺术在意大利和其他欧洲国家迅速兴起。

巴洛克艺术特点是运用动感和戏剧性效果，注重表达情感和情绪。

巴洛克艺术家以其丰富的装饰和细节、壮观的场景和舞台效果而闻名。

这个时期的杰出艺术家包括伯努尼和卡拉瓦乔。

5.宗教艺术16世纪是一个宗教改革的时期，这对西方艺术产生了深远的影响。

宗教艺术仍然是主要的题材之一，但艺术家们开始更加注重人文主义的思想和世俗的主题。

同时，宗教艺术的形式也发生了变化，从受到教会规范束缚的朴素绘画转变为拥有更多装饰和精细绘画技巧的作品。

6.科学和地理探险的影响16世纪是科学和地理探险的黄金时代，这些进展对艺术产生了重大影响。

欧洲建筑风格简介（一）最近，喜欢看一些旅游类的节目，还看了丹布朗的小说，其中就经常提到欧洲的建筑风格，搞得一头雾水。

毕竟，建筑是一种不折不扣的文化载体，想要了解某个地区，某段时期的文化，那它的建筑风格就不得不了解啦。

欧洲的文化是一脉相承的东西，从古希腊和古罗马一路下来，几乎就没断过。

虽然欧洲国家众多，但文化和宗教的差距却没有东方那样显著。

刚好，趁着周末下雨的时间，查了一些资料，终于把欧洲的建筑风格大致搞懂了。

下面就简单得介绍一下吧。

首先，欧洲的建筑风格按先后顺序和承袭关系，可以大致分为以下几个阶段：古希腊建筑(以雅典卫城为代表)-----罗马式建筑(以罗马斗兽场和太阳神庙为代表)----哥特式建筑(以巴黎圣母院和科隆大教堂为代表)----罗曼建筑(以比萨主教堂建筑群为代表)-----巴洛克建筑(以罗马的圣卡罗教堂和梵蒂冈的圣彼得大教堂为代表)----法国古典主义建筑(以卢浮宫和协和广场为代表)-------洛可可建筑(以内装饰凡尔赛宫为代表)----浪漫主义建筑(以伦敦议会大厦为代表)------古典复兴建筑(以林肯纪念堂和美国国会大厦为代表)----沙利文建筑(摩天大楼)接下来，就从最早的古希腊风格建筑开始。

古希腊的建筑风格古希腊的建筑艺术，则是欧洲建筑艺术的源泉与宝库。

古希腊建筑风格的特点主要是和谐、完美、崇高。

而古希腊的神庙建筑则是这些风格特点的集中体现者，古希腊的“柱式”，这种规范和风格的特点是，追求建筑的檐部（包括额枋、檐壁、檐口）及柱子（柱础、柱身、柱头）的严格和谐的比例和以人为尺度的造型格式。

古希腊最典型、最辉煌，也是意味最深长的柱式主要有三种，即陶立克、爱奥尼克和科林斯柱式。

陶立克的柱头是简单而刚挺的倒立圆锥台，柱身凹槽相交成锋利的棱角，没有柱础，雄壮的柱身从台面上拔地而起，柱子的收分和卷杀十分明显，力透着男性体态的刚劲雄健之美。

爱奥尼克，其外在形体修长、端丽，柱头则带婀娜潇洒的两个涡卷，尽展女性体态的清秀柔和之美。

美术风格分类
古典主义美术风格
古典主义美术风格是西方艺术史上的一个重要流派，起源于古希腊和古罗马时期的艺术风格，强调对人体比例、对称和和谐的追求。

古典主义美术风格在文艺复兴时期得到了复兴，并在18世纪至19世纪达到了巅峰。

古典主义美术风格的代表作品包括米开朗基罗的《大卫像》、拉斐尔的《雅典学院》等。

这些作品通过精湛的技巧和对人体结构的准确表现，展现了古典主义对完美之美的追求。

古典主义美术强调对称、比例和秩序，追求理性、理智和秩序之美。

古典主义美术风格的特点包括光影的运用、人体结构的准确表现、细腻的线条、优雅的姿态等。

古典主义美术追求完美与永恒，力求达到一种理想化的境界。

古典主义美术作品大多展现出一种高贵、庄重、典雅的气质，给人以一种肃穆、庄严的感觉。

古典主义美术风格在欧洲艺术史上具有重要的地位，对后世的艺术产生了深远的影响。

古典主义美术风格的精湛技艺和高度理性的表现方式，使其成为了西方艺术史上的一个重要篇章。

总的来说，古典主义美术风格以其对比例、对称、和谐的追求，对人体结构的准确表现，以及对完美之美的追求而闻名于世。

古典主义美术作品展现出一种高贵、庄重、典雅的气质，给人以一种肃穆、
庄严的感觉。

古典主义美术风格在欧洲艺术史上具有重要的地位，对后世的艺术产生了深远的影响。

文艺复兴时期的四大乐派文艺复兴一词原指“复活”“再生”，是这个时期的思想家们对中世纪的否定以及对古希腊古罗马的崇拜，他们认为自己处于复兴古代文化的时代。

这一时期的音乐风格在思想上想要摆脱封建宗教的束缚，要求尊重人，一切以人为中心，给予人性自由。

从根本上来说文艺复兴是一个人类社会产生新思想，新发现，发展出飞跃的时期。

在这个大思潮下先后产生了四大乐派。

一．勃艮第乐派(一)产生背景：是欧洲大陆第一代音乐派系。

形成的最重要的因素就是当时勃艮第公爵们对音乐的喜爱，令他们不惜重金的赞助艺术方面的活动，吸引了一大批的优秀音乐家，使之成为音乐创作中心，可以看出勃艮第音乐有巨大的吸纳性和国际化倾向。

（二）音乐特点：1.这一时期的音乐体裁丰富、复杂,确立了弥撒曲体裁形式。

2.一般三声部，有时有四声部，自下而上，以旋律流畅的高声部织体为主导。

3.而旋律和节奏的发展集中在高声部，假低音的技巧被采用，呈三度六度平行进行。

4.兰迪尼终止式普遍出现。

（三）代表作曲家：杜费和班舒瓦1.杜费，被誉为天主教父。

他的音乐作品涉猎当时各种世俗和宗教音乐体裁。

他的等节奏经文歌代表作《最近玫瑰开放》有两个定旋律声部，呈五度关系，有一定的接应关系，休止与旋律时隐时现。

而他的弥撒曲在音乐史上有重大的意义，第一次将世俗曲调作为定旋律，第一次将经文歌四声部织体运用于弥撒曲，第一次在定旋律的下方加一个对位的低声部，从而使低声部可以自由创作，他推动了弥撒套曲的定型。

2.班舒瓦，天主神父，与杜费同样很重要。

在他简朴的音乐中，世俗音乐占有重要地位，以三声部为主，高声部为人声，其余声部为乐器伴奏，旋律性强，呈现出三和弦轮廓。

二．佛兰德斯乐派（一）产生背景：是继勃艮第乐派的又一个重要乐派。

这个乐派分布很广，占据了欧洲各地重要的音乐职位。

因为地域跨度大，时间长，作家流动性强，因此音乐风格上也有很大差异。

（二）音乐特点：1.使复调对位音乐发展到盛期，他们把世俗曲调作为弥撒曲和经文歌的定旋律，而且常采用尚松、牧歌、维勒莱等世俗声乐体裁进行写作。

设计概论总复习一、综述1.设计学的研究范围⑴设计的历史渊源：其渊源是伴随“制造工具的人”的产生而产生的。

中国古代的《考工记》和古罗马老普林尼(Plini the Elder)的《博物志》，设计的意含：①广义的设计：人类一切有目的，有计划的创造性活动，包括观念、思想、理论、制度、规划等②狭义的设计：专指艺术设计，即在与人的生活、工作方式相关连的各种造型领域（工业设计、建筑设计、室内设计、景观设计、平面设计、服装设计等）应用美的艺术规律，结合科学与技术的一种造物活动，创造人类社会的新的生活形态。

⑵设计史：①设计“Design”→拉丁语“Designara”→意大利语“Designra”→法语“Dessein”→英语“Design”②古典：15世纪前后→“艺术家心中的创作意念”→意大利语“Desegno”）③近代：18世纪工业革命→“平面、立体、结构、轮廓的构成”→英语“Design”)④现代：19世纪末现代设计观念的建立→艺术与技术融合为一体的创造过程1977年，英国成立了设计史协会，这标志着设计史正式从装饰艺术史或应用美术史中独立出来而成为一门新的学科。

注意美术学史上19世纪的两位巨人——森珀和里格尔。

德国建筑家、理论家森珀(1803～1979年)是将达尔文进化论运用于美术史研究的第一人。

出版了极富思辨性的三卷本巨著《工艺美术与建筑的风格》。

奥地利美术史家阿洛伊斯·里格尔(1858～1905年) 1893年出版了被认为是有关装饰艺术历史的最重要的著作——《风格问题》。

⑶设计理论：传统上来讲，设计理论一直为它的学科美术和建筑理论所包容。

以荷加斯的著作《美的分析》为最早的设计理论专著。

西方美术史之父瓦萨里，在全面讨论设计这一概念时说道：“设计是三项艺术(建筑、绘画、雕塑)的父亲“。

瓦萨里将设计与比例关系联系在一起讨论，这有着相当悠久的历史传。

第二种类型的设计理论是针对工业革命的影响作出的反响，其中最有影响力的人物是普金(Augustus Pugin)、拉斯金(John Ruskin)和莫里斯(William Morris)。

文艺复兴四大经典绘画风格与技法文艺复兴四大经典画法几个世纪以来一直在西方文化里耳熟能详。

然而由于中国对西洋艺术的了解起步较晚，这一部分内容在当今中国艺术界并没有多少人能全面了解，传到中国的一些零星的知识也残缺不全，有的甚至还是空白。

供艺术爱好者及专业人士参考。

文艺复兴绘画中出现的换色法（Cangiante）、明暗对照法（Chiaroscuro）、晕涂法（Sfumato）和统合法（Unione）这四种风格迥异的绘画技法被后世广为流传，许多艺术巨匠都曾经出神入化地运用它们创造出辉煌而美丽的艺术珍品。

比如意大利文艺复兴盛期三杰在世时，米开朗基罗的绘画作品中常常采用Cangiante；达芬奇喜欢使用Sfumato；而拉斐尔则能完美地运用Unione。

Cangiante：换色法米开朗基罗《先知丹尼尔》（Prophet Daniel），注意先知袍子在膝盖上的黄色和旁边的绿色。

文艺复兴前期意大利绘画虽然也有胶绘（Détrempe）、蜡彩（Encaustique）等诸多画种类别，但还是以湿壁画（Fresque）和坦培拉（Tempéra）为主。

当时受到技术及材料的时代局限，色料种类很少，艺术家们只能用很有限的少数几种颜色作画。

尤其是在湿壁画的绘制中，由于石灰上不能使用对碱性物质敏感以致产生不良化学反应的颜料，所能使用的颜色就更少。

因此当时的画家采取了相对简单的办法来表达色彩和明暗，比如简单地在物像固有色中调入黑色来表示暗部等方式，以用颜料画素描的办法来表达彩色的物件，而对色彩变化却无法深入表现。

这时Cangiante——换色法就应运而生了。

这种方法旨在使用近似的颜色代替简单加白的亮部或简单加黑的暗部，只要这两种颜色的明度和色相差异不太大就可以。

早在乔托（Giotto）的作品中，就能看到他偶尔用到这种方式，而安吉利科（Fra Angelico）则开始较多地运用这种以近似色代替的办法了。

其实这种方法虽然被称为是一种技法，但还是源于色料种类不健全时代的权宜之计。

艺术风格归纳艺术是人类表达情感、思想和创造力的重要方式，不同的时期和文化产生了各种各样的艺术风格。

本文旨在对几种主要的艺术风格进行归纳，介绍其特点和代表作品。

一、古代艺术风格古代艺术风格包括古埃及艺术、古希腊罗马艺术和中国古代艺术等。

这些风格追溯至早期的文明，其特点是注重表现力、宏伟和神秘感。

例如，古埃及艺术以准确的人物比例和丰富的象征意义而闻名，代表作品有金字塔和法老雕像；古希腊罗马艺术注重理性和对人体形态的研究，雕塑作品如著名的“大卫”和“维纳斯”；中国古代艺术追求平衡和谐，崇尚自然的表现方式，丝绸和瓷器作为代表。

二、文艺复兴艺术风格文艺复兴是欧洲历史上重要的时期，艺术家们对古希腊罗马文化的热衷重塑了艺术风格。

文艺复兴艺术风格注重人体比例、透视和光影效果。

例如，达·芬奇的《蒙娜丽莎》展示了细腻的光影变化和神秘的微笑；米开朗基罗的《创造亚当》是以人体为中心的杰作，展示了人的伟大和神圣。

三、印象派艺术风格印象派艺术风格是19世纪末至20世纪初在法国兴起的艺术运动，其特点是强调色彩和光线的变化，追求捕捉瞬间印象的效果。

印象派画家运用明暗对比和小颗粒的画笔技法，创造出朦胧而朝气蓬勃的氛围。

克劳德·莫奈的《睡莲》系列和爱德华·马奈的《奥林匹亚》是印象派的代表作品。

四、表现主义艺术风格表现主义艺术风格在20世纪初兴起于德国，强调表达内心情感和主观体验。

表现主义作品通常以扭曲、夸张和激烈的形象为特征，通过颜色和线条的运用来表达情感。

艾克塞尔·曼和爱德华·蒙克是表现主义的代表艺术家，他们的作品描绘了人类存在的孤独和恐惧。

五、抽象艺术风格抽象艺术风格是20世纪初的重要艺术运动，其核心观念是摒弃传统的表象描绘，追求艺术形式本身的独立性和自由性。

抽象艺术作品以形状、色彩和纹理等非具象元素展示艺术家的内心世界和感觉。

例如，康定斯基的《花月夜》和杰克逊·波洛克的《喷溅画》是抽象艺术的代表作品。

紧身胸衣的社会历史在西洋服装史上,洛可可艺术Rococo art是法国十八世纪的艺术样式,发端於路易十四1643～1715时代晚期,流行於路易十五1715～1 774时代风格纤巧、精美、浮华、繁琐,又称路易十五式.历史进入18世纪,西欧各国由于自然科学日渐发达,且受到当时各种民主学说与中国思想、又化的影响,有了启蒙运动的诞生：进而造成工业的发达,民主思潮的高涨,于是先后又有产业革命的发展与法国大革命的爆发；这些客观形势的转变,对于当时艺术的发展有非常大的影响.18世纪被看成是理性的时代或启蒙运动的时代,哲学家从过去假设上帝存在进而推论所有事物的工作,转换为依据实验和观察的理性方法去推论世间的万象,几乎将神学从哲学中剔除,选择倾向世俗的路线,趣味从注重高尚的教化转向寻求轻浮的快感.艺术的风格,在音乐家莫札特、海顿,文学家蒲伯、艾狄生、福尔泰,画家华铎、康斯博罗中,贯穿着一种共同主题,它把理性与优美趣味同轻松、明晰、秩序井然的材料相互配合起来.在文化艺术方面,法国仍就是西欧的中心,新兴资产阶级不断积累财富,绝对主义的路易王朝渐渐失去活力,处于没落的前夜.路易十四常在凡尔赛宫开各种舞会,藉着繁琐的礼仪与无意义的职务折腾贵族们,再以富丽堂皇的宫廷装饰营造悠闲的环境,有利搞风流韵事,以便消耗贵族们的精力,使他们无暇去策划造反.因此艺术家授命编造一种理想生活的极乐世界情景,其唯一的目的是塑造出一个悠闲的、实际上是懒惰的社会快乐.因此,与国王主宰的宫廷相对的资产阶级沙龙文化成了社交中心salon,即“会客室”、“客厅”.17世纪起,西偶贵族、资产阶级社会中谈论文学、艺术或政治问题的社交集会.18世纪在法国特别流行.18世纪的文化就是从贵族和新兴资产阶级的社交活动中产生和形成.洛可可是相对於路易十四时代那种盛大、庄严的古典主义艺术的,这种变化和法国贵族阶层的衰落,与启蒙运动的自由探索精神几乎取代宗教信仰,及中产阶级的日渐兴盛有关.洛可可在形成过程中还受到中国艺术的影响,特别是在庭园设计、室内设计、丝织品、瓷器、漆器等方面如中国人物小陶瓷,麦尔,德国,1768.由於当时法国艺术取得欧洲的中心地位,所以洛可可艺术的影响也遍及欧洲各国.洛可可艺术的繁琐风格和中国清代艺术相类似,是中西封建历史即将结束的共同徵兆.一．蓬蓬裙下的奥秘——裙撑所谓裙撑,即一种能使外面裙子蓬松鼓起的衬裙,大多用硬挺的衣料裁制,或在制作时打很多的折裥及上浆处理等,把外面的纱裙撑起,显出膨胀的轮廓.从14世纪中叶到19世纪末,裙撑四最具代表性的女性服饰之一.裙撑的出现,发展,演变,衰落及其再度出现和流行实际上是人们在服饰的装饰性和功能性之间、造型美与舒适型之间选择的必然结果,裙撑crinolne是18世纪欧洲妇女为了调整裙子外形使之呈现扩张感而穿在裙子里的内裙.裙撑作为支撑婚纱轮廓的内裙是必不可少的,电影绝代艳后中出现的圆形裙撑：又是另一种款式,相比之圆形裙撑要夸张的多在很长的历史阶段,欧洲妇女要穿上无数层裙子,才能够有那种效果,夏天热得跟超级蒸笼一样,后来简化了一下,用铁架子、鲸鱼骨头和藤,做了裙撑,但效果还经常不太理想,尤其是刮大风的时候,会不小心被人看到大腿,只好裙子底下还穿了裤子,裤子上还绑了绳儿,总之,早起下半身的功夫做足出门,已经是午后了.美国人脑子精明,又喜欢申请专利,.托马森在1858年发明了一个很神奇的裙撑结构,用钢圈经纬交叉做成圆拱形,又轻巧又合乎力学原则,不光不用在裙子底下穿那么多东西,还想要多大裙摆就多大.做裙撑生意的托马森先生,在英法美三国同时注册了专利,不单市场营销做得妙,工厂还夜以继日地生产那玩意儿,用最快的速度推向三地.很快,穷人们也能够穿上大蓬蓬裙,包括女佣人和工厂女工.据说,在最时髦的时期,每周要生产五十万件裙撑,简直每个成年妇女人均一只,有钱人还备有不同尺寸的,好在不同场合显摆.当时裙撑总共可分为四大基本款——蓬形,A形,鱼尾形和下摆托地形.不过不管什么材质的裙撑要支撑起那繁重的裙摆,层层叠叠的蕾丝花边,穿在身上的累人程度可想而知,而且天天穿在身上,这可苦了洛可可时期的女士们.后来的维多利亚时期裙撑样式也有所改良.到了1864年前后,女士们再也受不了被裙撑了一圈的生活,把结构调整了一下,前面和侧面不再有钢圈了.随着历史的推进,这个时髦渐渐被人们遗忘.只是偶尔宴会晚礼服的还会用到.裙撑的衰落,某种程度上为一个强调用奢华、繁复来打造时装美感的时代画上了句号.现在指的是角色扮演用的裙撑,事实上一个角色扮演洛丽塔既不穿衬裙、四方舞衬裙,也不穿裙撑衬裙.四方舞衬裙能弄出一个喇叭的形状,它能使那些试图弄出“泡泡感”十足的裙子不易变形.裙撑虽然洛丽塔们也可以穿,但是很少有穿出感觉的.要是想穿裙撑,你必须找一个衬裙或者一些填充物和裙撑一起穿,如果你只单穿一个裙撑,那透过裙子很容易就看见裙撑的架子了.洛丽塔们通常穿着一种被称为鲸骨圈pannier的衬裙.这个类型的衬裙能让裙子的一部分变成杯形蛋糕那种形状.鲸骨圈通常是由两到三层的硬衬布网组成.如果您不确定一个衬裙是否可以当作鲸骨圈用,把它穿在裙子下面,如果你看起来好像一个杯形蛋糕围裹你的腰,那恭喜你,你的选择是正确的.另一种重要的内衣就是南瓜裤,南瓜裤是蕾丝边短裤,穿起来传统而且温文尔雅.对于洛丽塔来说,南瓜裤并不是非穿不可的,但如果你决定穿它,那就要知道什么长度才像样,这很重要.南瓜裤应该是穿在膝盖以上的.您可以让它从裙子下露出来一点,但是您还是尽量藏好它,让它远离人们的视线.裙撑,确实是洛可可时期女士们的必备之物,除此之外还要有一个叫束腰的小东东,把腰部勒的细细的才能通过与蓬蓬裙的对比营造出美感,有句话我一直奉为真理——时髦永远是荒谬的.殊不知在那婀娜的曲线下隐藏的却是对女性延续几百年的残忍刑罚.还在问束腰是什么去看看电影飘吧.其中有一幕：女主角郝思嘉为了展现她迷人的曲线,穿上了胸衣,她手抱着床边的柱子,不停的深呼吸,黑人保姆拉着两根马甲上的绳子象系鞋带似的绑来绑去,女主角不停叫痛的同时又要求紧些,再紧些,为了美丽,只有忍耐.束腰起源于宫廷.据称,束腰起源于亨利二世的王后妻子凯瑟琳梅迪奇.她于1550年前后定下了一条宫廷规矩：为了礼仪,女性不能穿戴臃肿的厚外套出席宫廷活动,而这个规定从此开启了一个女性苦难的时代.不过有野史称,束腰是法国的约瑟芬女王偷情怀孕,为掩人耳目所以拿布使劲缠住腹部,配以时兴的低胸衣服.它竟然一时引领潮流而导致流行,因为束腰可以产生托高胸部的效果.虽然有人认为束腰引起男性猥亵好色之心,但是女性却认为这样便于展示珠宝,也无可厚非.西欧1600年铁制女用紧身胸衣,历史上貌似真的有一位皇后的束腰是动用了钢铁和螺丝钉的,但是在浮华的18世纪为了美丽受点苦又算什么呢.有个叫郝桑的服装史学家专门收藏束腰,其中制作于1860到1870年之间的束腰被他这样描述：“质料为暗黑色丝绸,内有细棉衬里,设计极端复杂,针脚细密,用了20根鲸骨,140条系带线.”法式胸衣中间都有一根鲸骨、木头、象牙、兽角或金属撑骨,以维持它的直挺,几百年来这一直是塑型内衣的设计原理.撑骨多由专业工匠打造,上面刻着情爱诗文,它本身就是男性爱欲的对象,也是闺房诗与大众戏剧歌咏的物品.一个女人如果抽出胸衣的撑骨,拿在手中比画,会被视为是轻浮大胆的调情.束腰会改变人的肋骨骨骼,束腰过紧而会致死人命.一位新娘曾因束腰,在她的婚礼当天,举行了她的葬礼,这是最极端也是最典型的例子.束腰比缠足还厉害,缠足是把脚指头的骨头弄折了,再踩在脚底下,踩一辈子,痛是痛死了,可不会死人束腰却会置人于死地,即使不使用束腰的工具：一种铁骨架,光是节食瘦身,最后患营养不良症,患厌食症而死的人也为数不少,所以束腰对人权的侵犯更大,更应该极力声讨.迪奥说过：“如果没有塑型内衣,就没有服装工业.”所谓的塑型内衣包括紧身衣、胸罩、束腰等,它提供了女人“第二种骨架”,帮助她们打造符合时代要求与身份地位的体态.19世纪的欧洲,任何一位端庄女性都必须穿着这种内衣,女子们整日苦于木板、鲸骨和金属条的压迫.从胸部之下紧紧勒到胃部,女人甘愿受苦,愚蠢地为了拥有西班牙式的苗条身材,绑紧勒带,紧紧箍扎,直到两肋出现长而深的伤口,深入肌肤,甚至因此死亡.于是,是时候有人为这样一个荒谬的时代画上句号了.无论束腰如何诞生,让女性受苦却是不争的事实.18世纪中期,经过启蒙的欧洲有过一股由医生发起的反束腰运动,他们打着科学的旗号,有名的言论出自法国一位叫波诺的男人写的小册子：“使用鲸骨束腰导致人类物种退化,违反自然规律,增加人口减少的危机,劣化了男人的品质.”从男性的角色看待或许不周全,女性对束腰最有发言权.1876年,美国的女性存在主义教母乌尔森在一次反束腰演讲中说：“我存在的首要角色不是妻子,也不是母亲,而是女人,我有作为女人存在的权利.新女人有权穿得坚强、舒服与快乐.”但是在那个年代,虽然束腰让女性遭了罪,没有人听他们的.束腰以色情意味符合男性的“勾引原则”,可妇女比男人更多地利用性感而出人头地.他们认为,只要不脱下束腰,就有晋身上流的可能性.但是,胸罩的出现,打破了束腰的束缚,也解放了女性.一个女人,如果让她在40厘米的细腰与健康的肺之间作个了断,她会选择什么维多利亚时代的女人会选择前者,为此,她们宁愿忍受因此引起的子宫下垂和肠胃的不适,至于呼吸方面的小问题,显然并不比一个“水桶腰”来得更加可怕,社交场上,一位女士因为呼吸困难而暂时地晕厥有时是一件赏心悦目的事,有点像中国的西施犯了心绞痛或林黛玉犯了眩晕症,这也使得嗅盐成为当时的女人们必备的随身物品之一.紧身胸衣最早是在西班牙流行起来的.那时大约是16世纪的上半叶,人们以鲸须为骨架制成一种无袖胸衣,这种胸衣呈倒三角形,穿上身后从肩至腰都非常紧身,可调节的系带能将女人的腰肢勒到一个理想的程度.与之相配合的下装则十分的膨胀,一种由鲸骨、藤条或金属丝制成的圆环将吊钟状的裙裾层层撑起,罩上长及地面的华丽面料,便形成了贵妇们游走于宫廷时的浩荡场面.西班牙公主凯瑟琳嫁给英国国王亨利八世时,穿的就是这种衣服,所以,16世纪的后半叶紧身胸衣和撑裙迅速地在欧洲流行开来,人类史上一场最为奇特的“瘦身运动”也就此拉开.第一个将“瘦身”推向极致的是法国王妃凯瑟琳·德·美第奇,由于她的腰围在传闻中达到了40厘米,欧洲的妇女们便立刻改变了紧身胸衣的标准,原来为了穿着舒适而设计的弹性功能现在变得多余了,鲸须胸衣不再适用,取而代之的是铁制的胸衣,一种由前后左右四块铁片组成的金属构件被设计出来,片与片之间用合页连接,宽窄与松紧则通过铰链或插销调整.你可以想象穿这种衣服时发出的“吧嗒吧嗒”声,就像关窗户,或锁上小巧的密码箱,所以有人将这种胸衣形容为“痛苦的囚衣”.点击今天的一些虐恋网站,我们仍然能在那里的购物网页上看到类似的“刑具”,那些虐恋者们,也许他们能够清晰地说出肉与铁相触时的快感,而300年前的女人们却再也忍受不了了,在持续的背脊损伤、肋骨变形等病痛中,她们终于在细腰和活命之间选择了后者,铁制的胸衣被废弃,转而采用布纳胸衣.18世纪初的人们对娇小、纤细的身材情有独钟,女人们常用隐藏式的夹板束胸来控制自己的体型,对自然呈现的肌肉则十分厌恶.她们喜欢圆润的颈项,丰满的手臂,开得极低的领口凸显出高耸的乳峰,用撑环撑起的夸张的臀部,以及使小腿看上去更加丰满的假腿肚.沉迷于社交场的女人们以忧郁的眼神来传达她们对情人的爱意,浅笑的小口,修长且胖嘟嘟的小手,挤在尖头鞋中的小脚,这些装束上的束缚,用金属架撑起的肉体,粘乎乎的胭脂制出晚宴的奢靡与yin乐,同时也带来了头晕、贫血和疲惫,所以医生在开出的药方中,总少不了“须在空气好的地方散步,节制肉yu”之类的药引.紧身胸衣在此后相当长的一段时间里趋于宽松,但到了19世纪又再次走向极端.1850年代的贵族女子在穿着上化费的时间,是我们现在的任何一个女子都望尘莫及的.那时流行一种叫克里诺林crinoline的撑裙,这种撑裙用轻金属制成环型撑架,然后填塞或包覆马毛、麻等材料作为裙撑.穿这种裙子单靠一个人几乎无法实现,一般由两个以上的助手协助完成.首先,她们得穿帮她穿上紧身胸衣,从后面一节一节地系紧抽带,然后穿上内衣和贴身的长内裤,然后是法兰绒的衬裙,然后是内衬裙,然后就是膨胀如车轮的裙撑,再然后是上了浆的白衬裙,然后是两层纱布的衬裙,最后,才是由塔夫绸或透孔织物等轻薄面料做成的裙子.穿这种裙子不仅需要足够的人手,还需要足够的空间,否则,当仆女们将太阳伞一样的裙裾用撑杆撑开并从女主人的头顶往下罩的时候,便很有可能将旁边的茶几、梳妆台或其它的小东西也一并收进去.事实上有些女人已经注意到了这一点,不过她们穿着巨大的撑裙招摇过市并不是为了显示身材,而是为了趁人不备的时候将她们喜欢的东西掖进裙子里.由于穿这种裙子偷窃的成功率总是很高,所以1868年以后克里诺林就不再受欢迎了.佩雷在他1868年的巴黎女子中所写的“资产阶级女子不上妆,洁身自爱”,指的是当时的化妆风尚,那时的女子刚从意大利式的浓妆艳抹中挣脱出来,却又在病态美的追求中走向另一个极端.在化妆室中,女人们在脸上涂抹白色的浮液或冷霜,搽厚厚的面香粉,如果头发是金色的还会在脸颊上抹些粉色的腮红,然后用眉笔将眉毛拉长,画上黑眼线,再把睫毛刷得又黑又亮.这样的妆容配合紧身胸衣塑造出的形象,使维多利亚时代的女子在放纵与端庄之间找到了一个衔接点.她们表面上高贵端庄,举止优雅,坐下时绝不交叉双腿和依靠椅背,说话时神情稳重,举止有致.但另一方面被紧身胸衣高高托起的酥胸却又泄露出不可遏制的情欲.康佐Kunzle在Dress reform as antifeminism一书中写道：“束腰及随之而来的低领服装作为一种时尚而首次出现于14世纪中叶并一直苟延到第一次世界大战的现象,并非历史上的偶然现象,束腰和低领服装是西方服装增加性感的主要手段.它们与人们的性意识及公开的性负罪感同时出现,与基督教的性压抑互为因果,而这种压抑在维多利亚时期达到顶点.”紧身胸衣的争论从来就没有停止过,有人说它将女性的美发挥到了极致,也有人说它是非自然的病态之花,损害妇女健康的头号杀手.第一次世界大战之前的网球明星贝蒂·瑞安回忆说,他曾亲眼目睹英国网球俱乐部女更衣室栏杆上的斑斑血迹——那是女选手们将她们汗湿的紧身胸衣搭在上面后留下的.尽管人们怀疑紧身胸衣毁掉了女人的许多脏器：胃、子宫、肺……,但维多利亚时代的女人与现代的女人一样,在美字面前无所畏惧.这就像如今的人造美女,她们之所以允许那些大夫们用手术刀割开自己的鼻子、眼皮、嘴唇、胸脯、大腿……,是因为她们相信这样的确会使自己变得更美.古代的内衣就是指束胸布和缠腰布,或诸如此类的东西.人们将长方形的布料捏出层层皱褶,古地中海区域的服装大多是这种样式的.1580年到1600年间,有种铁制紧身内衣被认为是第一种流行的紧身内衣,但人们更倾向于相信这是用来纠正变形的脊椎的.十七世纪到十八世纪后期,随着人类行为的不断理性化,谨慎内衣的内涵也逐渐地改变了.似乎是这种理性化和关联化,导致了整个社会对“虚伪的人造时尚”的批评,其中包括对紧身胸衣的批评.在十八世纪七十年代,在时髦的法国女人中另有一种“紧身内衣”悄然兴起,它由两个小巧的胸罩组成,亚麻为衬,没有衬骨而且穿着方便,用细绳或带子在前胸系紧即可.到十八世纪九十年代,人们发明了一种高腰的新古典主义女式长裙.虽然这种长裙能够而且也经常和长款的紧身胸衣配套使用,但似乎短宽的紧身胸衣更为合适.大约在1907年与1910年间,时髦的半身侧面轮廓逐渐变得更直挺,腰部变得宽松,但臀部却更紧绷了.苗条的年轻女人仅需一个胸罩和一件无衬骨的束腰衣就足够了,这一组合被称为“探戈紧身内衣“,它极具灵活性.直到大约1919年,大多数紧身内衣依然是前部有两个分开的胸罩杯、后部勒紧的样式.种类各异的新式内衣中还包括边裤束腰衣,它是1935年发明的,可穿在长裤内.这种束腰衣常常会与胸罩搭配使用.当然也有连为一体的基础束身内衣,人们也经常把它们列入紧身内衣范围之内.在二十世纪的大部分时间里,紧身内衣逐步向塑造强身健体的内衣过渡.尽管人们越来越重视节食和身体锻炼,尽管收腹内衣越发多样化,某些内衣直到60年代后期,仍然是女人衣橱中必不可少的主角.但此后,紧身内衣并没有消失殆尽,而是由人们更主动地以减肥、锻炼以及被外科整形所代替.随着20世纪历史车轮的远去,人们对拥有健壮体魄的渴望无情地超越了空衬骨内衣的行为.然而近些年来,紧身内衣东山再起,而且朝着内衣外穿的方向发展.然而到十九世纪,有衬骨的紧身内衣不但东山再起,而且势头更为强劲猛烈.人们将新古典主义时期的长裙以及不穿胸衣现象,看作是大革命时期社会秩序杂乱无章的恶果.于是紧身胸衣又成了女士时装中不可或缺的部分.由于技术革新和时尚翻新的缘故,内衣的样式和造型也改变了许多.内衣加长,底部飘带被三角形和菱形布料取代,正面有胸罩,背部固定,而且一定要穿在外衣里面,大多由普通白色棉布和亚麻布做成.大约在1800至1870年之间,紧身内衣几乎总是白色的.第一件前部开襟、内衬钢条的紧身内衣是由法国内衣商让·朱利安·若斯兰于1829年发明的,它使得女人无需别人的帮助,自己就能穿上并脱下内衣,但是直到1850年才流行开.十九世纪六十年代是带衬的长裙广为流行的时代,长裙几乎可以使每个人的腰都显细,而大部分的紧身内衣都很短.在十九世纪七十年代,短裙变紧了而紧身内衣却加长了,不仅舒服了腰部还束裹了腹部.这就是所谓的盔甲式紧身内衣.到了十九世纪八十年代,勺形的鲸骨支撑物很是流行,这就形成了腰部收紧,腹部加宽的S形曲线.第一件真正的紧身内衣形成于十六世纪上半叶的某个时候,那时的贵族妇女们开始穿鲸须紧身内衣.换句话说,她们的布质胸衣开始添加更为坚固耐用的鲸须、兽角和硬布等诸如此类的材料.这类款式造型来源自西班牙和意大利,随后迅速风靡到欧洲各国.这种内衣穿于胸腹之间,可使腰身更显颀长挺拔.这种前身中心带“支柱”的内衣被称为“胸衣”.两侧还额外加上骨条或支柱,它将丰满的身体和贴身束体的衣服结合得几乎天衣无缝.身段,尤其是女性身段,在历史上的重要性被不知不觉地提高了.统治阶级的男人不穿这样的谨慎内衣,但他们却穿着僵硬的谨慎上衣和前部饰有裤袋的谨慎裤,他们坚持舒服形体并穿着度身定做的服装的目的,用以炫耀他们的阳刚之气.此外,十六世纪的士兵确实穿着一种被法国人叫做谨慎内衣的上衣,实际上这是一种用以保护躯干的盔甲.当时的人们就已经注意到了女性和男性胸甲之间的共同之处.。