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音乐本科毕业论文范文篇一：音乐专业毕业论文范文两篇篇一摘要：教育改革小学音乐课堂教学随着教育改革的不断深入，很多学校积极开展了素质教育，而抓好课堂教学的转轨，优化课堂教学，提高课堂教学效益，对实施素质教育才是最具重要意义。
一、科学的教学目标素质教育的课堂教学目标，首先在于它的基础性、全面性和发展性。
我以前在制定教学目标时，往往都是很随意的、模糊的和单一的。
如我在教授音乐欣赏《动物狂欢节》这一课时，就简简单单地把教学目标制定为：通过欣赏这一乐曲，让学生感受力度与音色在音乐表现中的作用。
我在以后的教学中，改进了以往的做法，先制定出全学期的教学目标，再从熟悉教学内容入手，明确具体的制定出课时的教学目标，并对照以前的教学效果，感觉确实有很大不同。
现在我把《动物狂欢节》这一课的教学目标制定为以下几点：通过欣赏乐曲，让学生感受力度与音色在音乐表现中的作用，提高学生的审美能力和形象思维能力;让学生听辨出钢琴的音色，并能在合奏中听出是否有钢琴的声音;通过欣赏《大象》和引子使学生能听辨出低音提琴的音色;介绍主题，使学生认识力度标记“ff”和升号“#”，初步了解它们的意义。
这样根据以上几点再进行教学时，觉得这节课的教学效果和以前的教学效果大不一样了。
以前上过了这节课，学生感觉上这节课老师就是让我们听一段音乐似的。
而现在，在新的教学目标的指导下，教学过程中学生表现的是兴趣昂然、生机勃勃，这样一节课下来，学生能轻松愉快地学到了该学的知识，我也轻松自如地完成了教学任务。
二、灵活的教学结构教学结构是教学思想、教学目标和教学进程的外在表现。
以前上《动物狂欢节》这节课时制定的教学结构很简单：组织教学;听录音;让学生谈谈大象和狮子的特点;介绍乐曲的主题特点;介绍“ff”;讲解“#”记号;介绍作曲家。
这样一节课下来虽然完成了教学任务，但总觉得单调、无味，学生表现出很乏味，连我自己也觉得缺点什么。
于是，我试着改进了以前的方法，重新制定出新的教学结构：组织教学，检查课前准备情况;欣赏多媒体课件，让学生观察大象和狮子，以增加感性认识;学生对两种动物的特点进行描述，以讨论形式进行;教师总结补充两种动物的特点：听音乐，教师介绍其主题特点和对大象进行形象的描述;两首乐曲对比听赏，让学生充分发挥自己的想象力对动物进行联想;出示两首乐曲的乐谱，讲授“ff”和“#”的意思;体态律动，根据音乐，按学生的理解作体态律动，模仿两种动物的动作;介绍作曲家;将参考曲目与两首乐曲对比，潜移默化地让学生感受不同的表现手法在音乐表现中的作用。
音乐本科毕业论文题目音乐本科毕业论文题目音乐是一门充满艺术性和创造力的学科，涉及到广泛的领域，例如音乐理论、音乐史、作曲、演奏等。
对于音乐本科学生而言，撰写一篇毕业论文是必不可少的一项任务。
然而，选择一个合适的论文题目往往是一项具有挑战性的任务。
本文将探讨一些潜在的音乐本科毕业论文题目，以帮助学生们找到适合自己的研究方向。
一、音乐教育与学习1. 音乐教育对学生学习成绩的影响：以实证研究为基础，探讨音乐教育对学生学习成绩的积极影响。
2. 音乐学习与认知发展：通过研究儿童音乐学习的过程，探讨音乐对认知发展的促进作用。
3. 音乐教育的价值与挑战：分析音乐教育的重要性，同时讨论音乐教育面临的挑战和困境。
二、音乐创作与表演1. 音乐创作中的创造力：研究音乐创作过程中的创造力表现，探讨音乐创作的灵感来源和技巧。
2. 音乐表演与情绪表达：通过研究音乐表演中的情绪表达方式，探讨音乐对情绪的调节和表达作用。
3. 音乐演奏技巧的发展：以演奏技巧为研究对象，探讨不同演奏技巧对音乐表达的影响。
三、音乐与社会文化1. 音乐对社会文化的影响：研究音乐在社会文化中的地位和作用，探讨音乐对社会变革和文化传承的影响。
2. 音乐与身份认同：通过研究音乐与身份认同的关系，探讨音乐对个体和群体身份认同的影响。
3. 音乐与社会问题：以音乐为视角，探讨音乐对社会问题的反映和解决作用。
四、音乐技术与创新1. 数字化时代的音乐创新：研究数字化技术对音乐创新的影响，探讨数字化时代音乐产业的发展趋势。
2. 虚拟现实技术在音乐中的应用：以虚拟现实技术为研究对象，探讨其在音乐创作、表演和教育中的应用前景。
3. 音乐与智能技术的结合：研究音乐与智能技术的结合，探讨智能技术在音乐创作和表演中的应用效果。
以上仅为一些可能的音乐本科毕业论文题目，学生们可以根据自己的兴趣和研究方向进行选择。
无论选择哪个题目，都需要进行深入的文献研究和实证研究，以确保论文的科学性和可靠性。
流行音乐本科论文范文3篇在大学的音乐欣赏课中学生对古典音乐和流行音乐的不同态度的调查问卷在大学的音乐欣赏课中学生对古典音乐和流行音乐的不同态度的调查问卷课题：在大学的音乐欣赏课中学生对古典音乐和流行音乐的不同态度形式：问卷调查封闭式，半封闭和开放式问卷相结合现状：传统的音乐教学内容已经很不受学生欢迎,流行音乐以其贴近生活,通俗易懂,引领时代潮流而占据了学生音乐生活空间.目的：为了能够更好的使大学音乐欣赏课程和学生的心理发展结合起来，并且可以根据学生的要求来调整课程的设置，使得音乐欣赏课真的能够学有所用。
研究背景：现在随着大众传播媒体以及互联网的不断发展，使得人们对于音乐的欣赏与消费比以往的任何时代都更加迅速、有效和广泛。
在最近的几年里，大大小小的演唱会也越来越多的出现在电视屏幕上。
音乐排行榜、演唱会、歌友会等等音乐有关的名词对于大多学生来说并不陌生，而孙燕姿、周杰伦、等歌手以及音乐团体更是耳熟能详，对于古典音乐喜爱的人就越来越少了，但是在我们的大学的音乐欣赏课中对古典音乐和民族音乐的欣赏还是占有大部分，所以很多学生慢慢的已经不喜欢上音乐欣赏课了，为了了解学生们的喜好，并且更加准确的定位上课的内容，所以我决定做这个问卷调查应有目的地将流行音乐引入课堂,使学校音乐教育与社会音乐环境结合起来,形成合理、有效的提高学生素质的教学模式.音乐教育在大学课堂中的重要性：音乐教学在艺术教育中有很重要的地位,它对促进学生的全面发展,塑造完美人格具有独特的、不可替代的作用. 在高校人文素质课程教学中,音乐欣赏课是最受大学生喜爱的课程之一.在欣赏内容的选择上,大多数学生选择流行歌曲,而选择交响乐、艺术歌曲和民族音乐等欣赏内容的学生则较少.三、调查时间，地点，对象：1调查教师情况：谢惠迎，女大学本科毕业，教学内容：音乐欣赏，文艺指导2时间：2021年 9月3地点：北京兴华大学（借助朋友的学校做的此项调查）4对象：学生100名，平均年龄21岁四、调查方法：为了使我们的调查更具代表性，调查数据更具说服力，我们以不记名填写调查问卷的形式进行校园问卷调查，派发问卷100份，收回问卷100份，有效问卷100份，有效问卷中男学生54名，女学生46名。
音调、响度和音色的区别响度、音调和音色是描述声音特性的3个要素。
（1）音调：人耳对声音高低的感觉称为音调。
音调主要与声波的频率有关。
声波的频率高，则音调也高。
物体在1秒内振动的次数叫频率。
物体振动得越快，频率越大。
所以，音调跟发声体振动的频率有关系。
频率越大，音调越高；频率越小，音调越低。
男低音歌唱家可以低到每秒65次，而女高音歌唱家可以高达每秒1180次。
（2）响度：人耳对声音强弱的主观感觉称为响度。
响度和声波振动的幅度有关。
1般说来，声波振动幅度越大则响度也越大。
物体在振动时偏离原来位置的最大距离叫振幅。
实验表明，音叉叉股、橡皮筋的振幅越大，人们听到的声音越大。
所以，人耳感觉到的声音的大小－－响度，跟发声体的振幅有关系。
振幅越大，响度越大；振幅越小，响度越小。
响度还跟距离发声体的远近有关系。
声音是从发声体向4面8方传播的，越到远处越分散，所以人们距发声体越远，听到的声音越小。
如果能够想办法减小声音的分散，就可以使声音响度更大些。
（3）音色：音色是人们区别具有同样响度、同样音调的两个声音之所以不同的特性，或者说是人耳对各种频率、各种强度的声波的综合反应。
音色与声波的振动波形有关，或者说与声音的频谱结构有关。
胡琴、钢琴、吉他、笛子等乐器发出的声音，即使音调、响度都相同，我们也可以分辨出来，可见乐音除了音调和响度这两个特征外，还另外有1个特征；这第3个特征叫做音色，我们能够分辨出各种不同乐器的声音，就是由于它们的音色不同。
人的声音的音色也因人而异，所以我们闭着眼也能听出是哪位熟人在讲话。
响度、音调和音色是描述声音特性的3个要素。
（1）音调：人耳对声音高低的感觉称为音调。
音调主要与声波的频率有关。
声波的频率高，则音调也高。
物体在1秒内振动的次数叫频率。
物体振动得越快，频率越大。
所以，音调跟发声体振动的频率有关系。
频率越大，音调越高；频率越小，音调越低。
男低音歌唱家可以低到每秒65次，而女高音歌唱家可以高达每秒1180次。
声乐专业毕业论文范文精选声乐是音乐专业学生的一门选修课，学好声乐有很大的作用。
下面是店铺为大家推荐的声乐毕业论文，供大家参考。
声乐毕业论文范文篇一：《民间音发展趋势》摘要：民间音乐一直是传统音乐中的重要组成部分，而当今许多的民间音乐被列为世界非物质文化遗产，这不禁引起了人们对它的关注，同时它的传承与保护也变的尤为重要。
通过对民间音乐的独特价值及发展趋势作出较详细的论述，期望民间音乐能随着物质文明和精神文明的不断演变发展而日益繁荣，更好的传承和发展下去。
关键词：民间音乐;传统音乐;发展趋势中华民族有着广阔的疆域，众多的民族，丰厚的文化底蕴，传统音乐这种世代相传、具有民族特色的本土音乐也是我国悠久历史文化的一部分。
民间音乐是传统音乐中不可缺少的的部分，民间音乐是传统音乐中最基本、最丰富、最富有生命力的部分。
一、中国传统音乐与民间音乐中国传统音乐指的是中国人运用本民族固有的方法，采取本民族固有形式创造的，具有本民族形态特征的音乐，其中不仅包括在历史上产生的、历代相传至今的古代作品，也包括当代中国人用本民族固有形式创作的，具有本民族固有形态特征的的音乐作品。
民间音乐是传统音乐的一部分，也是传统音乐中最基本、最丰富、最富有生命力的部分，并且与宫廷音乐、文人音乐和宗教音乐有着密切的联系。
伍国栋老师对其作如下界定“民间音乐是当今世界各国、各民族传统音乐文化中存见的一部分既古老又现代的音乐文化类型，是创造于人民大众又供人民大众在日常生活中通过口传心承方式来共同操纵、共同享用、共同演绎和共同传承的一种非专业的社会音乐文化产品。
”①如此一来更有效地认证了民间音乐的地位。
二、民间音乐的独特价值民间音乐是人类音乐中最丰富的宝藏，也是世界非物质文化遗产的重要成员，它随着历史进程的发展，是人类历史的见证，具有独特的价值，如人文价值、学术研究价值、审美价值和音乐创作素材价值。
(1)人文价值，是指民间音乐反映的历代各族人民的社会生活、历史事件、生活习俗等人文资料。
音乐专业本科毕业论文开题报告写作方法的完成质量直接决定了论文是否具有可行性，或者说，开题报告的优劣直接决定论文的学术价值，下面是搜集整理的音乐专业论文开题报告写作方法指导，供大家阅读参考。
按照当前普通高校对学士学位论文工作的要求，在正式开始前要确定选题、撰写开题报告。
开题报告是研究者在完成论文选题、初步资料收集基础上撰写的课题论证与研究计划，它不仅要清楚地阐述研究者要研究的问题，还要明确陈述这些问题得以提出的依据，解决问题的基本思路，并对研究者的研究条件、前期准备及研究计划进行说明。
一、开题报告的主要内容通常情况下，学士学位论文的开题报告中涵盖了以下内容：拟选题目、选题依据与研究意义、选题的研究现状、拟研究的主要内容和思路、研究的创新点及重难点、研究进程安排、主要。
1.拟选题目。
拟选题目，即作者要研究的核心问题。
特别需要注意的是拟选题目和研究方向不同。
研究方向是选定专业中的某一领域作为研究范围，而拟选题目需要对研究范围加以限定，明确要回答的具体问题是什么。
也就是说，拟选题目是在研究方向的基础上对某一问题的针对性研究。
如“小学音乐课堂教学的有效性”是一个研究方向，如果在此基础上拟定论文题目的话，就要对其进行进一步的限定，如“如何以学生为主体实现音乐课堂教学的有效性---以小学三年级为例”.该论文题目与研究方向相比，加入了“以学生为主体”、“以小学三年级为例”两个限定词之后，其研究对象、研究范围通过研究要回答的问题在题目中一目了然地呈现出来。
在论文题目的选择上，“一个好的选题必须遵循两大标准：专业标准和问题标准。
何谓专业标准?即一个选题必须在该生所攻读的专业范畴之内，必须是本专业公认的研究问题。
何谓问题标准?即一个选题必须是一个值得研究的好问题。
”[1]彭玉生提出了“好问题”的四个评判标准：“具体、集中、原创、意义。
”[2]2.选题依据与研究意义。
选题依据陈述的核心是为什么选这个题目，出于何种考虑选择此研究对象，并说明研究对象的典型性和特殊性。
音乐本科毕业论文范文一个国家的精神文明建设水平，一个民族的音乐文化素质，在很大程度上取决于社会音乐教育的实施。
下面是店铺为大家整理的音乐本科毕业论文，供大家参考。
音乐本科毕业论文篇一大学音乐教育人文素养探讨音乐本科毕业论文内容人文素养，从字面上不难理解，“人文”即政治、哲学、文学、法学等人文科学，“素养”即人的综合能力的体现。
因此，人文素养是指对人文科学的学习和钻研能力，以及从中所体现出的以人为核心的一种精神，即人的内在品格。
我们常说，音乐是有生命的，是有感情的，是有灵魂的。
这个“生命、感情、灵魂”便是人文素养，所以，人文素养是音乐的根，只有从“根”上长出来的音符、线谱、歌曲、声音，我们才能说音乐是有魅力的。
一、浅析大学音乐教育中的人文素养人文素养的核心，不是去彰显能力，而是以人为中心的一种精神和信仰，是对人的思想、感情、价值的关怀，它其实是一种为人处世的最基本的“德行”。
人文精神可以引领着音乐向宽广的、充满希望的方向去发展，从而提高音乐的艺术美感以及人们的艺术修养。
(一)人文素养是新时期音乐教育中的必然需求重视知识技能，忽略人文修养已经是大学音乐教育中的老现象了，在这种教育模式下培养出的音乐表演者，他所表演的，也只是音乐的躯壳而已。
表演艺术家之所以被称之为“艺术家”，就是因为他的人文修养和精神品格令人敬仰，他对音乐有深刻的理解，对音乐中蕴藏的感情和内涵有自己独到的见解，艺术家和音乐的关系，就像是朋友知己，可以相互交流和理解。
现在许多从事音乐教学的老师都非常年轻，并且接受过系统正规的专业教育，各种乐器及乐理知识非常丰富，但是最终所讲出来的内容却空洞乏味，呆板无趣，学生完全体会不到音乐的精神和热情。
不是老师不会讲课，也不是老师不懂音乐，而是心里缺少文化艺术素养的支撑。
一位没有人文精神的老师，他所讲述的音乐，只能是皮毛。
大学音乐教育专业的主要任务，便是培养表演人才和教育人才。
同时，“表演和教育”也是音乐文化得以传承的最主要的两个途径。
音乐学校毕业论文(5篇)音乐学校毕业论文(5篇)音乐学校毕业论文范文第1篇一、一般高校音乐表演学科毕业答辩音乐会教学存在的主要问题（一）毕业答辩音乐会出名而无实一般高校音乐表演学科的本科生毕业答辩音乐会普遍存在名不副实的状况。
音乐表演学科因其专业的限制性、就业范围相对其他文理专业较窄，因此往往在一般高校学科设置中简单忽视，因此所谓的答辩音乐会质量差强人意。
一场高质量的音乐会，应当呈现出来的是同学演唱的完整性、曲目搭配的科学性以及音乐会本身的高规格（包括舞台形象、舞美设计等），但大部分一般高校音乐表演学科的本科毕业答辩音乐会过于形式化，并没有达到一场真正的音乐会应有的质量水平和教学目的，比如因师资力气不够，声乐器乐不分考场，作曲作品质量远远不够，部分专业（如流行演唱专业）需要使用电声设备却因硬件限制无法使用，毕业生答辩曲目总量不够、演唱质量不高、曲目搭配不合理等问题屡见不鲜，这些问题的消失直接影响本科毕业答辩音乐会的整体质量，使一场音乐会出名而无实，本身的欣赏性和教学价值远远不够。
（二）同学对待毕业答辩音乐会缺乏重视对于非专业音乐院校的音乐表演学科的同学而言，有相当一部分同学认为通过本课的课程学习，自己已经把握相关学问和专业技能，毕业答辩音乐会的设计和实施不过是获得学位的一种必定形式，加之大部分用人单位在选聘毕业生时，鲜有关注和考察毕业生答辩音乐会的质量问题，同学由此便认为答辩音乐会的好坏与就业关系甚微，也就不愿花更多的精力进行音乐会的筹备事宜；甚至还有一部分同学认为，只要站在舞台上，根据学位要求演唱（演奏）完相应数量的作品就可以轻松毕业，无形中降低了对毕业答辩音乐会的自我要求。
（三）毕业答辩音乐会设计质量不高众多一般高校音乐表演学科的同学抑或老师会认为，毕业答辩音乐会的设计比音乐会本身简单很多，于是形成了同学和老师在音乐会设计上花费的精力远远少于舞台现场表演的预备工作。
毕业答辩音乐会由舞台表演和现场答辩两个部分组成，之前应当有详尽而科学的毕业答辩音乐会设计方案。
音乐专业毕业论文选题音乐专业毕业论文选题：音乐在社交媒体平台的影响摘要：随着社交媒体的普及和发展,音乐作为一种重要的文化形式,在社交媒体平台上扮演着重要的角色。
本论文通过文献综述、案例分析等研究方法，探讨了音乐在社交媒体平台上的影响，包括音乐传播的方式、音乐创作的影响、音乐人气的塑造等。
通过对音乐在社交媒体平台上的影响的研究，可以为音乐传播和音乐产业的发展提供参考，为音乐人和音乐爱好者在社交媒体平台上更好地发展和交流提供指导。
关键词：音乐专业，社交媒体平台，音乐传播，音乐创作，人气塑造一、引言社交媒体的出现和普及，使音乐在传播和创作方面发生了革命性的改变。
而音乐作为一种文化形式，也开始通过社交媒体平台影响和塑造着现代人们的审美和消费习惯。
本论文旨在探究音乐在社交媒体平台上的影响，提供一些对音乐传播和音乐产业发展有参考价值的理论和实践经验。
二、音乐传播的方式1. 社交媒体平台对音乐传播的作用社交媒体平台打破了传统音乐传播的时空限制，为音乐人和音乐爱好者提供了广阔的交流和分享平台。
通过社交媒体平台，音乐可以迅速传播到全球各地，同时也增强了音乐与听众之间的互动。
2. 社交媒体平台对音乐品牌传播的影响社交媒体平台为音乐品牌传播提供了新的机会和方式。
通过社交媒体平台的粉丝互动、音乐活动的宣传等方式，音乐品牌可以更加精准地定位目标受众，提高品牌知名度和影响力。
三、音乐创作的影响1. 社交媒体平台对音乐创作的启发社交媒体平台为音乐创作者提供了与听众进行直接互动的机会。
音乐创作者可以通过社交媒体平台与听众分享创作过程，收集反馈和意见，提高作品质量。
2. 社交媒体平台对音乐创作风格的影响社交媒体平台的兴起使得音乐创作的风格越来越多元化。
通过社交媒体平台，音乐创作者可以接触到更多的音乐风格和文化元素，从而丰富自己的音乐创作。
四、音乐人气的塑造1. 社交媒体平台对音乐人气的影响因素社交媒体平台对音乐人气的影响来自于多个方面，包括粉丝互动、音乐作品的传播、个人形象的打造等。
音乐学毕业论文文献综述引言音乐学是一门研究音乐的综合性学科，涉及音乐的理论、历史、文化、心理等方面。
本文旨在对音乐学领域的相关研究文献进行综述，探讨音乐学的发展现状、重要理论与方法以及相关研究的成果和挑战。
通过综述相关文献，为进一步开展音乐学研究提供理论支持和参考。
一、音乐学发展历程音乐学作为一门学科，有着悠久的历史。
从古希腊时期的音乐哲学，到18世纪的音乐美学，再到现代的音乐心理学和音乐社会学，音乐学的研究涵盖了广泛的领域。
此部分将回顾音乐学的发展历程，并探讨各个时期的重要理论和方法。
二、音乐学理论与方法在音乐学研究中，理论和方法是非常关键的。
本部分将介绍音乐学研究中的重要理论与方法。
其中包括音乐分析方法、音乐心理学理论、音乐教育理论等。
通过对这些理论与方法的综述，旨在为音乐学研究者提供参考和指导，帮助其选择合适的理论框架和研究方法。
三、音乐学研究领域与成果音乐学的研究领域非常广泛，涉及音乐的各个方面。
本部分将综述音乐学研究的主要领域和相关成果。
包括音乐史研究、音乐文化研究、音乐教育研究等。
通过对这些研究领域和成果的综述，可以了解音乐学的前沿研究方向和取得的成果，为进一步研究提供启示与借鉴。
四、音乐学研究的挑战与展望在音乐学研究中，也存在一些挑战和问题。
本部分将讨论音乐学研究面临的挑战，并展望其未来发展方向。
其中包括传统音乐与当代音乐研究的结合、跨学科研究的重要性等。
通过对这些挑战和展望的综述，可以更好地把握音乐学研究的发展趋势和前沿问题，为未来的研究提供指导和借鉴。
结论音乐学是一门富有活力和广阔前景的学科。
通过对音乐学的文献综述，我们可以了解音乐学的发展历程、重要理论与方法、研究领域和成果，以及面临的挑战和未来展望。
这对于进一步推动音乐学的研究和发展具有重要意义。
希望本文的内容能够为研究者提供启示和参考，促进音乐学的健康发展。
音乐学专业本科毕业论文 The Standardization Office was revised on the afternoon of December 13, 2020南京晓庄学院毕业论文（设计）视唱练习对钢琴演奏的帮助姓名：学号：院系：音乐学院专业：音乐学年级： 2014级指导教师：视唱练习对钢琴演奏的帮助中文摘要随着音乐热潮的兴起，钢琴被更多的人所接受并练习。
钢琴不仅仅是练习的乐器，更是一种表演的乐器。
而在西洋乐器中，钢琴也有着“乐器之王”的美誉。
这对钢琴的教学与演奏提出了更系统，也更严谨的要求。
钢琴的演奏除了有技术层面的要求，更多的是对情感的诠释、作品的理解和作曲家风格特色等等方面的的表达。
这些都不是只有纯粹的钢琴练习就能达到的。
在钢琴的教学和演奏过程中，有一个词被频繁提起，那就是——乐感。
表演者对演奏或演唱作品的理解和表达，就能称之为乐感。
在音乐表演中，作品的诠释是否到位、情感是否贴切都以乐感为体现。
这使得乐感成为判断一位演奏者是否成功的重要条件之一。
乐感并不是天生就拥有的，在后天的学习中，我们可以通过丰富的视唱练习、反复的听、反复的唱以得到我们需要的音响效果。
特别是具有音乐性的视唱练习，是培养乐感，提高钢琴演奏能力的最佳途径之一。
传统意义上的视唱练习，过于关注音准的问题，从而忽略了对旋律表演性以及乐曲整体性的表达。
这让视唱练习成为单纯的音准练习，没有达到锻炼乐感能力的目标。
在视唱练习中，有许多方面都能够对乐感能力有着锻炼的作用，比如节奏感的培养，和声感到培养，音量、力度感的培养等。
笔者认为：只有加强对视唱练习的重视，从各个方面锻炼视唱能力，提高视唱水平，才能使乐感能力得到提升，也只有这样，才能丰富钢琴的表达能力，从而提高钢琴的演奏水平，达到练习视唱的目的。
关键字：视唱练习，乐感，钢琴演奏目录55 6（三）对于音量和力度的培养7（四）对于和声听觉的培养7四、视唱练习对钢琴演奏的帮助7（一）视唱对乐感的帮助8（二）音准的表现功能对钢琴演奏的帮助8（三）拍子的表现功能对钢琴演奏的帮助9（四）节奏的表现功能对钢琴演奏的帮助9（五）力度的表现功能对钢琴演奏的帮助10（六）和声的表现功能对钢琴演奏的帮助11（七）调式的表现功能对钢琴演奏的帮助1234注解：155一、绪论钢琴演奏的道路上，我们可以通过循序渐进的练习、科学的方法得到良好的效果以及完美的演奏技术。
只有掌握了科学的练习方法，加以刻苦练习，就能取得成功。
而一个成功的钢琴演奏者所拥有的，绝不仅仅只有技术而已；还有充满感染力的音乐表现力，使听众引起共鸣的音乐魅力。
这些都不是一个只有技术的演奏者可以达到的。
除了完美的演奏技术，表演者更需要的是“乐感”。
有了良好的乐感能力，才能把谱面上音符变成富有旋律性的乐音；有了良好的乐感，才能将作曲家所要表达的意境，通过乐音表达出来；有了良好的乐感，才能更准确的理解作曲家的所思所想；有了良好的乐感，才能更全面的呈现曲子所要表达的思想感情。
而良好的乐感又需要通过科学的、全面的视唱练习得到。
视唱练习所必备的也不仅仅是简单音准而已，还有各种各样的节奏型，色彩丰富的和声，种类繁多的表情记号和力度变化记号等许多方面。
只有加强对视唱练习的重视，才能提高乐感能力，从而提高钢琴演奏水平。
二、视唱的重要性（一）视唱练习的一般状况在传统的视唱练习教学中，往往过于注重在音准的训练上，使得学生认为：只要有正确的音准，就等于是学好了视唱。
导致了学生们只是一味的反复模仿,使视唱成为单纯的模唱。
这种学习方法的单调性,不仅使他们的学习态度发生了改变,而且也让他们对这门课程的真正内涵也发生了本末倒置的理解,认为视唱就是把书上的几百条视唱曲唱下来就好了,甚至背下来,就学会视唱了。
而在练习中，学生花太多的精力在“唱名”上，也导致他们忽略了视唱曲原本的旋律性和音乐美感，使得视唱曲成为单纯的练习曲，而不是具有旋律性的乐曲。
这也改变了视唱练习的最初要求——培养学生乐感的要求。
学生通过这样的视唱练习所得来的，不过是麻木的音准和没有乐感可言的句子而已。
（二）视唱练习的重要性视唱是通过视觉来进行识谱的，它不仅仅是练耳的基础，也是积累音乐语汇和音乐听觉经验最直接、最有效的方法之一。
首先我们必须明白的是，学生视唱的目的是什么。
第一：熟练音符间的关系，像掌握语文词汇一样的掌握音符，这样才能做到信手拈来，得心应手。
所有的旋律都是由音符组成的，熟练视唱也就是熟练音符的过程,像这样循环往复,才能达到视谱即唱的目的。
第二,就是通过声音作用于听觉,积累听觉经验。
听觉经验，是理解音乐的基础，而音乐理解则直接关系到音乐的表达。
积累大量的听觉经验，也可以促进对多声部听觉的能力以及对和声音响的理解和分辨。
视唱是一门基础课，其最终的目的，是训练学生的读谱能力，培养学生准确的拍子、节奏和良好的音准及乐感能力。
因此，视唱所要训练的内容是十分的丰富的，包括音准、节奏、表情、读谱等等。
所以，在训练的过程中，既要将每一方面单独训练，又要有将他们统一起来的能力。
比如说“音准”，在不同的节奏中，音准的准确度也有难易之分，而在不同的速度和表情下，音准也存在着细微的差别感。
而读谱的敏锐度，是影响视唱是否完整的最根本的原因。
因此，在视唱练习时，必须将各项的单项练习和综合练习统一起来，多方面渗透，多方面成长。
视唱除了解决最基础的音准、节奏、表情外,还必须注意培养乐感能力,这是学生在视唱学习时最容易忽视的问题。
在传统的练习中，学生将注意力大多都集中在“唱名”上，从而忽略了视唱曲原本的旋律性和音乐性，这就使得教师必须时刻提醒学生，将每一首视唱曲都当做歌曲来唱，将歌唱的方式和视唱结合起来，使得学生在唱视唱的同时，也注意到旋律的美感，只有这样才能正确的表达曲子的风格特征。
虽然初期接触的视唱一般都以功能性居多，因此或多或少就忽略了视唱练习原本的音乐性,虽然这个时候的视唱曲都较简单,但那种没腔没调的演唱,不可能真正提高学生的审美情趣,达到视唱练习原本的目的。
所以，即便是最简单的视唱练习，也要将其旋律性和音乐性给唱出来，将对乐感的重视，从最简单说视唱练习开始。
在练习中运用科学的视唱方法,要能做到“眼到、心到、口到、耳到、手到”,也就是说，看一看曲谱的调号、拍号等出现的各种记号;想一想这首乐曲是什么调,应该用怎样的速度,对旋律的起伏、力度的对比该有什么样的处理;把曲谱准确地、富有表情地唱出来;唱的时候要注意听清楚音准、节奏、速度等是否正确;边唱边打拍子，注意拍点的准确性,借助手的动作把握好速度的快慢以及节拍的强弱。
三、如何培养良好的视唱习惯（一）对于音准的培养音准，就是人们对乐音高度准确性的认识和表达能力。
其中包括听辨能力和唱奏能力。
音准取决于音乐听觉和演唱、演奏器官的状态与能力。
对于音乐专业的学生, 要求具有准确地辨别出乐音高低的能力，有同时能在心中把某一音高度“想”出来, 再与其他演唱、奏器官协调动作, 迅速而准确地唱、奏出来。
这就是音准的含义。
训练音准与在音准上的表现能力, 分为以下两种。
1．绝对音准感到定义。
即凭经验能确定某个音的准确高度。
这不是每个学习音乐的或从事音乐工作的人都能做到或必须做到的。
但是，有这种绝对音准的人，通常音乐修养较高。
绝对音准通常以 a 的高度作为训练标准。
从事音乐专业的人或多或少都具有某种程度的绝对音准能力。
他们对某个调性, 某个音特别敏感, 能立刻“想”出来或唱出来。
教师则可以积极利用这些条件来发展他们的绝对音准感。
2．相对音准感的定义。
即依据某个音的高度, 辨别出其他音高的能力。
这是一种比较普遍的音乐能力。
但是, 这种相对音准的能力, 不仅仅是根据某音而确定其他音的能力, 更应该具有达到符合调式风格的音准的能力。
按照调式音准来要求学生的唱、奏能力和听觉能力, 培养一种较高的音乐修养,这是对大部分学生的要求。
（二）、对于节奏的培养节奏是音乐的“骨骼”, 是音长短、快慢、强弱、延长、休止、抑扬顿挫的总和。
一个人对于这种现象，能在听觉上分辨出，或者是内心里想象出，并与演奏、演唱器官相配合，所表现的能力，就是节奏感。
节奏训练又是视唱练耳课的重要内容。
学生很反感纯粹的技术训练,要在其中注入新的活力, 就必须在节奏内在的韵律美即“抑、扬、顿、挫”上下功夫。
节奏的训练，既要有节拍，有要有节奏。
节拍是训练的基础，但不是最终目的。
乐感是通过节奏来表现的，有以下几种情况。
1．节拍与节奏是统一的。
就是在节拍的基础上，演变各种各样的节奏。
反过来，各种节奏变化又以一定的节拍来规范；2．节拍退居其次，主要突出节奏的意义。
为了使节奏有流畅的表现，甚至可以超越节拍的规范，使得节拍有了失真的感觉，但节奏是正确的。
比如在演奏舒伯特《军队进行曲》的低音伴奏时，如果把第一个十六分音符稍微延迟一下，就能获得更加轻巧、更有弹性的表现；如3．节奏的完整性要从整体去体验，而不能用“数拍子”来完成。
甚至在某些情况下，复杂的节奏反而变的更容易了，比如肖邦的波兰舞曲，马祖卡等舞曲，就主要是依靠风格来演奏的。
如果按照谱面上的拍子来演奏，就显得呆板又困难，但如果是从节奏的风格上去训练，则容易了许多；很多时候，必须依靠节奏的风格来训练，才能演奏出美感来。
如演奏斯特劳斯的圆舞曲，单纯的数拍子，是不能得到圆舞曲轻盈优美的效果的。
如：4．广义上的节奏包含有速度的意义。
没有了速度，节奏就是不完整的，速度的基本要求如下：始终如一的均匀的速度和对于绝对速度的感觉，内心想象和表现能力。
（三）对于音量和力度的培养音量和力度，简单的说，就是艺术的处理音乐中的强、弱、音量、力度的能力。
这是在音准、节奏的基础上衍生出来的，更高程度的要求。
音量由力度控制，它是对乐句处理最基础的能力。
要想培养这样的能力，首先要理解音量、力度的变化是什么。
1．基本力度 (由弱到强) ppp p mp mf f ff fff 变化力度 Cresc 很弱弱中弱中强强很强极强2：基本力度（由强到弱） fff ff f mp p pp ppp 变化力度 dim 极强很强强中弱弱很弱非常弱只有理解了这些变化的对比意义，才能在丰反复的视唱练习中得到训练，明确这些变化在乐句和曲子中存在的意义和作用。
（四）对于和声听觉的培养和声，包括音程和多声部。
巴赫的创意曲则是多声部的典型代表。
演唱或演奏巴赫的创意曲，也是对和声听觉的一种锻炼和理解。
巴赫对于创意曲的操作，并不是把练技术当作最后的目的，而是把声部的清晰、乐意的设计当作必经的过程，把作曲作为最终的目的。
巴赫作为巴洛克时期的音乐家，巴赫的作品中也有着鲜明的巴洛克时期的色彩。
其特点为：第一，在主旋律声部上进行与多条旋律声部的叠加。
其表现出一种交替起伏、相互响应的音乐效果。
只有能抓住主旋律的痕迹，才能让曲子完整，使曲子的乐感连贯，优美。
