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中国山水画中的天人合一作者：李永霞来源：《进出口经理人》2017年第11期摘要：当前，人们越来越注重中国山水画的创作，而且有越来越多的人学习中国山水画的创作，尤其是在中国山水画创作过程中，对于“天人合一”的讲究，“天人合一”是中国古典哲学的根本观念之一，将其融入到中国山水画的创作当中，可以充分的体现出山水画的意境，本文主要针对“天人合一”进行了概述、中国传统山水画与天人合一观念的创作、当代中国山水画中天人合一的体现，以供参考。
关键词：中国山水画；天人合一；创作在人们的生活中，天人合一的思想早就有所体现，尤其是在中国山水画的创作过程中，天人合一的思想，对中国山水画的创作有着指导性的作用，而且也是其意境的体现与升华，人们对于天人合一已经有了高度的重视，而且这也是一副好的作品的重要体现。
中国传统绘画重视人的主体意识，提倡主客体的高度融合，使绘画超越了对客观物象表象的描摹，以显现主体内在精神，追求意境的显现。
一、天人合一的概述天人合一思想的提出最早是由庄子来阐述的，后来被汉代的董仲舒发展为天人合一的哲学思想体系，并由此构建了中华传统文化的主体。
天人合一中“天”代表着大自然，“人”就是指的人类。
天人合一的意思可以分两个方面的解释：一是，天人一致，宇宙自然是大天地，人是小天地；二是，天人相应，人和自然在本质上是相通的，故一切人事均应顺乎自然规律，使人和自然能和谐的相处。
老子曾说过：“人法地，地法天，天法道，道法自然。
”即表明人与自然的一致与相通。
汉儒董仲舒提出：“天人之际，合而为一。
”成为二千年来儒家思想的一个重要观点。
中国传统绘画与西方绘画在精神性和表现性上存在巨大的差异。
“天人合一”观念铸造了中国传统绘画博大精深的艺术特质，这一观念也贯穿着中国绘画发展的历史进程。
因此，继承和发扬“天人合一”观念，对于促进中国绘画的现代发展具有重要的意义。
二、中国传统山水画与天人合一观念的创作（一）天人合一观念在中国传统山水画中的体现“天人合一”观念把人和天地自然万物看做是一个互相联系、不可分割的有机整体，画家在观照万物时，不仅要简单地观看，同时也要远近取与和仰观俯察。
九年级语文I阅读(共55分)一、阅读下面的实用类文本，完成1～3题。
(10分)中国山水画的意境美①中国山水画可谓是中国人情思中最为厚重的沉淀。
历代山水画家在画面中充分表现笔墨气韵的同时，更注重意境美。
意境是艺术的灵魂。
我们欣赏画时，时常为其内含的艺术魅力所吸引，为画外之意、弦外之情所陶冶、所感染，这就是意境美的作用。
②中国山水画的空灵之美，是山水画艺术的主要审美趣味形式。
空灵之空为静，为虚，是山水画家的留白；空灵之灵，为实，为有，是山水画家的弦外之音。
空和灵是对立统一的。
宋代马远的《寒江独钓图》中，茫茫寒江，一叶孤舟，渔翁独坐，钓丝飘浮，微波之外，皆是空白，营造出一种空灵、深远的意境。
空灵之美给欣赏者提供了广阔的艺术想象的天地，使作品中有限的空间和形象蕴含着无限的大千世界和丰富的思想内容。
③中国山水画讲究“画外有画”,它不追求描摹繁芜的世界，而是在描绘简淡的山水景物中达到自然与人文的完美统一。
从元朝的倪瓒，明清时期的石涛、董其昌等的山水画中我们所看到的不只是绘画的语言符号，更重要的是画家内在的精神追求，这就是人们所说的“外象之美”。
读者从画作中不仅要领略笔墨所呈现的山水形态，更需要揣摩山川河流之外所寄托的思想情感。
④中国山水画的诗意之美，是中国绘画历来所提倡的。
不论《春山烟雨》还是《春浦帆归》,只看画题，就会觉得诗意盎然。
诗意之美丰富了中国山水画的美学意境。
宋代郭熙在《林泉高致》中说：“诗是无形画，画是有形诗。
”诗画的一致，是中国山水画家追求的最高理想，也是中国山水画的最高境界。
唐人王维以诗人的学养彰显画家的气质，在文学和绘画领域揭示了诗与画的关系，从而提出了山水画意境表现中的一个准则——画中有诗。
比如他的作品《江山雪霁图卷》,画面上虽然没有像许多画家那样题上或多或少的诗词字句，却富有诗的意境。
⑤怎样才能获得意境呢?我以为要深刻认识对象，要有强烈、真挚的思想感情。
意境的产生，有赖于思想感情，而思想感情的产生，又与对客观事物认识的深度有关。
中国传统文化在绘画中的体现作者：刘源来源：《文艺生活·文艺理论》2013年第07期摘要：中国传统文化美学思想展示出审美活动的另一种无拘无束、自由自在的深层意境。
关键词：中国传统文化；绘画；艺术中图分类号：J222 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2013）20-0180-01中国的许多传统文化都蕴含在绘画里，其中最具代表性的就是儒家思想。
它的核心是中庸、和谐、内敛。
这些传统文化都可以在绘画上得以充分的体现。
中国的传统则是讲究平和的，如放风筝、太极等，讲究的是自我完善的过程，是一种内在的修行。
中国传统文化在绘画中表现出来，是一种神韵，不是某种色彩可以诠释的。
在中国传统文化思想中与艺术产生直接关系的是庄子的思想与禅宗思想，这在中国画及中国其他很多艺术形式中常见。
在中国传统文化历史上，庄子以其深邃的哲学思想为基础，给人们展现出一个全新的精神世界领域，他的思想包含着辩证法的因素，主要思想是“大道无为”，以天人合一、清静无为为宗旨，他超越了任何知识体系和意识形态的限制，站在天道的环中和人生边上来反思人生。
庄子的人生观是最为通达，束缚最少，同时也是最为接近艺术理想状态的人生境界。
中国艺术中的“气韵生动”恰恰体现了庄子“通天下一气耳”中所说的气的精神世界，同时也是中国艺术在各方面展现的“道”无所不在的艺术境界与精神世界。
中国的绘画艺术是一个气韵贯通的世界，在这样的一个世界中，我们能够感受到音乐式的流动起伏和舞蹈式的回旋变化的节奏。
气因道而实现了人与万物聚则有形有相，分则虚无飘渺。
于是“知白守黑”、“虚实相生”便成为中国绘画艺术创作的辩证法则。
在中国画的表现意境中“无画处皆成妙境”、“万物与我为一”的精神意境，无不充满了道家“道法自然”哲学思想。
“老庄”学说认为，人类最高的智慧不在于站在客观事物之上去加以分别思考，只有消除物我对恃，天人合一，才会昭示出世界的本来面目。
这便有了中国画家的“山性即我性，山情即我情”的深邃艺术追求。
关于国画山水中的意境表现分析作者：余晓岚来源：《西部论丛》2018年第04期【摘要】山水画是国画的重要表现形式之一，对我国文化事业的发展有着重要的意义。
由于我国笔墨的特殊韵味，非常适宜山水画的描绘。
在画中体现的墨香感是任何画作都没有的。
随着我国精神文明建设的推进，人民对画作的欣赏水平逐渐提高，山水画也逐渐受到青睐和瞩目。
本文就国画中的山水画中的意境的表现展开讨论，分析其中所蕴含的思想和内涵。
【关键词】国画山水画意境表现引言随着文化事业的发展，艺术类作品重回大众视线，国画作为我国文化传承的重要组成部分，逐渐展现出锋芒。
随着大量山水作品的复出，人们对山水画的理解层次和欣赏水平逐渐增加，山水画目前已经成为国画中最受群众喜爱的类别。
受传统意境表现的手法，山水画往往自成一体，其艺术价值和收藏价值非常之高。
但实质上，除了其独特的表现手法，画中所富含的寓意也是山水画如此著名的原因之一。
这也是山水画为什么在新时代如此被追捧，新时代山水画的著名，也为我国山水画的研究事业做出了极大贡献。
1 意境概述意境是非常抽象的一种艺术表现形式。
简单的来说，作者将自己的感情融入自己作品中而最终展现给观赏者的直观感受，就可以称为意境。
艺术作品中往往处处反映着作者的情调或者感情，意境也是一种人、作品融合的境界。
我国五千年历史沉淀下的感情往往就体现在一幅幅画作或一篇篇文章之中。
[1]而山水向来表现的是作者对世间万物的一种情怀，山水是静止的，但那静止的山水所带来的意境则是无穷的，或包含哲学内容，或是包含社会内容。
这都需要我们在赏析的过程中进行分析。
2 山水画中意境的主要表现手法其实，意境的表现是需要技巧的，作者想要通过画纸传达感情，就必须通过笔上的技巧。
好比作者想表达恢弘之气，那必然在下笔的时候是大刀阔斧而不是小家碧玉的。
当然，这只是简单的对表现手法的一种分析。
实质上，在意境的表现手法非常多，大体上分为三种，本文就简单的分析这三种手法。
2021·05中国文化博大精深，源远流长，是宝贵的精神财富，其价值无法估量，特别是在绘画方面。
黄宾虹字朴存，自少喜绘画，作为近现代的国画家，不仅有美术天赋，而且对我国传统文化有深刻的理解，并精研传统，在绘画中将传统笔墨样式运用得恰如其分，成为山水画一代宗师，对后世影响重大。
因此，在新时代积极探索黄宾虹山水画笔墨的层次性和现代性具有重要的理论意义和现实意义。
一、黄宾虹山水画笔墨的层次性通过对黄宾虹山水画笔墨进行分析可知，层次性是其画作较为突出的特点，具体主要表现在以下几方面：(一)元素层黄宾虹对中国传统文化的了解比较深入，有着深刻且全面的认识，在山水画方面取得了较高的成就，巧妙地运用了传统的笔墨形式，达到了意想不到的效果。
黄宾虹还把自身经验与想法融入其中，不仅提出了“五笔”理论，而且还提出了“七墨”理论[1]。
另外，从黄宾虹倡导的“以书入画”理念中，也能够体会到其山水画笔墨延续了传统，并且借鉴了书法中的执笔、运笔，使得画作具有和谐感，散发着独特的魅力[2]。
黄宾虹山水画笔墨之所以具有较强的层次性，有很大一部分原因是他强调用笔力度，重视圆笔中锋，给予层次变化高度的关注，给人们带来了超越意象结构的作品。
(二)图示层图示层主要是指依托笔墨所建立的空间结构。
在黄宾虹山水画笔墨中，笔墨是作为一种元素出现的，而笔墨结构则是它们的整合、拓展[3]。
图式的形成、层次感的打造，使画作看起来似乱不乱不刻板，给人一种和谐感、层次感。
在黄宾虹晚期创作阶段，虽然他创设的更多是平面画空间，层次性也呈现了递减的趋势，但是依然保持较高的作品质量，给人与众不同的感受。
进一步观察他的山水画，可发现其简化趋势越来越突出，其中关于树木、山石的创作最明显。
另外，黄宾虹不拘于古人的法度，敢于打破皴法程式，通过自身感悟能力，在画作中融入自己的理解，有效实现了对山水画的全面改造，打造了似乱不乱的笔墨世界。
在其创作的后期，他的山水画呈现一种自然之感。
艺术论坛Arts circleARTS CIRCLE 2011/7浅析当代中国山水画发展现状TEXT /王雪峰一、关于继承传统山水画的几个不同观点崔如琢认为，谈中国画首先有一点很重要，就是要给传统文化定位，那么就必须先了解历史。
他认为中国有几千年的文明史，从商周的青铜器开始，所以有人认为我们的民族是伟大的，文化是悠久的，可是事实不是如此。
崔如琢认为，虽然在商周到乾隆、嘉庆时期，中国是最强大的国家，但从鸦片战争时期到1949年间，在这一百多年的时间里，中国文化开始衰退，甚至到“五四”以后，传统文化已经开始以偏概全。
在“85美术思潮”后相当长的时期，中国山水画处于一种对传统的否定后无所适从的尴尬局面。
一些画家抛开传统，借签西方的观念，不择手段，大搞加胶撒盐，拓印对印，水油泼撒一起上，以新奇的肌理效果为能是，这种作品在全国大展中风光五、六年后便黯然失色。
究其原委是这些肌理、痕迹，在绘画过程中不是画家心手相通留下的“心迹”，背离了绘画的本体。
基于山水画发展历史背景，也产生了在继承传统中的不同看法，并主要观点有以下几点：1，尊重传统，学习传统。
儒家思想、道家思想、佛家思想，是中国传统文化的一种高度概括，也是中国文化的精髓，更是中国山水画的精华。
山水画中的传统是先辈们留下的宝贵遗产，需毕生精力临摹、学习、继承，并传承下去。
2，借鉴传统，发展传统。
他们认为传统是一种精神，并非特指现象和物质。
山水画中的传统虽然有着不可替代的作用，但一味学习传统必定带来保守、僵化，应在继承传统的基础上加以创新、发展。
3，反对传统，另立传统。
他们认为传统本来就是创新血液的原动力，是一种趋势。
当代社会的现代文化迅速发展，原有山水画形式雷同，缺乏革新和时代气息，应另辟新路，体现出新的文化面貌。
二、当代山水画发展现状问题分析由于国画家们对于传统的不同的理解，和国外各种文化的涌入，山水画领域的各种艺术形式开始产生、发展。
以下就针对当代山水画发展现状的问题进行分析研究。
道家美学的中国传统艺术精神当代价值及对人生的启示-----以宋朝山水画为例中华是一个富有艺术精神的民族，在源远流长的发展过程中诞生出了灿烂辉煌的精神文明。
道家，儒家，佛家等等共同谱就了历代文人雅士的精神世界，为艺术发展打造浓厚的思想文化基础。
这其中在道家美学思想影响下，形成了中国传统艺术精神中的道、心、悟。
比如宋朝山水画中体现的自然美、融合美与超越美，都是道家美学精神中的重要内容，即道、心、悟。
道家美学精神中的道，即是自然美的美学思想。
其中的心，则是融合美的美学思想。
其中的悟，则是超越美的美学思想。
宋朝山水画中强调少则得，多则惑，这意思是，少去可以获得更多，贪多反而迷惑。
比如《寒江独钓图》，除了独钓者坐在船上，四周寥寥几笔微波外，几乎全为空白，突出写意，这体现了自然美的精髓；又由于其寥寥几笔突出了自然形象中的诗意特征，以景传情，达到情感色彩与景的交融，也突出了融合美的特征；另外，《寒江独钓图》中一大特点就是虚实结合，正是道家美学精神中的悟，体现深刻的超越美。
道法美学不仅启发了宋朝画家不一样的思维方式，成就了我国深厚的山水文化艺术，更是给当代带来不少价值和意义。
道家美学的观念里，将人生意境与自然融合，寄情于山水，在山水田园之中，发现人生存的意义以及人生价值。
宋朝山水画因此得到启发，衍生出新的山水画意境。
在《寒江独钓图》中，我们可以看到意境美所体现的“虚”与“实”，“形”与“神”“动”与“静”，“有”与“无”的融合统一。
其中，想“虚”就是画面留白的地方，“实”就是画面中的笔墨画出来的地方。
从《寒江独钓图》中，我们能够发现自然之美，欣赏山水田园风光，在欣赏的过程中，带给人一种身心愉悦的体验。
以《寒江独钓图》为代表的诗画表达出一种隐逸避世、顿悟渐修的思想，更是是现代人反思人生的重要思想来源。
道家美学中也体现了庄子的主流思想，即自由精神。
庄子自由精神的根基就是“道”。
《寒江独钓图》中的空间意识其实是一种心理意识。
姚俊甫简析当代山水画构成形式在创作中的艺术表现当代山水画构成形式是一种拥有全新立意的艺术表现形式，这是我国文化艺术多元化发展的社会必然结果。
中国山水画发展到今天早已具备一套完善的体系，传承和创新、取长和补短是我国山水画独有的一种发展意识。
文章借鉴了西方的构成形式艺术对当代中国山水画产生的影响，主要分析了当代中国山水画在构图里的艺术表现和这种表现对创作山水画的含义，进而研究新的表现手法，从中传承、创新、取长补短，融合新工艺、新材料、新理念与新思想，进而丰富与创新当代中国山水画的艺术表现形式。
中国山水画是一种视觉传达艺术，不论是想表达世间万物，还是想表现作者的内心思想，经营山水画构成形式都是能够让画作品具备艺术欣赏价值的关键因素之一。
在创作山水画时研究构成形式是进行视觉传达艺术不可缺少的命题。
我国当代山水画是一门具有鲜明的民族特征的艺术类别，分析当代山水画构成形式在创造中的艺术表现以及特性，对目前正处于转型当中的中国当代山水画发展与创新赋予了重要的意义与思想。
一、当代中国山水画构成形式的影响与特点西方构成主义思想的起源是20世纪初的俄国前卫艺术的构成主义及其德国的包豪斯设计学院提倡的构成主义。
在此之后，构成艺术的思想潮流便影响深远，且渐渐地发展变成一门具备国际影响力的艺术形式派别。
虽然构成形式思想来源国外，但是很早便在中国艺术发展过程中打下了坚实的基础。
构成形式对营造节奏与把控韵律、整合重组形体与外形、有序排列、重复渐变等方面都具有详细的表现形式。
这种方法解脱了传统创作观念的枷锁，在将其运用于中国山水画当中的创作时，不仅可以丰富中国山水画的艺术思想表达，而且能够推进艺术的创作方式规则。
与此同时，还具备了多变与统一性，而且这两种艺术特点会进行互相转换、相辅相成，而这跟中国传统山水画中倡导的“虚实结合”、“相生相长”、“聚散开合”等主要思想具有异曲同工之妙。
在创作中国山水画前要讲求经营的摆放位置，就是指事先排好构图形式。
浅谈“立意”在山水画创作中的作用摘要立意是中国传统美学中的一个重要组成部分，是中国美术史上最为重要，最不可或缺的要素。
立意本身是山水画的灵魂所在，不论是优秀的画家，还是学生想追求更美，更理想化的境界都要从立意做起理解立意在山水画各个创作要领中的的渗透方式和立意对山水画的最终作用。
立意本身在山水画的构图，造型，着色与构思方面的影响对山水画创作情感的传达起到着重要的意义，对立意的理解是对山水画根本的一种理解，也是创作出优秀山水画的的关键要素。
关键词：立意情感传达AbstractConception is an important part of Chinese traditional aesthetics, the most important is the Chinese art history, the most indispensable elements. Conception itself are the soul of the landscape painting, whether it is a good painter, or students want to pursue more beautiful, more ideal state is to start from the conception understanding conception in the landscape painting creation main point in the way of infiltration and conception of landscape painting eventually. Conception itself in the landscape painting composition, shape, color and design aspects of the influence of landscape painting creation convey plays an important significance of emotion, the understanding of conception is a kind of understanding of landscape painting at all, is to create a good key elements of the landscapes.KEY WORDS conception emotion convey目录浅谈“立意”在山水画创作中的作用 (1)摘要 (1)目录 (2)引言 (3)一山水画创作中的“立意” (3)1.1“立意”的概念 (3)1.2 山水画中的“立意”和造景 (3)2.1 构图“立意” (4)2.2 造型“立意” (4)2.3 设色“立意” (5)2.4构思“立意” (5)三“立意”在山水画创作中的作用 (6)3.1 “显性”表现的作用 (6)3.2 “隐性”表现的作用 (6)结语 (7)参考文献 (8)引言随着时代社会的发展，山水画的创作也在发展，但是在山水画的创作过程中，立意的作用不会因为时间的变化有任何的减少。
论中国传统艺术精神在当代山水画中的表现摘要：本文以论带评，试图描述中国山水画在走向当代化的过程中是如何继承和发展传统艺术精神的，也论及了中国山水画在当下语境中创新和发展的几种状态和特征。
分析了传统型、新传统型、实验水墨在不同创作理论指导下，立足本土，秉承中国传统艺术精神的探索，同时也对所存在的某种导向上的问题提出了批评。
关键词：传统型新传统型实验水墨作为一种正在不断探索和发展中的艺术创作，中国山水画的当代化还有许多个不确定性，因此，试图对这一正在不断演进着的艺术现象做出任何解释都可能带有某种片面倾向。
但是，关注中国画的当代化走向，关注当下中国画该如何秉承中国传统的艺术精神，应该说是极具现实意义和研究价值的。
特别是在当前文化全球化的形势下，古老的华夏文明如何保存自身文化内核的传承，则就更有深究之必要。
中国传统艺术精神经历了几千年的发展演化，已经成为一个严密的系统。
李泽厚先生曾指出：“中国美学要求美与善的统一，而所谓善的最高境界，儒道两家虽各有不同的说法，但归结到最后，都以‘天人合一’为最高境界，不同处只在于如何达到此种境界，以及对达到此种境界的意义和价值的理解。
”①不仅如此，阴阳五行、佛学等各流派都含有“天人合一”的观念。
“天人合一”作为一种最高审美境界或者人生境界是经过道家的推动而形成的。
为此，笔者曾进一步认为：“真正能成其为最高审美境界的，是以庄子哲学为主流的道家的‘天人合一’思想。
庄子以反对异化和提倡绝对自由为己任，第一个把‘人化的自然’作为审美对象，在中国文化思想史上，最早地较明确的提出了超功利的人生态度。
这种美学思想，为后来的禅宗所大量吸收，对中国传统的美学和艺术理论都产生了极为深远的影响”。
②而且理当肯定的是，“中国文化以儒化了的思想为其基本内容，又由道的精神建筑了传统的艺术思维模型和艺术精神的基本框架。
以后，道、佛、儒三者互补，使这一传统艺术精神得以成型和完善。
”③千百年来，传统文化精神可以说渗透了包括绘画在内的各种中国艺术样式，从书法到绘画、雕刻、舞蹈、音乐等等无一不受其影响和滋养，传统绘画理论同样也得益于中国传统精神的陶冶。
比如谢赫在《古画品录》中提出的“论画六法”，又如古代关于“笔墨”的理论等不一而足。
而意象、气韵、空灵和境界(意境)作为传统艺术精神的主要审美范畴又充分体现了道、佛、儒互补的这种中国所特有的东方艺术韵味。
纵观上个世纪末期的中国绘画艺术格局，我们不难看到从80年代的伤痕绘画、乡土绘画、理性绘画、实验水墨，到转向90年代的达达主义、艳俗绘画、玩乐现实主义、政治波普等的轨迹。
与此同时，山水画艺术家也在前行的中国画现代化和当代化的道路上实践着一条前无古人的艰辛之路，摸索着中国当代绘画在不断变革中属于自己的艺术定位，并开创了新一轮百家争鸣的局面，成绩可谓喜人。
然而各种争论亦从来没有停止过。
“笔墨等于零”和“守住中国画的底线”，依然是艺术家和学界长期争鸣的一大焦点。
无须否认的是，争论将带来一种冲破束缚的动力——而这也可能是当前艺术创作中急需的理论资源。
在文化的趋同性和多样性并行的当代审美中，艺术家自身的艺术立场将决定创作的走向。
发扬传统艺术精神不管是自觉的还是不自觉的，对于文化传承，并在传承的基础上积极创新始终具有至关重要的意义。
传统中国画发展到近代以后，面临着西方理论、西方的制作方法、作家作品和中国画如何现代化、当代化的双重压力，中国绘画的求新求变，始终在不断受到冲击又不断自我反思的过程中步履蹒跚地摸索着。
自20世纪初期始，中西合璧的艺术样式就已出现，比如吴冠中曾评价林风眠的作品：“是企图用中国画的气韵生动来消化西洋画的形式。
”④实际上，近现代的一大批画家都在努力实践着这一创作道路，从高剑父、林风眠到傅抱石、李可染等人的创作中，我们不难看出他们沿用中国画的气韵生动来转化绘画内涵的探索是令人敬佩的。
笔者把这种以传统山水画为基础，引进西方绘画的一些艺术审美规则，以其达到一种新的欣赏趣味的创作思路称作“油画意识”。
这种创作导向被舒士俊先生称作为“新传统型”。
其他一些国画创作者则以文人画，或新文人画的艺术精神立场留守在传统文化的阵地上。
“外师造化、中得心源”依然是“传统型”画家信仰的准则。
追求着由笔墨而达“气韵生动”之效果。
他们摹写着魏晋的“气韵”，浸淫着隋唐的诗意，秉承着“宋人格法”，追随着元明清的足迹，在一片后现代的嘈杂丛林中一步一个脚印地向前迈进。
而“实验水墨”的创作者们却以大无畏的精神，冲破“笔墨”与文化身份的观念束缚，大胆进行中西融合。
他们以笔墨创新为己任，回应着中国艺术现代化的文化转型，满足着视像时代的“平面”欲望。
尽管如此，在实践的道路上也出现了各种不良风气。
有些艺术家穿着“创新”的外衣，拷贝着名家的风格，掉进了唯形式主义的泥淖，丧失了艺术家创作的独立性。
有些画家更是以色、性为能事，过度渲染，附庸着消费主义的低级趣味，导致了性爱题材的“妖魔化”。
在如此混乱的绘画格局中，我们不禁要问是否“实验水墨”已经远离了中国传统艺术精神，不再坚守“本土意识”了呢?难道实验水墨真如某些评论家所言已经背弃了传统规范的审美理想，成为艺术世界的流浪者了?抑或是像某些人所宣称的那样“实验水墨”是唯一的出路?作为一种正在进行的艺术活动，过早的对这些做出结论都将是不全面的，甚至是带有破坏性的。
当然，基于对艺术创作的尊重，鼓励带有实验性质的创新无疑是必要的，或许，这也是中国画向前发展的动力之一。
众所周知，“意象”最早是作为中国古代的哲学术语出现的，后经历代文人的不断阐释、演化，才成为中国传统文论、诗论方面的重要审美范畴。
《周易》中的“立象以尽意”是有史可考的最早出处，着重强调了“象”的哲学内涵，这是一种区别于西方理性的概念思维的典型的“象思维”。
而刘勰则把“意象”真正带入到了艺术世界中，他在《文心雕龙·神思》中提出：“独照之匠，窥意象而运斤。
”明确了“象”为艺术形象，“意”为作品的内蕴。
司空图的“意象欲出，造化已奇”，将含蓄、神似也纳入到“意象”的概念中来。
同时“意象”也为中国传统画论提供了审美的和思维方面的基础，对中国书画中的“笔墨”论可谓影响深远。
张彦远就说“是故运墨而五色具，谓之得意。
意在五色，则物象乖矣”(《历代名画记·论画体工用?写》)，对墨色的浓淡层次的表现力大加赞赏。
又如“画之当以意写，不在形似耳”(汤篨《画鉴·画论》)突出了“神似”而非“形似”，乃写意求神之论。
由此可观中国画不以重彩浓描著称，也不满足于简单的形似，“从总体上来说中国绘画的精神观照从本质上疏离了绘画本体的思索而确立了绘画作为形式对精神状态的意象把握。
”⑤这种对意象的领悟和把握，到了新时期又有了新的理解和创作上的新的突破，例如当代“南线”画风的领衔人物董欣宾先生的“线画”风格可谓开启新风。
1985年，刘海粟评论其画作“能致力于化古为新，所作运线遒挺，有北碑风采；浓墨透光，淡墨生泽，情韵脱俗。
”他突破传统既定程式的影响，试图将内心的情感与笔墨融汇释放，大斧劈皴，以简胜繁，于狂放中表现出至高的精神追求，企望达到“天人合一”的境界。
他的《夕阳暮归》，浓墨渲染，意境深远。
《塑月客居图》则酣畅淋漓，颇具古人之遗风，大写泼墨的运用道出了画家悲天悯人的道家无为情怀。
而他的娟秀小品则构造精妙，运用传统中国画的技法，以清爽、简捷、明快取胜，给人笔墨流畅、富有情思的审美感受。
《归舟图》中的宁静、恬淡。
《梅花芳从暗处洒》中的点线互映，笔墨恣肆，散发出生命灵动的气息。
无形中综合了文人画、院体画、民间画及西方绘画艺术的技巧。
而董欣宾的学者角色则更促成了他继承中国艺术精神的历史使命，他曾说：“言其枯则其文明枯，见其荣则百术荣，这不仅是一个判别，也是作为一个中国人的不言辞谢的责任。
”⑥另一位师承当代山水画大师李可染的贾又福，则创立“墨黑话语”即“计黑为白”的创作技法，与前人的“计白为黑”原则不同的是，他以结构的极简主义和积墨法，凸显“墨黑”的审美意象，再造了传统山水的博大气势。
将深邃、荒凉之气象演绎为空灵、雄壮之美，在线条的简约流动，流畅自如的浓墨渲染中，追求超越时空，“中得心源”之境。
《大音希声》中的天地几欲相接，顽山巨石，云卷气动，似混沌之时，又似天地开合之际，予观者在欣赏在多维的时空中感悟造化之微妙和不可穷尽。
正如画家所言：“空而灵者如通神灵，空非顽空，无乃通有，以空通神，以无用有。
空与色，无与有，相互为用因无用有，因有用无，‘一空不异色’、‘色不异空’。
有无相生即极易明了。
”⑦与“意象”不同，“空灵”这一概念表达了中国传统文人审美的一种欣赏心理。
“空灵”的审美效果源自于对宗教的感悟。
佛教教义的深邃意远，首先给于空诸一切的世界以一种神秘而又充满了生命灵气的美，禅宗之大智在实与虚之间贯穿，超越了有与无的边界。
“空”导源于佛教“四大皆空”，是一种纯净的可以进行审美静观的形象氛围。
“灵”则展现了生命灵气的自由状态。
“空灵”概念渗入到中国艺术中，就表现为在虚静、纯净、旷远的氛围中不断传递出生命灵气的艺术境界。
绘画中的“空灵”意味，是在画中景物空间布局与欣赏者的精神世界的互动中体现的，讲究“计白为黑”的笔墨意蕴和“线”的飘逸。
在《林泉高致》中，郭熙提出“山有三远”的创作法则：“自山下而仰山巅，谓之高远；自山前而窥山后，谓之深远；自近山而望远山，谓之平远。
”因此，“三远”的创作法则为“空灵”预设了物理空间——文本与受众之间整体直观的物化形态，在画面中体现的是一片留白，一缕云烟，一条小溪，一道山脊，一挂飞瀑、一涌清泉等具体可感的实物载体，在赏者的眼里，则能从静态的画面中体悟到永不停息的生命脉动，风卷云残，幽深淡远。
亭桥楼榭都融汇于简约的灵动之中，观者在欣赏通过这些含义丰富，意味深长的物化形态，产生某种由实而虚，由虚而实的空灵化了的追求，继而获得对作品的整体观照。
在这中间，“线”意识则贯穿了中国绘画艺术的始末。
讲求“骨法用笔”的审美准则又不断召唤着线的律动。
古人总结的“十八描”、“十八皴”等创作方法，充分挖掘了线在中国画中的魅力。
通过线的疏密、粗细、长短、纵横、聚散、虚实、方圆等组合关系，形成了多样化的节奏和韵律，产生出不同的美感。
而线的操作过程又要求以轻重、疾缓、巧拙、滑涩、干湿、老嫩、藏露、起止、顺逆、刚柔等不同笔法，产生线之美感，赋予线以有情、有境的艺术韵味，展现“移远就近，由近知远的空间意识。
”⑧观者在欣赏这些“可见”的显线时，自己体会到线条由拟象到抽象，由形式到意蕴的艺术趣味，此即所谓“以一管之笔，拟太虚之体”(王微《叙画》)，因此，中国山水画的构图，在生命灵气的线式运动中不再拘泥于以实示实，而在于由虚而实，虚实相生，使生气自然而然地力透纸背，艺术家自然也心持无碍，以实就虚，容纳万境，在高深旷远之中，展现生命灵气的自由流动。
