美术特长生浅谈绘画之于平面设计

举例阐述平面设计与绘画的区别首先平面设计是指（1）用一些特殊的操作来处理一些已经数字化的图像的过程。

（2）它是集电脑技术、数字技术和艺术创意于一体的综合内容。

设计就是一种工作或职业，是一种具有美感、使用与纪念功能的造形活动。

设计就是具有美感、使用与纪念功能的造形活动设计（design）这个词。

设计无所不在、平面设计无所不在，从范围来讲用来印刷的都和平面设计有关，从功能来讲“对视觉通过人自身进行调节达到某种程度的行为”，称之为视觉传达，即用视觉语言进行传递信息和表达观点，而装潢设计或装潢艺术设计则被公认为极不准确的名称，带有片面性。

现在，在了解了对平面设计范围和内涵的情况下，我们再来看看平面设计的分类，如形像系统设计、字体设计、书籍装帧设计、行录设计、包装设计、海报/招贴设计……可以这样说有多少种需要就有多少种设计。

另外，商业设计与艺术设计很显然是存在的。

设计是有目的的策划，平面设计是这些策划将要采取的形式之一，在平面设计中你需要用视觉元素来传播你的设想和计划，用文字和图形把信息传达给受众，让人们通过这些视觉元素了解你的设想和计划，这才是我们设计的定义。

而绘画是指把用手工对“物态形象”及“物象形态”的绘制与描画统称绘画。

“抽象”到“具象”再到“意象”，从“绘形”到“取像”更到“写意。

设计与绘画最大的区别在于其对商品的依附性上。

设计作为商品在为市场服务时必须具备“包装”价值与“使用”价值。

要想赢得客户的信任与满意，最终实现设计的价值，就必须通过市场竞争的考验，设计得成功与否在于它能否通过美化产品而最终实现促销的日的。

所以设计在于为别人服务的，根据客户的要求进行设计，而且设计师不得不按照设计师的安排来设计。

本身就存在了一种商业化。

但是绘画不同的是，完全是由画家自己去了解体会，不需要别人的要求来进行创作。

完全发挥出来自己的创造性。

并为颇多人所接受。

平面设计与绘画的差异还体现在各自的实现方式上。

绘画与设计存在着巨大的功能上的差异性。

绘画与平面设计的关联性1平面设计与绘画的相互感通因为绘画具有巨大的感染力以及亲和力，并且绘画能够和设计、文学等多种艺术形式联系起来，并且可以将“诗情”和“画意”的审美效应激起。

在平面设计的审美效应中，其中的实用性与鉴赏的相互感通是非常重要的。

1.1平面设计中的画意平面设计与绘画都是艺术学科，并且它们之间有着密切的联系。

从形式上来讲，平面设计与绘画之间的关系是相互依存的，并且在平面设计的审美中可以将“画意”的通感之美体现出来。

目前，设计学术界的一些设计师将绘画与现代设计充分结合起来，从而为后代提供了很多优秀的范例。

比如：靳埭强先生以前对中国绘画符号的应用与现代设计的结合有着独特的见解。

他设计的作品，不仅包括了绘画元素，而且他的作品中具有强烈的时代感。

与此同时他的作品的突出特点能够将传统与现代充分结合起来，并且主要将传统观念作为主导思想，在现代设计中将本土文化融入其中，从而将民族个性突显出来，最终能够形成独特的设计文化的特点。

从平面设计的作品中，可以看出设计者的审美观念。

1.2绘画中的设计感康定斯基是一位抽象派绘画大师，并且他也是第一个真正的从内在情感关联的角度来将设计展现在画布上的人。

在1910年，他创作出了《哥萨克人》等。

康定斯基认为，每一个形体都有属于自己的内容，并且世界上的每一种形体的形式之间都有着一定的联系。

与此同时他指出，抽象艺术家要善于利用这些联系，认真研究这些形体之间的所具有的独特点。

在绘画过程中，要将点、线、面以及色彩本身所传达出来的某种心理感受表现出来，并且要把握好它们之间的内在联系，给人们展现出一种美。

康定斯基在绘画与设计之间构建一座桥梁，从而能够设计出比例缜密的作品。

2平面设计与绘画的共性2.1色彩在绘画过程中，色彩是一个基本属性，不过在平面设计的领域中，色彩也是一个不可或缺的元素。

在平面设计与绘画中，“赤、橙、黄、绿、青、蓝、紫”发挥着至关重要的作用。

比如：相关“色彩对比”、“色彩调和”等。

Word文档可进行编辑绘画与平面设计——差异性对绘画与平面设计（以下简称设计）,感触最深得莫过于平面设计师了.设计师不但需要具备绘画得差不多造型技能与审美意识,更需要具备对形式美法则得特别理解和制造性得意念.出于职业得因素,对绘画与平面设计得异同性,一种人认为,只要有绘画得造型功夫,设计便不成咨询题；而另一种人则认为,设计确实是设计,有绘画得造型功底不见得就明白设计.持前一种观点得人多为美术院校得师生,而持后一种观点得人则一般为职业设计师.本文就此话题谈几点看法,欲起到抛砖引玉得作用.1．现代绘画是个性得表露绘画得意义在于创新,而创新只有通过“个性化”才能够得以实现,重复得绘画没有生命力.回忆绘画进展史就会发觉,不管中国依然西方,每一位杰出得大师都曾经制造过极端个性化得作品.每一位巨匠都具有自己得典型特征.画家,尤其是现代派画家,他们在创作时能够完全不用考虑其作品得社会性.在某种意义上讲,作品得生命力,正表现在个性化上.通过作者对美得形式法则得特别理解而存在着.任何一个伟大得画家,都会有自己独特得审美个性.画家必须把自己个人得主观意志潜能释放出来,最大限度地表现自我.这方面,梵高无疑最具典型得代表意义.梵高于他生前极其艰难得条件下所制造出得大量个性化作品从未卖掉过,确实是因为其作品得极端“个性化”,以致不能被人们所同意.现代绘画个性化得表现还体现在五花八门得创新手法上.wwWm当今得世界正走向一个信息高度发达得社会,如何反映这一时代特征,是每一个前卫艺术家考虑得咨询题.在西方艺术表现形式日趋复杂多样得今天,架上绘画大概处于一种低迷得状态.前卫艺术家们为了表现具有个性得独创性,往往将一些不同种类得艺术式样相结合,以完成自己得艺术创作.这些光怪陆离得所谓“个性”得艺术品在现代艺术展中司空见惯,艺术家们完全不必考虑观众能否同意,而只表现自己得创新.2．依附性是现代设计在商品经济中得本质反映设计与绘画最大得区不在于其对商品得依附性上.设计作为商品在为市场服务时必须具备“包装”价值与“使用”价值.要想赢得客户得信任与中意,最终实现设计得价值,就必须通过市场竞争得考验,设计得成功与否在于它能否通过美化产品而最终实现促销得日得.现实中几乎每一位设计师在为客户提供设计服务时,都会尽量去迎合和满足客户得需要.一方面设计师必须站在客户得角度去揣摩他们得心理,以使自己得设计方案得以通过.另一方面,客户可能对市场得把握了解远胜过设计师,设计师不得不服从客户对他提出得要求.在设计得过程中,设计师费尽心机去考虑去解释自己得作品,也许自己认为非常中意了,但最终得评判依然客户对其设计能否通过.在这个地方有一种情形能够确信,那确实是被客户选中得未必确实是“好作品”,而未通过得设计不一定确实是“坏作品”.我们常常能够碰到如此得情况,设计师为某一设计出了一组方案,对其中得某个方案非常中意,而客户往往选中得却是设计师自认为“陪衬”得方案,最终得裁决权所以是客户.设计师只有屈从于他们得“上帝”,这确实是市场.设计对商品得依附性还体现在“市场”是设计得指挥棒.市场得强劲与疲软将直截了当妨碍设计行业得起伏.如1991年海湾战争爆发之初,欧洲要紧工业化国家得生产过剩,消费匮乏,市场处于严峻得经济萧条状态,生产停滞不前.荷兰得顿巴设计公司上门为一些厂家服务时得到得回答是：“经济不景气我们临时不需要设计,现有得设计就足够了”.还有另一种情况是,当市场上某种产品在卖方市场状态,产品供不应求,厂家对“设计”也会不屑一顾.3．对混浊美得追来是绘画艺术得本质体现绘画与设计得区不不仅仅体现任“个性化”与“依附性”方面,还体现在对形式美规律追求得差异性上.“混沌”一词是“指宇宙形成往常模糊一团得景象”.中国人喜爱含蓄,认为“含蓄”确实是美.“混沌”本身就体现着一种不确定得耐人寻味得特征,这和中国得古哲学与宗教有关.中国古典绘画所表现得“空灵”、“气韵”,以及“墨分五色”,用有限得笔墨表现无限得意境等美学思想,都在于这种“混沌”之美.这些手法在设计中也间或能见到,但一般来讲仅是借用绘画得表现手法,以增强设计得艺术性而已.它们不是设计得最终目得.我们从杉浦康平等大师得作品中就能够体会出这一点.具体来讲：杉浦康平为敦煌设计得系列从书,从表面上他是在追求中国画“空灵”、“气韵”之境地,而更深刻得是他把敦煌中得图形元素,运用现代设计得差不多构造原理加以组合.这种“空灵”混沌美得境地只是作为设计得一种手段而不是目得.盼望最终能真正反映出这套系列丛书得内涵.这充分表示出大师得独具匠心和对绘画与设计关系得把握上.在西洋绘画方面,尽管流派众多,形式各异,但整体精神同样是在追求“混沌美”.古典油画尽管形态表现得细致、逼真,但其意境追求得则是深奥悠远,发觉出不确定得“混沌美”.而现代派追求得则是标新立异,追求得是超现实荒诞得不确定性.米罗追求得是童趣得海底世界般得梦幻,体现着不确定得“混沌美”,柏洛克则拎着颜料桶在画布上滴洒而不拘一格,他大概是更接近在追求着“宇宙形成往常模糊一团得景象”.绘画对“混沌美”得追求还体现在对材料肌理得选择上.何种题材何种效果,需要何种肌理是绘画追求混沌美得表现之一.绘画,尤其是现代绘画,在一幅作品中选择综合材料已到了为所欲为得境地,多种材料得运用旨在加强画面得“混沌美”得效果,通过扑朔迷离不确定得材质肌理得运用,以达到变化多端得目得.4．秩序美是平面设计得核心体现设计不同于绘画还体现在对秩序美得追求上,现代设计对实体得进一步把握是形式法则.形式是实体得具体化、丰富化、精确化.能够看出德漠克得特以原子结构来解释宇宙实体得内在形式,毕达哥拉斯派则以数理描述宇宙实体得外在形式,他们从天空星辰得布局中悟出了点、线、面得几何关系,从而把数推为宇宙得本体（“宇宙”那个词在古希腊就包含着和谐、数量、秩序等意义）. 在设计方面,数对设计得妨碍,远得不讲,仅从近代有关设计得理论,对平面设计得贡献就能够看出它得重要性.如瑞士设计家约翰·契肖德所发明得数字逻辑形体设计在书籍设计中得运用.再如设计家罗尔·罗塞利奥对哥特式圣经内页边缘数值比例得发觉,即闻名得九段划分法,他求出了开本宽度尺寸得一个1／9作为内边,两个1／9作为外边,开本宽度尺寸得一个1／9作为天头,两个1／9作为地足得规律.而在1946年,方·德·格拉夫依照罗尔罗塞利奥得九段划分法,求边缘得比例图,发觉了用几何计算得简单方法取代九段划分法,这种方法被称为“蛇瓜式划分法”.在现代设计史上对20世纪妨碍最大得代表人物是勒·科布歇.他运用建筑学得差不多理论依照人体比例进行黄金分割,被称为模数设计体系.模数最初关于建筑形式有着重要得贡献,后来被运用到平面设计中.模数理论得差不多原理确实是对太阳神得肚脐、头顶和伸直手臂得指尖进行分割.之后勒·科布歇将之变为44个长方形进行空间分割.模数体系得核心,确实是试图利用人们对级数变化心理反应所产生得秩序美进行设计.在勒·科布歇发明模数之后,欧洲各国设计师纷纷运用这一设计原理并将之进一步推进,最终形成了网格设计得理论体系.网格设计体系把几例分析法和数在平面设计中得运用提升到了空前得高度,其特征是重视比例感、秩序感、连续感、清楚感.总之,它是以理性得数理为基础得形式法则在平面设计中得运用.从上述得例证来看,设计得美感体现在有秩序得数理得韵律上,这点与绘画有着本质得不同.5．平面设计得独立性体现在版式编排和字体形态上绘画是以图得形态传达着信息,一幅好得绘画作品能够浓缩巨大得信息内容,是文字高度浓缩得载体,在某些场合它能够代替或补充文字得不足.尽管如此,由于绘画与文字传播得功能存在着较大得差异,绘画作为单独得艺术形式其画面不存在文字得讲明.既然绘画艺术能够无文字表述出现,故此它也就不存在版式编排咨询题.而设计不管是作为独立得艺术形式,依然特地为某种产品服务,都必须有文字得讲明.只有通过文字形态得存在,其自身价值才能够得以充分体现.现代平面设计作为版面设计（typography）有两种意义上得版式编排：一种是图形与文字得结合,另一种是纯粹文字间得自由组合.这两种形式均可称为版式设计.但不管哪一种形式得版式设计都离不开文字得存在.一方面版式编排需文字组成,另一方面文字本身形态得差异也丰富了版式编排得多样性.从世界范围来看,各国各民族文字其形态演化得过程都来源于“画图记事”,与图相联系.假如把这种“图形”称之为“绘画”得话,那么文字和绘画在他们幼年时代本是同根同源.但从现代设计得角度或世界文明史得进程来看这一咨询题,就会发觉文字得形态特征显然已完全抽象地“独立”于“绘画”了.此外,在近一个世纪得现代设计进展历程中,前辈设计师们在实践中总结出了一系列版式编排得形式法则,构成了现代设计得基础理论,如：比例、力场、中心、方向、对称、均衡、韵律、对比、分割等,以及黄金分割在设计中得运用,德国标准比例、动力对称学讲、草席形、立体派格调、螺旋形、模数等等都集中体现了平面设计得独特语言.而妨碍版式编排艺术性得“字体形态”已逐渐进展成为新得设计学科.从本世纪初至今,西方许多发达国家相继成立了字体设计公司并在高等学校开办了字体设计学科.亚洲得日本、韩国等也没有相应得机构.由此可见,设计有不于绘画是独立于绘画而具有时代特征得专门学科.6．绘画与设计得差异性体现在各自得实现方式上由于绘画与设计存在着巨大得功能上得差异性,同时,在工艺制作得实现方式上也就存在着本质得区不.绘画尽管是一门艺术,但在制作过程中技术得成份占有相当大得比重.假如讲绘画在艺术得前提下,是一个运用新观念新手段得制造过程,那么绘画在其技术中所包含得材料、技巧等一系列因素则是完成和实现这种制造性思维得最重要得手段.前文中曾提到得绘画是个体劳动并突出表现“个性”得单一行为.因此,这就决定了某一绘画作品,绝对不能重复出现,同时呈现给观众得必须是“手工”制作得真实得肌理材料.如油画,是用以油为结合剂得油性颜料画在布面或其它材料上.国画则以笔、墨、宣纸、帛以及水溶性颜料为要紧肌理特征.而作为设计,其产生和进展都由“商业”行为而来,是随着商品经济得激烈竞争而出现得.它得目得是为整个市场服务,具有显著得商品特征.在其“实现”方式上必定是在脑力劳动与机器大生产相结合得物化过程.在过去近一个多世纪得进展历程中,设计从来基本上以机器印刷得方式来证明自己得价值.它从未脱离过大机器生产而独立存在.即使是在国际各种设计竞赛中,设计作品得机器生产工艺水平也是评判得重要着眼点.现今时代变了,科技又有了长足得进步,电脑得产生无疑给设计业带来革命性得变化.设计作品得“生产”方式更加体现了机器得智能化、工业化和系列化,越来越显示出“机器”得重要性.因此作为一个设计师不仅应明白得设计还要明白得机器得印刷功能,印刷装订工艺,甚至还要明白得在何种状态下,机器墨色套排序列会对作品产生什么样得效果,纸张得品牌、种类、性能将会妨碍设计作品得怎么样质量.综上所述,绘画与现代平面设计有着巨大得差异.二者之间得关系属于两个不同性质行业之间得关系——是有用性与观赏性得关系；是多层次、多社会性得理性考虑与情感宣泄,表现个性才气得关系；是体现工业化得生产技术水平与个体艺术者之手工技巧得关系……尽管本文在此强调了二者之间得差异性,但并不否认二者之间得联系性.如：早期绘画与设计得起源、艺术规律得相似性,设计必须具有绘画审美意识得差不多特征,等等.我们只有正确地把握绘画与设计得异同,掌握其中得神秘,理解二者得共性与个性,才算对这一咨询题有了客观深刻得科学认识.。

手绘艺术在平面设计中的运用手绘艺术在平面设计中的运用既是一种传统又是一种创新的方式。

它结合了传统的绘画技术与现代的数字设计工具，为平面设计师提供了更加丰富多样的创作手段和表达方式。

在这篇文章中，我们将探讨手绘艺术在平面设计中的运用，并分析其对设计作品的影响。

手绘艺术给平面设计作品带来了独特的个性和人情味。

相对于数字设计工具所创造的完美效果，手绘艺术具有一种独特的手工感和自然的不规则性。

绘画中的笔触和颜料的痕迹都能够为设计作品增加一种独特的艺术气息。

手绘艺术能够赋予设计作品更多的情感和人情味，让观众能够更直接地感受到设计师的创作思想和灵感来源。

手绘艺术可以帮助平面设计师更好地表达创意和视觉概念。

在设计过程中，手绘艺术可以快速地记录和表达设计师脑海中的创意和灵感。

相比于通过键盘和鼠标操作数字工具进行创作，手绘艺术的直观性和实物感更有助于设计师准确地传达设计意图。

通过手绘草图和手绘原型，设计师可以更好地与客户沟通和交流，提高设计方案的理解度和接受度。

手绘艺术还可以为平面设计师提供源源不断的创作灵感。

通过观察和研究绘画作品，设计师可以汲取其中的美学元素和表现手法，进而运用到平面设计中。

手绘艺术的丰富多样性和创新性可以激发设计师创作的灵感，使设计作品更加富有创意和独特性。

手绘艺术可以帮助平面设计师突破传统的设计思维模式，开拓视野，创作出符合时代背景和潮流趋势的作品。

手绘艺术在平面设计中的运用也为设计作品增加了艺术性和趣味性。

手绘艺术的表现手法和创作方式可以为设计作品增添一些艺术的元素，使其不再仅仅是冷冰冰的设计图纸，而是拥有了生命和灵动。

手绘艺术的创造性和丰富性可以为设计作品注入一些趣味和互动性，吸引观众的注意力和兴趣，并提升其与观众的沟通和互动效果。

然而，手绘艺术在平面设计中的运用也存在一些挑战和限制。

手绘艺术的制作过程较为耗时，需要设计师具备较高的绘画技巧和耐心。

手绘艺术在进行修改和编辑时较为困难，不如数字设计工具的灵活和高效。

美术特长生浅谈绘画之于平面设计第一篇：美术特长生浅谈绘画之于平面设计美术特长生浅谈绘画之于平面设计很多人持有这样的观点，认为设计与绘画全然不同，设计是时尚的、现代的、高智能的语言，绘画则是老套的、简单的涂抹皴擦，专业的设计者搞设计应该是拿着鼠标而非画笔。

这样的思想使这些设计者们集中力量趴在电脑前找寻灵感，玩着各种所谓抽象的、时髦的、国际化的视觉游戏。

或许他们还很高兴网络给提供这样的便利，可以随便“盗用”各种图象和版式甚至创意。

这些设计看起来也真的象模象样。

但由此导致了目前的平面设计一个较为严重的情况是创意雷同、形式单一、个性缺乏、思想空洞。

作为一个21世纪的平面设计者，如果他的绘画能力还不及“造型准确”，那我们今天的平面设计会是怎样的面貌？所以，我很有兴趣对此发表一些浅见。

一、绘画与平面设计的渊源平面设计这个术语出于英文“graphic”一词，在现代平面设计形成以前，这个术语是泛指各种通过印刷方式形成的平面艺术形式，包括木刻、腐蚀版画、石版画和丝网印刷版画等等。

当时平面设计这个词是与“艺术”连用的，统称上述艺术形式为“平面艺术”。

可见，在平面设计形成的早期，它还是与绘画同属于一个“艺术”大家庭里的成员。

要考察绘画与平面设计的历史渊源就要上溯到象形文字（中国的象形文字、埃及的象形文字都是图画式的）、原始人的岩洞壁画。

被视为现代平面设计雏形的古埃及草纸文书中，不少都有精美的装饰味道十足的插图，《死亡书》是这其中的典例。

我国和埃及一样，拥有最悠久的插图历史，现存的唐宋时期的佛经印刷品含有精细的人物插图，是我国绘画服务于平面设计的最早佐证；公元1596年《本草》一书，图文并茂，说明我国的平面设计已经达到非常成熟的阶段，书中的植物插图采用线描，绘制工细精美，写实性强，显然是有相当绘画功力的。

上发现他们的名字，但可以想象，抽调他们，平面设计史还剩下了什么？二、绘画于平面设计创新绘画之所以在平面设计史上扮演了如此重要的角色, 是因为绘画总是持续地为平面设计提供了各种创新的启示，这方面，依然是历史给我们提供了最有利的证词。

绘画和平面设计间的异同一、当我们在艺术的范畴内，讨论各门艺术学科的关系时，笔者认为专门重要的一个方面，确实是你总能够在它们之间找到能够引起共鸣的东西。

对美的向往是人的天性，在美的领域里，绘画占有专门重要的地位。

现代绘画大师们超越性的制造，关于现代平面设计的进展，具有极大的开拓与阻碍。

现代平面设计是一种流行艺术，它的要紧功能是准确无误的传递信息，紧紧追随社会流行文化的的变迁，反映着社会进展中的大众审美乐趣。

平面设计的进展会受到各种文化思潮的阻碍，专门是绘画艺术，留下了明显的印记。

尽管平面设计师不象画家创作那样自由的挥洒表达自己的情感和观念，然而在挖掘图形语言，萌发图形原创性上有着惊人的相似。

二、早期现代主义绘画的阻碍许多现代艺术流派与平面视觉传达的表现形式有着专门深的渊源，直到21世纪的今天，两者仍旧相互补充，相互支持。

20世纪有两次庞大的艺术革命。

第一次是20世纪初到第二次世界大战前后的现代艺术运动;另外一次是20世纪60年代以“波普”运动开始的当代艺术运动。

众多的流派给更加年轻的现代平面设计带来了深刻的阻碍，绘画艺术语言为平面设计注人了新的活力。

立体主义绘画是1907年以毕加索的((亚维农的女孩》为标志开始的。

主张不仿照客观对象，打碎对象的形，然后再加以主观的并置、重叠、组合，从而完全摒弃了自然物体的轮廓、体积、明暗与统一的形象。

1912年毕加索和勃拉克发明了拼贴艺术，采取综合手法，打破传统艺术的媒介局限，加人旧报纸、乐谱、车票、木片、沙、金属等材料，对绘画传统作出重大革命。

它能够说是20世纪最重要的美术前卫运动。

它包含了关于具体对象的分析，重构，综合处理，这进展成为对平面结构的分析和组合，同时将其规律化、体系化，强调理性规律的关键作用。

这种探究，在荷兰的“风格派”运动中，在俄国十月革命后的“构成主义”运动中，专门是在德国的世界最早和最现代的设计教育中心包豪斯设计学院中得到发扬光大。

因此，立体主义提供了现代平面设计的形式基础。

浅论绘画与平面设计关系探究作者：薛成城来源：《设计》2014年第07期摘要：绘画是个人意识的体现，起主导作用的是个人语言；平面设计中起主导作用的是共同语言。

两者之间既有区别又有联系，而在教学的过程中，有的学生不理解绘画与平面设计之间的异同，认为他们之间没有关系。

本文首先介绍了绘画与平面设计之间的联系，随后又说明了它们间的差别，这是对这两门艺术较为透彻的剖析。

关键词：绘画平面设计关系我们可以说绘画是设计的基础，设计起源于绘画。

调查发现，我国较早时候对装潢设计进行学习或者是现代对设计课程学习时，首先必修的就是绘画课程。

它们之间既有联系又有区别，平面设计是在绘画的基础上对形式美进行特殊的理解创作，但在此之前它必须要对绘画的造型技能和审美意识有深刻的了解。

由于学生对这两门艺术不理解，本文针对它们之间的联系和区别做了一些探讨。

1 绘画与平面设计的联系绘画是一种个人意识的体现，画出来的作品能够体现出个人风格和个性，靠不断的重复或者模仿出来的绘画作品是没有生命力的，只有积极创新才能体现出绘画的意义。

纵观绘画发展的历程我们看出，无论是我国的绘画艺术者还是国外杰出的绘画大师，他们的创作都带有自己特有的个性，这种个性往往是比较极端的。

我们从一幅画中就能看出这幅作品出自哪位巨匠之手，这是因为每个人的作品有带有自己独特的典型符号，这对画家来说意义非凡。

画家创作作品往往都是跟着自己的灵感或者意境而来，不会考虑出来的作品是否会对这个社会产生什么影响，特别是现代派的画家。

因此画家们创造出来的作品大多都是根据形式法则的理解表达出来的形式美，每一个伟大的画家都代表着一个具有特殊意义的美的符号，其作品都传达着极端的个性化。

平面设计中的设计，用英文表达是“design”，它把各行各业的设计都包括在内。

平面设计是通过一些视觉元素以及文字图形等把作者想要表达的设想和计划传达给大众知道，它是众多有目的的策划形式中的一种，评价平面设计的好坏，是看它是否向社会传达了作者想要表达的信息，是否能够用自己的作品感染别人，这是绘画者们创作视觉作品的生存底线。

视觉传达艺术之绘画与平面设计的差异姓名：蒋家军学号：0908070232班级：建筑091指导老师：徐浩时间：2012、5、15绘画与平面设计的差异关于绘画与平面设计的差异，一种人认为：只要有绘画的造型功夫，设计便不成问题。

而另一种人则认为：设计就是设计，有绘画的造型功底不见得就会设计。

持前一种观点的人多为美术院校的师生，而持后一种观点的人则为职业设计师。

本文就此话题悟出如下几点看法逐一讨论。

1.现代绘画是个性的表露绘画的意义在于创新，而创新只有通过个性化才能够得以实现，重复的绘画没有生命力。

如果我们回顾一下绘画的发展历史就会发现：无论任中国还是在西方，每一位杰出的大师都曾经创造过极端个性化的作品。

每一位巨匠都具有自己独特意义上的典型符号。

画家尤其是现代派画家，他们在创作时完全可以不考虑其作品的社会性。

在某种意义上，任何画家其作品的生命力都在于极端个性化，通过作者对美的形式法则的特殊理解以达到创造新的形式美。

从这种意义上说，画家不得不把自己个人主观意志的潜能发挥出来，最大限度地表现自我。

为此，梵高无疑具有着最典型的代表意义。

梵高在他生前生活的极端艰辛的条件下所创造出的大量作品未曾被拍卖过，就是因为其作品太个性化太超前以致不能被当时的人们所理解。

而设计师作为商品的美化师，他们的个性公很多场合下必须被泯灭，其作品的意义才能够被实现。

现代绘画个性化的表露还体现在五花八门的创新观念上。

当今的世界走一个信息高度发达的世界，如何反映这一时代特征，是每一个前卫艺术家思考和创新的课题。

艺术家们为了发现具有个性的独创，往往采用一些不同种类艺术间的结合，或是运用艺术和科学的结合以实现自己的艺术目标。

我们在展览馆里常常可以看到，一幅绘画作品一部分是用超写实绘画的形式表现，而另一部分则是用活人的躯干与画面组合让你真假难以分辨，或是看到绘画作品用电脑形式去播放以吸引观众的注意，这些所谓个性化的艺术品在现代派绘画的展览中屡见不鲜，这些艺术的生命力也在于它们独特而富于个性化的形式上，艺术家们完全不必去考虑观众能否接受，而只要考虑自己的艺术如何新，如何具有个性就可以。

儿童画创作思维在平面设计中的运用引言儿童画是孩子们最常接触的艺术形式之一。

它以简洁鲜明的线条、明快活泼的色彩和自由奔放的想象力，吸引了广大儿童的喜爱。

然而，儿童画的创作思维也可以在平面设计中得到运用。

本文将探讨儿童画创作思维在平面设计中的运用，并对其在设计实践中的价值进行分析。

儿童画创作思维的特点儿童画的创作思维有许多独特的特点，主要包括以下几个方面：想象力丰富儿童在创作画作时，往往能够充分发挥想象力。

他们能够将平凡的事物赋予新的意义，创造出独特的形象和场景。

这种丰富的想象力为平面设计师提供了灵感和创意的来源。

自由表达儿童画作为一种自由的艺术形式，不受束缚地展现孩子们的内心世界。

他们用自己的方式表达情感和思想，不拘泥于规则和约束。

这种自由表达的精神可以激发平面设计师摆脱常规思维，寻找独特的设计方案。

简单直观儿童画的线条简洁明快，色彩鲜明直观。

它们通常能够迅速传达出画中的主题和情感，并吸引观众的注意力。

这种简单直观的表达方式在平面设计中具有重要的借鉴意义，可以帮助设计师创作出简洁明了的设计作品。

儿童画创作思维在平面设计中的运用创意激发儿童画创作思维能够激发平面设计师的创意。

设计师可以通过观察儿童画，寻找到独特的视角和创作思路。

儿童画中的奇思妙想和丰富的想象力可以激发设计师的创造力，帮助他们创作出与众不同的平面设计作品。

色彩运用儿童画的色彩运用丰富多样，鲜艳明快。

儿童画往往会使用大胆的色彩组合，使画作更加生动活泼。

这种色彩运用的方式可以启发平面设计师在色彩搭配上更加大胆创新，使设计作品更加吸引人眼球。

简洁表达儿童画的简单直观性可以帮助平面设计师实现简洁表达。

设计师可以借鉴儿童画中的线条和形状，来设计简约明了的平面元素。

简洁的表达方式能够有效地传达信息，提高设计作品的可读性和视觉效果。

自由创作儿童画的自由表达精神能够激发设计师的自由创作意识。

设计师可以在平面设计中尝试更加自由的布局和排版方式，不受传统规则的限制。

绘画平面设计1平面设计与绘画的相互感通由于绘画具有巨大的感染力以及亲和力，并且绘画能够和设计、文学等多种艺术形式联系起来，并且可以将“诗情”和“画意”的审美效应激起。

在平面设计的审美效应中，其中的实用性与鉴赏的相互感通是非常重要的。

1.1平面设计中的画意平面设计与绘画都是艺术学科，并且它们之间有着密切的联系。

从形式上来讲，平面设计与绘画之间的关系是相互依存的，并且在平面设计的审美中可以将“画意”的通感之美体现出来。

目前，设计学术界的一些设计师将绘画与现代设计充分结合起来，从而为后代提供了许多优秀的范例。

比如：靳埭强先生曾经对中国绘画符号的应用与现代设计的结合有着独特的见解。

他设计的作品，不仅包括了绘画元素，而且他的作品中具有强烈的时代感。

与此同时他的作品的突出特点能够将传统与现代充分结合起来，并且主要将传统观念作为主导思想，在现代设计中将本土文化融入其中，从而将民族个性突显出来，最终能够形成独特的设计文化的特点。

从平面设计的作品中，可以看出设计者的审美观念。

1.2绘画中的设计感康定斯基是一位抽象派绘画大师，并且他也是第一个真正的从内在情感关联的角度来将设计展现在画布上的人。

在1910年，他创作出了《哥萨克人》等。

康定斯基认为，每一个形体都有属于自己的内容，并且世界上的每一种形体的形式之间都有着一定的联系。

与此同时他指出，抽象艺术家要善于利用这些联系，认真研究这些形体之间的所具有的独特点。

在绘画过程中，要将点、线、面以及色彩本身所传达出来的某种心理感受表现出来，并且要把握好它们之间的内在联系，给人们展现出一种美。

康定斯基在绘画与设计之间构建一座桥梁，从而能够设计出比例缜密的作品。

2平面设计与绘画的共性 2.1色彩在绘画过程中，色彩是一个基本属性，然而在平面设计的领域中，色彩也是一个不可或缺的元素。

在平面设计与绘画中，“赤、橙、黄、绿、青、蓝、紫”发挥着至关重要的作用。

比如：有关“色彩对比”、“色彩调和”等。

平面设计与绘画艺术视觉设计探析本文重点在于分析平面设计图中的设计线条以及设计创意，众所周知平面设计中，主要由点、线、面三种基本元素进行平面设计与绘画艺术视觉设计，欣赏者能够根据平面图的设计对绘画艺术视觉设计的不同种类进行区分，进一步从具体的分析之中探讨视觉创意的设计原理以及创意的来源，从而为平面设计与绘画艺术视觉设计提供更为广阔的思路。

标签：平面设计;绘画艺术视觉设计;创意;探析引言平面设计是由点、线、面等基本形态元素设计的。

平面设计与绘画艺术视觉设计作为平面设计的基本课程，其重要性自然是不言而喻的，平面设计是设计课程中的重要组成部分，这一点具体表现在平面设计追求线条与图画的完美结合与统一，较为和谐的平面设计一方面能为观众提供良好的视觉感受，另一方面平面设计也是平面设计者需要具备的基本能力，平面设计不仅仅追求绘画艺术视觉的设计，而且需要结合点、线、面等的元素对团进行重新的构想，因此，本文聚焦平面设计与绘画艺术视觉设计创意，以及更加符合美学标准、具有视觉美感的图案而展开。

一、平面设计视觉元素的排列组合平面视觉设计中包含着类型各异的图形以及符号。

设计工作者将类型不同的图形与符号进行千万种的排列组合，从而表达出不同这些图形与符号以某种形式组合在一起，传达着不同种类的视觉信息。

这说明平面设计的基本元素是点、线和面三者组成的[1]，但又不仅仅是三者的简单汇总，平面设计的视觉元素是建立在点、线、面的基础上的不同类型的多样化组合，为观赏者提供更为丰富的视觉观感，而其中正负形的间歇性转换也使得绘画艺术视觉的冲击力更强，这说明这些图形的排列组合能够使得图形的种类拓宽，并且能够使视觉的表现力更强，而正负形的转化就在于向观赏者展现出形式各异的图形，从而强化观赏者对于所看到的平面设计的冲击感。

此种冲击感能够突出视觉语言的形象性与生动性，也能够传达出设计者的内心想法与情感。

正是因为这些形式要素的不同组合与应用，使得视觉语言的表达更加的生活化与接地气。