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2020/12 No.226浅谈传统花鸟画写生的具体方法和技巧—以工笔白描写生为例内容提要：传统花鸟画的写生在其观察方式和表现手法上都有自己独特的一套体系，对学画者来说这都是一个绕不过去的环节和必须做的功课。
本文将以工笔白描写生为例，简述花鸟画写生的具体操作方法以及花鸟画写生的目的。
关键词：工笔花鸟画；写生；技巧文_陈璐瑶天津美术学院中国画学院写生就是写物之生机，从生活中捕捉物象的动态造型，归纳总结得出作品。
写生出来的作品生动活泼，充满活力。
中国画的写生在再现客观物象的形态特征外，还讲究师造化而中得心源，是融情于景，融情于万物，从而达到情景交融的一个过程。
花鸟画写生一是写生者要具有中国画独特的观察方法，中国花鸟画写生过程中采用的是散点透视的观察方法。
这种透视方法以近距离移动视点为主，意味着画者可以从各种不同的角度观察事物，在杂乱纷繁的物象中找出引起兴趣的、能够入画的点，将它们置于同一个画面中，所谓“触摸横斜千万朵，赏心只有三两枝”，这也需要画者有极高的审美判断和艺术眼光，画者可移花接木，删繁就简，取其精华，去其糟粕，最终选出具有代表性的物象进行呈现，塑造完整的画面形象。
与此同时，花鸟画不同的结构部分通常也会采用不同的观察方法。
在画花头时，多采用俯视的视点，多选用绽放完全的花朵，使得出现在画面中的花能够完整又饱满，大方且厚实；画枝叶多选用平视法，这种视觉角度能够更直接地观察到叶与叶、叶与枝之间的穿插关系和遮挡变化，利于营造丰富的层次。
二是要注意花鸟画的结构。
结构的把握来自对写生对象细致的观察，熟悉对象的生长规律和生长结构，才能在画面中清楚地把写生对象表达出来。
所谓于细微处见精神，这些细节部分也是花鸟画的精髓，更是花鸟画最生动、最耐人寻味的部分。
学会分辨外形相近的花也是写生要做的功课。
如牡丹和芍药，这两种花卉外形酷似，但在细微之处还是能够见其差别，如牡丹的茎为木质，芍药的茎是草质的；牡丹的花是独朵顶生，而芍药的花则一朵或数朵顶生，这些都是细心观察才能得出的规律。
谈写意花鸟画的创作摘要创造是中国写意花鸟画的灵魂。
它绝不是对景描摹的图谱，那种对景写生的花鸟画稿，只能说是创作的素材，创作还需要作者在大量写生素材中进行艺术加工整理后，才能创作成为完整的“新奇”作品。
写意花鸟画强调的是“造境”“写心”，重视意境之美，启发观众的联想，从自然美的角度，展现抒发飘逸玄远美学思想内涵，潜移默化地对情操、情怀起到感化提升的作用。
关键词：意境构图激情艺术格调中图分类号：j222 文献标识码：a引言写意花鸟画的创作学习，主要是以创作活动的一般规律、程序为主。
写意指抒发、表达情感、观念，以书入画不拘于表现对象的外在形态和具体细节，发挥物象的风貌和神韵。
古周易有“生生谓之易”的哲理思维，不息也，就是出其新之意，含有出新蜕变之无限生机。
创造性的特征就是“新奇”，“新”要新得有意义、有内涵，“奇”要具有持色。
假如写意花鸟画的笔墨、造型、构图、形式新奇过于超前，新奇变得太古怪，脱离时代与观众的欣赏水平，必定会造成交流勾通的障碍，无法引起大众共鸣。
创新的作品只有经过主客检验后，这样的创新才是创造。
一个成功画家的作品更是成为具有原创性的，八大山人、石涛、潘天寿、齐白石等人的写意花鸟画作品是绝对的原创。
具有创造性的作品不只是造型新奇，还是一种艺术才能学识的外化。
个性气质的表现也是创造写意花鸟画作品不可或缺的灵魂。
创造新奇美妙的作品，必须要有特别的思考造境与构图的能力。
一意境的产生造境，传统的中国写意花鸟画一直在“造境”，它强调的是写心，一切景皆为情语，中国绘画理论中论述“望秋云，神飞扬，临春风，思浩荡”。
这种物我为一的观念是有着深刻的理念的，画家本人须“搜尽奇峰打草稿”，对大自然有着深厚的体验和感受。
艺术家把花鸟草木石成看是有生命有感情之物，相对无言，却有感情交会，花鸟草木是人类自身的映照。
画家创造的画境已经完全摆脱了自然景观的种种束缚，不考虑是否符合自然常理。
可以把高洁的松柏和美丽的仙鹤结合在一起，也可以把翠绿的竹子画成朱红之色，把优雅的水仙花与雄奇浓郁的墨叶牡丹花构在一图里显出灵巧和秀丽来。
![[论文]大写意花鸟画](https://img.taocdn.com/s1/m/f2095348777f5acfa1c7aa00b52acfc789eb9f77.png)
中国花鸟画 在长期的历史发展中，适应中国人的社会审美需要，形成了以写生为基础，以寓兴、写意为归依的传统。
所谓写生就是“移生动质”，就是“变态不穷”地传达花鸟的生命力与各不相同的特性。
所谓寓兴，通过花鸟草木的描写，寄寓作者的独特感处，以类似于中国诗歌“赋、比、兴”的手段，缘物寄情，托物言志。
所 谓 写意 ，就是强调以意为之的主导作用，就是追求象 中国书法艺术 一样淋漓尽致地抒写作者情意，就是不因对物像的描头画脚束缚思想感情的表达。
为此，中国花鸟画的立意往往关乎人事，它不是为了描花绘鸟而描花绘鸟，不是照抄自然，而是紧紧抓住动植物与人们生活遭际、思想情感的某种联系而给以强化的表现。
它既重视真，要求花鸟画具有“识夫鸟兽木之名”的认识作用，又非常注意美与善的观念的表达，强调其“夺造化而移精神遐想”的怡情作用，主张通过花鸟画的创作与欣赏影响人们的志趣、情操与精神生活，表达作者的内在思想与追求。
表现在造型上，中国花鸟画重视形似而不拘泥于形似，甚至追求“ 不 似之似 ”与“似与不似之间”，借以实现对象的神采与作者的情意。
在构图上，它突出主体，善于剪裁，时画折技，讲求布局中的虚实对比与顾盼呼应，而且在写意花鸟画中，尤善于把发挥画意的诗歌题句，用与画风相协调的书法在适当的位置书写出来，辅以印章，成为一种以画为主的综合艺术形式。
在画法上，花鸟画因对象较山水画具体而微，又比人物画丰富，所以工笔设色更具写实色彩或带有一定的装饰意味，而写意花鸟画则笔墨更加简练，更具有程序性与不可更易性。
写意花鸟画的形成和发展 ( 1 )花鸟形象比人物、山水出现要早，如在新石器时代的彩陶出现的花木鸟兽、虫鱼、龙凤等纹样。
如长沙马王堆的帛画《人物夔凤图》等，当时还没有产生专门从事花鸟画创作的画家和理论，花鸟画也多是作为人物画的背景出现的。
这些作品或是常有较多的装饰性，或是主要表现人物生活环境。
( 2 )唐代经济繁荣， 统治者 生活奢侈豪华，社会习俗与审美观念都有新的要求(此期间出现不少花鸟画高手，如画鹤的 薛稷 ，画马专家 曹霸 、韩干，还有如 韦偃 画龙，戴嵩画牛等)。
花鸟画在国画中的地位较高，主题范围较广，并不局限于花鸟。
花鸟画强调生活特性，在创作中，创作者要善于捕捉自然特点，学会以特殊观察为基础，并在创作中灵活应变，投入足够的情感。
创作者在创作的过程中，既要具备扎实的基本功，还要与绘画题材之间产生共鸣，学会抒发情感，全身心地投入绘画创作，激情饱满地完成作品。
一、花鸟写生的内涵从广义上讲，素描是指描述物体或描绘场景的物理描述。
“写生”在《辞海》中解释为：在中国绘画中对花卉、动物、植物的描绘。
写生是中国绘画艺术创作的主要方式，是创作者了解自然和客观事物的重要途径，也是收集材料、激发创作灵感的重要渠道。
在写生中，创作者要借助笔墨，以“写”的方式表达客观物体，通过对客观物体的观察、研究、提炼和加工，掌握中国画的形式、构图、色彩、虚拟和真实等，展现中国画的形式和语言特征。
在写生中，创作者应认真观察客观物体的形态，同时通过艺术加工，使原本的真实图像变成具有审美特征和艺术魅力的作品。
从唐代画家张璪的“外师造化，中得心源”，到清代画家石涛的“搜尽奇峰打草稿”，都强调了写生的意义。
花鸟画属于中国传统绘画艺术的范畴，写生对于花鸟画创作意义重大。
在绘画中，创作者通过观察和研究客观风景，了解植物的生长特征和季节特征，对花、树、鸟、鱼、昆虫的神态等均有研究，然后在此基础上进行艺术创作。
二、当代花鸟画的写生观在全球化背景下，中西方艺术加速融合。
当代花鸟画的写生观是在中国传统写生观念的基础上演变而来的。
下面，笔者具体从四方面进行阐述。
其一，绘画创作要做到气韵生动，写生艺术创作的终极目标和绘画创作一样。
然而，与传统的写生概念相比，当代的写生观具有一定的时代性，有了进一步的发展，即对创作动力的强调。
当代花鸟画创作更注重反映创作者的思想、情感和精神观念。
其二，过去的写生观主要是建立在实践的基础上，深受宋代格物致知思想的影响，在创作中强调表现事物自身的物理结构、气韵、神态。
这一观念是现阶段花鸟写生中仍旧需要着重贯彻的，当代花鸟写生思想还要进一步落实到具体的创作中。
没骨花鸟画的写生与创作摘要：在没骨花鸟画的写生性创作中，注意观察事物，以“写生”的精微心态来研究自然事物的“殊相”，所谓是有心理的，情绪的，有精神追求的，加强写生中的创作意识是非常重要的。
创作性的写生，考虑物象在画面的置陈与布势，考虑画面感，把每一次写生变成创作的过程，反对囿于对自然“形”的描摹和再现，而要着力于对自然“形”的再造之后的表现。
关键词：没骨花鸟画写生创作线性语言的表达置陈与布势设色赋彩一、没骨花鸟画的起源与发展对于没骨画的起源众说纷纭，说法最多的是北宋花鸟画家徐崇嗣，他在继承了徐熙的基础上，又吸收了黄签的技法，创作了没骨画法。
没骨画法属于中国画传统，花鸟画的一种画法。
创作时不进行勾勒，而是直接用颜色或墨色绘成花叶，而画面中没有“笔骨”。
没骨画不同于工笔画和写意画，没骨画当中的“没”字，即有着淹没的意思，其精要还在于将运笔和设色进行有机的融合，不勾轮廓，不打底稿，更不放底样拓描。
在作画的时候，要求绘画者胸有成竹，绘画的过程一气呵成。
在书法当中把笔锋写过的地方称之为“骨”，其余的部分称为“肉”。
没骨画将墨，色，水，笔全部融于一体，在纸上运用技巧予以巧妙结合，重在蕴意，依势行笔。
没骨花鸟画在五代、宋出现之后很长一段时间一直寂寞，直到明清时期达到了一个巅峰。
画家们在继承了北宋院体画的基础上，吸收了元代文人画的洒脱，使得没骨花鸟画在很长一段时期占据了画坛的重要地位，其中主要代表人物有恽寿平，赵之谦、任伯年等等。
在没骨花鸟画的发展中，不可忽视的是恽寿平的没骨花鸟画，其在中国绘画史上是一大创新，形成了自己的风格，他的没骨画具有几大特点：第一，设色。
恽寿平非常强调色彩的本源，古人有的时候用色过于浓厚，有的过于清淡，只有将两者中和调节，才是用色之道。
恽寿平特别推崇典雅、清淡的色调。
第二，用笔。
恽寿平经常强调运笔不能过于豪放。
恽寿平的画大都以花卉居多，要想表现花卉特有的柔美，就需要用笔灵动性。
第三，花的姿态。
工笔花鸟画艺术创作心得【内容摘要】工笔花鸟画是中国画中的一门传统画种，它主要以花鸟及各种禽兽为主要体裁，通过视觉物象上的细腻工整与工稳收敛的笔迹来表现的具有传统审美品格的一门艺术。
工笔花鸟画的创作涉及到对传统的承袭、情感的传达、技法的表现等多个方面。
本文试图以个人的角度，阐述在工笔花鸟画的创作过程中的感悟与心得，以期通过理论性的总结，促进个人的艺术创作。
【关键词】工笔花鸟画创作传情达理借物抒怀工笔花鸟画亦称“细笔花鸟画”，它是由先秦漆画帛画发展而成，是中国传统绘画体系的一个分支，属于工整细密的画法，通过视觉物象上的细腻工整与工稳收敛的笔迹来表现，画法上讲究规行距步与一丝不苟，力求表现出物象精工细美的形态。
在工笔花鸟画的作画过程中不仅要注重笔墨的勾染与色彩的主观变化，更需要注重作品的意境气息。
工笔花鸟画是我国历代艺术家们共同创造的宝贵财富，是世界艺术史上的绮丽瑰宝。
一、工笔花鸟画创作的源泉现代工笔花鸟画创作既是对我国传统工笔花鸟画的传承，也是在传统基础上的创新。
艺术创作来源于诸多方面的积累与领悟，以下是我对工笔花鸟画创作过程中关于取材、技能、表现的几点感受。
1、工笔花鸟画创作来源于生活工笔花鸟画主要以花鸟和各种禽兽为表现体裁。
我们学习工笔花鸟画最早是从临摹古人的画风开始的，通过临摹我对中国的工笔花鸟画有了深入的认识，包括构图、造型、线条、色彩、渲染、材质等。
从古代的这些经典作品中我发现古人的取材多是从生活中来的，通过对具体事物的写生，生动传神地对生活进行提炼与升华。
艺术来源于生活，这是我们常常听到的一句话，但是如何将生活中感知到的事物凝练成为艺术作品，就需要绘画者具有一双慧眼。
其实生活中的一草一木都可以成为绘画的主题，使创作成为我们生活的一面镜子。
大学三年级的时候，刚好是有关工笔花鸟画的课程，一开学，专业老师就带我们到西双版纳植物园采风，通过采风收集素材。
到了植物园，满目的各种植物使我眼花缭乱，这里的很多植物我在参考书以及画册图片中看到过，对于它们的了解极其有限，如何从大自然中攫取所要表现的内容，并能够真实自然地表现出物象的自然形态，这就需要进行大量的写生积累。
从《写生珍禽图》看写生对于工笔花鸟画创作的意义作者：王鹏程来源：《大东方》2017年第05期摘要：工笔花鸟画是中国传统绘画的代表种类，具有辉煌的历史成就。
工笔花鸟画的创作中，写生是非常重要的一个环节。
所谓写生，便是把自然形态作为媒介，用艺术手法表现出来，使真实的事物转化为艺术符号的过程。
本文通过赏析黄荃的《写生珍禽图》，来认识工笔花鸟画中的写生，以及写生对于花鸟画创作的意义。
关键词：写生珍禽图；写生；工笔画创作；意义一、黄荃与《写生珍禽图》（1）黄家富贵。
黄筌的花鸟画全面继承了唐代传统，被称为“黄家富贵”。
黄筌的作品所表现的内容着重表现“富贵”二字。
从大唐皇风走出来的西蜀宫廷花鸟画，渗透出皇家气质。
所谓“富贵”风格，基于皇家威严大气的特点，具体落实在构图、笔法、设色上。
其造型的特点是严谨细致入微的。
虽然黄荃一生创作作品多达数百，但流传下来的数量极少，在这些极少的作品中，《写生珍禽图》作为宋代工笔花鸟画中的写生佳作对后世具有深远的影响。
（2）《写生珍禽图》。
黄筌《写生珍禽图》的用笔，体现了骨气与形似的高度统一。
其赋色特点，是沉着明丽。
明丽的设色下面必有墨色或沉着色打底的作画步骤，保证了视觉的中庸感，沉着不失艳丽。
这些都是黄筌“富贵”风格的艺术表现要点。
传承唐朝绘画之遗韵，重视严谨的法度规矩，代表了黄家正统的精神气质风貌。
我们可以从这幅作品中看出黄荃绘画的特点：1.状物精准2.刻画入微3.神形兼备，这三个特点是工笔花鸟画家注重写生的结果，也是工笔花鸟画的精髓所在。
二、工笔花鸟画创作中的写生（1）写生的概念。
现代汉语中“写生”我们可以拆开来理解，写，摹画、绘也。
生，生育、生长、生命、生存、生活、各种生动形态。
因此我们可以理解为写生是画家通过观察事物，把自己内心的情感通过艺术的形式表达出来，即对于现实真实物象的表现称“写生”。
工笔花鸟的写生，是用画家的真情实感到生活中去获取灵感，并在生活中得到提炼和升华，才能真正达到情景交融物我俱化的境界。
教学名师授业084中国美术中国绘画自分科以来，一直有着人物—写神、山水—写意、花鸟—写生的传统。
历代画家无不在艺术的探求中判断与选择属于自我艺术发展的道路，在体验现实生活的同时，也在消化与检验自我，并对绘画学习中所获得的经验与知识加以总结。
所以论及花鸟画的写生课题，多以此二个方面而展开：第一，对花（鸟）的具体写照，即如何正确把握自然形态的造型特点，以及形态结构规律中的共性与个性之别，生活习性与自然环境中隐含的人文背景。
第二，如何展开借写花鸟之名，表现其生意与生机，并以创作者主观的艺术表现方式而体现对自然中某一侧面所引发的综合思考与思想命题，切勿让花鸟画写生作品成为一花一鸟的“标本”或动植物形态在画面的某种堆砌，这样既无学术思想可言，更体现不出任何探索和拓展的痕迹。
故花鸟画写生的根本，即透过描绘视觉形态表象而达到提升完善创作方法和张扬创造精神的一种艺术方式。
以上这两种主张都应贯穿于花鸟画写生及创作的始终。
花鸟画的写生观强调，从写生入手固然可以避免食古不化，但倘若认为以此就可步入中国画的捷径，而忽视古已有之的成法，必定是一种片面的学习观，所以若能明白此理，并将两者有机地结合起来进行学术锤炼，必将有益于指导创作者正确掌握表现现实生活的艺术语言。
所以说写生的实质，是观察、了解、解剖、分析与整合自然形态，并在艺术化的过程中注重表现出创作者的个性化思维，把握写生过程中艺术语言特色的主观选择，变现实生活中的自然形态为艺术创造中的主观意识形态，并使之产生相互相承的关系。
因为艺术的创造活动正是透过对现实生活的升华形式来表达创作者对自然认识所产生的新观念，所以写生过程所产生与归纳的新法则和原理，必然有别于以往的一般性绘画式，并促进创作者展开更多论“创作性花鸟画写生”文姚舜熙[编者按]如果说在变化的世界中，唯一不变的就是改变，并且事物总是需要面对发展中的变化，并在变化中发展，那么中国花鸟画的教学也在随着教育者思想的不断变化和升华调整着方向。
中央美术学院中国画学院的姚舜熙教授认为写生是中国花鸟画的重要创作途径，其实质，是观察、了解、解剖、分析与整合自然形态，并在艺术化的过程中注重表现出创作者的个性化思维，把握写生过程中艺术语言特色的主观选择，变现实生活中的自然形态为艺术创造中的主观意识形态，并使之产生相互相承的关系。
所以论及花鸟画的写生课题并冠以“创作性花鸟画写生”之名，这种着眼点的改变颇有新意和深刻内涵。
姚舜熙先生的艺术主张也就成为一种教育思路贯穿于花鸟画写生及教学的始终。
姚舜熙现场写生姚舜熙与国画学院学生下乡考察教学名师授业2010年第2期总第2期085新的学术思考。
那种以生搬硬套为手法而忽视对自身学术规律探索的方式需要重新地审视；那种片面地对中国画传统菁华的研习，也只是停留在对技法的认识之上，以追求技术为目的，而忽略对自然形态作哲理性的艺术思考，是不可取的。
我们不能忽略自然界中偶然现象所能转化为艺术上的新观念与新创造的可能。
为此，花鸟画写生首先必须解决观察和思维两个问题。
即“做画要明白物理、体会物情、观察物态，只有这样才算达到了微妙的境界”（张大千语）。
这种由理生情、由情生态、由态传情的画理，更是要求用创作者独特的审美眼光去发现自然界中令人振奋的瞬间情景，寻求独特的视角—因为视角的不同，以及视平线的高低变化，都将影响对艺术形态的塑造。
而花鸟画写生中的通常视角，多是择取自然形态中的结构清晰、造型美观、正侧分明、层次穿插合理有致、形象奇特的同时又符合传统审美的视觉欣赏习惯的部分为准则。
其次是画面的章法处理，这是艺术创作的另一重要课题，就是力求将传统常用的如“S ”形构图、“之”字形构图、“边角构图”、“T ”字形构图、“△”形重叠构图、“中”字形构图、“一河两岸式构图”、“锁云式构图”、“主、辅、破构图”、“黄金分割律构图”等构图法则灵活地转化到写生实践中去，并通过创作者主观与客观的互动，发现现实生活中更加生动有致的画面进行学术整合，从而体现出特定环境下创作者的学术精神与主张。
所以说，艺术源于生活，又有别于生活，而其艺术的表现则要“疏离”于生活。
也就是说，从生活体验到艺术创作的过程，其目的是建构出属于创作者的某种虚拟世界，是主观精神的，不只是技术的，而两者又是互为作用的。
由此可见，花鸟画的写生观表现，得益于灵活的观察方法与思维方式，它的手段是多种多样，可以在写生现场进行笔墨挥写，也可以在写生现场只是静心默识，即所谓的“悟对”。
或以简略的数笔来概括创作者心灵情致的构成；或用色彩记录创作者的情感在特定时空下的各种变化。
但不管怎样，这些手法都需依赖于创作者的综合艺术理法修养和绿萝藤写生姚舜熙纸本白描136cm ×68cm教学名师授业086中国美术意的笔性感觉，讲究线条运行中的个性化特色。
二是强调对视觉形态描绘时线的感悟，观察物象角度的取舍与组合方式，力求找到适合自我创作的艺术切入点，找到合乎主题立意的视平线和角度，使线条的组合表现富有流动感、节奏感形式感。
三是讲究画面中线条构成上的块面、动势与空间形态上的虚、实转换关系，力求能于独立的画幅中，将不同变化的线条特点统一于某种主观艺术追求的审美情趣中。
二、讲究以勾勒与泼写相结合的画法。
这种综合画法，可以更加灵活地表现出自然环境中不同的植被特点，同时也能充分发挥水墨材料的偶发性特点。
于笔墨挥写中见精致、于精微中寓豪迈，那种水墨中的干湿浓淡于勾勒中起、承、转、合的变化手法，必定促使视觉形态在现场的笔墨写生中完成艺术的提炼。
这种绘画表现形式的展开，可避免速写式的写生最后以“画谱式”的笔墨习惯进行创作的方式。
这种讲究写生现场的环境与创作者心境交融的作法，更能促使创作者产生新的思维与新的变化，并于写生现场的绘制中逐渐总结出新的笔墨程式体系，同时完成对自身艺术语言的精神思考。
如此作为，其作品就不会只停留在技术的表现阶段，而能展开更深层的学术思考，从而使笔墨的艺术性，在黑、白、灰三者关系中梳理对形态的准确记忆。
在通常的写生教学中，笔者特别强调手写与心记的结合，讲究“悟对”，就是要更深入思考视觉对象所引发的一切联想，透过这些记忆的联想，促使创作者决定选择何种艺术手段对视觉形态加以取舍，以反映出创作者在学术上重新整合自然形态的主观过程，这亦是应目会心、走向心源的开始，这条艺术上的以心感物之路，恐怕是任何花鸟画家所无法回避的职业课题。
所谓的“创作性花鸟画写生”，是花鸟画艺术表现领域中的新概念，与一般绘画术语所言的写生不同，它不单是要描绘视觉形态中自然结构规律的一面，更关键的是要表现其生命的神韵，无论创作者的手法有多少的变化，或写自然中的整体形态，或择其折枝，其目的都力求表现出动植物形态的无限生机，都是要借此幻化自然，通过自然的形态情致，来抒发创作者于写生现场所表达的学术主张和人文关怀。
只有这样，才能艺术地建构作品的意境、才能使花鸟画写生的意义更现实也更深远。
而直接进行现场花鸟画笔墨写生的作法，在中国画中常见于人物画与山水画。
通常花鸟画的写生，比较常见的只是硬笔速写或局部的花鸟形态的特写。
研究创作性花鸟画笔墨写生这一学术课题，并于教学上展开广泛的实践，是笔者从1993年开始的。
十几年来，从西双版纳到海南岛热带丛林、从燕山和太行山到武夷山脉的自然保护区，笔者大致进行了三种绘画表现语言形式的教学探索，包括如何在写生中发现与创构画境等内容的探求，其间许多教学中的感悟与收获，以及其作用于笔者在花鸟画主题性创作上所引发的思考，现择要阐述如下：一、强调白描写生的作用。
即现场围绕特定的视觉题材和环境、特定植被生长特征及其生长的空间形态、特定的构境命题而进行的个性化组合，讲究画面的统一性、艺术性与完整性，讲究写生现场艺术氛围作用于水墨线条的笔法、笔性、笔意的学术表现，以及创作者在视觉形态的综合能力、创构能力上的培养，如此尝试的结果，必然生发更多的学术创造。
同时，许多现场突如其来的艺术想象与想法，也会立即激发出创作者更多的形式探索。
现场白描写生的技巧，常常因视觉题材的不同而讲究手法多变。
为此，笔者以为应注意如下四点的训练：一是强调白描中单线条的艺术表现质量，讲究其书[左]芭蕉写生姚舜熙纸本白描268cm ×68cm[右]姚舜熙现场写生教学名师授业2010年第2期总第2期087出新的秩序，笔墨写意中的情感变化更赋予其各种偶然的发挥与表现。
这种于写生现场就完成笔墨取舍形态与主观精神构成的撞击，则会有更明确的主观艺术表达。
所以把握传统文化中的笔墨延伸与时代精神、风尚的与时俱进，并在大自然的感悟中，使创作者完全可以于写生现场的笔墨挥写中得到学术的升华，不论其细节表现的手法是选择写实的、还是变形甚至抽象的，笔墨表现中的笔法、墨法、水法以及各种表现方式交融的本身，就含有中华文化中儒、道、释的思想意味与艺术的抽象性。
三、笔者展开现场创作性花鸟画笔墨写生时，也力求寻找对传统“六法”中“随类赋彩”的思考。
中国画传统色彩表现，从两汉到两宋，从漆画、壁画到卷轴画，都有过十分富丽与灿烂的色彩历程。
前贤画家无不深谙“色彩并非彩色”这一真谛。
后来文人仕大夫介入绘画，以及创作中社会审美取向的转变和绘画材料的不断革新，使得中国画艺术样式及表现语言体系都产生了巨大的变化，形成了强调“运墨五色俱”的新审美标准。
而近现代美术教育上的“西学东渐”所带来的西洋绘画在色彩表现上的新理念、新手法，对于中国画在色彩表现上的撞击与思考意义深远。
所以十几年来，笔者于现场笔墨写生时，亦十分注重运用色彩为主要表现手段而介入进行写生，并讲究写生中的色与墨结合，在表现语言上力求达到如同水墨画法一样的有笔法、墨法、水法韵味的挥写，强调色彩作为创造的主体表现内容，而不只是绘画的材料功能。
为此，以颜色介入水墨进行现场写生，使笔者更注意了对写生现场环境的观察，对特定的时空下自然植被所引发的情景联想与思考，以及画境刻画上色调倾向的主观构成与臆造——哪些颜色与墨的调配、哪些颜色与颜色之间的调配，更能表现出作品的个性、意味无穷，这种时时把握艺术创作中各种偶发性的表现特点以其在特定环境下创作者的主观整合，的确要比创作者在画室中的“闲庭信步”更为丰富与刺激。
有时作品绘制过程是在骄阳的折射下，能使创作者产生特殊的艺术幻想，所以除去必要的笔法、墨法、设色法的表现外，现场的彩墨写生，亦会生发新的作画方式与作画步骤的变化，引发更多视觉色彩的综合思考。
通过近20年的摸索，使笔者逐步领悟并掌握了绘画上用色之法如同用水之法的随意与灵变，并逐渐将之从绘画上的技术把握上升到艺术创造上的精神思考。
为此，彩墨写生的技术点在于色调要主观、要明快，要亮、透、清，并于各种不同对比中见含蓄，以体现出创作者对色彩的修养，切忌色彩使用上的滞与“土”气的感觉。
