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绘画心理测验与心理分析〔学习后整理〕投射理论：投射偏向于表达自己意识和无心识的实质状况以及表达梦想和理想的实现。
绘画心理测试种类：自由绘画、规定内容、完型绘画。
一、绘画隶属信息的剖析：1、线条长线条：自我行为的控制能力强，可能内向型。
短线条：行为激动，可能外向型。
直线：果断、攻击性、过分自信、阳刚。
圆圈线条：依靠性、情绪化、阴柔、女性化。
直线修长：激烈的紧张感。
锯齿状：敌对偏向，攻击性。
线条断断续续：不安感、忧虑感。
线条相互不相连：精神病偏向。
频频描述线条：缺乏自我知足感，有不确立感，难以做出决定。
H线条粗大：某种重申，紧张、忧虑、惧怕、缺乏自信和行为上的郁闷。
2、线条力度：平淡：能量水平低、心理压迫，神经症、精神分裂症偏向。
清楚有力：自信。
力度过重〔粗黑〕：必定的心理紧张，生理疾病〔癫痫、脑炎患者〕。
二、构图剖析：1、小画：惧怕、害羞、受压迫，在感情上有依靠感，有很好的自我控制。
2、对称性：正常的知觉能力和表达水平。
3、不对称：智力或感情上的问题，个体缺乏安全感。
4、极度对称：拥有逼迫偏向，感情遇到压迫和控制而表现出过分的理性。
5、正中地点：自我中心，有自己的主张，行为情绪化，有安全感。
6、右边：个体有较好的控制行为水平，接受需求的延缓知足，愿意接受延缓的奖赏，外向性格。
7、向上：反应个体为自己定下难以实现的目标，个体表现较高的成就，也可能离开现实，沉醉在梦想之中，也可能希望疏离四周的世界。
8、向下：个体缺乏安全感和确立感，情绪低沉，个体感觉自己遇到现实约束，依靠性。
9、纸张底边、边线：个体需要支持，惧怕独立和缺乏自信。
三、细节剖析1、缺乏细节：个体感觉空虚、压迫、能量缺乏并有显然的退却偏向。
2、过分描述细节：个体有必定的逼迫性偏向，过分严格、古板的心理特点。
3、涂黑：与逼迫偏向、忧虑和抑郁有关。
墙壁象征自我，黑色象征压迫，涂黑的墙壁表达受压迫的自我和悲观的态度。
屋顶涂黑象征对自我的某种压迫，涂黑与肮脏有必定联系，洁癖、逼迫症与忧虑相联系。
绘画心得体会15篇绘画心得体会15篇。
在写心得体会的时候你有什么疑问吗？在经历了一些事情后，会突然明白一些道理，老师要求每一位同学都要写一篇心得体会。
我们要是能用心去写好每一次的“心得体会”，说不定还会起到一举多得的效果，这是一篇网络上广泛传播的题为“绘画心得体会”的文章，欢迎大家把这篇文章分享给自己的学生和学员帮助他们学习和成长！绘画心得体会篇1作为一个美术爱好者，我特别喜欢看画。
每逢空闲，我总会不自觉地打开一本画册或者上网浏览名家作品。
在欣赏绘画的同时，我也不忘深度思考艺术所传达的信息和意境，以求体验艺术的真正魅力。
阅读绘画首先需要静心欣赏，慢慢地品味画作所表达的情感和细节。
艺术家画作的对象往往是自然界中的事物或形象，这些事物或形象在他们的手中变得极具生命力和美感。
其实，艺术家画作所追求的不仅仅是真实的再现，更多的是艺术的表达与风格的彰显。
只有从画作的角度出发，才能真正了解画作背后的含义和思想。
在阅读绘画的过程中，对于色彩的运用和组合也是非常重要的。
色彩是画作中的灵魂，有时候一种颜色的变化就可能带来截然不同的感受和气氛，比如以蓝色为主调的画作，能传达出清凉明亮的感觉；以红色为主调的画作，能传达出激情和温暖的氛围。
艺术家们在运用色彩、线条、形状和构图结构等要素时，不断探索画作与现实世界之间的奇妙联系，以及内心情感和意境的表达，从而完成一件魄力十足，引人入胜的画作。
在一幅画作中，无论线条的粗细、形状的表现还是构图的安排，都能彰显艺术家的功力和思维深度。
如果从技术角度来看，线条决定了画作的形状、水平、竖直等方面，形状则是画作中最为基本的元素之一，能够从根本上确定画作的基调和主题；而构图则能决定整个画面的风格、视觉效果和人们的情感反应。
艺术家们将自己的理念和情感投射到画作中，重新组织人物关系、部分构图以及物体大小，从而使作品呈现出独特的美感和视觉效果。
最后，阅读绘画还需要一定的背景知识。
艺术是一门广泛的学科，涉及到历史、文化等方面的知识，我们的阅读和理解可能需要对相关知识进行学习和积累。
第1篇一、引言绘画是一门富有创意的艺术，它能够表达人们的情感和思想，使人们的心灵得到愉悦和满足。
作为一名学生，我有幸接触到了绘画这门艺术，并从中获得了许多感悟。
在此，我将分享我的作画感悟心得体会，希望能为热爱绘画的朋友们提供一些启示。
二、绘画让我发现生活中的美1. 观察力提升在绘画过程中，我学会了如何观察周围的事物。
从最初的无视细节，到后来能够捕捉到生活中的点滴美好，我逐渐体会到了观察力的重要性。
无论是大自然中的风景，还是身边的人和事，都能成为我绘画的灵感来源。
2. 发现美的眼睛绘画让我拥有了发现美的眼睛。
在我眼中，生活中的点滴美好无处不在。
一幅画、一首歌、一本书，都能让我感受到美的存在。
这种感悟使我在面对困境时，能够保持乐观的心态，积极面对生活。
三、绘画让我学会表达情感1. 情感宣泄绘画是一种情感宣泄的方式。
在我心中，有许多无法用言语表达的情感，而绘画则成为了我倾诉的工具。
通过画笔，我能够将内心的喜怒哀乐淋漓尽致地表现出来，使自己在创作过程中得到释放。
2. 情感共鸣绘画使我学会了与他人进行情感共鸣。
在与人交流时，我能够借助自己的画作，让对方更好地理解我的内心世界。
这种共鸣让我感受到了人际关系的美好，也让我更加珍惜与他人的交往。
四、绘画让我锻炼耐心和毅力1. 耐心的重要性绘画需要耐心。
从构图到上色，每一个环节都需要我们用心去完成。
在这个过程中，我学会了如何面对枯燥乏味，如何保持专注。
这种耐心使我在面对生活中的困难时，能够保持冷静，勇往直前。
2. 毅力的力量绘画需要毅力。
在创作过程中，我遇到了许多瓶颈，有时甚至想要放弃。
但正是这种毅力让我不断克服困难，不断提高自己的绘画水平。
如今，我已能够自信地面对挑战，勇敢地追求自己的梦想。
五、绘画让我拓宽视野1. 了解艺术史通过绘画，我了解了中外艺术史，领略了不同时期、不同流派的艺术风格。
这使我更加珍惜自己的创作，同时也让我学会了尊重他人的艺术。
2. 交流与合作绘画使我结识了许多志同道合的朋友，我们一起交流创作心得，共同进步。
对树的分析我画树时是先画树干，再画树枝的，然后画树冠的。
树干连接树冠和地面，是树冠的有力支撑.它反映成长和发展上具有充沛的能量，生命力。
图中的树干有一些粗，而树干的粗细就代表了生命的旺盛程度，这就代表我是一个生命力旺盛的人。
树干的线条有些间断，表明了我是个比较敏感，冲动性强，比较感性，不够理性。
我在现实中也觉得自己有时比较冲动，容易闹情绪，过后就会有点后悔自己太冲动。
不知道是不是自尊心太强，比较敏感，可能对方没有其他不好的意思，可我却觉得不舒服。
图中可以看出树皮被多次描画，说明了作画人有一定的强迫性倾向，也可能是比较关注自我环境。
我是比较追求完美的，总希望可以做到尽善尽美，所以总是重复。
树枝表示追求环境的满足，与他人的交际关系，象征着实现目标的力量和能力，还可以反映出成功的可能性以及对环境的适应性等。
图中的树枝向上生长，表示作画者正积极向上的成长，正在寻找发展的机会，横向生长的树枝，表明了我是愿意主动与人交往，生活也比较愉悦。
我对生活还是充满希望的，对于未知的事物有好奇心，也愿意了解接触更多的事物。
我也是个比较有野心的人，希望自己以后能有自己成功的事业，成为一位成功的职场女性。
树干相对于树枝是比较粗的，而粗树干上的树枝却比较小，表明了我感觉无法从环境中得到满足，树枝呈单线，树冠充分的修饰，可能我潜意识中想隐藏自己丰富的感觉，也再次表明了我追求完美的性格。
生活不可能尽如人意的，我也有自己的小遗憾。
在外人面前我可能不会太显露自己一些比较丰富的感情，但和我玩熟后，就会发现我的感情很丰富，对于一些事物总是有些自己鬼马行空的想法，有时会让人有点无语，好笑。
我比较冲动，尽管我想要把一些不好的情绪掩藏起来，可是还是失败。
开心就是开心，不开心就是不开心，难过就是难过，我的情绪很容易就从我的脸上看出。
我也不知道这是好的还是不好的，对于以后的人际交往可能是不好的，这可能是我想掩藏自己情绪的原因吧。
树叶可以看出特意细致的描画了，表明了我可能有一定的强迫性倾向，生活过分追求完美。
绘画心理测验与心理分析绘画心理测验是一种通过观察被测试者绘画作品来了解其个人心理状态和潜意识的测试方法。
根据绘画作品的主题、内容、颜色等特征，可以揭示被测试者的个性特点、情感状态和潜在需求等信息。
下面将结合两个具体案例，探讨绘画心理测试与心理分析的相关内容。
案例一：小明的绘画作品小明是一名17岁的高中生，他的绘画作品是一幅多彩的抽象画。
画面中有许多色彩斑斓的线条和形状，给人一种充满活力和自由的感觉。
从颜色和线条的选择来看，小明是一个充满创造力和激情的人。
多彩的颜色和曲线代表着他内心丰富多样的情感和活力。
这也表明了他具有艺术天赋和表达欲望。
然而，画面中的抽象形状和线条也显示了小明可能存在一些迷失和困惑。
这种抽象的表达方式可能代表了他对现实世界的不满或无法理解。
他可能在寻找自己的身份和定位，对未来的迷茫感到焦虑。
心理分析认为，小明通过绘画表达了内心情感的复杂性。
多彩的色彩反映出他对生活充满热情和好奇心，而抽象的形状和线条则揭示了他的内心痛苦和不安。
案例二：小红的绘画作品小红是一名40岁的家庭主妇，她的绘画作品是一幅黑白色调的风景画。
画面中有一片宁静的湖泊和远处山脉，表现出一种宁静和平和的感觉。
从颜色和主题来看，小红是一个内向、安静和喜欢独处的人。
她选择将画面的色调设置为黑白色，可能代表了她对生活的平淡和宁静的追求。
她通过描绘湖泊和山脉表达了对大自然的热爱和向往，同时也映射出她渴望远离尘嚣和压力的愿望。
然而，画面中缺乏明亮的色彩和生动的细节，表明小红可能存在一定的压抑和孤独感。
她可能感到被束缚和限制在自己的家庭角色中，渴望有更多的自由和自我实现的机会。
心理分析认为，小红通过绘画表达了她对宁静和平和的渴望，以及对家庭角色的压抑感。
通过画面中的缺乏明亮色彩和细节，可以看出她内心的孤独和不满。
结论：。
绘画分析的一般原则利用绘画做投射测验时，要强调的是，若没有仔细考虑到作画者的年纪、发展阶段、认知能力、倾向和精神方面的损伤的可能性，那是十分危险的。
再者，当我们以一般领域的概念，来做为了解图面多蕴含的意义时，这种的分析将会是粗略的。
再次的提醒，画面解读者，图样或绘画的判定，尚须考虑到作画者个人过去的历史、行为和其他有效资讯。
此外，缺乏专业性的绘画技巧，并不会影响到作品投射的分析，而是整体的细节考虑引导我们做某些层面的假设。
不要只是针对一张画而随意的下结论，从一系列的绘画投射性测验中，才能建立更高可信度的推论。
关于绘画任务的行为观察个人、特别是儿童，面对画纸、画笔和绘画投射测试者时，他们的态度、方式提供了重要的参考信息。
儿童和面谈者的互动及其他言词或非语言的行为皆有所关联。
Rubin提到，儿童非语言的肢体表达，还是可以清楚地传递重要的信息，如眼光闪闪躲躲的谈话、注视着大人要求赞同、责备、处罚或允许。
孩子如何面对新的状况，将让我们知悉他们的应变能力和面对压力的处理，及环境的驾驭力。
孩子的沉默或唠叨，高兴或冷峻、犹豫或即兴，活力和忧虑等层级将显现出他们更进一步的和外在世界接触的指数。
此外，小孩子是否能够普遍性的接受他们生活中所发生的事物，如觉得力不从心的受害儿童会因此而变得抱怨。
或许我们会注意到小孩子会接受我们所给他们的纸张方向（如垂直），相反地若受创伤的小孩则懂得去辨识侵略者，他们可能会将纸张转成水平位置。
画面影像的解译图形位置图画可作为环境的反射，如精神上受创儿童，因为过度焦虑而无法自我控制，将画面所表现的物体凌乱地散落在整张纸上。
这些精神上受创儿童，发展出强迫性的防卫心理，他们无法节制内心的痛苦，和将所描绘的线条和物体精确地摆放在应有的位置上。
图形摆放在纸中间是正常和暗示作画者有适度的安全感，这种画面表示，作画个体为“自我管理”和“自我为中心”的人。
图像摆放在中线上方，则有不切实际的目标。
习惯将图像固定的画在图纸某一边，提示我们关于绘画者个人的态度，画在纸的右边，暗示着理性程度、自我控制能力，和以环境为导向的行为及受事实原理强烈的规范者。
绘画心解文/徐贤绘画是精神劳动。
古人认为“心之官则思”，“心”使用范围极广，除了人体管血液循环的物质心以外，凡绘画中的一切意志、思想、感情的精神活动，都与心有关。
故心为创作中主体的艺术思维的作用很重要。
画论中的心可以分两大类：一是表现对象的心，一是画家的心。
画中要表现对象的心，即不但要画出人物的形体状貌，更重要的是在传神写心，充分表现所写人物的内心世界，思想感情，道德品质。
1 心指审美主体的心灵境界，它首先表现在心物关系中，中国传统画论认为主体是由人心感物动情，在物我交融中进入审美境界的。
其次，审美之心必先要“涤除玄鉴”，在审美时达到心地的本然状态，然后才能进行审美观照。
第三，审美之心可以直接交流，“以心传心”、“心心相印”。
第四，审美之心充分地体现在艺术创作和欣赏的整个过程中，“外师造化，中得心源”，即以心为创作之源。
先了然于心，再“用心”去构思取舍。
2 本文以历代有关画著中涉及“心”的画论为理论线索，探讨中国画中关于心是人的精神作用，是绘画创作中不可缺少的因素，形是心的物质基础，心是形的思想统领。
画家之心，要由用心、精心、苦心，逐渐达到不用心的境界。
古画上演奏的女子们一、六朝隋唐时代的论心在六朝隋唐时代的画论中，论到心的地方非常多。
我们撷取其中几个有代表性的论心画语录，并进行阐释、解析。
南齐谢赫《古画品录》在品评张则时云：“意思横逸，动笔新奇。
师心独见，鄙于综采。
变巧不竭，若环之无瑞。
景多触目。
”3 唐代窦蒙《画拾遗录》评阎立本时云：“直自师心，意存功外，与夫张、郑，了不相干。
”4 画有三师：师古人，师造化，师心。
师古是临模，师造化是写生，师心是创作。
三者缺一不可，最好是能全面发展。
师迹是学习古人，接受传统，师心是内得心源，自己创作。
在古代的论画里，既强调师物，也强调师心，如“师心独见”，“灵心自悟”，“直自师心”，“中得心源”，都是主张独出心裁，不假师授，要“独树一帜”，不“依人作嫁”。
昔之学者并非只师心而不师迹，不过师迹是学习阶段，师心是成熟阶段。
大画家师心多于师迹，小画家师迹多于师心。
宋元以前的画家多师心，而明清以来的画家多师迹。
绝对师心而不师迹，或绝对师迹而不师心的人恐怕是没有的。
会心与心匠相似，它与画的好坏有关系，但并非绝对，会心或心匠虽佳，若技术不佳，仍不能画出好画。
画家要有自己独创的方法，风格，个性，然后画坛上才能争奇斗艳，百花齐放。
其次则为师物，如“心师造化”，“外师造化”，“经诸目，运诸掌”都是重视写生的。
重视写生，才能观察自然，体验生活，熟悉社会，才能画出不违背现实的作品。
画家的心和手必须统一。
心管思想内容，手管笔墨技巧。
只有正确的思想内容，没有熟练的笔墨技巧，手不应心，眼高手低，当然画不出好画来。
另一方面，笔墨技巧虽很高明，但是思想内容却不高明，也画不出好画来。
必须“得于心，应于手”。
又能“不滞于手，不凝于心”，心手交融，高度统一，方能随心所欲，挥洒如意，不求佳而自佳。
心师造化指画家用心灵去师法和感悟客观景物的内在精神风采，汲取创作原料。
语见南朝陈姚最《续画品序'湘东殿下》云：“右天挺命世，幼禀生知，学穷性表，心师造化，非复景行所能希涉。
画有六法，真仙为难，王于象人，特尽神妙，心敏手运，不加点洽。
斯乃听讼部领之隙，文谈众艺之余，时复遇物援毫，造次惊绝。
”5 姚氏将绘画反映生活概括为“立万象于胸怀”，提出了“心师造化”的理论，明确指出了生活是绘画创作的源泉。
这不仅表明艺术与生活的关系，也表明绘画创作中的主体与客体的关系。
晚唐张璪进一步提出了“外师造化，中得心源”，使“心师造化”更为完善。
画家除了从客观事物中获得艺术素材，还必须依自己的审美判断，进行分析研究，在自己的思想情感的熔炉中加工改造，这就是“中得心源”。
从创作过程中的主客体的关系说，“中得心源”更着重于主体因素的积极发挥。
宋人讲“胸有丘壑”，明人讲“丘壑内营”，都是强调主体因素的作用。
故“心师造化”，成为中国画家身体力行的一项极为重要的创作原则。
应目会心优秀的绘画作品能使欣赏者眼见有限的尺幅，而心中体味到所绘山水的无限气势和生机。
南朝宋宗炳《画山水序》云：“竖划三寸，当千仞之高；横墨数尺，体百里之迥。
是以观画图者，徒患类之不巧，不以制小而累其似，此自然之势。
如是，则嵩华之秀，玄牝之灵，皆可得之于一图矣。
夫以应目会心为理者，类之成巧，则目亦同应，心亦俱会。
”6 宗炳所谓“应目会心”，即应之于目，会之于心。
所说“类”系绘画创作中的典型化方法。
作画是先由生活中的自然形象通过视觉反映在脑里，通过加工、取舍、提炼，创造成为艺术形象，表现在画面上。
古人认为心是思维器官，故心成为思想、意念、感情的通称。
画家眼之所见，心之所想，都能恰如其分地表现。
清代王铎题画款：“画理贵得入机，又须意适景和，无事相扰，然后有所会心焉。
”外师造化，中得心源指绘画的形象取之于自然生活，经过画家主观情思熔铸而成。
唐代张彦远《历代名画记》记载：“初，毕庶子宏擅名于代，一见（张璪画）惊叹之。
异其唯用秃毫，或以手摸绢素。
因问璪所受，璪曰：‘外师造化，中得心源。
’毕宏于是搁笔。
”7 所谓“师造化”即造物，自然天地之称谓。
绘画是造型艺术，所画形象（人物、山水.花鸟等）都取之于自然，故首先要师法于造化，以大自然为师，以社会为师，说明艺术来自现实生活，以其为绘画的生命源泉。
“得心源”，“心源”本源于佛教术语，是指画家自己心灵的作用，是画家的主观世界。
现实生活中的形象在成为艺术作品之前，必须经过画家主观情思的熔铸与再造，必须是客观现实的形象与画家主观的情思的有机统一，作品所反映的客观现实必然带有画家的主观情思的烙印。
故“外师造化，中得心源”概括了客观形象——艺术意象——艺术形象形成的全部过程，言简意赅，道尽画中三昧，成为千古名言。
得心应手得：得到，想到；应：反应，配合。
形容绘画技艺纯熟，心手相应；或形容绘画时非常顺手，尽合心意。
语本《庄子'天道》：“不疾不徐，得之于手而应于心”。
唐代符载《观张员外画松石序》云：“观夫张公之艺非画也，真道也。
当有其事，已知遗去机巧，意冥玄化，而物在灵府，不在耳目。
故得于心，应于手，孤姿绝状，触毫而出，气交冲漠，与神为徒。
若忖短长于隘度，算妍蚩于陋目，凝觚舐墨，依违良久，乃绘物之赘疣也，宁置于齿牙间哉！”8 北宋沈括《梦溪笔谈》云：“予家所藏摩诘画《袁安卧雪图》，有雪中芭蕉。
此乃得心应手，意到便成，故造理入神，迥得天意，此难可与俗人论也。
”9 明代沈襄《小霞梅谱》云：“古人寄情物外，意在笔先，兴致飞跃，得心应手。
”万类由心“万类”即万物，指自然界中有生命的东西。
“由心”即心灵深处，“心”指精神活动和思维活动。
“万类由心”强调画家主观情思的作用。
唐代朱景玄《唐朝名画录》云：“穷天地之不至，显日月之不照。
挥纤毫之笔，则万类由心，展方寸之能，而千里在掌。
”11 朱氏认为：画家欲画出自然界有生命的万类事物，必须先“外师造化”，师法自然，提高绘画技巧，才能“中得心源”，使万物形象进入灵府。
二、宋元时代的论心宋元时代，在画论上论心的地方很多，尤其宋代更为盛行。
主要分两个方面：一方面是表现对象的心，一方面是画家自己的心。
所谓对象的心，就是对象的道德品质，也就是人格的总体的表现。
是圣贤，是英雄，是孝子，是烈女，是政治家，是文学家，是民族英雄，是爱国志士，都具有各种不同的心，画家必须深入对象的内心世界，抉其底蕴，得其本质，然后画出来，才能写心，才能传神，才能得其性情言笑之姿，所以说“写心惟难”。
另一方面是说画家的心，这也分为两种：一种是画与心的关系，就是所谓心声、心印、心画、心术、心传、心得等等。
画是发之于心，也就是说，画家所画的画，是画家思想意识的反映，而这种反映并不一定有意，而常是在不知不觉之中，自然流露出来的。
不仅绘画如此，一切文学艺术，无不如此。
所以艺术家，必须是道德纯粹品质高尚的人，才能不愧为灵魂工程师。
一种是画家在创作的时候，要专心致志，用非常严肃的态度来作画，既不能用轻率的心，也不能用怠惰的心，必须明窗净几，神闲意定，然后才能从事，然后才能有好作品。
若是居室昏暗，笔墨狼籍，子女跳踯声音嘈杂；或时间短促，命题限时，工具材料都不顺手，甚至心中别有难于解决的事，精神萎靡，身体疲劳，这时勉强作画，是很难有好作品出来的。
“心印”指源于画家先天性灵中固有的素质，胸中的气韵趣味，为了表达思想情感，对自然物象取舍，重构于胸中，有意无意之中，自然物象与胸中气韵趣味水乳交融，暗合于心，这就是心印。
讲究“心印”是中国文人画一个重要特征，即画是心灵的反映，表现画家的性情和追求，体现画家的主体精神和独特感受。
宋代郭若虚《图画见闻志'论气韵非师》云：“凡画必周气韵，方号世珍，不尔，虽竭巧思，止同众工之事，虽曰画而非画。
故扬氏不能授其师，轮扁不能传其子，系乎得自天机，出于灵府也。
且如世之相押字之术，谓之心印。
本自心源，想成形迹，迹与心合，是之谓印。
爰及万法，缘虑施为，随心所合，皆得名印；矧乎书画，发之于情思，契之于绡褚，则非印而何？押字且存诸贵贱祸福，书画岂逃乎气韵高卑？夫画犹书也，扬子曰：‘言，心声也；书，心画也。
声画形，君子小人见矣。
’”清代《尺牍新钞一集'张风与郑汝器》云：“画要近看好，远看又好，此则仆之观画法，实则仆之心印。
”林泉之心指画家或欣赏者以明净清澈如林泉的心情，去创作或观赏山水画。
林泉指自然界中山水的总称。
宋代郭熙《林泉高致'山水训》云：“画山水有体：铺舒为宏图而无余，消缩为小景而不少。
看山水亦有体：以林泉之心临之则价高，以骄侈之目临之则价低。
”13 郭熙认为：观山水画者和作山水画者有两种情感，一种是以爱自然的超迈凡俗的情怀欣赏，则在审美活动中主客体得以契合，为了发现审美的自然，画家必须有审美的心胸，即“林泉之心”。
宋代米芾《画史》云：“山水心匠，自得处高也。
”14 南宋赵希鹄《洞天清禄集》云：“山水初无金碧、水墨之分，要在心匠布置如何尔。
”15 “心匠”又称意匠，是用自己的心思变化出来的一种创作方法。
指艺术创作时，主体心灵需要精心思索，巧妙构思，殚精竭虑。
说明艺术家在艺术创作时，由感物而激发主观情思，再苦心设计，惨淡经营，体现出物我交融的情趣，都是由主观心灵进行构思、酝酿和熔铸的，产生了巧夺天工的神奇性。
临模可以不用心匠，而创作则必须有心匠。
心匠的高低与作品的高低有直接的关系。
金碧、水墨是设色的区别，而心匠则是指思想内容与创作方法。
以上所述，多系指画家的心，但在对象方面，尤其人物画，它本身也是有心的，我们画人物不能只画形体状貌，最重要的是在传神，是在写心。
周昉所画赵纵侍郎的像所以优于韩干所画，就是因为他能画出“性情言笑之姿”，就是能写心，而韩干所画只得赵郎状貌，缺乏心灵的刻划。
