中国古代画匠的法宝——画诀浅析中国民间画论

浅谈中国山水画的传统技法中国山水画作为中国传统绘画的瑰宝之一，有着悠久的历史和丰富的艺术内涵。

它以山水为题材，通过独特的表现手法，表达出画家对自然景观的理解和感受。

在绘画的过程中，传统技法起着非常重要的作用。

本文将从中国山水画的传统技法入手，探讨其对于山水画表现的影响。

中国山水画的起源可以追溯到古代，最早的山水画作品出现在商代的青铜器上。

中国山水画的美学理念强调自然与人的和谐统一，强调表达画家内心深处的感触。

在这个美学理念的指导下，中国山水画发展出了独特的表现手法和技法。

传统的中国山水画技法非常丰富多样，其中最为重要的包括“水墨”、“写意”和“用笔”三个方面。

首先是水墨技法。

水墨是中国山水画中最常用的绘画材料，也是中国画特有的绘画方式之一。

中国山水画中的水墨使用极其讲究，画家常常需要通过调配不同浓淡的水墨来表现出不同的山水效果。

通过调配不同的墨色，画家可以表达出山水的远近、深浅、明暗等层次感。

水墨的运笔非常重要，画家需要灵活运用不同的笔法，如腕、腰、肩、臂等部位，来表现出不同的笔触和线条质感。

其次是写意技法。

写意是中国山水画的一种表现方式，追求的是画家内心感受的直观表现，注重形神兼备，追求神似而不求细腻的写实。

写意技法要求画家要快速、自由、放松地使用笔触，通过简练而富有力量的线条，勾勒出山水的轮廓和形态。

写意技法注重画家的个性和情感的表达，凭借精准的笔触和独特的创作手法，表现出画家对自然景观的独特感受。

最后是用笔技法。

在中国山水画中，用笔技法非常重要，它直接影响到山水画的质感和形式感。

用笔技法主要通过笔触的运用来表现，画家需要根据山水的不同特点和画面的不同需要，选择合适的笔法和笔触来表达。

在描绘山体的时候，画家可以使用“披麻皴”或“洗笔皴”等笔法来表现山体的纹理和形态。

在描绘水面的时候，画家可以使用“泼墨”或“浸墨”等笔法来表现水的形态和动感。

用笔技法的巧妙运用可以让山水画更加丰富多样，给观者带来更多的观赏体验。

龚贤画诀，精辟实用，建议收藏！清龚贤山光水影图卷局部龚贤（1618-1689），又名岂贤，字半千，号柴丈人、半亩居人、钟山野老等。

祖籍江苏昆山，早年与复社成员多有往来，后移居南京。

因其独树一帜的诗画功力，多被推为金陵八家之首。

龚贤的艺术风格，大致经历了三个阶段：从简笔无皴或少皴的“白龚”时期，到探索过渡的“灰龚”时期，再到以“黑、厚、润、实”为特色的“黑龚”时期。

清龚贤《水墨山水》除却诸幅遗世独立的画作，画论方面龚贤亦有较多建树及流传：其为生计授徒（包括受其挚友——海安名望族徐逸的邀请，为其族晚辈教授书画）所作的诸幅课徒画稿以范作详细地讲授了山水画入门的要诀；其余文字还见于《柴丈画说》《龚安节先生画诀》《半亩园诗》《半千课徒画说》等。

龚贤对于作画的诸多领悟和技法讲解，实在不可多得，无论是对于龚贤的研究者，还是研习山水的爱好者，都有着很大的参考价值。

清龚贤《松林书屋图》作画要诀：1、“非黑无以显其白，非白无以判其黑”。

《半千课徒画说》2、“余此卷皆从心中肇述，云物邱（丘）壑屋宇舟船，梯磴蹊径，要不背理，使后之玩者可登可涉，可止可安；虽曰幻境，然自有道观之，同一实境也。

”林树中《龚贤年谱》引自《朵云》第63 集上海书画出版社清龚贤《水墨山水》3、“心穷造化之源，目尽山川之变，取证于晋唐宋人，则得之矣。

”故宫博物院藏龚贤《奇树图》卷自题4、“不可学古人, 不可不合古人。

学古人则为古人所欺。

吾常欲欺古人，然古人卒不可欺。

久之，然后见古人之道，势不能不合古人也。

此善于学古人者。

”泰州博物馆藏清人画册龚贤题跋5、“每有当意者, 归来则百遍摹之, 不得其梗概不止。

”《廿四幅巨册》跋6、“则知读书养气, 未必非画苑家之急事也。

”《廿四幅巨册·云山图》跋7、“余独不求媚于当世, 纪此一笑。

”刘海粟、王道云《龚贤研究集》（上）江苏美术出版社清龚贤《木叶丹黄图》8、“画有三远，曰平远，曰深远，曰高远。

平远，水景深，远烟云。

浅谈中国山水画的传统技法中国山水画是中国传统绘画的一种流派，以表现自然山水景色为主题，融合了中国文化和哲学的思想，具有悠久的历史和丰富的艺术价值。

中国山水画的传统技法包括构图、笔墨、水墨和色彩运用等方面。

中国山水画的构图非常重要，一般分为前、中、后三部分。

前景常常放一些人物、动物、植物等，以增加画面的生动感和立体感；中景则是主要景物的表现，如山水、水流、瀑布等；后景一般是一些远山、云雾等，用以表现深远和恢宏的景象。

构图要求虚实结合，远近分明，呈现出一种虚实相间的透视效果，使画面更具艺术感。

笔墨是中国山水画中最重要的技法之一。

在中国山水画中，线条的选择和运用非常讲究，一般分为注墨、破墨、洒墨和渲染等技法。

注墨即用粗大的笔触涂抹墨汁，以增加画面的鲜明度和层次感；破墨则是用干笔在画布上涂抹墨汁，产生不规则的墨痕，使画面更具质感；洒墨是将墨汁用毛笔洒在画面上，营造出浓郁的氛围；渲染则是用笔轻轻地抚摸画布，使墨汁自然地渗透开来，形成渐变的墨色。

这些技法的运用使得中国山水画笔墨的表现更加丰富多样。

水墨是中国山水画的主要表现手法之一。

水墨的运用可以通过墨量、墨浓和水的运用来表现不同的山水效果。

墨量的使用可以表现物体的轻重和形状的变化，墨浓的运用可以表现物体的明暗和纹理的变化，水的渲染则可以表现物体的融合和流动的效果。

水墨的运用使得中国山水画的形象更加含蓄、深邃，具有一种独特的审美意境。

中国山水画的色彩运用相对较少，主要以墨色为主。

墨色可以表现出山水的变化和丰富的层次，同时也可以体现画家的情感和内涵。

山水画在使用颜色上追求和谐、变化和舒缓，不锺爱鲜艳和张扬的色彩。

通过对墨色的调配和运用，可以表现出不同的山川、水流和天空的变化，使画面更具灵动和韵味。

中国山水画的传统技法包括构图、笔墨、水墨和色彩运用等方面。

这些技法的运用使得中国山水画具有独特的韵味和艺术表现力，形成了独具一格的艺术风格，被誉为世界艺术宝库中的瑰宝。

民间画诀的文化内涵作者：王承来源：《赤峰学院学报·哲学社会科学版》2016年第03期摘要：民间艺人将自己有关于艺术创作的实践经验编成口诀，师徒父子口传心会，经过世世代代的积累、总结，不断充实、发展，形成了具有一定体系的民间画诀。

作为始发性的一种美术理论形式，民间画诀从产生的那一刻开始就决定了它与生活以及艺术经验不可分割，也在一定的程度上代表了中国特色的民族生活习俗和审美观点。

民间画诀作为一种自古传承的绘画技艺口诀，其价值一直是很微妙的，除了技术层面的指导性外，还承载了它自身对于艺术史的补白、对历史的研读等诸多方面。

关键词：民间画诀；非物质文化遗产；传承；竞争力中图分类号：J212 文献标识码：A 文章编号：1673-2596（2016）03-0175-03在我国古代的绘画遗产中，除了名家所画的珍贵原作外，还有一批没有题名落款的“画样”和主要依靠口传心会的方式来传承的“画诀”。

战国时期，画诀和画样广泛流传于画家师徒之间，到了唐代，画诀更臻完备。

由于历史演变、战火兵灾，再加上文人画兴盛起来，工笔人物画衰落，画样和画诀便成了作坊里的画工塑匠赖以谋生的“秘宝”，由此世代相传，形成了各家各派“画行”里的一套课徒教材，很少流传到外界，更不肯外传。

这些画诀所谈及的画理、画论和技术常识，顺口成章，通俗易懂，总结性极强，对实际创作有重要的指导作用。

不过由于民间艺人文化偏低，不善于著录，民间画诀只能口耳递传，逐渐失传。

故古代珍贵的画诀和画样，已成为我国古代文化艺术遗产里有待深入发掘的宝物。

作为一种口传文学，民间画诀在朝代更迭的过程中不断吸入多民族的文化习俗，不断进行着自我融合，成为民族生态文化中的一部分，也逐渐呈现出自己的特点和体系。

一、草根性与艺术性的完美碰撞高尔基说过，“艺术的创始人是陶工、铁匠、金匠、男女织工、油漆匠、男女裁缝，一般地说是手艺匠。

这些人的精巧作品使我们赏心悦目，它们摆满博物馆。

”埋藏在广大劳动者内心美好的感情因素是我们生活和艺术创作的基础，其实劳动者是我们生活的创作者也是艺术的奠基者。

浅谈中国山水画的传统技法中国山水画是中国绘画艺术的重要组成部分，它具有悠久的历史和丰富的传统。

中国山水画以山水为题材，通过画家的笔墨勾勒出大自然的风姿，以及对自然景色的情感表达。

中国山水画的传统技法在中国绘画史上占有重要地位，是中国绘画传统的珍贵遗产。

在中国山水画的传统技法中，有许多具有独特美学魅力和审美价值的技法和手法。

下面我们就浅谈一下中国山水画的传统技法。

一、笔墨运用的技法中国山水画的传统技法中，笔墨运用是其核心部分。

在中国山水画中，画家通过精妙的笔墨运用，可描绘出大自然山水的变幻莫测，从而营造出一种意境深远、意味深长的情感氛围。

中国古代书法对山水画笔墨运用产生了深远影响，山水画家们多以点、线、面的书法笔墨来表现山水景色。

点、线、面是中国山水画笔墨运用的基本手法，其中点的使用可以描绘出山水中细小的花石树木等细节，线则常用于描绘山水之形，面则用于渲染山水之化。

二、水墨渲染的技法水墨渲染是中国山水画的传统技法之一，它是通过水、墨相融合而形成的一种表现手法。

水墨渲染在中国山水画中有着非常重要的地位，它可以用来表现山水的远近、深浅、浓淡、明暗等变化。

在使用水墨渲染的时候，画家需根据所要表现的山水情境，掌握好水、墨的比例和浓淡变化，以表现出山水的意境和韵味。

水墨渲染的技法在中国绘画史上有着非常丰富的实践和创新，形成了独特的审美风格。

三、贯彻砂石纹理的技法中国山水画的传统技法中，贯彻砂石纹理是一种非常重要和独特的技法。

贯彻砂石纹理是通过在纸面上使用砂石进行质感表现，从而增添山水画作的立体感和质感。

在使用砂石纹理的时候，画家需多加琢磨，根据山水的情境和变化来选择合适的砂石材料，以表现出山水的肌理和纹理。

通过贯彻砂石纹理，山水画作能够更加贴近自然，更具有真实感和生动感。

四、运用情意意境的技法中国山水画的传统技法中，运用情意意境是其核心所在。

中国山水画强调以意境为主，注重画家在创作中通过笔墨运用，表达出自身情感和审美态度，以及对山水大自然的独特感受。

中国古代画论精读一、中国古代画论的起源与发展1. 古代画论的定义与概述在中国古代，画论是一门独特而重要的学科，它以研究绘画艺术的理论和技巧为主题。

古代画论着重强调绘画的形式美和意境表达，对于中国绘画艺术的发展起到了重要的指导作用。

2. 古代画论的起源古代画论的起源可以追溯到中国古代文化的兴盛时期，特别是在汉代以后的魏晋南北朝时期，画论开始成为一个独立的学科。

当时一些文化名人如曹植、王羲之等都积极参与画论的讨论与研究。

3. 古代画论的发展与流派随着时间的推移，古代画论逐渐丰富与发展。

从魏晋南北朝到唐代，古代画论逐渐形成了多个不同的流派，如魏晋流派、唐代流派等。

每个流派都有其独特的特点和贡献，对于中国古代绘画艺术的发展起到了积极的推动作用。

二、古代画论的重要性与影响1. 古代画论对绘画艺术的指导作用古代画论通过对绘画技法、意境表达等方面的深入研究，为绘画艺术提供了重要的指导与借鉴，使绘画艺术得以不断发展和完善。

古代画论家的理论和实践经验对于后世绘画家的学习和启发起到了重要的作用。

2. 古代画论对绘画审美观念的影响古代画论在探讨绘画艺术的同时，也对绘画的审美观念进行了深入的思考与阐释。

通过古代画论的研究，我们可以了解到古代人们对于绘画的审美追求和价值观念，这对于我们理解和欣赏古代绘画艺术具有重要意义。

三、古代画论的主要理论内容1. 形式美与意境表达古代画论强调绘画作品的形式美和意境表达，认为一个好的绘画作品应该既具备艺术形式上的美感，又能传达出作者的思想感情和艺术境界。

2. 用笔与构图原则古代画论家经过对不同绘画形式的研究和实践，总结出了一些用笔和构图的原则，如用笔勾勒、点染、写意和写实等技法，以及对称、平衡、重心和对景的构图原则等。

3. 色彩运用与表现手法古代画论家对色彩运用和表现手法也进行了深入的研究。

他们认为色彩是绘画表现的重要手段，能够使画面更加丰富生动。

通过对色彩的运用，画家可以表达出不同的情感和意境。

浅析中国画的画法及技巧中国画，简称“国画”，是我国的传统绘画, 主要是用毛笔、软笔或手指，用国画颜色和墨在帛或宣纸上作画的一种中国传统的绘画形式，是琴棋书画四艺之一。

中国画起源古代，象形字为其奠定了基础,文与画在当初没有歧异，本是一个意思。

.我国夙有书画同源之说，有人认为伏羲画卦、仓颉造字，是为书画之先河。

文字与画图初无歧异之分。

国画画面上常伴有诗句，而诗句是画的灵魂，有时候一句题诗如画龙点睛，使画生色不少，而画中的书法，亦影响画面至大。

书法不精的画家，大多不敢题字，虽然仅具签署。

亦可窥其功底一二。

具有千年传统的中国画，经过历史的变革历程,在“中西融合”与“借古开今”两大创新追求的推动下，产生了历史上前所未有的丰富多样的新风格，以独特的现代品格立于当代世界美术艺术之林。

在绘画工具方面,“笔墨纸砚”是中国古代文人不可缺少的工具，号称“文房四宝”，其意义不止于书写绘画方面，中国文人对其给予了深厚的文化内涵和感情，历代文人书画大家和笔墨纸砚相关的故事举不胜举。

除文房四宝之外，印章、印泥、笔架、笔洗、笔筒、文镇等相关绘画用具还有很多，广义的文房四宝也将以上所举列入其中。

当代国画在世界美术领域中自成体系。

按其题材和表现对象大致可分为人物画、山水画、花鸟画、界画、花卉、瓜果、翎毛、走兽、虫鱼等画科；按表现方法有工笔、写意、钩勒、设色、水墨等技法形式，设色又可分为金碧、大小青绿，没骨、泼彩、淡彩、浅绛等几种。

主要运用线条和墨色的变化，以钩、皴、点、染，浓、淡、干、湿，阴、阳、向、背，虚、实、疏、密和留白等表现手法，来描绘物象与经营位置；取景布局，视野宽广，不拘泥于焦点透视；按表现形式有壁画、屏幛、卷轴、册页、扇面等画幅形式，辅以传统的装裱工艺装潢之。

按其使用材料和表现方法，又可细分为水墨画、重彩、浅绛、工笔、写意、白描等；中国画的画幅形式较为多样，横向展开的有长卷（又称手卷）、横披，纵向展开的有条幅、中堂，盈尺大小的有册页、斗方，画在扇面上面的有折扇、团扇等。

先秦至两汉绘画理论1、《尚书》命汝典乐，教胄子，直而温，宽而栗，刚而无虐，简而无傲。

诗言志，歌永言，声依永，律和声。

八音克谐，无相夺伦，神人以和。

提出了艺术审美的标准，一在教育的原则是“温宽刚简”二是和谐；审美观念初步形成。

2、《周易》古者包牺氏之王天下也, 仰则观象于天, 俯则观法于地, 观鸟兽之文与地之宜, 近取诸身, 远取诸物, 于是始作八卦。

以通神明之德，以类万物之情。

（1）反映出绘画是观察自然，源于自然的结果。

（2）说明绘画的目的在于“以通神明之德，以类万物之情”具有主观目的性与社会功利意义。

这种认识可以视为绘画社会功能论的滥觞。

（3）原则追求----抽象。

3、《左传》在德不在鼎。

昔夏之方有德也，远方图物，贡金九牧，铸鼎象物，百物而为之备，使民知神、奸。

故民入川泽、山林，不逢不若。

螭魅魍魉，莫能逢之...对绘画社会教育功能的直接继承。

（1）它提出了“使民知神奸”的绘画观点，突出了艺术的社会教育意义。

（2）涉及艺术本体性问题“远方图物”与“铸鼎象物”美术与绘画中的模仿，写真性质初露倪端。

4、《老子》（1）明确提出了色彩美学观，反五色，提倡素朴。

“知其白，守其墨”推崇黑白色彩观。

（2）自然审美观，追求平淡，追求自然。

（3）意境审美观，用心体会，追求朴素，单纯，和谐的审美理想。

5、孔子：（1）绘事后素，仁是内在的，根本的，首要的，而表现在外在的礼虽然重要却居于仁之后。

（2）尽善尽美，在孔子看来，美与善必须相辅相成，相得益彰。

艺术作品既要有美的形式，又要有善的内容。

孔子的审美标准是很明确的，那就是尽善尽美，美的形式只有与善相统一，才是真正完美的艺术。

它们相互联系，相互统一。

孔子显然更注重内在的仁或善，更注重人的修养与艺术的教化作用，社会效果，为此后人品与画品，书品的结合埋下了认识的伏笔。

（3）文质彬彬，文与质既可以看做是艺术的两个方面----形式与内容，又可以看成是一个人的修养的两个方面----思想和风度，文是形式，是修饰，是外在的，质是内容，是品格，是内在的，一个人，一件艺术品缺少必要的形式就显得粗野，而只有形式，没有必要的内涵同样浮乏，不能动人。

中国古代画匠的法宝——画诀——浅析民间画论（大连艺术学院美术学院陈希玲）在我国古代的绘画遗产中，除了名家所画的珍贵原作之外，还有一批没有题名落款的画样和口传心授的画诀，广泛流传于画匠师徒之间，这些画匠塑工们赖以生存的“法宝”，成为各家各派的教材，不肯轻易外传。

“画诀”也包括“塑诀”。

因为我国古代绘画与雕塑不分，雕塑家也是画家。

唐代的雕塑家杨惠之、吴道子等都属此类。

《历代名画记》中记载其“并学画迹，皆精妙”。

画诀最早形成于战国时期，至唐则更加完备。

数不清的壁画损毁、庙宇的倾塌让今人难以窥得彼时风采。

以吴道子为例，其一生的精力所创作的壁画以及卷轴画数量惊人，据记载，唐代仅在洛阳、长安两地就留下壁画三百多壁，据徽宗赵佶编纂的《宣和画谱》载，宋代宫廷中收藏有吴道子的卷轴画93件。

画迹、碑刻、画目、画跋、存迹等还有391件。

而目前就只有从石刻或摹本中可以看到“满壁风动天衣飞扬”的气势。

在理论方面，吴道子总结出的画诀——“用笔四要”现流传于浙江绍兴，即“准、烘、砌、提”。

除此之外，脱胎于历代画匠的名家们如周芳、丁皋等也都著有关于山水与肖像的秘诀，为后世的理论学家和史学家们提供的非常宝贵的研究材料和史籍。

画匠们有一套《绘事总决》，用这种类似顺口溜和打油诗的方式教导徒子徒孙：金人物，玉花卉，模糊不尽是山水。

富道释，穷判官，辉煌耀眼是神仙。

活鱼虫，死蔬果，天宫玉阙是宫室。

彩走兽，墨竹兰，朱黑二色画蝠判。

闭嘴龙，开口猫，翻身狮子转颈牛。

三停九像，十鹿九回头。

三辨四视，罗汉分四样。

三知四气，画作切口。

这是初入画匠行当，必须要倒背如流的口诀和心法，也是最简单、容易入手。

绘画的要领都在里面，粗略的解释一下就是：画人物的时候尽量画的突出一些，花卉晶莹如玉，山水模糊有意境；道释人物有富贵相，神仙华丽耀眼，鬼怪等则要反之对待；鱼虫鸟蟹要画的活灵活现，蔬菜瓜果要求颜色逼真生动，如同新采摘一般，宫室楼台要像天上的琼楼玉宇一样精巧不俗；飞禽走兽尽量画成重彩，忌写意，梅兰竹菊则要偏水墨味，文人意气，画钟馗等用朱（红）、黑色比较好；画龙最好画闭嘴，猫狗等小动物最好画张口显乖巧，狮子翻身和老牛转颈最为难画；“三停九像”专指画龙时的形态要领，比如画龙要分成三部分：头、腹、尾为三停，“九像”说的是龙的身体是由九种动物的部分结合而成，即牛头、鹿身、虾眼、驴嘴、人须、猫耳、蛇肚、凤足、鱼鳞包满身。

中国画论是中国古代美学思想的重要组成部分，它既体现了中国古代社会的文化传统，又反映了中国古代画家的艺术追求和审美观念。

以下是中国画论的几个问题：中国画论的历史发展中国画论的历史发展可以追溯到汉代，其发展历程大致可以分为四个阶段：魏晋南北朝的初步形成阶段、唐代的逐步发展阶段、宋元明清的成熟阶段和近现代的创新阶段。

在不同的历史阶段，中国画论的主题、风格和表达方式都有所不同，但都强调了绘画的本质、功能和价值。

中国画论的基本观点中国画论的基本观点包括“以形写神”、“气韵生动”、“笔墨情趣”等。

这些观点都强调了绘画的内在精神和画家的情感表达，以及绘画的艺术性和审美性。

同时，中国画论也强调了绘画的社会功能和道德价值，认为绘画应该有益于社会和人心，提升人的道德品质和精神境界。

中国画论的艺术表现中国画论的艺术表现主要体现在对绘画的构图、笔墨、色彩等方面的论述。

中国画论强调绘画的构图要简练、概括，有层次感和空间感；笔墨要自然流畅、有力有韵；色彩要鲜艳明快、和谐统一。

同时，中国画论也强调了绘画的整体效果和意境营造，要求绘画能够给人以美的享受和思想的启迪。

中国画论的价值取向中国画论的价值取向主要体现在以下几个方面：首先，中国画论强调绘画应该具有社会责任感和人文精神，有益于社会和人心；其次，中国画论强调绘画应该具有艺术性和审美性，能够给人以美的享受和思想的启迪；最后，中国画论强调绘画应该具有历史和文化传承的意义，能够传承和弘扬中华优秀传统文化。

中国画论的意义和影响中国画论的意义和影响主要体现在以下几个方面：首先，中国画论是中国古代美学思想的重要组成部分，对于研究中国古代文化和艺术具有重要意义；其次，中国画论对于绘画创作和艺术鉴赏具有重要的指导意义，能够提高画家的艺术水平和鉴赏能力；最后，中国画论对于中华文化的传承和发展具有积极的影响，能够弘扬中华优秀传统文化，增强文化自信。