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后现代主义感想后现代主义设计分析、感想后现代主义“后现代主义设计”是在60年代反文化运动、波普艺术思潮影响下从建筑上发展起来的一个风格鲜明的设计运动，在90年代初期开始没落。
后现代主义设计的风格特征：第一，重视产品的装饰效果。
第二，注重形态的历史与文化内涵。
第三，强调设计的精神娱乐功能。
第四，后现代主义设计不排斥模糊性、矛盾性、复杂性和不一致性。
在后现代主义中，美国的建筑设计师罗伯特·文丘里和查尔斯·詹克斯是最具有代表性的理论家。
作为“后现代主义奠基人”之一文丘里也是迄今为止具有相当影响的国际建筑大师。
文丘里1925年6月25日出生于美国的费城。
1947年在普林斯顿大学建筑学院学习，毕业后为了进一步了解欧洲传统的建筑体系，他又到意大利罗马的美国学院学习深造。
回国后曾在三个非常重要的现代主义建筑大师手下工作，一个是奥斯卡·斯托罗诺夫在费城的建筑设计事务所，一个是功能主义大师埃罗·沙里宁在密执安布鲁姆菲尔德山的建筑设计事务所，最后是路易·康在费城的建筑设计事务所。
跟随这三个风格不同的大师工作，文丘里学习到许多东西，一方面对现代主义、国际主义风格有了深刻的理解，同时也对几位大师企图突破密斯风格垄断的努力印象深刻。
1964年，他与友人约翰·劳什、妻子丹尼斯·布朗合作，开设了自己的设计事务所，开始了他漫长的设计生涯。
文丘里重视理论研究，因此从1957年开始，一直到1965年都在宾夕法尼亚大学建筑学院担任教学，通过教学他一方面把自己的设计思想传授给学生，影响下一代，另一方面利用学院的研究条件来丰富自己的设计思想。
他于1966年出版了自己具有世界影响意义的重要著作，也是后现代主义建筑理论的里程碑著作《建筑的复杂性和矛盾性》，提出要采用折衷的装饰主义来修正国际主义风格建筑的刻板面貌，特别要折衷地使用历史建筑风格，波普艺术的某些特征和美国的商业建筑的细节。
梵高先生姓名：巩宜辉学号：15115503 你看不懂我的画，很正常，那是我给上帝的信件，你不是上帝，所以你看不懂——梵高世人愚昧，而我独醒，孤独的我在寻找志同道合的人，前几天我认识了一个称作上帝的家伙，他也许认为我是正确的。
没错接下来我要讲的是一位容易激动并且有“神经质”的艺术家，梵高先生越来越对艺术产生浓厚的兴趣，对艺术接近的人越接近人类的灵魂，人们啊，你怎么这么愚昧无知，我是疯了，我有精神分裂，我甚至不了解我为何在这里，我在做什么，难道是我错了吗？不，上帝告诉过我，我是正确的，看那向日葵，上帝笑着说着“追随阳光，即便是在黑夜，也要有追随阳光的心情”这不正是对我的肯定嘛，那我怎么办，似乎上帝只是单单眷恋了我一个，我要改变这里，让上帝的阳光散漫我的故乡。
我要把上帝的指示传给大家，我要画出来，让上帝看到，让醒着的人看懂，你不是孤独的，我一直等着你，直到你出现，拯救这错误的社会。
向日葵就是钥匙，通往上帝的钥匙。
在大多数人的眼中我是什么呢？一个无用的人，一个反常与讨厌的人，一个没有社会地位、而且永远也不会有社会地位的人。
好极了，即使这是事实，我也要以我的作品来表明，这样一个反常的人，这样一个毫不足取的人的内心是怎样的。
这是我的雄心，它的主要基础是爱而不是恨，是冷静而不是热情，我时常陷入极大的痛苦，这是事实。
但是我的内心仍然是安静的，是纯粹的和谐与音乐。
在最寒碜的小屋里，在最肮脏的角落里，我发现了图画。
一个已经逝去上百年的艺术家，一个最接近上帝的虔诚的教徒。
在当时却被理解是精神分裂？没有惊天地，动鬼神的故事，怎么可能会精神分裂？他那虔诚的灵魂在脏乱的世界被脱离出来，他想让人们知道上帝对每个人都是相等的，你们不可以这么将人分为三六九等，你们这么做上帝会不开心的，会受到惩罚。
但是谁会理解这样的疯子。
没有人相信他，就连他画的画，都没人欣赏。
那是只有上帝才有资格看到的画作啊，每一个花瓣都是那么富有灵魂，简直就是上帝的光芒，他多希望向日葵马上发光，照亮这片世人愚昧的大地。
杰姆逊后现代主义文化理论探析———读《后现代主义与文化理论》冯慧玲安徽大学马克思主义研究院合肥230601摘要：杰姆逊站在马克思主义的立场，在对资本主义文化进行分期的基础上，运用总体性的手法对后现代主义文化进行了深入的分析。
同时，作为一个时代的智者，杰姆逊的后现代主义文化理论也具有一定的局限性。
关键词：杰姆逊文化分期后现代主义文化特征研究方法局限性弗雷德里克?杰姆逊，是美国当代著名的文学理论家、文化批评家，并以后现代主义理论著称。
其代表性的著作主要有《后现代主义与文化理论》、《马克思主义与形式》、《萨特：一种风格的起源》、《语言的牢笼》、《政治无意识》等。
他从马克思主义的基本观点出发，用总体性的思路阐释后现代社会尤其是其文化现象，形成了具有一定影响力的后现代文化理论。
本文试图以《后现代主义与文化理论》为蓝本，对杰姆逊的后现代主义文化理论进行相应的分析。
一、杰姆逊对资本主义的文化分期根据比利时政治经济学家厄内斯特?曼德尔对资本主义进行分期的相关论述，杰姆逊创作了自己的“文化分期论”。
在《后现代主义与文化理论》这本的引言中，他给资本主义国家划分了三个发展阶段，第一个阶段是国家资本主义阶段；第二个阶段是垄断资本帝国主义阶段；第三个阶段可概括为晚期资本主义，或多国化的资本主义。
然后，他认为与这三个时期相对应的文化也有其各自的特点。
“他在文中写到，“第一阶段的艺术准则是现实主义的，……于是第二阶段便出现了现代主义，而到第三阶段现代主义便成为历史陈迹，出现了后现代主义。
后现代主义的特征是文化工业的出现。
……”[1]在该书的第五章中他对于三阶段的划分又作了进一步的阐释。
主要有以下三点: 第一，对于“现实主义”、“现代主义” 和“后现代主义”而言，我们应该将其视为社会的某个特定阶段的文化风格，而非只是文学作品的风格，因为它们反应了那个时代背后的文化逻辑; 第二，在三阶段中，由于人们对世界有着不同的体验和感受，有着各自对应的心理结构，因此，在不同的阶段，人的性质和特征也会相应地进行相应的转变；在第三点中，杰姆逊得出了自己的结论，他认为后现代主义实际是一种“断裂”，而非现代主义的继续。
论后现代主义的艺术特征摘要：后现代主义是20世纪60年代以来在西方出现的具有反西方近现代体系哲学倾向的思潮。
其要旨在于放弃现代性的基本前提及其规范内容。
《后现代主义艺术系谱》，这本书是著名艺术批评家岛子所著，是系汉语世界首次系统研究后现代主义艺术的学术专著。
全书以西方后现代主义艺术为对象，藉由历史系谱、理论系谱、艺术系谱的考掘、梳理、比较和分析，给出了既有思想蕴涵的空间框架。
关键词：后现代主义；不确定性；解构；寓言性；波普；商业性后现代主义可以说是艺术发展的重要形式，并且一直影响今天的许多领域。
后现代主义具体是什么样的艺术特征呢？我选《后现代主义艺术系谱》中的第四章内容——艺术美学系谱，探讨的就是后现代主义艺术特征及创作方法，是从不确定性、解构、寓言性的再生、挪用的“合法化”、波普涵延化、商业性和兼容性或激进的折中这七个角度来进行论述。
我觉得这些特征是后现代主义的一个内涵，它强烈反对现代主义的各种观点，并且坚持形式发展的多样性，可以说是杂糅了各种风格，颇有”杂家”的意味。
1.不确定性首先后现代主义的艺术特征之一：不确定性，我认为就是像它的表面意思一样，没有确定的风格，就是含混、多元性、随意的特征。
就比如说约瑟夫.波伊斯的“社会雕塑”《油脂椅子》，随着时间和温度的变化，油脂会发生变化，这虽然这件作品很随意很普通，但是却象征着死亡与再生，以及怜悯的可能，可以说椅子和油脂分别是一个单一的物品，放在一起却产生了另一层含义，看起来很随意，但是却很独到的内涵。
2.解构提到后现代主义，最先想到是就是解构，它是是后现代主义的一种思维形态，如果要运用解构主义观念来看待艺术，就必须撇开先入为主的观念，就意义本身含有的符号系统来参与其语义的进程。
然后还会想到解构主义的建筑，后现代主义的建筑是反对现代主义的空间霸权、反对把现代建筑与传统建筑孤立起来的二元对立方式，值得一提的是弗蘭克.盖瑞设计的古根海姆博物馆。
3.寓言性后现代主义的另一种特征：寓言性，我喜欢这个特征，就是每看一件作品，就有它的故事，表面的是一层，但总是含有另外一个隐秘的意义。
现代艺术运动的代表作品与风格知识点现代艺术是20世纪初兴起的一种艺术形式，其作品常常以创新、前卫和独特的方式呈现。
本文将介绍几个现代艺术运动的代表作品和风格知识点。
一、立体主义（Cubism）立体主义是20世纪初兴起的一种艺术运动，其以多面体、多角度的视角表现物体。
典型代表作品包括毕加索（Pablo Picasso）的《亚娜宫的少女》和勒·柯布西耶（Georges Braque）的《小室内》。
立体主义的风格特点是几何化的结构、抽象的形式和多角度的视觉表达。
二、未来主义（Futurism）未来主义是20世纪初兴起的一种强调机械和科技的艺术运动，以强调运动、速度和动态为特点。
著名的未来主义画家包括贝鲁特·塞鲁帕（Giacomo Balla）和乔治·塞万蒂（Gino Severini）。
他们的代表作品《速度+噪音》和《分析的城市》等展现了未来主义的风格，即动态的线条、鲜艳的色彩和充满活力的场景。
三、表现主义（Expressionism）表现主义是20世纪初发源于德国的一种艺术运动，强调内心感受和情绪表达。
代表作品包括爱德华·蒙克（Edvard Munch）的《呐喊》和埃米尔·尼尔德勒（Emil Nolde）的《舞蹈圈》。
表现主义的特点是夸张的线条、扭曲的形象和强烈的情感表达。
四、超现实主义（Surrealism）超现实主义是20世纪中叶兴起的一种反对理性和现实的艺术运动，强调潜意识和梦境的表现。
代表艺术家包括萨尔瓦多·达利（Salvador Dalí）和勒内·马格利特（René Magritte）。
他们的作品《记忆的永恒》和《背后的镜子》等展示了超现实主义的风格：奇幻的场景、离奇的元素和不寻常的组合。
五、抽象表现主义（Abstract Expressionism）抽象表现主义是20世纪中叶兴起于美国的一种艺术运动，强调情感和个人内涵的抽象表达。
浅析后现代主义绘画作品《向日葵》摘要：本文以马克思现实主义为视角，从“现实的人”出发，通过对印象派绘画梵高的《向日葵》分析，通过印象派艺术家自觉的艺术实践精神，最后探讨和分析体验时代的艺术精神与人的主体意识的全面生成的现实主义内涵。
关键词：激情真诚色彩探索梵高，后印象派的三大巨匠之一，19世纪人类最杰出的艺术家之一。
他一生中共作了11幅《向日葵》，以《向日葵》中的各种花姿来表达自我，有时甚至将自己比拟为向日葵。
对于梵高而言，向日葵这种花是表现他思想的最佳题材，夏季短暂，向日葵的花期更是不长，梵高亦如向《向日葵》般结束自己短暂的一生，称他为向日葵画家，应该是恰如其分。
梵高热爱生活，但在生活中屡遭挫折，艰辛倍尝。
他献身艺术，大胆创新，在广泛学习前辈画家伦勃朗等人的基础上，吸收印象派色彩经验，并受到东方艺术，特别是日本版画的影响，形成了自己独特的艺术风格，创作出许多洋溢着生活激情、富于人道主义精神的作品，表现了他心中的苦闷、哀伤、同情和希望，至今享誉世界。
从《向日葵》中，我们可以看到一种高纯度色彩所带来的强烈的视觉冲击力，明亮的铭黄作为背景，衬托着用中黄和橙黄描绘的向日葵，令画面有一种极致的灿烂效果。
一位英国评论家说:他用全部精力追求了一件世界上最简单最普通的东西，这就是太阳。
他的画面上不单充满了阳光卜的鲜艳色彩，而且不止一次地描绘令人逼视的太阳本身，多次描绘《向日葵》。
从未有人为向日葵投注这样激烈专注的热情！梵高画的向日葵好像在燃烧，浮雕般色彩如此强烈厚重，感情笔触如此饱满有力，真正是天真充沛生命旺盛的太阳旋转之花。
梵高嗜画向日葵，因向日葵是追光拜日的农民之花。
画向日葵即画太阳，也是自画。
太阳、向日葵及梵高融成一体。
画家像闪烁着熊熊的火焰，满怀炽热的激情令运动感的和仿佛旋转不停的笔触是那样粗厚有力，色彩的对比也是单纯强烈的。
然而，在这种粗厚和单纯中却又充满了智慧和灵气。
观者在观看此画时，无不为那激动人心的画面效果而感应，心灵为之震颤，激情也喷薄而出，无不跃跃欲试，共同融入到梵高丰富的主观感情中去。
后印象主义——梵高在现代主义绘画的各种流派中，我尤其喜欢后印象主义。
这是一个更注重画家自己本身精神层面的绘画时期。
后印象主义对现代艺术的影响是深远、深刻、继承的，现代艺术的那种精神意义的追求就是延续了后印象主义的追求。
后印象主义的代表：梵高、高更、塞尚。
三个人的性格不同、结束人生的方式不同，命运不同，但是对待艺术的追求是一样的，想表达的情感是一样的。
这三个画家去世后他们的画才得到大家的认同。
在这里我想举的是梵高的例子。
梵高是一位将自己生命全部倾注于色彩的画家。
1889年5月8日,梵高来到离阿尔25公里的圣雷米,在精神病院治疗。
那时，医生允许他白天外出写生，《星夜》这幅画中的村庄就是圣雷米。
据说这幅画是梵高凭记忆和想象所作。
《星夜》这幅画，展现了一个高度夸张变形与充满强烈震撼力的星空景象。
田野在颤抖，灌木丛在燃烧，那翻卷缭绕、直上云端的柏树，看起来像是一团巨大的黑色火舌在火焰似的上窜，云层像蓝色的火焰一样旋转和燃烧，星星则宛如太阳一般含着硕大的黄色光晕，以及那一轮令人难以置信的橙黄色的明月，大约是画家在幻觉和晕眩中所见。
梵高在这里，并没有消极、被动地沉溺于他那感情激流的图像中。
那一大片陷入蓝色和黄色的旋涡之中的天空，好像已经变成一束反复游荡的光线的一种扩散，使人头晕目眩。
这是梵高的躁动不安的思想感情的自然流露，其中也包含着画家身受精神创伤后的某种非理性的成分。
《星夜》就是这样一幅作品。
细细地看，会觉得梵高把寂静画了进去、把星辰的运动画了进去、把尘世生活的温暖与孤独画了进去、也把夜色中被压抑的躁动画了进去，或者说，梵高把自己的灵魂画了进去。
梵高所描绘的那些搅动着的漩涡似的星辰，在我们看来也许只是新奇创意的景色，但事实上那是画家心中的暗涌，以及对死亡的诠释。
或许对于梵高来说，死亡并不是灾祸，而是通向天堂的隧道，是种精神的解脱。
梵高的这种强调主观情感的表现，充分发挥了色彩的情感因素。
用他常人所没有的火焰般发疯的情感，描绘翻滚的麦浪、旋转的太阳、醒目的林道、可怕的黑鸟、疾驰的风暴。
复归与反叛──论后现代主义新绘画艺术20世纪60年代中期，现代主义艺术在人们的喧闹声中宣告了自己使命的结束，取而代之的那么是后现代主义艺术。
后现代主义艺术尽管强烈地否认自己与现代主义之间存在着任何的联系，认为自己是一种全新艺术，但事实上它无法摆脱自己与现代主义艺术千丝万缕的联系，这种联系尤其表达在后现代主义新绘画艺术中。
后现代主义新绘画不仅包容了现代主义艺术，而且甚至回归到了古典艺术传统中去了，新绘画艺术的这种再生，其实是建立在传统古典艺术与现代主义艺术的根底之上的，只是这种继承与复归是以反叛的姿态出现的，隐藏在新绘画作品中的那种对以往一切传统艺术的回归只不过是它的一种手段，反叛才是它的精神实质。
我们可以通过对后现代主义新绘画的研究，发现艺术在其不同开展阶段出现的普遍的艺术开展规律，并且可以让我们更清楚地把握绘画艺术的开展趋势。
一、新绘画的出现及其时代背景20世纪中期以后的绘画艺术，在经过漫长的古典主义传统年代及跳跃式开展的富有极强个性的现代主义艺术开展阶段，绘画及其所有的传统技法似乎已面临着山穷水尽的境地，从前绘画艺术所追求的文学性、叙事性以及以画面的空间、透视、明暗、解剖为根底的再现美学已被现代主义艺术抛弃了很久，而此时的现代主义艺术脱离现实生活，脱离普通群众，人们开始认识到现代主义艺术在西方的没落，1965年美国极少主义雕塑家唐纳德·贾德宣布“绘画死亡了〞。
多少个世纪以来一直以视觉活动为中心的绘画艺术开始丧失了它的中心地位，后现代主义艺术取代了现代主义艺术开始操纵主宰艺术世界。
后现代主义是一个含义十分宽泛的文化概念。
它是西方后工业社会文化矛盾冲突中涌现出的新思潮，被广泛应用于社会、政治、经济、工业、科技、宗教、哲学、建筑、文化及艺术等诸多领域，1934年西班牙作家奥尼兹最早在他的著作中用过“后现代主义〞一词，但作为一种文化艺术现象并产生全面影响还是在20世纪70年代，而后现代主义艺术就是后工业社会信息时代的文化衍生物，它适应于后工业文明的开展，并逐步取代现代主义艺术成为世界性的主流文化。
荷兰后现代主义大师文森特〃梵高——行走在人间孤独的向日葵“我越是年老丑陋，令人讨厌，贫病交加，越要用鲜艳华、精心设计的色彩，为自己雪耻。
”文森特〃梵高如是说。
于是他用黄色、橙色为主调，挥着手中的笔大胆地使用不经调和的颜料，在画布上恣肆狂放，生出了那如黄金般光彩夺目、如吉普赛女郎般热情奔放的向日葵，像正在燃烧着的火苗，像他在阿尔见到的太阳，那是他心灵迸发的情感。
“为了更有力地表现自我，我在色彩运用上更为随心所欲。
”他毅然舍弃了传统绘画中的纯粹抒情，突破了印象派中强调的光和色，抛却了对外部世界瞬间真实性的追求，最终形成了自己独特的艺术语言，使他的作品呈现出一种充满主体意识的精神状态。
人们在看到那张扬的向日葵时，都忍不住为画中向日葵对生命所展示出的激情而惊叹，可是它们艳丽得颓废，他画下了它们最美的时刻，留下了它们生命中轰轰烈烈的绚烂，同时却也预示着一朝繁华鼎盛之后，终将走向沉重的衰败。
无疑，梵高是爱着向日葵的。
这种爱来自它本身与梵高的相似：充满天真的热情与对光明的渴望。
可是这样包含着深刻的悲剧意识以及强烈个性和形式上的独特追求的作品，难以被当时的世人所接受。
但是他从未想过要去改变自己，去迎合大众。
他还是这样画着，他说，“我的作品就是我的肉体的灵魂，为了它我甘冒失去生命和理智的危险”，像许多我们熟知的名人一样，固执到可爱，固执到可敬。
以至于有一次在与好友高更争论艺术问题时，为了证明自己的观点，他割下了自己的左耳。
这位生活在伤口里的大师，习惯用伤口对世界发言，这是一个疼痛的收割者，他的镰刀最终收获了自己的耳朵。
许多人说他疯了。
是的，他是一个疯子，一个清醒无比的疯子。
梵高自愿去了当地的精神病院接受治疗，高更的愤愤离去，他开始孤独。
而他的许多传世之作也在这时开始产生。
他流离在人间，靠着心中微弱的光，像株倔强的向日葵，寻找着他的太阳。
最后，他来到了法国南部的一个小城——他的太阳——阿尔。
梵高是热爱生活的，所以他崇拜米勒，画下了许多劳动者的形象，例如《吃土豆的人》。
20世紀60年代中期，現代主義藝術在人們的喧鬧聲中宣告了自己使命的結束，取而代之的則是後現代主義藝術。
後現代主義藝術儘管強烈地否認自己與現代主義之間存在著任何的聯繫，認為自己是一種全新藝術，但事實上它無法擺脫自己與現代主義藝術千絲萬縷的聯繫，這種聯繫尤其體現在後現代主義新繪畫藝術中。
後現代主義新繪畫不僅包容了現代主義藝術，而且甚至回歸到了古典藝術傳統中去了，新繪畫藝術的這種再生，其實是建立在傳統古典藝術與現代主義藝術的基礎之上的，只是這種繼承與複歸是以反叛的姿態出現的，隱藏在新繪畫作品中的那種對以往一切傳統藝術的回歸只不過是它的一種手段，反叛才是它的精神實質。
我們可以通過對後現代主義新繪畫的研究，發現藝術在其不同發展階段出現的普遍的藝術發展規律，並且可以讓我們更清楚地把握繪畫藝術的發展趨勢。
一、新繪畫的出現及其時代背景20世紀中期以後的繪畫藝術，在經過漫長的古典主義傳統年代及跳躍式發展的富有極強個性的現代主義藝術發展階段，繪畫及其所有的傳統技法似乎已面臨著山窮水盡的境地，從前繪畫藝術所追求的文學性、敘事性以及以畫面的空間、透視、明暗、解剖為基礎的再現美學已被現代主義藝術拋棄了很久，而此時的現代主義藝術脫離現實生活，脫離普通大眾，人們開始認識到現代主義藝術在西方的沒落，1965年美國極少主義雕塑家唐納德·賈德宣佈“繪畫死亡了”。
多少個世紀以來一直以視覺活動為中心的繪畫藝術開始喪失了它的中心地位，後現代主義藝術取代了現代主義藝術開始操縱主宰藝術世界。
後現代主義是一個含義十分寬泛的文化概念。
它是西方後工業社會文化矛盾衝突中湧現出的新思潮，被廣泛應用於社會、政治、經濟、工業、科技、宗教、哲學、建築、文化及藝術等諸多領域，1934年西班牙作家奧尼茲最早在他的著作中用過“後現代主義”一詞，但作為一種文化藝術現象並產生全面影響還是在20世紀70年代，而後現代主義藝術就是後工業社會資訊時代的文化衍生物，它適應於後工業文明的發展，並逐步取代現代主義藝術成為世界性的主流文化。
简论后现代主义美术的发展摘要美术的发展，是伴随着中西文化历史的变革，也经历了几个不同的阶段。
从古典主义经历现实主义，逐渐的发展到现阶段的后现代主义。
文中笔者就后现代主义的出现，后现代主义美术的特征进行了分析，并对后现代主义美术的发展进行了介绍。
而后现代主义美术的出现，对教育等领域也造成了一定影响。
1.后现代主义美术1.1后现代主义概念后现代是指二次大战后的工业社会以及信息发展时代，后现代主义是后现代社会发展的一种文化产物，是社会文化的一种特征。
后现代主义是一种社会文化的现象，是社会信息时代发展的必然产物。
具体的来讲，后现代主义，它倾向于文化方面，它不属于任何一种风格或者任何一种流派，后现代主义所要表现的是一种综合的艺术形态，而不只是为了产生几部经典作品而出现的革命形势。
后现代主义是一种文化描述的话语和文化的思潮，它主要表现了在当时文化影响下的一种精神价值取向。
经过几十年的发展，后现代思潮已经超出了文化、艺术、教育的领域。
1.2后现代主义的基本特征“后现代主义”一词最早出现在文学研究中，后来逐步扩展为一场席卷哲学、文学、美学、艺术及教育等多个学科领域的文化思潮。
作为一种对现代主义进行反思和质疑的思维方式，后现代主义具有它们认识世界的独特视角和立场。
后现代主义的思想出发点是对现代主义进行质疑、反思与颠覆，其基本特征可以概括为“以破为始，以立为终”，即解构和建构。
1.3后现代主义美术在后现代主义思想的视角下，美术应重于认识美、发现美、理解美,观赏者应提高理性和感性的统一，而作品内容上则开始多元、综合、动态化。
20世纪以来,西方资本主义国家迅速发展'随之而来的工业革命给人类带来了福利,也带来了巨大压力和挑战,人们普遍表现出狂躁、忧虑、焦灼不安,甚至表现为对高度工业化社会的反感及对都市、机械文明的逃避。
二战后,艺术家们利用生活中能接触到的材料和媒介制造大众能理解的物象,利用电视、报纸、印刷品等大众传播媒介加以普及,通过艺术与工业、机械文明结合,吸引观众注意, 刺激他们的消费欲望,创造了通俗易懂的后现代主义美术。
论文题目：寻求新标准——高更代表的后印象主义对现代艺术的影响摘要：从文艺复兴时期到19世纪法国艺术的繁荣，传统写实绘画已日臻完善，并逐渐陷入僵局，而印象主义各时期的画家，以其独特的视角，在各自的领域，把传统写实绘画发展到了顶峰，继而又开始不满于现状转而寻求新标准。
本文将以代表性的后印象主义画家高更为例，分析其艺术实践对20世纪现代艺术的发展产生的深远的影响,关键词：后印象主义；高更；绘画；现代艺术正文：19世纪80年代中期, 印象主义陷入危机, 在印象主义之前, 大师们的作品往往很容易与大众沟通,其中一个重要的原因就在于前人的艺术表现始终遵循着一个基本的原则, 那就是写实、再现。
而艺术欣赏除了用内心去细细体会外, 还要有知识层面的沟通。
在现代，画家们已经难以统一标准，几乎是每一个画家都有其独特的个人标签，他们试图挣脱大众的束缚，来表达他们更自我的艺术追求。
一些富有创新精神的画家已认识到印象派肤浅的一面, 他们主张重新重视美术中形式的观念, 重视形体结构和构成形体的线条、色块和体面。
他们强调艺术形象要异于客观物象, 要渗透作者的主观情感和情绪, 而不同意印象派和新印象派纯客观的表现和对外光与色彩的片面追求, 主张用艺术家的主观感情去改造客观形象。
他们表现的是主观化了的客观, 因此他们笔下的形象是变形了的物象。
这就是后印象主义的起源，而高更就是其中的重要代表人物。
艺术发生巨变往往有其深刻的思想根源、时代背景，更有其自身发展不可逆转的规律。
艺术的发展从来都是解决前人遗留的问题，一旦没有问题了，那么原先的艺术就将迎来变革。
因此，关注艺术转变的研究对于我们把握现代艺术发展方向、认识艺术发展的本质规律有着重要意义。
而后印象主义，这个从传统中挣脱出来，引领现代艺术发展的独特艺术现象，以其鲜明的艺术特质、无可替代的艺术地位和独特的艺术风格成为西方美术史的转折。
一、高更的艺术特色高更1848 年出生于法国一个和文学艺术有密切关系的家庭。
论后现代主义及梵高真正开始接触美术是在中学，当时看到课本上一幅幅图画感觉很平常，有一些让人感觉莫名其妙，根本理解不了其中画家所倾注的感情。
到了大学由于专业需要，系统的学习了一下西方美术史，终于对西方美术有了一定的了解。
特别是观看了那一幅幅堪称经典的作品之后，让我对西方美术有了一些自己的见解。
下面谈一下我对‘西方现代美术—后现代主义及其主要代表人物梵高‘的一些见解。
后现代主义简介“后印象主义”一词，是由英国美术批评家罗杰·弗莱发明的。
据说，1910年在伦敦准备举办一个“现代”法国画展，但是临近开幕，画展的名称还没有确定下来。
作为展览组织者的罗杰·弗莱事急无奈，便不耐烦地说：“权且把它称作后印象主义吧”。
这一偶然而得的名称，毕竟还切合实际，因为参展者都是印象派之后的画家。
以后，“后印象主义”便被用来泛指那些曾经追随印象主义，后来又极力反对印象主义的束缚，从而形成独特艺术风格的画家，其中杰出者有塞尚、梵高、高更和劳特累克等。
实际上，后印象主义并不是一个社团或派别，也没有共同的美学纲领和宣言，而且画家们的艺术风格也是千差万别。
之所以称之为“后印象主义”，主要是美术史论家为了从风格上将其与印象主义明确区别开来。
后印象主义者不喜欢印象主义画家在描绘大自然转瞬即逝的光色变幻效果时，所采取的过于客观的科学态度。
他们主张，艺术形象要有别于客观物象，同时饱含着艺术家的主观感受。
塞尚认为：“画画——并不意味着盲目地去复制现实；它意味着寻求诸种关系的和谐。
”他所关注的，是在画中通过明晰的形，来组建严整有序的结构。
凡高和高更则专注于精神性与情感的表现，其作品渗透着某种内在的表现力和引人深思的象征内涵。
后印象主义绘画偏离了西方客观再现的艺术传统，启迪了两大现代主义艺术潮流，即强调结构秩序的抽象艺术(如立体主义、风格主义等)与强调主观情感的表现主义(如野兽主义、德国表现主义等)。
所以，在艺术史上，后印象主义被称为西方现代艺术的起源。
梵高文森特·威廉·梵高(Vincent Willem van Gogh，1853-1890)，荷兰后印象派画家，表现主义艺术的先驱，其作品如《星夜》《向目葵》与《有乌鸦的麦田》等深深影响了20世纪的世界艺术。
1890年7月29日，梵高因精神疾病的困扰，在美丽的法国瓦兹河畔结束了其年轻的生命，时年37岁。
梵高的一生是短暂的，也是伟大的。
梵高的伟大不仅是因为其艺术作品本身所具有的艺术价值和市场天价，更主要是其为艺术而燃烧自己生命的伟大殉道主义精神，富含悲剧色彩的人生经历和催人泪下、不被当世人所理解的苦难情感世界以及撼人心魄的传奇式绘画历程。
他的不朽足以当之无愧的堪称世界画坛屈指可数的巨匠。
这位易于激动而富于神经质的艺术家，在其短暂一生中留下大量震撼人心的杰作。
他的艺术，是心灵的表现。
他曾说：“作画我并不谋求准确，我要更有力地表现我自己”，他并不关注于客观物象的再现，而注重表现对事物的感受。
亨利·福西隆在论述凡高时说道：“他是他时代中最热情和最抒情的画家。
对他来说，一切事物都具有表情、迫切性和吸引力。
一切形式、一切面容都具有一种惊人的诗意”，“他感到大自然生命中具有一种神秘的升华，他希望将它捕捉。
这一切对他意味着是一个充满狂热和甜蜜的谜，他希望他的艺术能将其吞没一切的热情传达给人类”为了能更充分地表现内在的情感，凡高探索出一种所谓表现主义的绘画语言。
他认为：“颜色不是要达到局部的真实，而是要启示某种激情。
”在他画中，浓重响亮的色彩对比往往达到极限。
而他那富于激情的旋转、跃动的笔触，则使他的麦田、柏树、星空等，有如火焰般升腾、颤动，震撼观者的心灵。
在他的画上，强烈的情感完全溶化在色彩与笔触的交响乐中。
从某种意义说，梵高的人生轨迹并不是由自己一手所策划的。
梵高一直活在世俗和家人的既定法则和意愿中，但是当他遭遇了痛苦的感情世界、悲悯的传道士以及自虐式的基督情怀和种种不幸后，他开始领悟到以前从来没有想过的事情：一切关于上帝的说法都是天真幼稚的说辞，上帝是不存在的。
这个世界只有一片浑噩、悲惨、苦难、残酷、煎熬和无尽的黑暗。
他对世俗开始怀疑、不平、仇恨……这些都似乎预示着他的人生将有所改变。
终于他在生命的最后10年伴随着痛苦的冲突和摇摆中彻底的发现了自我。
正如梵高自己所说：“我也会有用处的，我也感到自己生存的理由，只是要怎么做，我才能成为有用的人?对哪一方面有用?”是上帝给予他天才式的思想和智慧。
由于以前对绘画的了解和热爱，他的脑海中时刻流传着对绘画的热望，这种急切的愿望正在超越其他一切感觉，而即将奔涌出来。
“经过了’这些虚度的岁月，我终于发现了自己!我将成为一个艺术家。
我一定要成为艺术家。
那就是我做不好其他一切工作的原因，因为我不是那料，现在我已经抓住了永远不可能失败的东西。
”梵高开始了真正意义上的绘画生涯。
初涉画坛之前，梵高通读了狄更斯、斯托、雨果、莎士比亚和米什莱等大师的文学著作。
接触和鉴赏过包括夏尔·得格鲁、伦勃朗、吕斯代尔、巴比松和海牙画派等大师的艺术作品，并以米勒和伦勃朗等大师为导师，精心临摹了自己喜欢的大量作品。
一开始梵高就显示出对绘画惊人的敏锐力和感悟力。
在寻求自己绘画的艺术道路上。
梵高先到布鲁塞尔学习透视学和解剖学，然后在法国的埃顿、海牙、纽南和安特卫普辗转学画。
这段时间他创作了大量的农民肖像画和风景画。
作品大都以灰暗的色彩表达了画家内心的苦闷孤独和对下层人民的同情与怜悯。
梵高并不满足于现有的艺术创作状况，而后他来到巴黎。
期间，在弟弟提奥的引荐下，梵高结识了许多印象派画家，并得到毕沙罗的赏识和指教。
他尝试着学习运用明亮的色彩，于是，其艺术作品也逐渐明亮起来，并通过技法、运用点状的笔触和单纯的色彩，将其对艺术的满腔热情表达出来。
此时，梵高总是处于创作的狂热之中，他的艺术风格也因此独树一帜，并成为后印象主义绘画艺术的杰出代表。
也就是在这一时期，日本的“浮士绘”出现在他的眼前，这些独具特色的东方艺术因为其色彩鲜明、线条简明而又富有表现力打动并唤起了梵高的共鸣。
他吸收其精华，并在自己的艺术创作中加以实践，使自己的作品更加丰富，更具特色。
这种博采众长、使东西方绘画技法集于一身的做法，致使梵高的绘画进入了一个新的境界，并超越了欧美同时代许多优秀的大师，形成了自己独特的艺术风格。
而后，拥有印象派灿烂色彩和东方艺术简洁线条的梵高，内心蕴藏着一股强烈的情感需要倾泻。
他已不满足于巴黎的阴郁，他向往着更加光明的地方，因为他心中有着十倍于太阳的热情，急需一团烈火来加以引发。
于是他来到了法国南部的阿尔小镇，这里到处辉煌，梵高的天分和激情完全得到了表露。
他曾如此自问：“我的体内存在着某种东西，那是什么呢?”现在，那个莫名的东西形成一股不可遏止的力量爆发出来。
他以惊人的勤奋不间断地进行创作，阳光让他兴奋，他用艺术描绘着象征热情、光明和生命、富有金黄色彩的太阳，描绘着阳光下的田野，描绘着田野周围生活的农民。
热烈的太阳神给了梵高源源不断的创作灵感，高涨的创作欲望驱使梵高投入近乎疯狂的工作之中。
期间，他大胆创新，大量运用红、黄、蓝等原色。
尤其喜欢用红色、黄色及柠檬黄和橘黄。
他认为。
这种红、黄原色产生的强烈效果会给受苦难的人以希望，也会给自己以慰藉。
他的作品色彩炫耀，笔触激情有力，一笔一画之中运载着奔涌不息的情感激流。
粗犷、豪放、充满动感，紧张、强烈而富节奏。
这些伟大的作品传递着梵高满腔激情，表现出一种既热烈又悲伤、既躁动又孤寂的内心情绪。
在一年多的时间里，他竟然完成了200余幅油画和许多素描作品，他的绘画技法臻于成熟。
但是。
他那不修边幅的艺术家外表、忧郁孤僻的内心及其意气冲动与暴戾的性格使得人们害怕他、讨厌他，甚至有人把他当作疯子。
而他却以高度的绘画热情忍耐着人们对他的误解、敌视甚至驱赶，终于在一次割耳事件后，他被送进了精神病院。
他忍受着内心不被人理解的巨大痛苦和身体的极度折磨，而他体内燃烧的绘画激情却从没有停歇。
这时的梵高开始按照自己内心的感受来作画，激越而狂放。
作品还使用了一些旋转、扭曲的线条，扭曲的笔触向上升腾着，画面给人一种流动感，并体现着、充满着力的搏斗。
这正是梵高内心所追求且意欲所反映的深刻的思想意境。
这种境界体现着梵高桀骜不驯、不屈于命运、积极向上且与命运抗争的人格与精神。
但是。
梵高还是没有战胜精神分裂抑或是癫痫的巨大创伤，他还是向自己扣动了扳机……。
倒下的36个小时后，一个幽灵飘向了极乐世界。
半年后。
他的弟弟也辞别于世，他们生前永不分离，死后仍旧魂魄不离。
我们很难相信一个人会把自己全部的生命都倾注于艺术创作中，但是面对梵高绘画艺术的真实感及其所表现出来的对生命力的追求及对苦难民众不屈于命运的关切之情，我们会为之一震。
因为这种面对社会丑恶、腐朽而表现出的不屈的精神将鼓舞后来者在艺术长河中不断地探索与追求。
论及个人，梵高无疑是不幸的，他单纯的理想主义信念，痛苦的疾病折磨，孤僻、直率、执着而神经质的性格使他难以融入当时的社会，并与人为善相处。
也许正是这种性格缺陷成就了梵高的不朽。
他以广博的文学修养，宽厚的人文情怀，博大的同情心，悲悯的基督精神，火热的创作激情，独特的绘画技巧，把生命中最宝贵的东西燃烧在绘画艺术中，形成了他得以不朽的艺术生命。
梵高的不朽来自于他高度自觉的自然观绘画思想。
早在18世纪，法国启蒙思想家卢梭就提出了“返回自然”的自然观思想。
自然观思想认为，艺术家只有投身自然。
才能创作出美的作品，诠释美的生活。
凡高的艺术创作深受自然观思想的影响，他以宗教徒般的虔诚走进自然，诠释人生。
他以其孤寂的生活和楚苦的精神世界为创作背景，运用绘画的艺术形式表达出了属于他自己的个性化的自然世界。
凡高描绘出的自然世界不是纯粹的外在于人的客观存在，它是内化于人的“人化自然”。
他通过绘画艺术将自身的内在心灵与其所处的社会联系起来，正如梵高所说：“在见到诸多自然事物时，如当看到一片树木时，我都能看到自然的表情，甚至感受到他们的心灵。
我甚至奢望能够在那里找到某种斗争的方式。
”于是，作为一名艺术者，梵高一直在努力寻求人生意义与自然的本质之关系，他说：“一名社会劳动者形象，一片沙滩、天空与海洋，一块犁地上的犁沟等，都理应成为艺术描绘的对象。
将这些自然物描述出来都是不容易的，但由于他们都是生活之美的对象，一名艺术家终其一生从事于表现这些自然物之美，确实是值得的。
”因为反映自然之美是非常值得的，所以，梵高常处于一种精神极度亢奋的状态来进行他的艺术创造，正因为这种执着，梵高的艺术作品才真正反映出来自然的“生气与真诚”，打动了有灵性的艺术之人，并传于后世而永不退色。
梵高独立特行的创作精神与思辨意识也促成了其不朽的艺术生命。
梵高也曾震撼于米勒、伦勃朗、德拉克罗瓦等艺术家的绘画作品，然而，他更多的是吸取其创作精华，注重自身情感的表达，强调自己的主观感受，追求形式和心理的平衡。
