就要当代艺术

装置艺术及中国当代装置艺术家——王鲁炎化学与环境工程学院材料化学 091班王冠 091304117装置艺术，是指艺术家在特定的时空环境里，将人类日常生活中的已消费或未消费过的物质文化实体、进行艺术性地有效选择、利用、改造、组合，以令其演绎出新的展示个体或群体丰富的精神文化意蕴的艺术形态。

简单地讲，装置艺术，就是“场地+材料+情感”的综合展示艺术。

王鲁炎是国内最早的一代观念艺术家，从上世纪八十年代就开始了观念艺术创作。

早在1979年，他就参加了“星星画展”，此后也加入各种重要的当代艺术展览，见证并参与了中国当代艺术发展的各个阶段。

王鲁炎和他的艺术作品在中国当代艺术历史中始终是一个“另类”，在中国当代艺术价值观的转向过程中，王鲁炎建立起自己的艺术观念和方法论，与流行的艺术理论与观念形成鲜明的对比。

他的艺术观念体系中最显著的特征是一直在探讨一种具有普遍意义的艺术观念：从日常生活、社会美学、技术标准中延伸出对判断的质疑和困惑的反思；在艺术语言上，用绘图和设计的方法来消解绘画性，以此建立起自己独特的绘画语言，他的绘画作品排斥了叙事性及情感因素的介入，并通过这种严谨而精确的反映再现了社会现实中人们视而不见的识别和分辨经验，如《锯与被锯》、《注射器系列》（索取还是给予）、《自行车系列》前进还是倒退等等。

在这种设计的基础上，他把这种平面化的语言延伸成为一种装置概念，这种装置概念给人一种视觉刺激和观感上的震撼。

“W三角尺1-2”（4X8米，两件，每件两吨重）和“被锯的锯？”（3.5X10X2.8米，重13吨），事实上这两件作品是17年前的方案，王当时也因此被称为“方案艺术家”，今天我们看到方案变成了现实，也就是说“方案艺术家”的身份转换为“装置艺术家”。

在现场，观者会感受到物质材料的质感和艺术作品所包含的动态的力量，恰恰是这种难以区分的机械的主导性才增强了观念的强度。

在装置作品“W三角尺1-2”中，两件尺子正反面分别标刻为8mm/cm,12mm/cm和10mm/cm,10mm/cm，他把人们忽视的“双重标准”放大，提醒人们对标准化世界观的质疑和反思。

9美学史研究当代的社会进程可以用三个字来简单概括：“快” “变”“新”，当代艺术充满跳跃性、宽泛性、颠覆性。

艺术的世界性和民族性的矛盾也是中国当代艺术发展中面临的问题之一。

一、中国当代艺术发展梳理从1949年到1978年，中国的文艺创作侧重于反映工农兵的生活。

“85”新潮美术运动后，西方的表现主义、形式主义、抽象派、立体派，后现代的先锋艺术、实验艺术、观念艺术等激起了中国艺术家强烈的兴趣，在绘画领域涌现出各类新的作品，也产生了一些新的问题。

一些艺术家为了跟上时代步伐，为了能够进入当代艺术史册，产生了生存的焦虑感，导致中国当代艺术出现了“去民族性”的现象，失去本土的文化自信。

这就引出了第一个问题，对于西方的当代文艺观念中国应如何处理？如何在多元化、国际化的背景中使民族传统艺术一脉相承，始终保持文化自信？进入20世纪90年代，科技的进步给艺术的发展带来更多的可能，艺术与生活的边界开始模糊。

“政治波普”一时起成为创作主流，宣传标语、名人照片、报纸元素等拼贴、组合在一起，成为“反讽”的艺术批判。

从20世纪90年代至今，当代艺术进入图像时代、意象消费时代。

无论东方还是西方传统的意象艺术都面临着冲击，意象体验变成了意象消费。

中国传统的意象艺术，以及更深入的意境创造艺术，都是有分量的艺术，值得反复玩味。

而意象消费时代下的艺术出现了削平深度、碎片化的意象体验，尽管形式多元新颖，但过于轻浮，没有分量。

这样的艺术不能引起观赏者心中的精神共鸣，给观赏者留下的不过是看过这件作品的视觉记忆罢了。

这就引出了另一个问题：在意追求现代诗意?以上两个问题是本文讨论的内容，笔者从邓以蛰的艺术观出发，寻找解决以上问题的启示，也希望借此重新引起对邓以蛰艺术理论的重视。

二、中国当代艺术的“去民族性”问题邓以蛰是中国现代美学的奠基人之一，他的艺术发展观促进了中国当代艺术的发展。

邓以蛰立足本土，借鉴西方逻辑体系试图建立一套中国本土的艺术理论体系，这种对待中西观念的方法，对解决“去民族性”问题有一定的启发。

第24卷第1期2010年2月 河南财政税务高等专科学校学报Journal of Henan Colleg e of Finance &Taxa ti on Vol .24.No .1Feb .2010　[收稿日期][作者简介]姬晖(—),男,山东金乡人,郑州旅游职业学院助教。

浅析当代艺术设计教育姬　晖(郑州旅游职业学院信息中心,河南郑州450009)[摘　要]当代艺术设计教育对于人才的培养,不应该仅仅是让学生被动地接受艺术和技能知识的培训,而应该是引导学生学习并掌握与艺术设计相关的自然、人文、社会、科学等其他领域的一些知识并在此基础上,重视实践和创新,学会用先进的科学技术影响和渗透艺术设计,使艺术设计更上一个新的台阶。

[关键词]艺术设计;艺术设计教育;创新[中图分类号]J525-4 [文献标识码]A [文章编号]1008-5793(2010)01-0082-02 艺术设计从概念上来理解,就是从不同角度(经济的、物质的、文化的、艺术的、技术的、社会的)出发,把具有功能效用与适宜性作为目的,借助一定的物质内容和工艺技术,运用特定的艺术手段,对美的原理进行创造和想象,使其能转化为具有特定功能和外在形态美的、富于文化色彩的、审美性较强的欣赏品的创作。

从制作的过程来看,艺术设计既包括传统的手工艺设计,也包括附带有现代化工业生产的新型设计和加工。

艺术设计的最终目的是服务社会,满足人类需求,同时协调好自然与环境的和谐发展关系。

这一目的的实现与设计者能否真正懂得社会需求、了解人类与传统文化及环境发展三者之间的协调性有极大的关系。

因此,对于艺术设计专业学生的教育,首先就要加强对社会性知识的理解与学习。

只有在此基础上,设计者才能真正做到将实用性与艺术性融为一体,设计出能够涵盖一定的价值观念、美学观点、知识层次、创新能力和文化底蕴的好作品。

基于此,笔者认为,当代艺术设计教育对于人才的培养不应该只是让学生被动地接受艺术和技能知识的培训,必须让学生学会并掌握与艺术设计相关的自然、人文、社会、科学等其他领域的一些知识。

一千个沈勤一千个陈琦钱大经沈勤和陈琦，两位当代艺术家，近年随着绘画成就的日益彰显，在中国当代画坛呈上升之势，人们注视他俩的视线渐渐地要转换为仰视了。

各种访谈、各色刊物介绍、各式照片的曝光，似乎已制式性地将他俩归入当代艺术大V们的行列之中。

或许，一如艺文界许多成功人士，接踵而来的该是绯闻、事端、八卦等俗世熟悉的种种戏文，从而在这个喧嚣的名利场中增添两位供人们文化消费的对象？当今画坛，只要一有画者成功（名誉或市场），立即会吸附起一层又一层理论装饰，运作包装的尘埃，这种华丽而惰性的雾霾，弄得大家看他们面目不清，总觉得是千人一面。

前一时间，曾读见一本刊物的双幅首页，赫然一排当红艺术家合影。

精美版面上，艺术家们无一例外的衣着入时，站姿炫酷。

其实圈内熟悉者都清楚，他们实在是大不相同，或张扬、或颓废、或沉静、或柔和，各是各的成就，各是各的面貌。

还有，观众看他们，看他们的作品，也必定是各自体味各自感受。

“一千个读者心中有一千个哈姆雷特”，这种双重的差异性，构成当下现代艺术的真正生态。

我不担心沈勤和陈琦这两位正走红的艺术家，会淹没在当下“遍地走龙蛇”的混沌喧嚣中。

因为他们基本都是审美本体论者，对自己的理念和作品状态有着长期的、清醒的自我坚持，不会轻易接受广泛的、普适性的美学评论和价值定位。

他俩是很难归类的艺术家，对他俩的独立和独特，我有足够的了解。

另外，长期处于半封闭的创作状态中，他俩或多或少都有些“排外”倾向，他们从不东张西望，只专注于作品完成的具体问题，操心细节与技术，高效且多产。

我想，在知识储备与自我修养都足够的基础上，“闭门造车”有什么不好？现代人缺这种精神。

我与沈勤陈琦经常一起议论：作为画家，大家都是动手干活的人，撇开原创理念不谈，那种创作过程中劳作的快感，发现新图式的狂喜，偏执的细节追求，个人技术上的嗜好，甚至，一些隐秘的“病态”的深层心理活动，其实才是构成一张作品的要件。

先验或后续的理论分析，很难归类与解释上述这种状态——我称之为艺术品长成的生命状态。

内容摘要：素描是一切造型艺术的基础，素描课程是艺术基础课程体系的重中之重。

保守的教学模式易导致“单一化”的技术型人才，文章认为以素描材料语言为突破，把“实验性”引入课堂，用当代艺术理念改革传统教学模式，对培养创造型的艺术人才具有深远的意义。

关键词：材料语言实验性素描教学一、国内外素描教学的现状（一）保守的素描教学模式与艺术发展存在“代沟”艺术院校正统的素描教学沿袭的是欧洲客观写实的传统道路，这种教学体系主要是以研究和表现自然物象的客观造型为目的，本身有着严谨的科学性与系统性。

但弊端是过分偏重于写实训练，“同一性”的教学手段易导致“单一化”的技术型人才。

其在教学实践中的负面影响也确有显现，如素描训练缺乏激情，作业千篇一律，概念化程度严重；学生知识单一，不会举一反三和灵活运用，甚至对学习素描的目的和意义感到迷茫。

这种教学模式制约了学生多向创造意识的发挥，素描基础课程与艺术创作的衔接存在“脱轨”的倾向。

在艺术教育越来越重视培养创造性人才的今天，传统素描教学与艺术发展存在着代沟，并引发了我们对素描基础教学的反思。

（二）素描在当代艺术中被赋予更丰富的内涵，素描教学应与多元化的艺术形态接轨当今国内各大艺术院校都致力于对传统的素描教学模式进行改革，努力尝试调整教学方案，完善教学措施，强调素描教学的融合性、开拓性，致力于以开放的“大基础”教学理念来培养学生丰富的创造力、深厚的艺术修养和审美素质，使之成为更适应社会发展需要的艺术人才。

从20世纪末开始，传统的审美观念彻底发生了改变，素描也需要以新的模式来陈述，其形式语言和表现媒介都有了新的拓展。

当今国外艺术院校的教学强调素描与多领域、多专业的融会贯通，素描在内涵的界定上更加宽泛，形式与媒介方面有着广阔的实验空间，素描是一种非常自由、灵活、多元的艺术形式，在当代艺术中保持着旺盛的生命力。

二、以当代艺术理念拓展素描教学的外延（一）深入解读素描语言的基本形式元素――点、线、面要打破传统素描教学的局限，首先要摒弃传统写实素描教学中存在的概念化的教学模式，突破保守的教学理念，扭转一些学生在素描学习中“照抄、描摹”的被动局面，摆脱只会单纯模仿或再现的束缚，把素描从对“光影”“调子”等技术性的理解中解放出来，开放素描的形式语言系统。

中国当代艺术发展的文化传承精神——中国传统文化的内在精神作者：万莉来源：《美术界》 2011年第5期中国当代艺术，这个以Contemporary Artin China 的英文形式以一种赋以前卫的，国际化的标识性名词率先牵动了艺术大众们的思维，而当代一词，已以文化概念而非时间定义被人们演绎。

的确，中国的当代艺术已经以一种国际化的形式与姿态出现在历史舞台上，但我们不得不承认，中国的当代艺术事实上是受启示于西方当代艺术，这种现象的产生，与中国的艺术教育的西化以及中国进入消费社会后的一种内在文化的需要有着一定的关系。

也许前几十年中国艺术家的艺术探索之路是一种文化准备，那么近十年来的中国艺术是否还有必要专注于西方的艺术流行趋势，做作地以西方的艺术模式来迎合国际艺术标准呢。

我想这是当代中国艺术家思考得非常多的问题，西方文化主流是以他们的文化与美学背景为中心而发展的，他们的分裂的现代性观念是中国一开始就没有的，而至今日,日益成熟的中国当代文化已由于中国经济的发展而没有悬念地应该走自己的路，因为中国本身的历史文脉与当下的发展情境已十分明确地突显出了中国特色，而且随着时代的发展，中国城市的发展，中国的“个人主义”的特色已经毫无掩饰地展现出来。

“全球化”的出现，一种最频繁地出现于经济战略的名词，也被列入了个体艺术危机的行列。

二战后现代主义建筑将它的特点和形式与市场结合产生了巨大的影响，几乎改变了世界三分之一的天际线，正是现代主义建筑的强势传播使得世界建筑的面貌越来越单一，无论在美国、日本还是中国所有的大都市都呈现出几乎一样的面貌即由包豪斯建筑（如上图）衍生的现代的摩天大楼。

是否中国大都市的每日崛起的商厦、银行和旧社区的消失，这种全球化和都市化的扩张已经彻底地摧毁了中国碎片般的和私人的日常生活经验？那些现代都市景观是否可以等同或抹掉中国人从小在唐诗、宋词、《红楼梦》中所塑造的记忆空间？为何中国人到国外必须要建起一个唐人街或中国城，难道只为商业和生存的需要吗？难道它不也表现了中国人对传统、历史文化以及社群意识进行复制和再现的欲望吗？（2）（高名潞——《另类方法，另类现代》）抱着这样的思考与疑问，中国艺术家开始了自己的思考，思考着怎么样以一种顺理成章而又理所当然的民族姿态，使中国艺术在国际艺术舞台上能以明确的艺术身份出现，而这种艺术身体是需要以自己的历史文脉与自体经验来实现的，并且以一种主动而非被动的态度。

当代艺术的审美价值取向研究摘要：当代艺术的审美价值取向呈现大众化的发展趋势，艺术发展逐渐通俗化，呈现出一种不再为高雅艺术、精英艺术独享的发展趋势。

文章以当代艺术的审美价值取向为研究对象，首先分析了艺术审美价值的内涵及实现过程;然后具体分析当代艺术的审美价值在艺术创作手法、艺术创作模式和艺术接受模式的价值取向。

通过研究，有利于全面把握当代艺术的大众化发展趋势，对于当代艺术审美所呈现出的现实性、对话性等特点进行深入细致的分析。

关键词：当代艺术;审美取向;审美价值J120.9 A 1005-5312（2015）08-0021-02从时间上来说，“当代艺术”主要指的就是今天的艺术，深入其本质，主要指的就是具有现代精神同时具备现代语言的艺术。

从这一方面来说，当代艺术所体现出来的不仅仅是包含着艺术作品的“现代性”，同时还包含着艺术家对今日社会生活有所感受的“当代性”。

艺术家身处今天的文化环境中，面对的是今天的现实生活，所以，在他们的作品中，必然会体现出今天的时代特征与时代精神。

即使是要表现历史或是未来，也需要对其进行当代性和当代感受的转换。

由此而言，一个时代的艺术能够直接体现这个时代的民族审美意识、心理状态和精神现象。

中国当代艺术代表着我国艺术的先进水平，引领着我国艺术的总体发展方向，这种“当代性”正是建立在我国文化体系之上的。

随着媒介革命的不断发展壮大，艺术逐渐从精英艺术转向大众艺术，使普通大众从观念上突破对传统美学的界定，当代艺术的审美价值取向呈现大众化的发展趋势，艺术发展逐渐通俗化，呈现出一种不再为高雅艺术、精英艺术独享的发展趋势。

一、艺术审美价值的内涵与实现十八世纪，美学成为哲学门类下的独立分支，与伦理学和认识论并列。

与此同时，艺术作品的价值在现代美学体系中一直争论不休，集中表现在审美价值、认识价值和伦理价值之间的关系问题上。

康德认为，人的全部认识能力可以分为知、情和意，它们分别有着各自不同的领域和价值追求。

现代艺术与当代艺术的区别刘恩芹【摘要】本文从现代艺术与当代艺术的发展历程谈起,分析了现代艺术与当代艺术的特点和区别,从而得出当代艺术的本质特征——观念性和社会批判性。

【关键词】现代;后现代;当代;观念性;批判性“现代艺术”“当代艺术”与“后现代艺术”都是属于西方艺术理论范畴的概念,然而这些概念对于我们大多数中国人来说往往是混淆的。

我们经常在画册上、杂志中以及艺术文章中看到“现代艺术”“后现代艺术”及“当代艺术”的滥用和混同,甚至有人创造出“现当代艺术”来概括和描述一种艺术现象,反正既有现代又有当代,正好可以回避现代与当代的纠结。

诚然,现代与当代本身具有时间或者时代的指涉性,然而,当它们与艺术连在一起,成为专有名词用来表示艺术现象时,就已经不是时间的概念那么简单。

在西方,现代艺术与当代艺术是有着严格界限和区别的两种艺术类型,下面我们来进一步探讨现代艺术与当代艺术的联系及区别。

首先,现代艺术(Modern Art)是相对于古典艺术(Classic Art)而言的,现代艺术是对“古典美”理念的反抗。

从反抗“古典美”的角度出发,现代艺术可以追溯到19世纪法国现实主义画家库尔贝(Gustave Courber,1819—1877),库尔贝使石工、农民等社会生活中的普通人进入画面,真正使绘画从一个祖先的、贵族和雇主的世界变成了现实世界,因此,在西方美术史中,库尔贝的艺术被看成是现代艺术的开端。

经过19世纪后半期印象派的凡高(Vincent van Gogh,1853—1890)、高更(Paul Gauguin,1848—1903)、塞尚(Paul Cezanne,1839—1906),逐渐发展为各种流派的现代艺术。

后印象派重视自我的表现,强调变形和夸张,为后来的野兽派、表现主义和立体主义的发展提供了经验,正是从这个意义上,人们才把塞尚看作是“现代绘画之父”。

现代艺术的正式命名是从1905年的“野兽派”开始的。

浅析当代艺术环境下的高校美术教育发表时间：2012-07-06T15:06:19.723Z 来源：《时代报告（学术版）》2012年5月（下）供稿作者：赵轶斐[导读] 课程结构往往直接体现人才的培养规格，决定人才的知识结构、能力结构和素质结构，是提高人才质量的关键。

赵轶斐（河南师范大学美术学院，河南新乡 453007）中图分类号：J20.4 文献标识码：A 文章编号：1003-2738（2012）05-0027-01摘要：作为培养未来国家发展的主力军的高校学生来说，艺术本身具有一定的创造性，是以提升人文素养,培养创新型人才为目标, 这就要求美术教工作者在实施教学的过程中应强化大美术的教育理念, 特别要注重课程本身结构的优化与调整。

课程结构往往直接体现人才的培养规格，决定人才的知识结构、能力结构和素质结构，是提高人才质量的关键。

关键词：高校美术教育；艺术环境随着社会、历史、工业、科学技术、经济的飞速发展，当代艺术本身的价值、作用和地位也得到充分展示，他不仅具有欣赏价值，更具有教育意义，对促进经济和社会全面发展提供精神动力和智力支持，为社会培养具有专业知识和技能的人才。

艺术是个性鲜明、创造性品质较高的活动，是人类情感和精神生活的创造性的表现。

当代艺术涉及到各种创意、设计、制作、表达、交流以及多视角的连接和转换，为我们提供了创造性解决问题和发挥其艺术潜能的机会，赋予我们在联想、想象，甚至幻想的基础上无拘无束地表达自我和发挥想象力的空间。

无论你是否认可，欣赏或者喜欢，艺术都充斥在我们每天的日常生活中。

当代艺术审美取向的转型，使社会问题逐渐成为大众关注的焦点。

艺术家通过自身敏锐的观察力，站在时代的尖端，将种族问题、性别问题、生态问题、绿色环保问题、社会边缘人群和弱势群体问题等运用各种形式搬上了艺术的舞台，在不经意间使得大众开始关注我们更为广阔的生活环境，无论是通过反讽或是警醒的手段，都无不拥有些许的教育意义，而这些艺术家所举办的展览等活动都潜在的为美术教育提供了良好的环境。

·文化艺术·图一 弹曼陀铃的少女达到了艺术家的表现目的。

早期的人类发展并没有语言的产生，人类之54 黑龙江画报 2021Copyright©博看网. All Rights Reserved.·文化艺术·间的交流是靠声音、身体、动作等手段传达。

罗伯森和迈克丹尼尔曾在《1980 年以后的视觉艺术》中提道：“与少数文化禁止在服务于宗教崇拜的艺术中使用人体图像不同，在多数文化中人体一直是艺术最古老和最重要的母题之一。

”语言学是一门研究语言的科学。

语言学作为一门独立的学科始于19世纪上半叶。

语言学在一个多世纪漫长的发展演变过程中，经历了历史比较语言学、结构主义语言学、转换生成语言学和系统功能语言学为代表的四个历史发展阶段。

社会生活的变化将引起语言(诸因素)的变化，其中包括社会语境的变化对语言要素的影响。

社会有了变化，引起语言的变化。

早期的人类经常会在身体上涂上各种色彩，画出各种图案，一些土著的印第安人现在仍然保留着这种古老的传统，我想这不应仅仅是为了一种美，它应该是一种符号的象征，一个象征自己部落或氏族，区别于其他部落或氏族的符号。

罗伯森和迈克丹尼尔也提及：“身体的运作就像一个三棱镜，我们透过它来感知和认识世界。

”人类的吃穿用度，无一例外的受着身体的限制，身体的行为、行动同样无须表达，便已表达了一切，只可意会无须言传，只需观察无须多言，透过身体我们也会了解更多的知识。

身体是一种艺术媒介艺术家要创作就要有材料依托，作为人类的身体便是最方便、最直接的材料来源之一。

可以说身体是艺术的本源，尼采认为：身体敞开了一条通向艺术本源的道路。

提及身体艺术会让人想到人体艺术、行动艺术、激浪派艺术、偶发艺术等等。

人体艺术属于行为艺术，它可以借助身体进行各种艺术创作，也可以直接在身体上创作，此时的身体显然是作为一种艺术媒介而发挥作用。

行动艺术的历史，我们可以追溯到史前的祭祀和巫术，这些最原始的行动便是早期的行动艺术。

深圳市当代艺术与城市规划馆观后感作文全文共8篇示例，供读者参考篇1深圳市当代艺术与城市规划馆观后感暑假的时候,爸爸妈妈带我去了深圳市当代艺术与城市规划馆。

一开始,我还有点不太想去,因为觉得博物馆很无聊。

但是当我真正走进馆内,看到那么多有趣的展品后,我就完全改变了想法!首先映入眼帘的是一件超级酷的艺术品,它是用很多金属管子组合而成的,看上去就像一个巨大的机器人一样。

我用手触摸它时,感受到坚硬而冰凉的金属质感,很有科技感。

这件艺术品名叫《蜕变》,是一位艺术家用回收的金属管子制作而成的。

我觉得它很有创意,能让人感受到金属材质独特的美。

接着,我们来到一个展厅,里面有许多立体的建筑模型。

每一座建筑都很特别,都不太像我们平常看到的房子。

有的像一顶雨伞,有的像一只鸟儿,有的则长得像一朵奇怪的花。

我被这些奇特有趣的建筑深深吸引住了。

原来,这些都是一些著名建筑师设计的未来城市规划方案,用来展示他们对未来城市生活的独特想象。

我最喜欢的是一个名叫"垂直城市"的设计方案。

它是一座由数十座高塔组成的巨大建筑群,每一座高塔都有不同的功能,有些是住宅区、商业区、办公室,甚至还有农场和植物园。

所有的高塔通过天桥相连,人们可以在不同的高塔之间自由移动,就像在一个立体城市里生活一样。

我觉得这个设计真是太酷了!未来如果真的有这样的城市,我一定会特别想去住在里面。

除了艺术和建筑,这个博物馆里还有一些关于深圳城市发展历史的陈列。

我看到深圳从一个小村落,是如何迅速发展成为现在的国际大都市的。

真是太不可思议了!短短几十年,深圳就从一个小渔村,变成了现在这么现代化、充满活力的大都市。

这让我更加热爱和自豪这座城市了。

走出博物馆时,我对艺术和城市规划有了全新的认识。

原来艺术不单单是一些漂亮的画作或者雕塑,它也可以是一些新奇有趣的设计作品。

而城市规划则是设计师对未来城市生活的种种美好想象。

我希望将来能成为一位建筑师,为这个世界创造出更多充满想象力的建筑杰作!总之,这次参观给了我很大的启发。

浅谈对中国当代艺术的理解作者：沈奕彤李思颖来源：《艺术科技》2016年第07期摘要：研究中国的当代艺术就要从中国艺术的“当代性”上来研究，“当代性”就是在现代与后现代语境下对当代社会问题的形而上的哲学思考和形而下的现实关注，是对当代社会变化发展的一种经验与理性的人文价值的当下意义的哲学思考。

就是说，我们讨论的当代艺术是在现代与后现代性的语境里把握中国文化、社会的本质存在中产生的中国当代艺术。

关键词：当代艺术；当代性；中国当代艺术研究1 中国当代艺术的概念研究中国的当代艺术要从中国艺术的“当代性”上来研究，“当代性”就是在现代与后现代语境下对当代社会问题的形而上的哲学思考和形而下的现实关注，是对当代社会变化发展的一种经验与理性的人文价值的当下意义的哲学思考。

就是说，我们讨论的当代艺术是在现代与后现代性的语境里把握中国文化、社会的本质存在中产生的中国当代艺术。

上海当代艺术博物馆筹建办副主任李旭曾说过，中国人要讲中国人的事，中国的艺术要表达中国人的思想内涵和精神内核，“如果说传统艺术是文言文，那么当代艺术就是口语甚至是网络语言，语法变了，但是中文没有变。

因此，中国当代艺术的诉求仍应是中国的文化。

”当代艺术的种种表现是对社会变革的记录，它只代表它的时代。

同时，它还是一个与社会紧密相关但又具有高度独立性的思想活动和知识活动。

它表达着我们面对所处的时代和社会问题所采取的态度，将态度转换成一种艺术形式。

其实，艺术不解决问题，但艺术可以发现问题和表现问题。

在任何社会转型和变革时期，当代艺术都是艺术家觉醒之后的自觉创造。

艺术家能够敏感地发现问题，并将一个纯粹的问题一直保持下去，直到把它搞清楚为止。

当代艺术改变了传统的观看方式，也就是说，作品不再赏心悦目，不再为观众提供“美”的图像，而是引发观众对现实社会的关注与思考。

艺术开始介入现实社会的种种问题中，它要求艺术家不能在一个充满问题的时代创作毫无感觉的作品。

当代艺术在当代中国确实有一种无限的可能性，与现代艺术相比，确实更具有人道主义的独立人格和探索价值；从社会形态上看，其打破了一元化的传统创作机制，尤其是在学科建立上，推动了多元化方向的发展。

传统绘画与中国当代艺术的融合分析摘要：随着我国社会经济飞速发展，各种艺术改革思潮也不断涌现，为了更好弘扬中国优秀传统文化，将中国传统绘画的精髓与中国当代艺术有机的融合，同时我国当前传统绘画的形式已经逐渐无法满足新时代人们对艺术深层面的需求，面临这样的大背景下，就要求我们针对传统绘画的特点进行调整，融合中国当代艺术进行分析。

传统绘画具有单一的特点，各类技法、笔墨均呈现程式化并存在一定的弊端，而当代艺术具有时代特性的诸多优势，不仅能融合到传统绘画中，还可以带来事半功倍的效果，现如今，我国各类艺术形态蓬勃发展，中国当代艺术作为主力军之一，能与传统绘画进行融合，在一定程度上可以提升传统绘画与时俱进，也能在一定层面上进行创新，以此来满足我国社会发展的艺术需求。

关键词：传统绘画；当代艺术；融合措施；特征前言一直以来，我国传统绘画受西方艺术影响比较大，特别是清末民初一大批留学海外艺术学子学成归国后对传统绘画的传承与创新有了很大的影响，而且现如今我国纯传统绘画的地位也在时代的变迁中不断的削弱。

当代艺术和传统绘画融合互补是中国绘画发展的大方向，两者之间并不冲突，为了适应时代要求，为中国当代艺术增添一道绚丽的光彩，就要想尽一切方法进行从绘画工具、技法、笔墨、材料、观念上创新，使我国当代艺术与中国传统绘画相融合，形成自己全新的绘画艺术语言。

我国地大物博为传统绘画提供了非常多的创作素材，是取之不尽用之不竭。

同时，自然材料不仅具有其他材料没有的独特美感，还具有丰富内涵的教育价值，还具有天然的物理性特点，包含的多样性结构，是传统绘画与中国当代艺术的融合中缺一不可的素材[1]。

总得来说，自然材料具有各式各样的美感，并以各式各样的形态存在，激发传统绘画与中国当代艺术创作者的创作能力和学习能力，从而，推动传统绘画与中国当代艺术向全面发展的道路前进。

一、中国传统绘画的不足绘画是升华人情感、净化人灵魂、培养人的审美能力以及陶冶人性情，美化人的生活。

主题：《腾讯会客厅》艺术要回归心灵——访山东馆副馆长顾群业请注意：所有听不清楚或不确定的音频内容均做了时点标注和突出显示另：此段内容与主题不符，是否可以删除？顾群业：很多人说现在都网络时代了，还有必要搞世博会吗？为什么还要坐飞机火车大老远跑去人挤人？山东馆为什么要祭孔子？你会说，你尊重孔子，在心里尊重好了，有必要摆出这种花架子吗？你做给谁看呢？主持人茜茹：是啊，为什么？顾群业：这里面是有道理的，就是内容与形式的统一。

我们学设计的，就是研究形式。

我们都学过形式美法则，就是研究形式感的，形式所带来的美感。

老百姓的土话，拉屎还得端个架呢。

孔子为什么要讲礼仪？网络时代缺失的是什么？是仪式感。

现在一切都太方便了，缺失了所谓的繁文缛节。

现在都网络会议了，为什么还要围坐在一起面对面讨论？你看政府开电视电话会议，大家在自己办公室里看电脑就好了嘛，为什么还要坐在会议室里一起看？就是个仪式感。

所谓隆重、盛大，这些形容词都是修饰仪式感的。

这届世博会大量运用了影像的、视频的东西，4D电影，720度球幕，等等。

山东馆有一部三维短片，叫《海岱齐鲁，礼仪之都》，拍得非常棒。

它是运用数字艺术来还原2000多年前齐国和鲁国的城市生活。

但是没有在专门的放映厅放映，而是在入口处的墙面上循环播放，关注它的观众就很少。

媒体报道也很少，为什么？如果把它放在专门的放映厅，观众要排队入场、要落座，然后静等放映开始，包括放映结束后的退场，这就是一个完整的仪式。

它把观众引入一个情境，就是我要看电影了，他会对视频播放的内容非常关注。

所以，有没有仪式感，它的感觉和效果是大不一样的。

你看，欧洲人去听歌剧，一定要穿礼服的，甚至要走很远的路程，你想想，衣冠楚楚的长途跋涉去听一场歌剧，它就是仪式的一个组成部分。

回到我们的专业，我们不仅要创作出我们的作品，还要研究如何呈现，这就是内容与形式的关系。

山东馆的孔子像两只手要抱在一起，和尚要双手合十，天主教徒要划十字，为什么？所以说，形式绝对是有必要的。

X：那当然。

这是美院教育体制的问题，不是考生、孩子的问题。

就像观众不懂现代艺术，这不是观众的问题，是艺术本身的问题。

“假大空”的当代艺术B：你受益于当代艺术，成名于当代艺术，但对当代艺术却是批驳的。

X：正因为我参与了当代艺术，才知道其中的问题。

我要是没参与，还真不敢说。

当代艺术和“文革”中的“假大空”差不多。

B：两者在本质上有什么不同？X：是一样的。

“文革”中的“假大空”是为政治、宣传服务，概念先行，艺术本身并不重要。

当代艺术也一样，是为了镶入艺术史。

几乎每个艺术家都在搞前所未有的东西，要震撼别人，但实际上，在一条很窄的路上，大家搞的东西都差不多，很难看到真正有创造性的东西，结果就是“假大空”。

我的一个艺术家朋友，他说，搞当代艺术，如果展览不出效果，就把作品放大1000倍，比如把一个杯子放得很大，就会是一件震撼人的作品；如果放大了还不行，就做1000个杯子；再不行，就把杯子涂成红色；还不行，就把灯光搞得特别亮。

其实很多当代艺术品大概就是这个意思，有一个很吓人的面孔，但其实没什么东西。

这对作品本身是不负责任的，也让观众对当代艺术形成了奇怪的印象。

B：虽然你这么认为，但很多艺术家却认为是大众审美出了问题，他们刻意做了一些奇怪的、让人看不懂的东西。

X：那是杜尚给艺术家留下的特殊的贵族身份，有些人特别享受这种身份，以为艺术家就可以胡作非为，艺术家的所有行为都应该像杜尚的陶瓷小便池那样价值连城。

但实际上，杜尚在把艺术和生活拉平的同时，也把艺术家和一般人拉开了距离。

B：“中国热”在国际艺术市场上非常火热。

作为最早被西方接受的中国艺术家之一，你怎么看待这一现象？X：中国艺术家是世界上、历史上最容易成功的艺术家群体。

这是时势所造就的。

总的来说，这是好事。

但因为太容易了，诱惑太直接了，很多人没有达到应有的高度，就被捧杀得没有活力了。

以后就看艺术家怎么把握自己。

中国艺术比较多灾多难，过去没有空间展示作品；后来为西方策展人制作作品；现在刚跳出来，又进入了市场的混乱状况。

当代艺术的消失？——鲍德里亚《濒临消亡的艺术》研究袁晓静【期刊名称】《《兰州教育学院学报》》【年(卷),期】2019(035)011【总页数】3页(P96-98)【关键词】纯粹的商品; 艺术的共谋; 幻觉的消失【作者】袁晓静【作者单位】河北师范大学文学院河北石家庄050000【正文语种】中文【中图分类】I01“为什么是空无一物，而非有些什么？”这是对莱布尼茨提问方式的一个颠倒，也是鲍德里亚后期思想中一个重要的逻辑主题——消失。

在《濒临消亡的艺术》里，鲍德里亚并不是要宣布艺术的死亡或终结，而是将“消失”作为他对艺术的一种言说方式。

他想说明当今艺术为何看似消失却没有消失，又为何濒临消失却仍有存活的希望。

在19世纪艺术经历商品的冲击以来，波徳莱尔已经为艺术选择了“绝对对象化”的致命策略，而当艺术变成与传统形态截然不同的“陌生物”时，它并未死亡或终结，而是以纯粹商品的样态获得了与商品化抗争的武器。

在这里，审美主体消失了，美学的道德原则消失了，传统的审美秩序消失了，但艺术没有消失。

可是当艺术发展到仿像的第二个阶段时，艺术的乌托邦已经实现，世界的审美化已经完成，艺术落入对自身的仿拟之中，不再拥有原初性的价值，并在技术的仿真中异化为危险的修补物，这时艺术的幻觉权力被剥夺，艺术面临着真正消亡的危险。

一、艺术：纯粹的商品在黑格尔的逻辑推演中，艺术最终要向更高的宗教和哲学演进，从而实现自身的终结。

而在19世纪发达的资本主义社会里，艺术面临的却是来自商业的威胁，针对这一不可逆转的情境，波徳莱尔发明了最初的激进的解决方案——绝对对象化，主张“艺术必须走上无法逃避的商品无差异的和使艺术品等同于纯粹商品的路径。

”[1]240这是一条激进的、无可奈何的选择，也是波徳莱尔在现代性的审美中所做的一个英雄的选择。

如阿冈本所说：“波徳莱尔的伟大之处恰恰在于，早在商品大举侵袭之前，就以将艺术作品转变为商品的物恋对象的方式回应了这种侵袭。