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中考音乐和美术知识点归纳音乐部分：1. 音乐基础知识：了解音乐的基本元素，包括音高、音长、音强、音色等，以及它们在音乐作品中的表达作用。
2. 音乐记谱法：掌握五线谱的基本知识，包括音符、休止符、节拍、小节线等的识别和书写。
3. 音乐节奏：理解不同节奏型的特点，如二分音符、四分音符、八分音符等，以及它们在音乐中的表现力。
4. 音乐和声：学习基本的和声知识，包括三和弦、七和弦等的构成和功能。
5. 音乐形式：了解常见的音乐形式，如奏鸣曲、交响曲、协奏曲、组曲等，以及它们的结构特点。
6. 音乐风格：熟悉不同历史时期的音乐风格，如巴洛克、古典、浪漫、现代等，以及代表性的作曲家和作品。
7. 音乐欣赏：培养音乐欣赏能力，学会分析音乐作品的结构、旋律、和声、节奏等元素。
美术部分：1. 美术基础知识：了解美术的基本元素，包括线条、形状、色彩、质感、空间等，以及它们在美术作品中的表现。
2. 色彩理论：学习色彩的基本知识，包括色相、明度、饱和度等，以及色彩搭配的原则。
3. 构图：掌握构图的基本原则和技巧，如平衡、对比、节奏、统一等。
4. 绘画技法：了解不同的绘画技法，如素描、水彩、油画、版画等，以及它们的材料和工具。
5. 美术流派：熟悉不同历史时期的美术流派，如印象派、立体派、抽象表现主义等，以及代表性的艺术家和作品。
6. 美术欣赏：培养美术欣赏能力，学会分析美术作品的主题、风格、技法、情感表达等。
7. 美术创作：鼓励学生进行美术创作，表达个人情感和思想，发展创造力和想象力。
结束语：通过以上的知识点归纳，希望能够帮助同学们在中考中取得优异的成绩。
音乐和美术作为艺术的重要组成部分，不仅能够丰富我们的精神世界，还能提高我们的审美能力和创造力。
希望同学们能够在学习中不断探索和实践，享受音乐和美术带来的美好体验。
美术和音乐的联系在艺术发展史上，各艺术门类之间也既有其独立性与区别，有其相互联系和融洽。
音乐是在时间过程中显示的诉诸听觉的一门艺术，基本手段是用有组织的乐音构成有特定精神内涵的音响结构形式。
它很难对客观现实实行再现和描述，但是却极善于抒发感情和情绪；而美术是采用造型手段塑造视觉形象和众多艺术类型的总称，在很长一段历史时期内，它是人类直观地反映现实和掌握世界的唯一艺术手段，具有造型性与静止性。
表面看来，音乐与美术好象并无多大关系，而实际上，因为音乐很难对现实实行再现和描述，但极善于抒发感情和情绪，而美术又恰好充当了音乐从单纯的音响到情感抒发这个飞跃的纽带和桥梁。
我们通过对音乐、音响的听觉、想象而获得各种视觉形象及画面，进而引发出相对应的情感与情绪，这时候，几乎人的所有感官都被调动起来，使音乐真正成为“音乐”，而不再是仅仅由旋律、节奏等机械组合出来的音响。
所以，我们也把音乐的音响本身不能包容的，但又能通过音乐提供给听众，亦即听众由音响想象和联想出来的内容称为音乐中的非音乐性内容。
那么为什么人能从音响的听觉联想到各种视觉形象与画面呢？从艺术发生学的角度来说，各艺术门类之间本来就存有着相互联系相互融通的关系，有些现在作为独立门类的艺术原本就是结合在一块的。
例如，在原始艺术中，音乐、舞蹈、诗歌就是三者同源的。
在艺术自身的发展过程中，不同门类之间都在互相融合、互相吸收，甚至重新结合，比如说电影这个艺术形式就综合了摄影、戏剧、文学、美术、音乐等多种艺术门类，而它们之所以能够分分合合，是因为它们都有共同的“基因”。
随着历史与艺术本身的持续发展，各艺术门类之间的融合更加多元化了。
郭声健先生在他的《艺术教育论》一书中也谈到：“一切艺术都是心灵的艺术，仅仅各自所用的感性材料不同而已。
如果我们从某一艺术形式的角度去审视其他各种艺术形式，我们将不难发现，其他艺术形式都或多或少具有该艺术形式的表现特征。
这就意味着，不同的艺术形式在审美意蕴、表现手法等方面本来就有很多相通之处。
美术与音乐的互通关系“合”体了代教育的一种展。
跟着教育改革逐渐深入,美堂融入背景音已成美教育的尚手段。
但是在的用中,必定会引对于美教课中何要引入背景音、引入背景音能否有令人服气的理由、怎样背景音等等之的。
于些,笔者第一要从文化的角探音与美映益彰的“互通”要素。
只有深刻会其内在由与重要性,才能踏极地加以运用。
一、追踪溯源,美与音亲密的“互通”关系从生学的角度看,美、音形拥有本来混淆性在人最先生期,的范围是全部形式之和,各样互融共通,然一体。
以后,跟着社会的步和自己的展,本来交融在一同的逐分化,并形成明的个性特色。
前着名美学家莫?卡在《形学》中就明确指出原始文化所拥有的混淆性和体裁、种、式构的不确立性。
德国着名美学家克斯?德索在《美学与理》中也有似的表述:“当?史密斯舞蹈志着的起点,特别是集体舞蹈有奏,所以在舞蹈之中和舞蹈之也先是音,接着即是歌获得了展,而舞蹈的模拟力也被移到那种在资料上想象出造型形状和廓画的运上去,画也就随之生。
”在中国,古老的皮影就合了、音、舞蹈、美、民文学等多,形成了一道独到的景。
再如,音大多芬把第六交响曲冠名《田园》,在第一章上上了“抵达村的快乐感、溪畔小景。
”很明,大在里使曲的表性拥有客描的功能。
正如大自己所言:“当我作曲,内心是描着一幅画 ,并着那个廓前行。
”更直接的例子有:19世60年月俄国“五人力集”代表作曲家穆索斯基,念他的朋友———画家哈特曼,从哈特曼大400幅画中挑出10幅,分写成琴曲,并以画作的名字命名。
如《古堡》、《牛》、《之舞》、《基城》⋯⋯作曲家绘声绘色的音想象,将画面的故事复生起来,成名世界的音。
些象暗含着作的史展根源是交融和交互的。
从型学的角度看,美、音形式拥有内在融通性西文符号学美学的代表人物之一珊?朗格在《》中,提出一个空前的命:每都是由它造出来的基本幻象来定的,而不是由它所使用的资料和技巧来定的。
进而分中间的资料分准的学提出了挑战。
既而,苏珊?朗格以他的研究方式,经过剖析不一样门类的艺术都创建了什么,各自波及的范围和使用的资料是什么等等,认为“每一种艺术都有自己独到的材料,如乐音之于音乐、彩色之于绘画等等,可是,除此以外,再很难在纵深层面找到带有本质性不一样的差别。
高考美术音乐知识点归纳在高考美术音乐考试中，了解并掌握各种知识点是非常重要的。
下面将对高考美术音乐中的知识点进行归纳和总结，希望对大家备考有所帮助。
一、美术知识点1. 色彩学基础：了解色轮、色彩原理、颜色的明度、纯度、对比等基本概念，以及色彩的分类和运用方法。
2. 素描基础：了解素描的线条、明暗、透视等基本技巧和构图原则，能够准确表现物体的形态和质感。
3. 面部结构与表情：熟悉人体头部的构造和面部特征，能够通过绘画准确地表现人物的表情和神态。
4. 色彩搭配与感知：了解不同色彩的搭配原则和表达效果，能够运用色彩感知技巧表现情绪与氛围。
5. 图案与装饰：了解各种图案和装饰元素的构成和运用方法，能够运用图案与装饰元素进行创作。
二、音乐知识点1. 音乐的基本要素：了解音乐的基本要素包括旋律、节奏、和弦以及音色等，能够分辨和分析不同音乐作品中的这些要素。
2. 音乐的风格与流派：了解不同音乐时期和不同国家的音乐风格和流派，能够分辨和欣赏不同类型的音乐作品。
3. 乐器与乐团：了解各类乐器的特点和演奏方法，能够分辨出乐曲中不同乐器的声音。
4. 音乐大师与名曲：了解音乐历史上的重要作曲家、指挥家和音乐家，以及他们的代表作品。
5. 音乐鉴赏与评论：培养欣赏音乐的能力，能够通过理论和感性的方式进行音乐作品的评论和鉴赏。
三、知识点的运用与创作1. 美术与音乐的结合：了解美术与音乐的相互关系，能够通过绘画作品表达音乐的意境和氛围。
2. 艺术创作与实践：通过运用所学的美术和音乐知识，进行个人或团队的艺术创作，展现个人审美能力和创造力。
3. 艺术史与文化：了解中国和世界各个历史时期的艺术风格、流派和文化，能够将艺术创作放在特定的历史和文化背景下进行理解和解读。
以上就是高考美术音乐知识点的归纳和总结。
通过掌握这些知识点，考生可以更好地备考，并在考试中发挥出自己的优势。
希望大家能够通过努力和积极备考，取得理想的成绩！。
音乐与美术的联系音乐与美术的联系1.引言音乐和美术是两种不同的艺术形式，但它们在许多方面相互联系。
音乐和美术都是人类创造力的体现，通过声音和图像传达情感和思想。
本文将探讨音乐与美术之间的联系，包括其共同点和相互影响。
2.艺术形式的表达2.1 音乐的表达音乐通过声音元素来表达情感和思想。
它可以通过节奏、旋律、和声、和弦等来创造出独特的音乐语言。
音乐可以包含多种情感，例如欢乐、忧愁、愤怒等。
它也可以通过不同的风格和类型来表达不同的思想和文化。
2.2 美术的表达美术通过图像元素来表达情感和思想。
它可以通过线条、色彩、形状、纹理等来创造出视觉效果。
美术可以通过绘画、雕塑、摄影等不同的艺术形式来表达不同的情感和思想。
它也可以通过不同的风格和技巧来展示不同的艺术风格。
3.共同点3.1 艺术创作的目的音乐和美术都是艺术创作的形式，它们的共同目的是传达情感和思想。
无论是音乐家还是艺术家，他们的创作都是为了表达内心的感受和思考，与观众和听众进行情感上的共鸣。
3.2 艺术元素的运用音乐和美术都使用了一些共同的艺术元素，例如节奏、色彩、形状等。
这些元素可以通过不同的组合和运用来表达不同的情感和思想。
4.相互影响4.1 音乐对美术的影响音乐可以通过节奏和旋律的融入来影响美术作品的创作。
一些艺术家可能会借鉴音乐的节奏和旋律，创造出具有动感和韵律感的作品。
另外，一些音乐也有可能成为了美术作品的灵感来源，艺术家可以通过听音乐来获得创作的灵感。
4.2 美术对音乐的影响美术可以通过色彩和形状的运用来影响音乐作品的创作。
一些作曲家可能会从色彩和形状中获取灵感，并将其融入到音乐中去。
同时，美术作品也可以成为音乐的配图，给听众带来更加丰富的感受。
5.附件本文档附带的附件包括音乐与美术的相关资料、研究文献和案例分析。
这些附件可以作为对本文内容的进一步深入理解和研究的参考材料。
6.法律名词及注释6.1 版权法版权法是一种法律制度，用于保护创作者的作品不受他人侵权并确保他们获得合理的回报。
论音乐与美术之间的融合关系音乐与美术，作为两种不同的艺术形式，在创作方式和表现形式上有所不同。
然而，当音乐与美术相互融合时，会产生独特的艺术魅力和表现力。
本文将探讨音乐与美术之间的融合关系，以及其对艺术创作和观赏体验的影响。
一、音乐与美术的共同点音乐和美术都是艺术的表现形式，都以感知和传达情感为目的。
通过创造形象和声音，两者都能够引起观众的共鸣和情感上的共鸣。
此外，音乐和美术都体现了艺术家对于美和形式的追求，都试图通过艺术创作来表达自己的内心世界和情感体验。
二、音乐与美术的融合形式音乐与美术的融合形式多种多样，每种形式都给观众带来不同的审美感受。
一种常见的形式是音乐与绘画相结合。
例如，在绘画作品中加入音乐元素，可以通过色彩的明暗、线条的曲直等传达音乐的旋律和节奏感，使观众更加深入地感受到作品所表达的情感。
此外，音乐也可以通过演奏的形式与美术相结合，如音乐会上的配乐和舞台剧中的音乐元素等。
三、音乐与美术的相互影响音乐和美术的融合不仅仅是两者的简单叠加，更是相互影响的过程。
音乐可以启发美术家的艺术创作灵感，美术作品也可以激发音乐家的音乐创作灵感。
艺术家们常常通过画面和声音的相互呼应，使作品更加富有情感和表现力。
此外，音乐和美术也可以共同营造一种氛围，提升观众的艺术体验。
四、音乐与美术的应用领域音乐与美术的融合关系不仅仅体现在艺术创作中，也广泛应用于其他领域。
例如，在影视作品中，音乐常常与画面相结合，为观众带来更加丰富的观影体验。
此外，在设计领域，音乐和美术也可以相互融合，共同构建美感和视听效果。
综上所述，音乐与美术之间存在着紧密的联系和相互影响。
两者的融合关系既丰富了艺术的表现形式，又增强了观众的审美体验。
无论是在艺术创作上还是在日常生活中，音乐与美术的融合都能够为人们带来独特的艺术魅力和情感共鸣。
通过不断探索和创新，我们可以进一步挖掘音乐与美术融合的潜力，为人们呈现更加精彩纷呈的艺术世界。
浅谈美术与音乐之间的关系作者：杨永芳来源：《中学课程辅导·教师通讯》2016年第03期美术作品是让人们观赏的，一幅好的美术作品往往是形神兼备，当人们看到这样的画时，可以透过表面的形，领略到背后的神，仿佛感受到了一种心旷神怡的调子，这种调子富有诗情画意，能够扣动人们的心扉，使人们在享受美的同时，受到启迪，久久不能离去。
音乐是给人听的，一部好的音乐作品，让人享受优美音乐过程中，仿佛看到一幅动人的画面，能够唤起人们对美好往事的回忆，引起人们对美好未来的憧憬。
这样看来，各类艺术之间并不是孤立的，而是相互影响、相互流通、相互渗透的。
一、美术与音乐的“互通关系”1.从艺术发生学的角度看，美术和音乐艺术形态具有原本混合性艺术最初是所有形式艺术的综合，没有具体的分类，各种形式的艺术相互融合，相互流通，浑然一体。
随着人类社会的进步和发展，艺术自身也得到了发展，原来融为一体的艺术进行分化，分化成不同形式的艺术领域，形成各自鲜明的特征。
例如：古老的中国皮影戏就是将美术、音乐、戏剧、舞蹈、民间文学综合为一体的艺术形式，形成独特的艺术风景。
又如《雏鸡之舞》《古堡》等等，作曲家通过栩栩如生的音乐，将故事画面复活起来，使欣赏音乐者如同身临其境，一幅幅画面仿佛就出现在欣赏者的眼前。
这些都反应出艺术创作的本源是相互融合和相互流通的。
2.从艺术类型学的角度看，美术、音乐艺术形式具有内在融通性当我们透过现象，深入了解不同形式的艺术的本质，就会发现不同形式的艺术，实际上有着类似的地方，有着紧密的联系。
例如：我们在欣赏一幅画面的构图、线条和色彩时，就会感觉到音乐的旋律、曲式和节奏的流动；我们欣赏优美的音乐时，也会联想到生动形象的画面。
美术和音乐有着不可回避的融合性和互通性，而艺术深层的“心理结构图式”正是美术和音乐融合性和互通性的基本因素，这就是我国古代艺术领域的一个重要的概念——“意境”。
3.从艺术心理学的角度看，美术、音乐艺术通感具有视听联觉性人的各个感觉器官不是孤立的，它们都是感觉器官的分支，有时候多少能相互代替一点，一个感觉器官响应了，另外的感觉器官会产生共鸣。
美术和音乐的互通关系“综合”体现了现代教育的一种发展趋势。
随着教育改革逐步深化,美术课堂融入背景音乐已成为美术教育的时尚手段。
然而在实际的使用中,必然会引发关于美术教学中为何要引入背景音乐、引入背景音乐是否有令人信服的理由、如何选编背景音乐等等之类的问题。
对于这些问题,笔者认为首先要从文化的视角探寻音乐和美术辉映益彰的“互通”因素。
只有深刻领会其内在缘由和重要性,才能踏实积极地加以运用。
一、追踪溯源,阐释美术和音乐密切的“互通”关系1.从艺术发生学的角度看,美术、音乐艺术形态具有原本混合性在人类最初诞生时期,艺术的范畴是所有形式艺术之和,各种艺术互融共通,浑然一体。
后来,随着社会的进步和艺术自身的发展,原来融合在一起的艺术逐渐分化,并形成鲜明的个性特征。
前苏联着名美学家莫?卡冈在《艺术形态学》中就明确指出原始文化所具有的混合性和体裁、种类、样式结构的不确定性。
德国着名美学家玛克斯?德索在《美学和艺术理论》中也有类似的表述:“亚当?史密斯认为舞蹈标志着艺术的起点,尤其是集体舞蹈须有节奏,所以在舞蹈之中和舞蹈之处也许先是音乐,接着便是诗歌得到了发展,而舞蹈的模仿力也许被转移到那种在材料上幻想出造型形状和轮廓画的运动上去,绘画也就随之产生。
”在中国,古老的皮影戏就综合了戏剧、音乐、舞蹈、美术、民间文学等多门艺术,形成了一道独特的艺术风景。
再如,音乐大师贝多芬把第六交响曲冠名为《田园》,在第一乐章上标上了“到达乡村的愉快感觉、溪畔小景。
”很明显,大师在这里试图使乐曲的表现性具有客观描绘的功能。
正如大师自己所言:“当我作曲时,心里总是描绘着一幅图画,并顺着那个轮廓前行。
”更直接的例子还有:19世纪60年代俄国“五人强力集团”代表作曲家穆索尔斯基,为纪念他的朋友———画家哈特曼,从哈特曼大约400幅画中挑出10幅,分别谱写成钢琴曲,并以画作的名字命名。
如《古堡》、《牛车》、《雏鸡之舞》、《基辅城门》……作曲家栩栩如生的音乐幻想,将画面的故事复活起来,成为闻名世界的标题音乐。
初中美术与音乐知识点归纳美术和音乐是初中阶段非常重要的艺术学科。
通过学习美术和音乐，学生们可以培养审美能力、创造力和表达能力。
下面将对初中美术与音乐的知识点进行归纳介绍。
美术知识点归纳：1. 美术基本概念：线条、色彩、形状等美术元素及其表现方式是初中阶段学习美术的基础。
学生需要掌握不同线条的表现效果，如直线、曲线等，以及色彩的基本属性，如红、黄、蓝等。
同时，了解不同形状的特点，如圆形、方形、三角形等。
2. 创意与表达：学生需要通过美术作品表达自己的创意和情感。
创意包括观察事物、联想思维、独立思考等。
表达方式可以是绘画、雕塑、拼贴等。
同时，学生需要学会使用不同的材料和工具，如铅笔、颜料、画笔等。
3. 艺术欣赏：学生需要学会欣赏不同类型的艺术作品，如国画、油画、素描等。
通过欣赏优秀的艺术作品，学生可以培养审美能力和艺术鉴赏能力。
4. 传统文化与艺术：初中学生需要了解中国传统文化与艺术的基本内涵，如中国画、书法、剪纸等。
学生可以通过学习传统文化和艺术，培养对传统文化的热爱和继承。
音乐知识点归纳：1. 音乐基本概念：音乐的基本元素包括旋律、节奏、和声等。
学生需要了解不同乐器的声音特点，并学习基本的乐理知识，如音高、音长、音符等。
2. 声音赏析：学生应该学会欣赏不同类型的音乐作品，如古典音乐、流行音乐、民族音乐等。
通过对音乐的欣赏，可以培养感知音乐美、提升审美情趣。
3. 乐器演奏：初中学生有机会选择学习一种乐器，如钢琴、吉他、小提琴等。
学生需要掌握乐器演奏的基本技巧和乐谱阅读能力。
4. 音乐文化：初中学生需要了解不同国家和地区的音乐文化。
通过学习不同地域音乐，可以开拓视野，增长知识。
5. 音乐创作：学生可以通过学习音乐创作，培养自己的创造力和表达能力。
学生可以尝试编写简单的乐曲或作曲。
初中阶段，美术与音乐作为艺术学科，能够提升学生的审美能力、创造力和表达能力。
学生通过学习美术和音乐，不仅可以培养自己的情感认知能力，还能够拓宽视野，增长知识。
美术与音乐的关系——赏析油画作品“协奏曲”的感悟李新泰安东岳中学李金彪泰安南关中学美术与音乐的关系——赏析油画作品“协奏曲”的感悟摘要：大多数人不能理解康定斯基的抽象音乐画，尤其是多数美术教师对其音乐画的理解也不到位。
新课程将美术与音乐合为一体，称为艺术课。
为了能最大限度地开发学生的创造潜能，提高学生的综合素质，就要实行跨学科的学习。
这首先要求美术教师提高自身的音乐素养，真正落实感悟美术与音乐的联系，感悟美术作品抽象的形式美感的教学目标。
关键词：康定斯基协奏曲感悟美术音乐联系李新泰安东岳中学李金彪泰安南关中学油画作品《协奏曲》（如图3），是俄国抽象派画家康定斯基的抽象绘画作品，选自2004年湖南美术出版社出版的义务教育课程标准实验教科书——美术六年级下册第５课《音乐会》。
该课第一句话——“读康定斯基的画，似乎在聆听色彩的欢歌。
”[1](P. 14)多么绝妙的描述啊！真想一睹为快！可是，当你真的面对康定斯基的作品时，你还会沉浸在如此美妙的语境中吗？你的态度会如何呢？你会对此说什么呢？可想而知。
多数人对康定斯基的作品不理解，甚至用尖酸刻薄的话来妄自评论。
如“这是什么画啊？瞎涂乱抹，白送给我都不要！”“这也叫画呢？大师的画啊？连小孩子都会画！”等等，针对大多数美术教师来说，他们对康定斯基的油画作品《协奏曲》理解也不到位。
难道大师康定斯基的作品离我们真的那么遥远吗？让我们如此不可思议吗？！其实，大师康定斯基的作品离我们并不遥远。
1现实生活中，人们常常根据自己的心情，在随意接触到的任何平面上，在无意识状态下，就随手画出了一些有意味的形式画，这些画虽然没有画出具体的事物形象，但是，它们却能表现出当时人们的内心世界，是人们的主观情绪的直接体现者。
我们把这种以表现人的主观情感为主、不具备任何具象形象的、有意味的形式画，叫做抽象画。
人们在作这种画时所表现出来的无意识，与大师的有意识作画有着共同的体验，构成情感的心理状态也是相通的，只不过是人与人之间有着不同的文化素养、审美趣味罢了。
这样看来，谁都能创作抽象画吗？答案是------不能。
因为抽象艺术具有自己独立的组织规范和语言方式，人们需要通过艺术的语言把自己的情感和观念表现出来，而不是任意的涂抹都可称之为抽象画的。
这要求人们不断地学习，了解抽象艺术，通过不断的审美实践，培养一种善于感受形式美的眼睛，才能创作出自己的抽象艺术作品。
对于大师的抽象绘画作品，我们可以从有意注意方面，先了解大师的创作意图，根据抽象绘画的语言法则，再去理解其作品，对作者及作品做出客观公正的评价，如此先思后议，不就变的可思议了吗。
对于大师的抽象绘画作品《协奏曲》，大多数人不能理解的原因是多方面的。
经过实践总结，我认为主要有以下五方面的因素。
一、我们对于画家没有真正的了解。
二、我们对于抽象绘画的理解及认识不够深。
三、我们对于音乐知识知之甚少。
四、我们对于音乐与美术的结合之处还处在迷茫状态。
五、怎样看待一件美术作品的艺术价值还有待自我提高认识。
人们对以上五方面的知识了解透彻了，对于大师的抽象作品的理解，就变的容易多了。
尤其是美术教师更应该掌握以上方面的相关知识，才能驾驭本课，才能更好地引导学生理解大师的抽象绘画作品。
本课是新课程标准对广大美术教师提出的一种新的挑战，它促使广大美术教师不断求知，打破学科界限，融汇各学科知识，以便更好地提高学生的综合素质及解决问题的综合能力。
对于初级中学的学生，尤其是还没有积累太多音乐知识和色彩构成知识的初一年级的学生来说，欣赏康定斯基的抽象绘画作品《协奏曲》有些难度。
假设编写教材的专家能同时考虑到音乐课与美术课的进度，把《音乐会》这一课编写入现在的初三美术教材中（因为，现在初三年级的音乐教材，正好接触到协奏曲、乡村音乐等知识），学生学起来则更容易接受。
这种想法是我与音乐老师共同探究的结果，不知是否有借鉴之处？在学习本课时，我认为从以下几个方面来考虑，能更好地落实感悟美术与音乐的联系，感悟美术作品抽象的形式美感的教学目标。
首先，提高美术教师的音乐素养。
欣赏音乐有三个层次，依次是官能的欣赏、感情的欣赏、理智的欣赏。
[2](P.1)官能的欣赏主要满足于听觉（即悦耳），是对音乐比较浅显的认识，平时美术教师对音乐的欣赏属于官能的欣赏。
对一部音乐作品，要在全面认识、理解的基础上，再进行绘画创作，以求获得完美的艺术享受时，对音乐还必须进入感情和理智的欣赏。
这就要求美术教师应该了解相关的音乐知识，如音乐的发展历程，著名音乐家的创作个性及代表作品，音乐作品的曲式、体裁，民族特征，标题内容，作者和作品的时代背景，音乐语言及表现功能等。
知道有那些常用的乐器，并了解不同乐器的性能等。
美术教师对绘画作品要有敏锐的整体把握审美感觉的能力，对音乐作品的欣赏，同样要有听力审美感觉的敏感，即对音乐音响及其艺术结合、音乐形式结构的总体感觉。
不但要能敏锐感觉音高、节奏、力度、音色等等个别的音乐要素，且能从总体上把握它的整个结构，把握一首完整的乐曲——它通过各个乐段、乐章传达的基本情调和情绪。
[3](P.186)美术教师要将理解融入对乐曲本身的感知、情感体验中，使音乐欣赏在理性精神的指引下，达到更高层次。
目前，部分美术教师的音乐知识匮乏，音乐欣赏水平只处在官能欣赏的阶段。
由于他们的音乐素养低，对于《音乐会》这一课的教学难点，一些美术教师在课堂教学上就不能够指导学生进行突破，对出现的知识点也一带而过，避口不谈。
如赏析康定斯基的油画作品《协奏曲》，什么是协奏曲？协奏曲有何特点？在画面中，画家为什么这样组织点、线、面、色彩？美术语言中的点、线、面、色彩、构图等要素，它们是怎样表现《协奏曲》的？它们与音乐语言中的旋律、节奏、音色、速度、力度、调性等要素在油画作品《协奏曲》中是如何对应体现的？从油画作品《协奏曲》中，你能听到几种乐器在演奏？这不同的乐器演奏协奏曲时，表现出何种风格，体现出什么特点？以上问题老师不引导学生解决的话，学生就不能充分地感悟音乐和美术的联系，教学目标就不能实现。
二、美术教师要了解音乐与绘画的发展历程，了解它们在发展中互相影响，互相渗透，互相对应，相得益彰的关系。
如文艺复兴时期绘画呼吸着自由的空气时，音乐也正努力摆脱它身上的桎梏，争取审美意义上的真正独立；十九世纪的新古典主义画派和二十世纪二十年代盛行的新古典主义音乐都主张艺术应该回到“古典”中去，都讲究均衡完美的结构形式；十九世纪蓬勃发展的浪漫派音乐与浪漫派绘画都具有极强的抒情性，作者都注重个性的发展；受印象主义绘画的影响而出现的印象主义音乐，其调性迷离扑朔，旋律片断零散，在配器上力图精致纤细，调节着音乐丰富的明暗层次和浓淡色彩，在朦胧的光色之中表现物体的气氛和情调，就如色彩斑斓的印象派绘画中的点彩画呈现到人的面前一样。
我们可用变幻莫测的光色表现迷离恍惚的音乐语言，如用光色的强弱表现音响的强弱，用光色的明暗表现音色的浓淡，用光色的象征性、色性表现音乐欢快、悲伤的主题，用小色块的疏密表现节奏的变化。
20世纪初，从艺术家的实践中发现，美术的形式可以通过表现性的处理提升为自为的抽象艺术形式；既然音乐可以通过没有具体形象的声音而为人们所接受，美术为什么就不能用纯粹的色彩和形式来组成具有审美意义的画面呢? 这两种认识共同促成了20世纪抽象艺术在西方的形成。
[4](P.25)康定斯基创始抽象绘画的目的是实现“绘画音乐”的梦想，企图从抽象的画面中流淌出音乐的旋律。
他已推倒绘画和音乐之间的栅栏，而把纯粹的情绪孤立了起来，抽象为一种“情感的艺术”。
他运用纯粹的点、线、面、色彩获得抽象的艺术形式，从而实现纯音乐式的构成，通过色彩拨响人们心灵的弦，振奋人的精神。
三、美术教师要了解学生对音乐知识的掌握情况，然后，根据学情因材施教。
在教学中，我们需要让学生知道，用绘画形式表达音乐，必须首先要理解音乐，掌握音乐，这样才能画出富有音乐感的绘画作品。
通过对初一年级学生的调查，知道他们还没有积累足够的音乐知识。
在学习本课时，许多美术教师把主要精力和时间放在组织学生听不同的乐曲和即兴做画上，却没有对这些乐曲进行全面、透彻的分析，这种教学方式只能导致学生画出肤浅的、没有个性的、杂乱无章的线条画，或一道道“心电图”，或将音乐画描绘成具体图景，将带有虚幻性的音乐意象，解说为现实的实在物象，取代由音乐引起的真正审美性质的心象——一种精神心理构成，那将严重损伤乐曲本身的艺术价值，歪曲破坏了乐曲本身具有的层次性、丰富性的种种元素，[5](P.194)我认为这种教学是失败的。
因为，在这种教学方式下，学生只是从表面形式上快乐地体验了一次音乐与绘画的结合，其二者结合的内在本质与形式美的规律，学生却无从领会。
对于一堂美术课，不可能过多地展开对音乐的学习，为了课堂上节省时间，也为了不使美术课变性，更是为了本课的教学目标能落到实处，我们可以在课前先让学生查找、预习本课涉及到的音乐知识，然后，再拿到美术课上与抽象绘画一起探究。
四、在音乐艺术世界里，中外作品浩如烟海，音乐家众如繁星，在45分钟的一堂美术课里，有选择地欣赏中外优秀的乐曲，进行比较分析，显得非常必要。
对照欣赏，如中国革命音乐开路先锋聂耳创作的国歌《义勇军进行曲》与法国大革命时期的革命歌曲《马赛曲》，使学生了解不同国家的音乐，其激励人的斗志的情感效应是相同的，但是，不同乐曲有不同旋律和节奏组成，与之对应的点、线、面、色彩等构成的画面就会千变万化；中国民间音乐家华彦钧(阿炳)作曲并演奏的二胡曲《二泉映月》与美国著名作曲家格什文的管弦乐曲《蓝色狂想曲》，使学生体会前者民族器乐的特色，感悟一位包尝人间辛酸和痛苦的盲艺人，他那激动的情绪与高昂的斗志，后者体会那无人驾御的思想和情感；钢琴独奏曲《花鼓》与舒曼的《a小调钢琴协奏曲》，使学生体会前者鲜明的民族风格和欢快的画面，后者充满热情、信心和不屈不挠的斗争精神。
可使学生在了解国外的音乐风格时，又能了解本民族的音乐特色，更重要的是增强了民族自豪感，培养了爱国精神和健全完善的人格。
但是，有些教师一味地让学生欣赏国外的乐曲，虽说音乐无国界（被誉为第二种世界语），我们也应该了解本民族优秀的传统文化，继承并发扬。
人类构成感情的心理状态是基本相通的，当我们从音乐的音响中感受到情感刺激时，会情不自禁地联想到生活中经历的相似情景，从而深化这种情绪，下意识的把自己置身于这种情感之中，并当作自己的情感接受下来，然后，运用纯粹的点、线、面、色彩等美术语言，根据抽象的艺术形式，进行抽象绘画创作，实现纯音乐式的构成。
由于各人的生活经历、情感表达、文化水平、音乐素养、美术素养等等的不同，对音乐的情感效应是因时而异、因地而异、因人而异。
因此，对教材中电脑绘画表现的音乐感受，学生是众说纷纭，各持己见。
