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汪立三钢琴作品《涛声》演奏技巧作者：姜华来源：《艺术教育》2013年第12期【内容摘要】汪立三的钢琴作品《涛声》在中国钢琴作品中体现了传统的调性，也引用了国外音乐的调性。
怎样用现代的钢琴演奏技巧来诠释这首作品，使其既能体现作曲家的真实想法，又能表现出中国作品特有的外在表现力，是值得我们探讨的问题。
乐曲的创作来源于作曲家对画卷的感触，文章主要探讨用什么样的演奏技巧能表现出作曲家的情感，更贴近画家的画意，才能使作品的声音表现力经久不衰。
【关键词】《涛声》主题演奏技巧汪立三的钢琴作品创作，为中国近现代的钢琴音乐发展做出了很大的贡献。
他善于将中国的传统音乐与国外音乐相结合，既能体现出中国的民族调式特点，又能在创作中运用现代的作曲技法。
《涛声》这首作品选自钢琴组曲《东山魁夷画意》，这套作品是作曲家看到日本画家东山魁夷的画卷有感而发创作的。
《涛声》这首乐曲，是描写鉴真和尚东渡日本，宣扬佛法的情境。
这首乐曲整体分为鉴真主题、渡海主题、登殿主题几个部分。
一、鉴真主题素材来源于佛教音乐，意在刻画鉴真和尚坚定、高尚的品质。
这个部分17小节，根据音乐的语气来表达不同的色彩，可以大致分成三个短乐句。
乐曲在一开始的前4个小节，运用了两个一样的音型节奏构成旋律。
最为显著的特点是出现的六十四分音符和四行谱号。
二行高音谱号，二行低音谱号，跨度较大的音域，体现了这一主题宏大、坚定的主旨。
音符是从高音小字三组、小字四组的位置开始的，而低音的背景音乐在大字一组、大字二组形成强烈的音区对比。
在弹奏的时候，高音谱号上虽然加入了六十四分音符，也要把这个“快”时值的音符声音交代清楚。
整个乐曲开始的弹奏框架是高音的八度和弦，结实有力，双臂的力量带动身体的力量是向键盘“上”方运动的，也就是触键时只要一达到结实的声音，胳膊就要迅速“带起来”。
这样带起来的目的是为了低音谱号的和弦，力量的方向是为“放下来”做准备的。
低音触键之后力量还要继续延续，保持拍子之后再循环重复往下弹。
美术与音乐的互通关系“综合”体现了现代教育的一种发展趋势。
随着教育改革逐步深化,美术课堂融入背景音乐已成为美术教育的时尚手段。
然而在实际的应用中,必然会引发关于美术教学中为何要引入背景音乐、引入背景音乐是否有令人信服的理由、如何选编背景音乐等等之类的问题。
对于这些问题,笔者认为首先要从文化的视角探寻音乐与美术辉映益彰的“互通”因素。
只有深刻领会其内在缘由与重要性,才能踏实积极地加以运用。
一、追踪溯源,阐释美术与音乐密切的“互通”关系1.从艺术发生学的角度看,美术、音乐艺术形态具有原本混合性在人类最初诞生时期,艺术的范畴是所有形式艺术之和,各种艺术互融共通,浑然一体。
后来,随着社会的进步和艺术自身的发展,原来融合在一起的艺术逐渐分化,并形成鲜明的个性特征。
前苏联着名美学家莫?卡冈在《艺术形态学》中就明确指出原始文化所具有的混合性和体裁、种类、样式结构的不确定性。
德国着名美学家玛克斯?德索在《美学与艺术理论》中也有类似的表述:“亚当?史密斯认为舞蹈标志着艺术的起点,尤其是集体舞蹈须有节奏,所以在舞蹈之中和舞蹈之处也许先是音乐,接着便是诗歌得到了发展,而舞蹈的模仿力也许被转移到那种在材料上幻想出造型形状和轮廓画的运动上去,绘画也就随之产生。
”在中国,古老的皮影戏就综合了戏剧、音乐、舞蹈、美术、民间文学等多门艺术,形成了一道独特的艺术风景。
再如,音乐大师贝多芬把第六交响曲冠名为《田园》,在第一乐章上标上了“到达乡村的愉快感觉、溪畔小景。
”很明显,大师在这里试图使乐曲的表现性具有客观描绘的功能。
正如大师自己所言:“当我作曲时,心里总是描绘着一幅图画,并顺着那个轮廓前行。
”更直接的例子还有:19世纪60年代俄国“五人强力集团”代表作曲家穆索尔斯基,为纪念他的朋友———画家哈特曼,从哈特曼大约400幅画中挑出10幅,分别谱写成钢琴曲,并以画作的名字命名。
如《古堡》、《牛车》、《雏鸡之舞》、《基辅城门》……作曲家栩栩如生的音乐幻想,将画面的故事复活起来,成为闻名世界的标题音乐。
的重要元素，两个艺术元素具有联觉对应关系。
一般而言，大调式欢快明亮，具有红色、黄色的暖色调特点；小调式忧郁暗淡，与蓝色、灰色的冷色调有对应关系。
和声调式通过不同色彩对个人心理和生理产生影响，具有情感的属性。
《涛声》可分为6个部分，分别为“鉴真主题”（1-17小节）、“渡海主题”（18-31小节）、连接部（32-38小节）、“第二次渡海主题”（39-56小节）、连接部（57-76小节）、“第三次渡海主题”（77-103小节）、“鉴真主题华彩乐段”（104-112小节）、“登殿主题尾声”（113-127小节）。
作曲家根据画意，对这一乐章做了精心构思，巧妙地将中国佛教音乐与日本民族音调运用在不同主题中。
中国的民族调式以五声音阶为基本调式，按照纯五度的音程关系构成。
由于没有F和B这两个不稳定的音，同时也没有尖锐的三整音，五声调式听起来更为协和、悦耳，表现为大调式的欢快明亮，呈现出红色、金黄色色彩。
日本都节调式虽然也属于五声调式，但与中国五声调式不同，这一调式包含一个小二度，听起来更接近欧洲自然小调，所以呈现出蓝色、灰色色彩。
首先，汪立三先生选取了中国佛教音乐曲调——重庆佛乐“香花清”作为《涛声》开始的主题素材（1-4小节），表现了鉴真庄严肃穆、高贵神圣的形象。
同时，为了表现唐招提寺钟鼓齐鸣、佛光照耀的艺术形象，作者还选取了佛教音乐“等宝殿”、又名“请圣”曲牌第一小节的音乐材料，用在全曲高潮（113-127小节），塑造了鉴真登上神圣殿堂的光辉形象，并呈现出普天同庆的热闹氛围。
其次，为了体现出日本风格，汪立三先生巧妙运用了日本民族的“都节调式”，即“mi-fa-la-xi-do-mi”，象征着鉴真法师东渡日本的进程。
（二）旋律与线条音乐是时间的艺术，在流动中展开。
旋律在流动的时间里赋予音乐独特的灵魂和情感表达。
听者在欣赏一首音乐时，往往最先感受到的音乐元素便是旋律。
旋律犹如一支时间的画笔，在不同音高位置上勾勒出音乐线条，并且听者可以通过旋律的抑扬顿挫和高低走向去感受音乐所表达的内涵。
2016.06美术与音乐间的相互渗透与融合,是现代教育的新理念,也是现代美术课程改革的主要趋势之一,同时也是新的课程改革的一个有力尝试。
一幅优秀的绘画作品能给人以美的享受,从画面的色彩、线条、结构中感受到音乐般的韵律和节奏;而一部优秀的音乐作品同时也是一幅美丽的图画,他用音符做色彩,用旋律做线条,画出一幅用心灵去感受的心灵之画。
因此,音乐和美术的相,互渗透和相互融合将是一个多美妙的感受。
一、美术和音乐的相互融合有利于在美术教学过程中提高学生的艺术感染力艺术是人类表达和交流思想情感的一种语言,这种情感是艺术创作的主要动机和源泉,同时情感是艺术的灵魂,艺术的一切活动都受到特定情感的支配;艺术的感染力则能够使欣赏者、作者、生活三者之间互动起来,让人内心产生共鸣。
长久以来,许多画家和音乐家都试图从彼此的艺术形式出发,探索彼此不同的创作灵感和激情。
美国著名近代画家惠德勒,一生都试图把绘画艺术与音乐艺术巧妙地结合为一体,如把作品《白衣少女》称为《白色交响曲第一》,《茫茫之夜》称为《夜曲》等等;在他的绘画作品中还有许多直接用音乐术语和素材命名的画作。
二、美术和音乐的相互融合有利于学生进一步理解艺术的共通性色美以感目,音美以感耳,意美以感心,这一点正是对于美术之美和音乐之美通过视觉、听觉等不同感官的作用发生心灵感动而谈的。
音乐和美术以不同的表现形式分别作用与人的听觉器官和视觉器官;但是,这两个同属艺术门类的姐妹花,因存在的共性而彼此联系,相互渗透,相互影响,使人们产生的审美感受,及内心产生的共鸣是相同的。
中国古人认为画通音乐、寓乐于画,所以画中有乐是一样的;在一些抽象的绘画中,点、线、面、明暗、色彩等视觉要素的组合会使人产生类似于欣赏音乐作品时,由于音符和节奏的不同组合所产生的某种音乐感。
这种感觉被称为艺术的通感,即艺术地相通性。
19世纪末的印象主义音乐家德彪西所创作出的音乐作品《月光曲》与印象派大师莫奈《日出?印象》就是艺术互通性的最好表现。
研究计划——美术课如何和音乐互融音乐和美术以不同的表现形式分别作用与人的听觉器官和视觉器官，但他们因存在的共性而彼此联系，相互渗透，相互影响，使人们产生的审美感受，及内心产生的的共鸣是相同的，如：节奏、韵律等形式美共有；审美意境的和谐美共有；教育功能共有等。
我认为这种融通性使美术教学中融入背景音乐成为可能，这对于提高学生艺术感悟力、培养学生的探知欲及提高绘画表现能力有很大的益处。
首先，美术和音乐的互融有利于在美术教学过程中提高学生的艺术感染力长久以来，许多画家和音乐家都试图从彼此的艺术形式出发，探索彼此不同的创作灵感和激情。
美国著名近代画家惠德勒，一生都试图把绘画艺术与音乐艺术巧妙地结合为一体，如把作品《白衣少女》称为《白色交响曲第一》，《茫茫之夜》称为《夜曲》等等；在他的绘画作品中还有许多直接用音乐术语和素材命名的画作，如：《钢琴房》、《小提琴》、《二重唱》等。
当我们欣赏这些作品时，往往会被画中因为各种视觉要素的不同组合所产生的或强烈、或舒缓、或沉重、或轻松的感受中所包含的节奏和韵律所感染，从而增强学生对画作的理解，增加了审美经验，拓宽了审美视野，提高了学生的艺术感悟力。
其次，让学生进一步理解美术与音乐的共通性色美以感目，音美以感耳，意美以感心，这一点正是对于美术之美和音乐之美通过视觉、听觉等不同感官的作用发生心灵感动而谈的中国古人认为画通音乐、寓乐于画，所以画中有乐是一样的；在一些抽象的绘画中，点、线、面、明暗、色彩等视觉要素的组合会使人产生类似于欣赏音乐作品时，由于音符和节奏的不同组合所产生的某种音乐感。
这种感觉被称为艺术的通感，即艺术地相通性。
正是这种美术和音乐的相通性，两种不同艺术形式的相互交织，让我们进入到生动激情，美妙幻想，崇高追求或深沉的理性思维之中，感受到艺术世界的无穷无尽。
最后，美术与音乐的互融有利于提高学生的绘画表现能力作为一名美术教师，在人教版初中美术教材八年级（下）《艺术表现的深层意蕴和审美价值》这一课中对“音画交融”这一话题进行了一些实践，为了让学生亲身体验不同心境下音乐作品和美术作品的情感表现力，我进行了“听”音乐，“画”音乐的练习，比如：听钢琴曲《献给爱丽丝》、钢琴曲《命运交响曲》，用线条画出自己的感受和体会；听德彪西《大海》欣赏莫奈的《日出·印象》，用贝多芬《第五交响曲》去欣赏康定斯基的《第七乐章》。
音乐与美术的通感本文作者：黄继文单位：湖北美术学院美术学系众所周知，美术与音乐起源于艺术并同属于艺术，是我们人类艺术的两大学科。
从理论上来说它们似乎是两种殊不相关的艺术，音乐是通过音响诉诸人们的听觉感官，是听觉、时间艺术，美术是通过线条和色彩诉诸人们的视觉感官，是视觉、空间艺术。
但是在现实的艺术活动中，所谓音乐中的画面和绘画中的音乐感，往往是艺术家们经常谈论的问题。
比如：美术中的术语“色彩”一词经常作为音乐用语出现在音乐理论文章中；音乐中的术语“节奏”一词也往往作为美术用语出现在美术理论文章中。
人们在欣赏、谈论艺术作品时，也常常会说，这首乐曲简直像一幅美丽的风景画，或者说，这幅画简直像音乐一样迷人。
艺术理论家们认为这些描述并不单纯是一种文学性的描述或比喻，而是在长期艺术实践和艺术感受中形成的一种感性的艺术经验。
这种经验表明了音乐与美术之间存在着某种联系通感，一个是有形无声，一个是有声无形，两者联系紧密，相互协调，相得益彰。
首先，人们认为，音乐中的旋律是以时间为画笔在不同音高位置上勾画出来的线条。
这一认识很恰当地说明了音乐中抽象的旋律线与美术中组成具体可见形象的线条基本的关系，也证实了音乐与美术间的那种通感。
正因为如此，抽象派的美术作品十分地接近于音乐，作品中的点、线、面仿佛都是在向人们歌唱。
如俄国画家康定斯基（WKandinsky）就是用点、线、面的组合、构成，参照音乐的表现语言用绘画来传达观念和情绪的鼻祖。
他倡导美术应成为视听联觉的产物并始终把绘画看成是一种唤起听觉的“内在音响”，主张从听觉角度来体会绘画的色彩。
例如，他认为“黄色——像喇叭或大鼓”、“蓝色——类似笛子、大风琴或大提琴”、而“紫色——如同英国号”。
他在《论艺术中的精神》（ConcerningtheSpiritualinArt）和《点、线、面》（PointandLinetoPlane)等著作里都阐述了类似观点，从而奠定了用音乐来影响绘画的美术抽象主义理论基础。
对涛声依旧歌曲的评价1. 《涛声依旧》就像一壶老酒，越品越有味道。
每次听到那熟悉的旋律，就仿佛回到了过去的某个小镇，街边的路灯昏黄，有个人在轻声哼唱着这首歌。
我就想啊，这歌怎么就这么神奇呢？就像有一种魔力，能把人的心一下子就拉到那些充满回忆的地方。
你有没有过这种感觉呢？比如在一个下着小雨的夜晚，收音机里传出这首歌，你是不是也会突然愣住，思绪飘得老远？2. 我觉得《涛声依旧》是一首特别深情的歌。
那歌声就像一条缓缓流淌的河流，流进人的心里。
记得有一次在同学聚会上，这首歌一响起，大家都安静了下来，眼神里都透着一种回忆的温柔。
好像歌里唱的不是简单的歌词，而是我们每个人心中藏着的故事。
这歌啊，难道不就是我们情感的寄托吗？就像把自己的过去都打包进了这首歌里，每一个音符都是一段回忆的密码。
3. 《涛声依旧》在我心里就像一位久违的老友。
每次听到，都感觉像是老友突然来访，带来满满的温暖和熟悉感。
有一回在长途旅行的车上，音响里播放着这首歌，旁边的陌生人也跟着轻轻哼了起来。
那一瞬间，我就明白了，这首歌的魅力就在于它能打破陌生人之间的隔阂，就像一阵温暖的春风，吹过每一个人的心田。
这歌是不是有一种让人心灵相通的力量呢？4. 哇塞，《涛声依旧》简直是一首经典到不能再经典的歌了。
它的旋律就像是一幅古老的画卷，慢慢展开，展现出无尽的风景。
我曾经看到街头的艺人在演唱这首歌，周围围了好多人，大家都沉浸其中。
这歌就像有一种向心力，把大家聚在一起，就如同蜜蜂被花蜜吸引一样。
你说，这样的歌能不让人着迷吗？5. 《涛声依旧》是那种一听就会爱上的歌。
它的歌词就像是一首优美的诗，娓娓道来一个动人的故事。
我和朋友聊天的时候，说到这首歌，朋友激动得手舞足蹈，说每次听到都会想起自己的初恋。
这歌啊，就像一把钥匙，能打开人们心底最柔软的那扇门，让那些被尘封的情感一下子涌出来。
难道你不觉得这是一首充满魔力的歌吗？6. 我对《涛声依旧》那是相当有感情。
这歌的旋律就像夜晚的月光，洒在平静的湖面上，宁静而美好。
汪立三作品《涛声》的演奏与教学作者：高立丽来源：《艺术教育》2013年第12期【内容摘要】《涛声》是汪立三创作的钢琴组曲《东山魁夷画意》中的第四首，乐曲取材于日本画家东山魁夷为奈良唐招提寺所画的一幅描写我国高僧鉴真和尚东渡日本的障壁画。
文章从乐曲的创作特点、弹奏要点和绘画蕴含等方面进行了论述。
【关键词】《涛声》创作特点弹奏要点绘画蕴含一、作品的创作特点和弹奏要点《涛声》的音乐创作受到穆索尔斯基、德彪西、拉威尔等作曲家的影响，没有过多地考虑如何写景，而是着重从绘画中获取灵感，去表现一种新的意境及作者自己的感受。
乐曲分为五个部分。
第一部分，鉴真主题（第1至17小节），以极为缓慢的速度开始，主题由双手很响亮的八度和弦形式表现出来。
鉴真主题的素材来源于中国佛教音乐曲调《目莲救母》，代表了鉴真庄严、神圣、高贵的音乐形象（谱例1）。
谱例1：这一部分的弹奏需注意的是，高音区的八度和弦演奏时须一触即发、力量通畅，发挥钢琴高音区晶莹剔透、金属般的声音，此段的弱奏应多用手指肚摸键，下键要缓慢，以营造出一种庄严肃穆的神圣气氛。
第二部分，渡海主题（第18至31小节），采用了四个声部的复调性写法，旋律以十六分音符组成的六连音为音型，具有鲜明日本民族特色的五声调式“都节调式”象征东瀛海面的汹涌波涛，表现出一幅气势磅礴、庄严肃穆的音画。
这一段的演奏要注意四个声部的协调处理，高声部十六分音符的六连音每个音要连贯，作为一种背景音乐只需贴键，轻拂琴键，随着旋律起伏而起伏。
整个段落不要演奏得过强、过快而产生慌乱感。
在前两部分中，中国佛教音乐曲调《目莲救母》素材与日本“都节调式”的运用，巧妙地表现了《涛声》的思想真谛和精神内涵，得到了日本现代音乐协会委员长广濑量平的高度评价，称之为具有世界性、富于创新精神的杰作。
第三部分（第32至38小节），为连接段落再次出现了渡海主题。
第38小节的突然降弱使音乐由高潮部分戛然而止，表现得更加扣人心弦。
从《涛声》谈音乐与美术教学的内在联系在艺术的圣洁殿堂中，曼妙的音乐与瑰丽的美术如同两道美丽的彩虹并驾穿梭其中。
遥望上世纪初，音乐与美术只是学堂中的一门“随意科”，只要“随意”一位教师有些许艺术功底便可教授此课程。
然而，时过境迁，在当代的中小学教育中，美术与音乐这两门课程已在千万中小学的课堂中各自独立。
与此同时，音乐与美术这两门学科在教学中互相融通的特点业已引起了许多教师的关注。
将这一特点运用到教学之中，能够增强学生综合艺术素质的培养，这对于我们现行的艺术教育是大有裨益的。
在古今中外浩如烟海的音乐作品中，我们常常能在其中找到美术的斑斑踪影。
我国现代著名作曲家汪立三先生的钢琴作品《涛声》就是其中的一首。
汪先生在这部作品中，神乎其神地把画作《涛声》中的意境，用音乐的语言惟妙惟肖地展现了出来，为我们探讨音乐与美术教学的内在联系提供了一个极好的例证。
《涛声》的原画作出自日本著名风景画家东山魁夷之手。
东山魁夷早年留学欧洲，北欧的崎山峻岭、峡谷风情给予了他对于色彩的最初触动。
《涛声》是以东山魁夷最钟爱的蓝色为主调的，他对色彩的理解有自己的独到之处。
在东山的一篇以蓝色为题的散文中，他这样写道：“蓝色是精神与孤独、憧憬与乡愁的颜色，表现悲哀与沉静，传达年轻的心的不安与动摇。
蓝色又是抑郁的颜色，蕴藏在内心深处而不可达到的愿望的颜色。
蓝色又颇似颓废和死亡的诱惑。
”在这段感情浓郁的文字之下，我们似乎能看到画家徜徉
在蓝色世界之中的广阔情怀。
在《涛声》这首钢琴作品中，有三个连绵不绝的“渡海主题”。
鉴真六次渡海，前后十二载才成功抵达日本，这样坚毅的精神在这三个主题中，好比画作中那一叶孤舟与翻腾的浪花作着顽强的对抗，海浪，铺天盖地席卷而来，一浪比一浪来势汹涌，船儿却永不停歇，勇往直前。
作曲家在此时选择用日本都节调式来刻画此时的情形。
都节调式是日本民族的传统调式，有如中国的五声调式，它也是由五个音组成的，分别是：e-f-a-b-c。
这个调式与欧洲的自然小调相近，中间有两个小二度音程，将它运用于鉴真渡海的主题中，大海那狂风乱作、阴郁晦暗的场面就跃然其中了。
前面提到，画家东山魁夷将最钟爱的蓝色运用到了巨幅画作《涛声》之中，其中对色彩的考虑与汪立三在乐曲中对音色的考虑如出一辙，不谋而合——都采用了抑郁的色调去表现大海和鉴真此时的心情。
美术与音乐的色彩表现在此时做到了高度的统一性。
“色彩”本来是一个美术术语，但同样可用在音乐中。
在画作《涛声》中，色彩让我们目睹了一幅如音乐般跌宕起伏的画卷；而在乐曲《涛声》中，“音响色彩”让我们在聆听音乐之时，仿佛在慢慢推开一幅庞大的画轴。
俄罗斯画家康定斯基曾这样阐述美术色彩与音乐色彩的关系：“色彩如此关键，眼睛好像音槌，心灵仿佛是绷紧的钢琴的手，它有目的的弹奏各个琴键来使人的精神产生各种波澜的反响。
”不同情绪的音乐带给我们的色彩感也是不同的：在《涛声》中我们找到的色彩是抑郁的蓝色；在热情洋溢、充满激
情的乐曲中，我们会找到浓烈的红色……音乐中色彩的感觉因人而异，它蕴含在音乐中的每一个音符里：作曲家沙巴涅夫认为c、d、e、f、b五个音相当于灰、黄、青、红、紫五种颜色；音乐家波萨克认为弦乐、人声与黑色对立，铜管、鼓与红色对立；木管与蓝色对立……
从《涛声》中我们可以看出，音乐与美术虽然属于两种不同的艺术形式——音乐是流动的，绘画是静止的；音乐只能用耳去听，绘画只能用眼去看……但是它们有共同的表达形式，那就是色彩的表现。
每一种色彩都是一种情绪的属性，多种色彩混合又能搭配出人世间的千姿百态。
我们应冲破音乐与美术之间的限制，着眼于这两门学科的内在联系，把握好它们的共同特点，让它们在教学之中互为表里，相辅相成。
这样做既拓宽了学生的艺术审美视野，也提高了课堂的生动性和趣味性，达到美育的目的。
但是两者在教学中的结合又应分清主次，不可喧宾夺主，一定要做到适时、适量地为学生提供引导和学习。
