西方音乐剧论文

2012年辅修课程音乐剧欣赏期末论文我眼中的西方音乐剧记得第一次看音乐剧，是在高中的时候，同桌上课的时候抱着MP3抹泪，跟她聊起才发现她看的是《茶花女》，其实对于《茶花女》，直到现在我也只是看过剧本，只是知道一个故事梗概而已。

后来在一些口耳相传的内容里听到了著名的音乐剧——《猫》仅此而已。

对于西方音乐剧初步的认识，也就是我浅薄的猜测。

西方的高雅艺术林立，也许音乐剧只是其中一个很小的部分而已，每一个剧目也许阐述着一个故事，就像中国的戏曲一样，如果说“音乐无国界”的话，那么我们也可以理解为戏曲也没有明显的界限，同一个故事，可以有不同的艺术形式来体现。

说到这里，就不得不说说《巴黎圣母院》这一经典剧目，这个剧目在西方的历史已经很久远了却依旧辉煌，为代代人所熟知。

然而我第一次接触的《巴黎圣母院》却是京剧版的。

这部京剧版的《巴黎圣母院》是著名京剧艺术家史依弘全力打造并且主演的，我很有幸的看到了她的现场演出，然而我去看这部戏的时候主要也是因为对京剧的喜爱，对《巴黎圣母院》本身没有太大的兴趣，但是也通过京剧所呈现的内容去思考了一下原著，只是遗憾一直没有机会去看歌剧版的经典。

我个人崇尚中国传统艺术多一点，对戏曲的喜爱更不是一点点，所以对于西方的艺术形式浅尝辄止，认为这与中国传统艺术大相径庭，并且确实是也没有机会去了解，所以本学期才选择了这门音乐剧欣赏的课程。

然而真的上了这门课程以后才发现，其实不仅仅是“音乐无国界”，整个艺术，都是没有国界的，所有的艺术表现形式都万变不离其宗。

本学期最享受的便是看了老师放的很多音乐剧，其中最喜欢的要数詹姆斯·拉派恩的《拜访森林》《拜访森林》汇集了格林童话中“杰克与魔豆”、“灰姑娘”、“小红帽”、“长发姑娘”四个脍炙人口的故事与角色，并套上讽刺剧的面纱而组成一个“成人童话故事”，其中蕴含的“教育”意为均以故事中的经验教训带出。

原本不相干的四剧主角们在作者巧妙的串联下，摄入对方的生活，原本童话中诉说的道理又一个接一个被推翻，整体剧情发人深省。

前夜的神秘与浪漫——简析《尼伯龙根的指环》的前夜开场地球与空间科学学院00812021 叶姮摘要：《莱茵的黄金》是理查·瓦格纳最伟大的歌剧《尼伯龙根的指环》的前夜开场剧，一个绝妙的揭幕。

本文试对此前夜剧做简析。

关键词：《莱茵的黄金》结构人物音乐动机一、有关此剧结构根据莱比锡彼得斯出版社的乐谱，标题为《莱茵的黄金——三联剧前夜》。

瓦格纳构思《尼伯龙根的指环》的结构是依照古希腊悲剧中常见的三联剧形态，即分三个夜晚进行三部相互独立但在故事情节上呈一定关联的戏剧的演出，比如爱斯库罗斯伟大的《俄瑞斯提亚》就包括了《阿伽门农》《奠酒人》和《善好者》。

按照瓦格纳的构思，《尼伯龙根指环》也将以这样的形式出现，第一夜为《女武神》，第二夜为《齐格弗里德》，第三夜演出《众神的黄昏》。

因此，《莱茵的黄金》并不算在正式的所谓三联剧中间。

然而，用三联剧去称呼《尼伯龙根指环》这样的作品显然有些生硬。

原因很简单，悲剧中的三联剧是顺序构思与创作的。

而众所周知，瓦格纳构思《尼伯龙根指环》是倒转过来的，即先构思和创作了《众神的黄昏》（当时被称作《英雄齐格弗里德之死》），随后才是《齐格弗里德》（《青年齐格弗里德》），可能就是在这个时候，瓦格纳才决定下如今的前夜与三联剧的结构。

之所以如此猜测是因为从故事情节上看，《莱茵的黄金》与《女武神》远不如《齐格弗里德》与《众神的黄昏》来得复杂。

但是《尼伯龙根指环》显然从古希腊的悲剧中间学到了很多东西。

其一是关于罪孽与诅咒的主题。

在希腊悲剧中，无意的过失往往出于诅咒，随后上升成罪孽，而罪孽将受到更大的诅咒，因而引起报复。

这样循环往复，弄出诸多悲惨与血腥，最后，天神的愤怒在流血之后得到平息。

就是在这样的过程中，古希腊人表达了他们对是非事件的认识，是中有非，似是而非等等人间百态尽露无遗。

其二则很可能是被瓦格纳称为“动机原则”的创作法。

当然，古希腊悲剧所使用的音乐如今已经无法考证，单凭那片小小的纸草我们也无法恢复当时的音乐形态。

音乐剧赏析论文音乐剧《悲惨世界》赏析法国人克劳德勋伯格根据法国文豪雨果的名著《悲惨世界》改编的同名音乐剧自从1985年上映之后就常演不衰，并且这部音乐剧与他自己的另一部音乐剧《西贡小姐》以及英国人安德鲁韦伯的《猫》和《歌剧魅影》并称为世界四大音乐剧。

《悲惨世界》的多数配乐都是以古典音乐作为基础的，虽然不知道什么是古典音乐，但还是很喜欢《悲惨世界》这部音乐剧。

然而无法现场亲身体验这部经典名剧实在是非常遗憾。

除了在课堂上欣赏过该剧后，我在课余时间又完整地看了两遍，每一次欣赏这部音乐剧都会给我深深地震撼。

虽然没有看过雨果的原著，但这部音乐剧通过视觉和听觉对我的冲击，让我深切地体会到了原作中所要反映的东西。

下面就就我印象最深的几个音乐片段谈一点自己的感受。

第一个触动我的音乐片段是《At the End of the Day》，描述的是工厂里有一个叫芳汀的女工，她的美丽遭到其他女工的妒忌；当她们看到芳汀因对老板的轻薄不从，而且得知芳汀有一个寄人篱下的私生女时，便以此为借口怂恿厂主将其开除。

这首曲子的节奏很快，演员们的词也都很多，但同样的曲调、同样的节奏在两类人的演绎下表现出了不同的感觉。

一类人就是那几个带头的女工，她们一人一句，歌词就像连珠炮似的从她们嘴里蹦出来，好像巴不得一口把芳汀吃掉，言语中透露出来的轻蔑、鄙夷，让人不禁对她们产生厌恶之情。

而她们几个人与跟风起哄的女工们的一唱一和——一句独唱一句合唱相间的安排，则把女工们急于赶走芳汀之心暴露无遗。

另一类人就是孤独的芳汀。

虽然还是一样的曲调，一样的节奏，但演员那略带哭泣的唱腔、委屈无奈的表情则表现出了芳汀孤独无依的窘境。

芳汀一个人还辩驳不上几句，就被女工们更多更大声的无理指责给压了下去。

同样的快节奏，放在芳汀身上，与其说是表现其有力地反驳，倒不如说是表现其在众女工以多欺少的情况下艰难无奈地抓紧仅有的一点喘息之机进行反驳。

随着工厂主的一句“On your way！（马上滚吧）”，芳汀无奈地被赶出了工厂，她也失去了生活的来源。

《西方经典音乐剧欣赏》课程结业论文题目：《我与音乐剧》学院：经济学院专业：国际经济与贸易班级：国贸1402学号：1404080405姓名：贾元韬组别：第一组成绩：授课教师：何悦二○一五年十二月我与音乐剧说起音乐剧，以前不是很了解，仅仅是看过一些《歌舞青春》、《猫》的片段，知道百老汇，对《妈妈咪呀》、《卡门》有个模糊的印象。

但音乐剧作为西方一种比较流行的音乐形式，已经有悠久的发展历史，也出现了很多优秀的音乐剧作品。

本学期有幸选上了何悦老师的《西方经典音乐剧欣赏》这门课，让我有对音乐剧有了直观的认识。

我希望通过写这篇文章，能让我对音乐剧的特色、风格、历史有个系统的更深入的了解，为此我查阅了大量资料，也去网上找了几部音乐剧观摩学习。

在这之前，我对音乐剧与歌剧的概念常常混淆，认为音乐剧就是歌舞剧，但细细了解以后，发现还是有区别的。

歌剧（opera）是将音乐（声乐与器乐）、戏剧（剧本与表演）、文学（诗歌）、舞蹈（民间舞与芭蕾）、舞台美术等融为一体的综合性艺术，通常由咏叹调、宣叙调、重唱、合唱、序曲、间奏曲、舞蹈场面等组成（有时也用说白和朗诵)。

早在古希腊的戏剧中，就有合唱队的伴唱，有些朗诵甚至也以歌唱的形式出现；中世纪以宗教故事为题材，宣扬宗教观点的神迹剧等亦香火缭绕，持续不断。

但真正称得上“音乐的戏剧”的近代西洋歌剧，却是16世纪末、17世纪初，随着文艺复兴时期音乐文化的世俗化而应运产生的。

而音乐剧，是音乐、歌曲、舞蹈和对白结合的一种戏剧表演，剧中的幽默、讽刺、感伤、爱情、愤怒作为动人的组成部分，与剧情本身通过演员的语言，音乐和动作以及固定的演绎传达给观众。

音乐剧熔戏剧、音乐、歌舞等于一炉，富于幽默情趣和喜剧色彩。

它的音乐通俗易懂，因此很受大众的欢迎。

音乐剧是20世纪出现的一门新兴的综合舞台艺术，集歌、舞、剧为一体，广泛地采用了高科技的舞美技术，不断追求视觉效果和听觉效果的完美结合。

同时，西方的音乐剧在百年多的商业表演经验中总结出了一套成功的市场运作手段，并且创作出一系列老少皆宜的优秀剧目，使这一艺术形式突破年龄、阶层等客观因素的局限，广受观众的喜爱。

西洋歌剧论文论文题目：论西洋歌剧专业：班级：学号 :姓名：【摘要】通过这一学期西洋歌剧的学习，在数部名作欣赏的过程中，我了解一些西洋歌剧的基本知识，体味到独属于西洋歌剧的魅力。

以前对它的了解太少，一直以为它艰涩难懂，超过自己欣赏范围，如今明白，歌剧其实在某种程度上是大家能够普遍理解的，至少舞台的布置与动作能传递许多信息。

关键词: 起源与发展类型与流派音乐特色论西洋歌剧1.西洋歌剧的起源与发展歌剧最早出现在16世纪的意大利，既而传播到欧洲各国，而德国的海因里希·许茨、法国普蒂斯特·吕利和英格兰的亨利·珀赛尔分别在他们自己的国家，开创了17世纪歌剧的先河。

直到18世纪，意大利歌剧依然是欧洲的主流，纵然巴黎吸引了不少外国作曲家德尔也最终落脚英伦。

而意大利歌剧的主流一直是正歌剧，直至格鲁克在1760年代推出的“革新歌剧”，以对抗正歌剧的矫揉造作。

而今天依然著名的18世纪歌剧巨匠，显然是莫札特。

莫札特少年时先以正歌剧起家，既而以意大利语喜歌剧，风行各地，尤以《费加罗的婚礼》、《唐·乔望尼》和《女人皆如此》为人称颂。

而莫氏最后一部歌剧《魔笛》，更是德语歌剧的指标性作品。

19世纪初期是美声风格歌剧的高峰期，风行当时的罗西尼、多尼采蒂和贝利尼，时至今日，依然常见于舞台。

与此同时，贾科莫·梅耶贝尔的歌剧作品则成为了法式大歌剧的典范，并风行全法。

而19世纪中后叶则被誉为歌剧的“黄金时期”，其中理查德·瓦格纳和朱塞佩·威尔第在德国和意大利各领风骚。

而黄金时期过后的20世纪初，西欧歌剧继续演变出不同风格，如意大利的写实主义和法国的当代歌剧，和及后贾科莫·普契尼和理查德·施特劳斯的作品。

而在整个19世纪，在中东欧地区，尤其是俄罗斯和波希米亚，国民乐派的崛起造就了当地和西欧平行发展的歌剧作品。

整个20世纪，现代风格元素常被尝试混入歌剧当中，如阿诺德·勋伯格和阿尔班·贝尔格的无调性手法和十二音阶作曲法，以伊戈尔·斯特拉文斯基为代表的新古典主义音乐和菲利浦·格拉斯和约翰·亚当斯的简约音乐。

中外歌剧鉴赏课论文一.歌剧的起源17世纪的巴洛克时期是欧洲历史上最惊心动魄、最为活跃的时期,欧洲的许多国家都还处于动荡不安之中，社会制度由封建社会逐步向资本主义社会过渡,思想文化从文艺复兴向启蒙主义运动过渡。

同期的意大利,政治上处于四分五裂的状态,经济霸权开始衰落。

罗马教廷经过16世纪宗教改革的打击，权威势力一落千丈;教会内部日益趋向世俗化;教会中的开明分子在世界观上倾向于人文主义,积极支持艺术工作。

音乐逐步脱离了宗教的束缚,独立的世俗音乐得到快速发展。

因此,这一时期的思想文化艺术充满了蓬勃的生机,涌现出的作品令人目不暇接。

顺应时代的潮流和人文主义艺术理想发展的要求,一种将古希腊的戏剧表现手法和世俗音乐融合的新的声乐体裁——歌剧在意大利诞生了。

二、欧洲歌剧的发展1．意大利意大利歌剧的渊源除了古希腊戏剧还有世纪神秘剧、假面剧，最直接的起源是文艺复兴后期兴起的牧歌（madrigal）。

1599年佩里创作的《达夫尼》（已亡佚）是目前所知的第一部歌剧，1600年他创作了《尤丽狄斯》是现存最早的歌剧。

这两部歌剧已经有了咏叹调与宣叙调分工，但总体看来并不成熟。

1607年被誉为“近代歌剧之父”的蒙特维尔第创作的《奥菲欧》是第一部成熟意义上的近代歌剧，剧作运用了相当近代化的管弦乐队为戏剧配乐，用不谐和音烘托气氛和展现矛盾：独唱（宣叙调、咏叹调）、重唱、管弦队和舞蹈也得到了很好的综合运用。

此后兴起的是威尼斯歌剧学派，其突出贡献在于使歌剧走出贵族沙龙的狭小天地，得到了广大市民的青睐。

这个时期的威尼斯歌剧场面奢华，开始运用灯光、道具、布景等手段衬托剧情。

与此同时，以A·斯卡拉蒂为代表的那不勒斯学派也发展起来，这个乐派特别注重在歌剧中发挥人声美的作用-----歌唱者可以随意添加装饰和花腔，也重视器乐的独立表现，首创了歌剧启幕前的器乐合奏—序曲。

这一歌剧典范形式，被称为意大利正歌剧。

但后来也出现了单纯追求“美声”的形式而忽略内容的倾向，最终走向了衰败。

《论浪漫主义时代的歌剧》浪漫主义时期意大利歌剧的特点意大利歌剧产生于巴罗克时期，并在这一百五十年的时间里辗转于意大利各大城市，期间它经历了产生、发展和成熟三个阶段，并影响了欧洲各国。

佩里和卡契尼等作曲家使歌剧初具雏形，蒙特威尔第和A.斯卡拉蒂使歌剧趋于完善，并使它在欧洲音乐史上占有重要地位；随后意大利歌剧在发展中经历了三个重要时期：古典主义时期、浪漫主义时期和真实主义时期，其中后两个时期最关键。

音乐史上的浪漫主义时期大约是19世纪前后的100多年，该时期的音乐不像巴罗克音乐那样壮观、华丽，在细节上精致修饰；也不像古典主义音乐那样具有精练、朴实的音乐语言，形式结构明晰匀称；它更多地强调个性与自我感受，无拘无束地表达情感世界，体现了浪漫主义所特有的激情。

浪漫主义音乐的这些特点都在意大利浪漫主义歌剧中得到了体现，它强调强烈的感情渲染、个人主义精神的展现以及强烈的个性表现，重视歌唱性和抒情性，以自由、平等、博爱为创作宗旨，反对古典主义音乐的传统形式和内容，作曲家们期望最大程度地体验各种感受。

这些都是当时意大利歌剧的鲜明特点。

述浪漫主义时期交响曲的发展浪漫主义的交响曲所表达的情感热烈、夸张、充满主观性和幻想性；交响曲形式不拘一格，随内容而确立；内容常源自于文学、美术、戏剧等艺术类型“标题交响曲”盛行一时；音乐语言上许多革新，如旋律的抒情性和描绘性增加，和声表现功能扩大，使用半音和声和不协和和旋，调性多变，乐队色彩丰富，新型乐器加入。

舒伯特的交响曲开创了歌唱抒情性交响曲的新领域，门德尔松和舒曼的交响曲，表达了浪漫主义对大自然的特殊青睐；勃拉姆斯的交响曲的贯穿发展的手法是贝多芬的进一步推进，布鲁克纳的交响曲采用管风琴式的对位写作和古老的众赞歌式的和声，带有浓郁的宗教气息。

意大利歌剧的发展浪漫主义风格的意大利歌剧从罗西尼开始，经过贝里尼、唐尼采蒂到威尔第早期，内容主要体现了爱国情感与英雄主义。

到威尔第的创作后期，出现了新的音乐潮流——真实主义歌剧，马斯卡尼的《乡村骑士》普契尼的《艺术家的生涯》等作品是推动这股潮流向前发展的代表作。

有关音乐剧《歌剧魅影》的文献综述音乐剧《歌剧魅影》是一部融合了音乐、舞蹈、戏剧和视觉艺术的重要作品，自1986年首次在伦敦西区上演以来，便广受赞誉并持续演出至今。

该音乐剧由安德鲁·劳埃德·韦伯作曲，查尔斯·哈特编剧，而剧情则参考了同名法国小说，故事充满了神秘、浪漫和戏剧性的元素，吸引了无数观众的喜爱。

本文旨在通过对《歌剧魅影》音乐剧的文献综述，深入探讨其创作背景、剧情内容、音乐特色以及影响等方面，为读者呈现一幅全面而立体的画卷。

我们不得不提到《歌剧魅影》音乐剧的创作背景。

安德鲁·劳埃德·韦伯在音乐创作上的成功经验为他带来了诸多机遇，他也因此深陷于对音乐剧创作的困境之中。

正是在这种情况下，他偶然间接触到了一部法国小说，该小说讲述了一位隐藏在歌剧院背后的神秘音乐家与一个年轻歌手之间的爱情故事。

这使得韦伯深受启发，于是他决定将这个故事搬上舞台，于是《歌剧魅影》音乐剧应运而生。

我们不妨聚焦于《歌剧魅影》音乐剧的剧情内容。

音乐剧的故事背景设定在19世纪的巴黎歌剧院，讲述了一个才华横溢但面容丑陋的音乐家埃里克与一个年轻美丽的歌剧演员克里斯汀之间的爱情故事。

埃里克因自己的丑陋面容而隐藏在歌剧院的地下室之中，却拥有着非凡的音乐天赋，他暗恋着克里斯汀，并为她创作了一系列的歌剧作品，同时也为她所倾倒。

埃里克的狂热爱情和对于克里斯汀的控制使得故事的发展颇为扑朔迷离，最终以悲剧收场。

整个故事在伦敦、纽约、东京及汉堡等地得到了成功的演出，并为观众带来了深刻的思考。

与此音乐剧《歌剧魅影》所呈现的音乐特色也是备受称道的。

韦伯以其精湛的音乐功底为这部音乐剧创作了许多富有感染力和震撼力的音乐作品，其中《The Phantom of the Opera》、《All I Ask of You》等歌曲深受观众喜爱，并广泛传唱。

音乐剧中的歌曲多样而饱满，从热情激昂的旋律到温柔动人的情歌，一应俱全，为观众带来了丰富的听觉享受。

《卡门》的艺术特征上了一个学期的《西洋歌剧名作赏析》，感觉自己的艺术细胞长了不少，其实当初选择话剧团，就是为了让自己多点艺术特质！现在目的达到了，进入话剧团的这一年，收获很大，各个方面的，我虽没有演过什么大戏，但也跑过几次龙套，比如《鸣凤之死》里演过仆人，拍《我不是李白》，拍了几个月，最后让换了，最后和在10级的专场中，演了《魔椅》。

但我得到了很多乐趣！跑题啦，还是说《卡门》吧！先简单介绍一下《卡门》吧！《卡门》（一名《嘉尔曼》）是法国现实主义作家梅里美的代表作，它讲述了生性无拘无束的吉卜赛女郎从事走私的冒险经历。

卡门引诱无辜的士兵唐·约瑟，使他陷入情网，舍弃了原在农村的情人——温柔而善良的米卡爱拉，并被军队开除加入自己所在的走私贩行列；同时，卡门又爱上了斗牛士吕卡。

于是，约瑟与卡门之间产生了日益激烈的矛盾。

最后，倔强的卡门断然拒绝了约瑟的爱情，终于死在约瑟的剑下……《卡门》在遥远荒凉的波西米亚，强盗头子独眼龙在一次行动中被俘，关在地牢里，他美丽而淘气的妻子卡门（15岁），带着丈夫的属下，前来营救他，她利用几次浪漫神秘的邂逅勾引了警察霍赛，成为他的情妇，利用他对她的迷恋，骗他去一夜情，从而为同谋们劫狱制造了机会，救出了自己的丈夫。

而霍赛因为失职，被嫉恨他的同僚举报后关押在地牢，卡门设法营救他，但他出于原则和尊严，拒绝了卡门的帮助，被贬为将军的看门官，此间卡门又在强盗丈夫的安排下，勾引了将军府邸上作客的英国军官，希望借此敲诈勒索，抢上一笔。

霍赛妒忌之下，杀死了英国军官，破坏了他们的计划，从而走上了犯罪的道路。

强盗头子为了报复，带人马堵截要杀他。

美丽淘气的卡门再次向走投无路的霍赛伸出双手，劝他入伙他们的队伍，4人一起过着抢劫的生活。

但霍赛再次出于妒忌，杀死了卡门的丈夫，当上了强盗头子，并娶卡门为妻。

之后，他严厉禁止卡门和陌生人说话，并打算带卡门远离江湖，过隐居的生活。

生性自由的卡门感到很拘束，她比较喜欢以前那种随心所欲的生活，就在旅馆里和一个斗牛士私奔了。

（一）音乐剧的诞生在十七世纪——十八世纪的欧洲在那些进步思想活跃的国家里，音乐成了人们用来表达思想和感情的有力工具。

意大利人找到了用声音概括情感的方式；德国人找到了用声音概括哲理和刻画心理的方式；另外，在法国和英国也发展了富丽堂皇的音乐剧和英雄气概的清唱剧。

这是进步的艺术家由于受到文艺复兴思想的启发，有意识地追求一种新的表现方法——最富于戏剧力量的表现方法的结果。

歌剧在艺术上的用意是把崇高的情绪贯注给观众，使他们变得丰富而高贵。

然而这种华丽的意大利式歌剧并不能完全满足观众兴趣和情感，于是一种被称之为“居于杂要和歌剧两端当中地带”的艺术形式得以产生。

历史上第一部“音乐剧”是约翰·凯的《乞丐的歌剧》首演于1728年的伦敦，当时被称为“民间歌剧”，它采用了当时流传甚广的歌曲作为穿插故事情节的主，在一定程度上讽刺了统治者和华丽的意大利式歌剧。

1750年，一个巡回演出团在美国北部首次上演了《乞丐的歌剧》，这便是美国人亲身体验音乐剧的开端。

之后英国喜歌剧、法国歌剧和维也纳轻歌剧也进行了一些类型尝试，可谓旱期音乐剧的雏形。

但是直到1866年，由于音乐剧《黑魔鬼》的冲击才使纽约的观众真正为音乐剧的魅力所折服。

《黑魔鬼》也因此被公认为第一部美国的音乐剧。

那壮丽的场面及一群赤膊的美丽少女给观众圈下了极为深刻的印象。

从那时候起欣赏用歌曲进行润饰的剧目成为最具吸引力的娱乐方式。

（二）音乐剧的发展经过十九世纪中叶之后半个多世纪的多方位的探索期，音乐剧逐步融合了音乐、舞蹈。

戏剧的结合，到二十世纪中期它已成为一种独具魁力的戏剧演出形式。

概括他说，它是以简单的有独特性的有吸引力的情节为支撑，以演员的戏剧性表演为根基，使音乐舞蹈得以充分发挥其潜能，并把这些因素融合为有机的同一体的艺术。

正如《简明不列颠百科全书》对音乐剧的界定所示：它乃是能“激发情感而又给人娱乐”的“戏剧表演的作品”。

如果说，戏剧本身是一种综合艺术，那么与话剧相比，音乐剧则是“综合性”充分发挥的戏剧形式。