文艺复兴时期人物肖像油画选辑1
美术复兴是整个文艺复兴运动的一部分，大致发展阶段是在14世纪兴起，15世纪全面展开，16世纪达到了鼎盛期。17世纪后，欧洲美术风格渐渐转向矫饰主义。
由于文艺复兴时期倡导以重视人的价值为核心的人文
主义，美术家们的思想逐渐从长期的基督教神学的桎梏中解放出来，敢于探索，一方面从希腊、罗马的古典艺术中吸取营养；另一方面通过实践和科学的探索，发明了透视法，解决了在平面上真实地表现三度空间的方法；同时，改革了油画材料和技法，大大地提高了油画的艺术表现力，使西方绘画描绘客观对象的技巧得到了空前的提高，产生了波提切利、达·芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔、乔尔乔涅、提香、扬·凡·埃克、勃鲁盖尔、丢勒、荷尔拜因等一批成绩卓著的画家。
Walter William Ouless
Edward Armitage, 1817-1896 in 1886
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Thomas Eakins
The clinic of Dr. Gross, 1875,
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Walter Frederick Osborne
Summertime, 1901
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Charles Spencelayh
A touch of rheumatism. British, 1865-1958
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Margaret Lindsay Williams
Louise McIlroy, 1874-1968
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John Anster Christian Fitzgerald
Ariel,
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Luke Fildes
The mantilla, c. 1927
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Luke Fildes
Mrs. William Hesketh Lever, c. 1851-1913, later 1st Lady Lever, 1896
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William Blake Richmond
Charlotte Elizabeth Fuller-Maitland of Borwick Hall, c. 1886 文艺复兴时期人物肖像油画选辑枫荣室内配画艺术网资
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Emile Berchmans
A young beauty, 1899. Belgian, 1843-1914
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James Guthrie
Maggie Hamilton. Mrs. A. N. Paterson, 1867-1952, c. 1892-1893, version
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Alfred Palmer Boy in the orchard
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Edward Arthur Walton
Mrs. H. S. Ashbee, c. 1890-1893
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Robert McGregor. The turnip field
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William Oliver
Portrait of a young lady, 1882. British, fl. 1865-1897
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George Clausen
Nellie St. John Heaton, 1914
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Eugen von Blaas
Philip Richard Morris, c. 1865
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除极少数国家和地区以外，人物画几乎是全人类各民族进行艺术表现的第一主题。可以说一部西方艺术史就是在研究如何表现人这一主题的过程中发展起来的。 油画由于其所具有的那种丰富的表现能力，它在记录人的音容笑貌、人类的社会活动和揭示人的精神世界的各个方面都具有得天独厚的功能。 用油画这一艺术形式去表现“人”这一永恒的主题离不开人物写生。人物写生主要包括头像写生、半身着衣人像写生（含全身着衣人像）和人体写生三个大的部分。由于“人”本身所具有的那种造型的复杂性和人们对于“人”自身的熟悉程度，往往会对人物画的方方面面较之静物、风景提出更高的要求（特别是在造型的准确性上提出更高的要求）。如何在较短的时间内通过有效学习使我们可以较快地基本掌握人物画的表现方法，这对于教与学的双方都是一个甚为复杂的课题。 1. 头像写生 人的头部是人们认识某人和与他人相区别的基本特征所在，是记录其社会属性和传达内心情感的最为重要的关键部位。由于其在生理结构本身所具有的复杂性和通过其可以传达出的精神世界的丰富性，
都使我们在对之进行写生时必须先经过静物、风景的学习并拥有相应的油画写生的知识和能力，方可得以顺利地进行。同时因为头像写生本身所具备的那种造型上的难度，因此它又对有关人物画的其他各方面的练习具有一定的启动作用。当我们具备了一定的关于人物头像写生的知识并在实践中可以游刃有余的时候，这就意味着我们已为后一步的学习铺平了道路。 我们可以从如下几个方面来组织和进行一幅人物头像的练习。 (1)挑选模特 进行油画人物写生练习时应尽量去挑选那些个性特征比较突出的模特儿。世人心目中那种长相乖巧漂亮的面孔往往并不一定适合作为绘画表现的对象。这既是因为一个个性特征突出的人物形象，其本身所具备的那种生动的表现性有助于锻炼我们大胆的处理和概括对象的能力，而那种乖巧的形象由于其五官各部的过分精致，反而会妨碍我们抓大体，特别是初学者在作画时谨小慎微，从一开始就易于陷入被动的亦步亦趋的描摹之中。这也是一个美学上的问题，要将那种艺术的美和生活中的“漂亮”区分开来，从学画之始就应该树立起这种观念。 （2l设置对象
文艺复兴时期人物肖像油画选辑1 美术复兴是整个文艺复兴运动的一部分，大致发展阶段是在14世纪兴起，15世纪全面展开，16世纪达到了鼎盛期。17世纪后，欧洲美术风格渐渐转向矫饰主义。 由于文艺复兴时期倡导以重视人的价值为核心的人文 主义，美术家们的思想逐渐从长期的基督教神学的桎梏中解放出来，敢于探索，一方面从希腊、罗马的古典艺术中吸取营养；另一方面通过实践和科学的探索，发明了透视法，解决了在平面上真实地表现三度空间的方法；同时，改革了油画材料和技法，大大地提高了油画的艺术表现力，使西方绘画描绘客观对象的技巧得到了空前的提高，产生了波提切利、达·芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔、乔尔乔涅、提香、扬·凡·埃克、勃鲁盖尔、丢勒、荷尔拜因等一批成绩卓著的画家。 Walter William Ouless Edward Armitage, 1817-1896 in 1886 文艺复兴时期人物肖像油画选辑枫荣室内配画艺术网资 料收集整理。 Thomas Eakins The clinic of Dr. Gross, 1875,
文艺复兴时期人物肖像油画选辑枫荣室内配画艺术网资料收集整理。 Walter Frederick Osborne Summertime, 1901 文艺复兴时期人物肖像油画选辑枫荣室内配画艺术网资料收集整理。 Charles Spencelayh A touch of rheumatism. British, 1865-1958 文艺复兴时期人物肖像油画选辑枫荣室内配画艺术网资料收集整理。 Margaret Lindsay Williams Louise McIlroy, 1874-1968 文艺复兴时期人物肖像油画选辑枫荣室内配画艺术网资料收集整理。
2008--2009学年第一学期教学计划 课程名称：《油画头像写生》 任课班级： 07级美术学专业油画班 学时：48学分：3 开课学期：第三学期 课程类别：专业选修课 课程性质：专业课 先修课程：《素描头像写生》 考核方式：作业考评 一、教学目的： 油画人物写生一般按头像、胸像、半身像、全身像和人体写生等五个课题循序渐进。油画头像写生的教学注重人物写生造型能力训练，掌握基本的绘画方法和步骤，并对点、线、面、形、色、质在内的绘画基本形式要素进行深入的学习与研究。通过课程训练使学生掌握油画人物头像写生的传统方法，培养较高的绘画观察分析能力和熟练的表现技巧，为今后的油画人物课教学和创作打下坚实的基础。 二、教学重点： 本次教学课程开设在油画的低年级，本次教学重点在于使学生进一步加强人物写生造型能力并各对种绘画语言进行探索尝试，主要要求： 1.通过写生对点、线、面、形、色、质在内的绘画基本形式要素进行深入的学习与研究。 2.尝试油画语言丰富的表达形式，探索与学生自身个性相适应的表达方式； 3.绘画语言上仍以写实语言为主，并将写实绘画体系范围内的 4.人物头像写生，主要讲解头像的神情、结构、构图、人物的肤色、采光状况及其特 点等内容。 5.要求学生掌握头像写生的步骤与方法，能有一定的造型能力，注意形与色的结合，并 有一定的油画技巧。
二．油画人物（头像）写生基本要求： （1）人物的动态与个性表现。 （2）油画色彩的均衡与色彩的节奏 （3）油画的材料与用笔。 （4）要求学生掌握人物的动态与性格表现，注意油画的用笔与油画画面用色技巧对人物服饰的造型与质感有一定的处理。 三、课程的基本内容： 1、油画肖像艺术（头像）的美学特征和历史演变。 2、油画肖像艺术（头像）的构图形式规律。 3、人物结构。（重点是头、颈、肩的结构关系） 4、写生中色彩运用： （1）人物皮肤色彩变化的冷暖相对性。 （2）色彩运用的主观处理和把握。 5、油画头像的表现技法。 6、人物内在精神的感觉与表现。 7、个性的语言和特殊的形式感。 四、教学内容重点与难点： 1、重点：掌握油画肖像艺术的构图形式规律。 油画头像写生直接画法的方法步骤。 人物内在精神的感觉与表现；个性的语言和特殊的形式感。 2、难点：色彩运用；人物内在精神的感觉与表现。 油画头像写生的方法步骤与基本要求 五、课程学时分配：
中西方绘画作品比较赏析 ——绘画的两大体系赏析 内容摘要：中西方艺术文化都有着悠久的历史，在不断演变的同时，既继承先辈留下来的风格，也加入每个时代赋予的新元素。 这篇文章中将中西方艺术中两大体系的主要代表绘画作品进行各个角度的分析和研究，从中找出共性和各自特色为今后的艺术学习研究创作夯实基础。 中西方绘画注重表现与写意，既强调感性；而西方绘画注重再现与写实，既强调理性。这就决定了中西方绘画的表现手法不同。中国画不固定在一个立脚点作画，也不受固定视野的局限，而是根据画者的感受和需要，使立脚点移动作画，把见的到的和见不到的景物统统摄入自己的画面，即运用了散点透视法。西方画家则是理智地进行构图，采用科学的透视学和色彩学来表示近大远小焦点透视和色彩的空间变化，形象的立体感很强，逼真肖似，具有典型性。 所以中西方传统绘画让人感觉是两个不同的体系，给人的感觉不同。 关键词：绘画的两大体系赏析；中国画；壁画；水彩、水粉画；版画；素描；新画种。 绘画的两大体系：欧洲油画和中国水墨画。 油画艺术可以说是世界绘画艺术中最有影响的画种。油画是以油为调和剂调和颜料在经过制作的不吸油的平面上描绘而成的绘画。其特点是颜料色彩丰富鲜艳，能够充分表现物体的质感、量感，能够传达物象所处空间的光线、色调和气氛，使描绘对象显得逼真可信，具有很强的艺术表现力。 中国画是中国传统绘画的统称。从广义上说，中国画包括中国传统绘画的各种 类别，但我们所说的中国画通常是指以水为调和 剂，以墨为主要颜料的一类，又称“水墨画”、“彩 墨画”。中国画表现出变化无穷的线条情趣，以墨 代色则表现了中国画独具特色的丰富的艺术表现 力。
一、梵高的生平简介 文森特·威廉·梵高(Vincent Willem van Gogh，1853-1890)是荷兰后印象派画家，表现主义的先驱。1853年3月30日出生于荷兰北部一个名叫松特丹的小村，家中除了父母，他还有三个妹妹和一个弟弟提奥。梵高家族中有很多人从事过与绘画相关的工作，童年的梵高曾跟随富裕的伯父们住在豪华的别墅，那里有丰富的绘画收藏，身处在艺术氛围浓厚的环境。相对良好的绘画环境，造就了他的善良和对自然界、对动物、对花鸟，甚至鸟巢的倾心关爱和敏感。这些品质影响了他注定为爱情、友谊、艺术而献身的一生。 当梵高遭遇了痛苦的感情世界、悲悯的传道士以及自虐式的基督情怀和种种不幸后，终于他在生命的最后10年伴随着痛苦的冲突和摇摆中彻底的发现了自我。 二、梵高的绘画风格 梵高27岁时依靠弟弟提奥的支持正式走上绘画道路。在梵高十年艺术生涯中，曾辗转于海牙、德莱塞、纽南、安特卫普、巴黎、阿尔、圣雷米精神病院、奥维尔等地，绘画始终是他的精神支撑。虽然有时不得不像流浪汉一样到处漂泊，但艰难的岁月里梵高不知疲倦地探索着大自然，思考着对象身上本质的东西，在画布上深情地倾诉着其独特的美。 梵高绘画作品的许多特点中最有价值的是他对色彩的运用和表现。“未来的画家就是尚未有过的色彩家”是梵高的一句不朽名言，不仅概括了梵高的创作理念，而且揭示出色彩这一重要的绘画语言，当成为艺术家激情甚至生命的有机体时，便具有了一种艺术精神意义的深刻道理。在梵高之前，艺术家对色彩的认识有古典主义的固有色、印象主义的条件色，但没有一位像梵高那样将色彩提升到一种绝对的精神现象予以重视。印象派画家们把色彩提升到审美的重要地位，也仅仅是一种表层的自然再现，缺乏艺术感染的精神内涵。梵高对色彩的认识与创新并不是凭空臆想出来的，是在外部条件影响之下通过内在的动因而实现的。他接受了鲁本斯、德拉克洛瓦等画家那种以热情而奔放的性情抒发和饱满富丽的色彩表现的创作方法，并受印象派画家的启示，梵高调色板上的颜色变得干净而明亮起来，也学会了面对自然直接观察和感受的创作方法，当梵高结识了高更等一批具有强烈创新精神的画家时，他意识到艺术创新是艺术家的根本出路。 一个不能得到直觉充分推动的人，会像是一只进入赤道无风带的船一样，很难达到艺术表现的核心或极至境地，而真正的艺术家都有一种天生自然的推动力，一种直接的需要，可以把自己的情感思想马上表现为艺术形象不可。梵高自身具备了这一点，也做到了这一点，在色彩上表现出了非凡的创造力。他的色彩冲破了前期印象派对自然色彩真实反映的束缚，并开始大胆地随心所欲地使用色彩。尽管是面对自然写生，画面色彩已经带有抽象因素：不重视立体、空间和阴影的表现，只强调色彩的对比效果，这种抽象是主观情绪的表达，从而产生了装饰效果，他是通过使用光亮明快的夸张色彩、大色块的对比和绝对的黑白来实现这种装饰的。 梵高用最大的热情接受色彩鲜明、色阶丰富的印象主义绘画方法，并开始热衷于与这
龙源期刊网 https://www.doczj.com/doc/101667819.html, 一种多笔触各向异性梵高风格油画的渲染方法 作者：王涛高贤强 来源：《计算技术与自动化》2017年第02期 摘要：为使计算机模拟出更逼真的流体风格（涡旋状）梵高油画特效，本文提出了一种 多尺度各向异性偏微分方程的模拟方法，该方法利用P-M和J.Weickert加权模型在滤噪音时产生的虚假条纹来模拟梵高油画的涡旋状，并在油画绘制时给图像平坦区域加入高斯噪音和采用多尺度弧形笔刷的技术来处理整个渲染过程。实验结果表明：本方法除了很好的模拟了梵高油画的抽象效果外，还增加了油画的层次感和更多的涡旋状。 关键词：梵高油画；流体风格；涡旋状；多尺度弧形笔刷 中图分类号TP31 文献标识码：A Abstract： To make the computer simulation of a more realistic fluid style （vortex） van gogh painting effects， this paper proposes a multi-scale anisotropic partial differential equation of the simulation method， the method using P - and j. m. eickert weighted model in filtering the noise produced when the false stripes to simulate the van gogh painting of spirals， and joined to the flat areas when drawing oil painting gaussian noise and using multi-scale curved brush technique to handle the whole rendering process. Experimental results show that this method is very good to simulate the van gogh painting abstract effect， also added administrative levels feeling of the painting and more vortex. Key words： Van gogh painting；Fluid style；Vortex shape；Multiple scale Curved Brush 1引言 随着计算机图形学硬件和算法的不断发展、改进，非真实感绘制（NPR）逐渐成为计算机图形学的研究热点之一。梵高作为后印象派画家，其画开辟了用色彩表现艺术家主体情感世界的一条道路，画中强烈的色彩、涡旋状和人物情感的融入，震撼观者的心灵[1]。近几年，出 现了几种模拟梵高油画效果的方法：文献[2]提出一种流体模拟算法，虽能得到较好的效果， 但过分依赖参考图的流体线条；文献[3]则采用自适应LIC绘制流体方法，得到图像的涡旋状 效果不强烈；文献[4]提出了流体参考图的融合方法，其缺点是参考图纹理的丰富程度以及图 像融合算法的好坏直接影响油画的最终效果；文献[5]提出基于矢量场可视化的绘制技术，该 方法虽然效果不错，但油画的层次感不强；文献[6]提出一种实现流体风格梵高油画特效的方法，采用偏微分方程进行模拟，缺点是忽略掉许多图像细节、缺乏层次感，其效果见图1、图2。本文在文献6的基础上进行一系列改进，务求达到最佳效果。
油画肖像教学大纲 课程编号：0556670 开课学期：第一学期 本课程课内学时: 72 学分：2 一、教学对象 四年制文学艺术学院美术学专业。 二、教学目的 本课程是绘画专业的主要专业课程。通过本课程的学习，使学生掌握油画肖像的基本理论、基本写生方法和技巧，能准确表现肖像的比例、透视、结构和色彩关系。并通过观看分析大师的名作提高学生的油画表现技法和艺术修养。 三、教学要求 首先从油画肖像的表现技法入手，介绍油画肖像艺术产生的历史文化背景和发展概况。在讲授了油画肖像的写生方法和步骤的基础上，深入研究现实人物丰富的色彩变化和具体的表达方法。 四、教学内容与学时分配 第一单元绪论（建议学时数：4学时） 学习目的和要求：本单元首先从油画肖像的表现技法入手，介绍油画肖像艺术产生的历史文化背景和发展概况。在讲授了油画肖像的写生方法和步骤的基础上，深入研究现实人物丰富的色彩变化和具体的表达方法。 第二单元油画肖像写生（建议学时数：64学时） 学习目的和要求：本单元是油画肖像最重要的内容。主要掌握写实油画肖像写生中的绘画步骤和主要表现技法、提高学生的造型和审美能力。 第三单元油画肖像写生整理与讲评（建议学时数：4学时） 学习目的和要求：欣赏大师的油画作品资料，结合学生自己的作品进行比较和分析，提高学生的油画技法和艺术修养。
五、教学重点难点 重点和难点：人物肖像的比例、透视、结构和色彩关系，写生表现技法，人像色彩关系，绘画语言的审美表达。 六、采用的教学手段与教学方法 实践教学为主结合教师示范与课堂讲授。 八、测试内容和方法 （一）单元结束为考查，全部课程结束进行考试，平时作业与考试作业成绩综合为总评成绩。作业成绩均按百分计，考试以随堂考试方式进行。 （二）平时表现占20%，平时作业占30%，考试作业为50%。 九、使用教材及主要参考书 教材：《油画肖像写生习作》付俊梅 参考书：《解读肖像》上海书画出版社编上海书画出版社 《名家名品》刘小东浙江人民美术出版社 大纲制定者： 大纲审定者： 大纲批准者：
油画人物 油画是以易于油剂（亚麻仁油、罂粟油、核桃油等），在制作过底子的布、纸、木板等材料上塑造艺术形象的绘画。作画时使用的稀释剂为押发性的松节油和干性的亚麻仁油等。 画面所附着的颜料有较强的硬度，当画面干燥后，能长期保持光泽。油画是西洋画的主要画种。它起源并发展于欧洲，到近代成为世界性的重要画种。 油画产生于15世纪以前欧洲绘画中的蛋彩画是油画的前身。在运用蛋彩画法的同时，许多画家继续寻找更为理想的调和剂。一般认为，15世纪初期的尼德兰画家凡·爱克兄弟是油画技法的奠基人。他们在前人尝试用油溶解颜料的基础上,用亚麻油和核桃油作为调和剂画,致使描绘时运笔流畅，颜料在画面上干燥的时间适中，易于作画过程中多次覆盖与修改，形成丰富的色彩层次和光泽度，干透后颜料附着力强，不易剥落和褪色。他们运用新的油画材料创作，在当时的画坛很有影响。油画技术很快在西欧其他国家传开，尤其在意大利的威尼斯得以迅速发展。油画适合创作大型、史诗般的巨作,成为西方绘画史中的主体绘画方式。 人是艺术表现的主体，自古以来，人物一直是画家创作的重要题材。人物画是绘画门类中最难解决的课题。人物画需要了解人体解剖学、人体比例结构、运动透视学等方面的知识，同时还要充分把握人物写生中微妙的色彩变化、精神面貌和性格特征。我们可以看到，每一历史时期都有脍炙人口的人物画创作的名作；但由于社会历史的不不同，画家的思想意识及处理手法也大为不同，他们都会以各自的角度诠释与描绘。人物画包括头像、肖像、人体、群像、风俗画与历史画等。 油画人物是油画造型基础课中重要的课程，是培养正确的观察、感受和表现对象能力的训练，是用具象的表现方法或者说是写实的方法表现所见人物。因此，严格的遵循造型规律对油画人物写生尤为重要。在专业学习的过程中时刻注意以下几个问题会有助于画面质量的提高。 正确的观察方法是画好油画人物的重要保证。这就是整体的、感受的、比较的方法。要做到这一点并非易事。必须强制自己从一开始就在充分观察、感
美术鉴赏梵高作品赏析 文森特·威廉·梵高（Vincent Willem van Gogh，1853－1890），荷兰后印象派画家。他是表现主义的先驱，并深深影响了二十世纪艺术，尤其是野兽派与德国表现主义。梵高的作品，如《星夜》、《向日葵》与《有乌鸦的麦田》等，现已跻身于全球最具名、广为人知与昂贵的艺术作品的行列。 梵高出生于荷兰乡村的一个新教牧师家庭，他早年做过职员和商行经纪人，还当过矿区的传教士。他充满幻想、爱走极端，在生活中屡遭挫折和失败，最后他投身于绘画，决心“在绘画中与自己苦斗”。他早期画风写实，受到荷兰传统绘画及法国写实主义画派的影响。1883年底，梵高回到父亲供职的教堂所在地纽南。在纽南的两年时间里，梵高苦练素描技巧。在画了大量素描写生和习作后，他完成了第一幅著名作品－《吃土豆的人》。这幅作品和他这一时期的很多作品都受荷兰现实主义画风的影响，画面深沉，有极强的乡土气息。这也表现出梵高很强的农民情结，他似乎很想成为一位农民画家。一方面，他受到“精神导师”米勒的影响，更重要的可能是内心深处对乡间生活的向往，对淳朴农民的尊敬和对诚实劳动的赞美。 1886年，他来到巴黎，结识印象派和新印象派画家，并接触到日本浮世绘的作品。视野的扩展使其画风巨变，他的画，开始由早期的沉闷、昏暗，而变得简洁、明亮和色彩强烈。而当他1888年来到法国南部小镇阿尔的时候，则已经摆脱印象派及新印象派的影响，走到了与之背道而驰的境地。在阿尔，凡高想要组织一个画家社团。1888年，高更应邀前往。但由于二人性格的冲突和观念的分歧，合作很快便告失败。此后，凡高的疯病(有人记载是“癫痫病”)时常发作，但神志清醒时他仍然坚持作画。 这位易于激动而富于神经质的艺术家，在其短暂一生中留下大量震撼人心的杰作。他的艺术，是心灵的表现。他曾说：“作画我并不谋求准确，我要更有力地表现我自己”，他并不关注于客观物象的再现，而注重表现对事物的感受。亨利·福西隆在论述凡高时说道：“他是他时代中最热情和最抒情的画家。……对他来说，一切事物都具有表情、迫切性和吸引力。一切形式、一切面容都具有一种惊人的诗意”，“他感到大自然生命中具有一种神秘的升华，他希望将它捕捉。这一切对他意味着是一个充满狂热和甜蜜的谜，他希望他的艺术能将其吞没一切的热情传达给人类”。 为了能更充分地表现内在的情感，凡高探索出一种所谓表现主义的绘画语言。他认为：“颜色不是要达到局部的真实，而是要启示某种激情。”在他画中，浓重响亮的色彩对比往往达到极限。而他那富于激情的旋转、跃动的笔触，则使他的麦田、柏树、星空等，有如火焰般升腾、颤动，震撼观者的心灵。在他的画上，强烈的情感完全溶化在色彩与笔触的交响乐中。 采用点彩画法。 他的大部分作品如《奥维尔教堂》等，画面色彩强烈，色调明亮。后来受到革新文艺思潮的推动和日本绘画的启发，大胆的探索、自由地抒发内心感情的风格，追求线条和色彩自身的表现力，追求画面的平面感、装饰性和寓意性。梵高的作品中包含着深刻的悲剧意识，强烈的个性和形式上的独特追求，一切形式都在激烈的精神支配下跳跃和扭动。 梵高最早的油画——包括埃顿时期，海牙时期和德伦特时期。当梵高画它们时已经是快30岁的人了。这些作品大约完成于1881年—1883年间。此前，梵高在博里那日矿区受到巨大打击，对上帝几乎绝望，却终在迷茫与困惑中找到了一生的归宿--绘画。他开始大量临摹名画，并画了大量素描习作。可以说，凡高是一个自学成才的天才画家。他从小受到艺术熏陶，又有极高的文学素养，这使他具有很高的艺术鉴赏力。梵高喜欢伦勃朗，喜欢米勒，他用自己的画笔描绘农民，工人，社会底层人。深沉厚实的风格虽与其以后的画风有极大的反
中西方绘画艺术比较 相对西洋画来说，中国画有着自己明显的特征。传统的中国画不讲焦点透视，不强调自然界对于物体的光色变化，不拘泥于物体外表的肖似，而多强调抒发作者的主观情趣。中国画讲求“以形写神”，追求一种“妙在似与不似之间”的感觉：而西洋画呢？则讲求“以形写形”，当然，创作的过程中，也注重“神”的表现。但它非常讲究画面的整体、概括。有人说，西洋画是“再现”的艺术，中国画是“表现”的艺术，这是中国画与西洋画相比有着自己独特的特征，还表现在其艺术手法、艺术分科、构图、用笔、用墨、敷色等多个方面。按照艺术的手法来分，中国画可分为工笔、写意和兼工带写三种形式。工笔就是用画笔工整细致，敷色层层渲染，细节明彻入微，用极其细腻的笔触描绘物象，故称“工笔”。而写意呢？相对“工笔”而言，用豪放简练的笔墨描绘物象的形神，抒发作者的感情。它要有高度的概括能力，要有以少胜多的含蓄意境，落笔要准确，运笔要熟练，要能得心应手，意到笔到。兼工带写的形式则是把工笔和写意这两种方法进行综合的运用。? 从艺术的分科来看，中国画可分为人物、山水、花鸟三大画科，它主要是以描绘对象的不同来划分的。而中国画中的畜兽、鞍马、昆虫、蔬果等画可分别归入此三类。? 中国画在构图、用笔、用墨、敷色等方面，也都有自己的特点。中国画的构图一般不遵循西洋画的黄金律，而是或作长卷，或作立轴，长宽比例是“失调”的。但它能够很好表现特殊的意境和画者的主观情趣。同时，在透视的方法上，中国画与西洋画也是不一样的。透视是绘画的术语，就是在作画的时候，把一切物体正确地在平面上表现出来，使之有远近高低的空间感和立体感，这种方法就叫透视。因透视的现象是近大远小，所以也常常称作“远近法”。西洋画一般是用焦点透视，这就像照相一样，固定在一个立脚点，受到空间的局限，摄入镜头的就如实照下来，否则就照不下来。中国画就不一定固定在一个立脚点作画，也不受固定视域的局限，它可以根据画者的感受和需要，使立脚点移动作画，把见得到的和见不到的景物统统摄入自己的画面。这种透视的方法，叫做散点透视或多点透视。如我们所熟知的北宋名画、张择端的《清明上河图》，用的就是散点透视法。《清明上河图》反映的是北宋都城汴梁内外丰富复杂、气象万千的景象。它以汴河为中心，从远处的郊野画到热闹的“虹桥”；观者既能看到城内，又可看到郊野；既看得到桥上的行人，又看得到桥下的船；既看得到近处的楼台树木，又看得到远处纵深的街道与河港。而且无论站在哪一段看，景物的比例都是相近的，如果按照西洋画焦点透机的方法去画，许多地方是根本无法画出来的。这是中国的古代画家们根据内容和艺术表现的需要而创造出来的独特的透视方法。? 在用笔和用墨方面，是中国画造型的重要部分。用笔讲求粗细、疾徐、顿挫、转折、方圆等变化，以表现物体的质感。一般来说，起笔和止笔都要用力，力腕宜挺，中间气不可断，住笔不可轻挑。用笔时力轻则浮，力重则饨，疾运则滑，徐运则滞，偏用则薄，正用则板。要做到曲行如弓，直行如尺，这都是用笔之意。古人总结有勾线十八描，可以说是中国画用笔的经验总结。而对于用墨，则讲求皴、擦、点、染交互为用，干、湿、浓、淡合理调配，以塑造型体，烘染气氛。一般说来，中国画的用墨之妙，在于浓淡相生，全浓全淡都没有精神，必须有浓有淡，浓处须精彩而不滞，淡处须灵秀而不晦。用墨亦如用
[键入公司名称] 西方油画艺术赏析 小论文 PB09000626 王皓 2012/11/20 摘要： 绘画与文化背景的关系是密不可分、相辅相成的。艺术的发展依附于当时的文化背景。文化背景是艺术的根源所在,是艺术发展的基础,离开了文化背景艺术只是个空架子,就会失去艺术的鉴赏性,更不会被人理解和认识。我们学习西方油画必须了解西方的文化背景,才能更好地认知和解读大师的作品,学习的同时更要符合当下的文化背景,两者结合才能更好地为今后的艺术创作所服务,才能创作出让人们认识和接受的艺术作品。
浅谈学习西方油画与文化背景的关系 伟大的希腊哲学家亚里士多德在《形而上学》一书的开卷写道:“求知乃人类的天性”。此言不假,我们要求知,是因为我们想去理解世界上所发生的事情;我们今天学习西方的油画,同样也是如此。 西方是油画的发源地,油画在那里达到了一定的高度,所以我们要向西方学习油画。既然要学习我们就应该明白怎样去学习。而学习西方油画首先就要弄明白和油画有关的一些知识,了解油画的基础和技法以及一些创作语言。但我们学习油画不单单是学习一些油画技法和基础知识那么简单,而是要学习他们的一些经典的技法和理念,最终目的是为了表达自己的艺术感受。我们在学习的时候要结合他们的文化背景,只有了解了他们的文化背景之后才能更加清楚地了解他们的创作意图和风格样式。 临摹大师是好的,但是我们要清楚临摹的目的,不要盲从。我认识一位学习西方油画的朋友,一开始接触西方油画时就去临摹西方大师的作品,临摹得酷似大师的原作,时间一久对大师的技法就差不多掌握了,他的创作风格也近似于大师,甚 至连创作题材都相似,可谓是第二个某位大师。按理说他应该会取得很好的发展,但结果却恰恰相反,不但没有取得多大的成就,就连作品都无人问津。这是为什么呢?原因很简单:他只注意了绘画的基础技法而忽略了大师创作时的感受和当时 的文化背景,大师的画已经过了几十年甚至几百年了,时代变了,文化背景变了……如果我们还去这样模仿他们画画,画出的作品自然也不会被接受。我们要做的是学习而不是复制。如果我们学油画就是为了画得和西方哪位大师一样好、一样精彩,为此不断地临摹大师的作品,以期待达到他们的境界,殊不知这是大错
宁夏师范学院 美术学本科毕业论文 论文题目浅析梵高的绘画风格 学号 姓名 专业美术学 指导教师 论文工作 起止年月 2012年11月—2013年5月论文提交日期2013年5月10日 论文答辩日期2013年５月20日
宁夏师范学院本科生毕业论文（设计）成绩评定表
本文主要通过分析梵高的绘画风格，了解梵高苦行僧式的艺术求索道路，学习他桀骜不驯的创作个性和追求艺术的执着。分析他的绘画风格，从而学习发扬他绘画作品中色彩鲜、笔触短促有力的特点，让更多人认识和了解他为艺术界所作出的杰出贡献和他作品的艺术价值。 关键词：印象派；色彩；装饰；笔触
This paper mainly through the analysis of Van Gogh's style of painting, know Van Gogh stoic Art Quest, learning his wild and intractable creation individuality and the pursuit of art. Analysis of his painting style, to learn and develop the characteristics of his works, color fresh strokes short and strong, to let more people know and understand the outstanding contribution he made to the art world and his artistic value. Keywords: The Impressionism. color. decoration. stroke
周丽萱肖像油画作品（1） 周丽萱,1975年生于辽宁铁岭。2001年入广州美术学院油画系研修班学习。2002年作品《戏剧人生》获广州美术学院第二届“王嘉廉优秀毕业创作奖学金”三等奖(广州美院)。2005年4月有罗马艺术学院终身教授特劳蒂技法班学习。广东青年美术家协会会员。现居广州,职业画家。作品曾在《中国油画》,《中国当代艺术》,《艺术界》,《美术大观》,《美术学报》等刊物发表。作品被国内外艺术界友人收藏。 周丽萱作品中出现的女性形象，较其他男性古典主义油画家而言，画家更强调画中人与画布外观众视线的交流。这种交流并非或充满欲望、或带有诱惑、也许满是迷茫的人与人之间的眼神沟通；很多时候更像是夜晚昏黄的灯下一个美丽女孩对着玻璃窗看到里面映射出来自己的面容。换句话说，就是女画家和画布上的自己的交流。这种交流直接、无需掩饰，但又带有自我欣赏和一丝得意——即使面带忧色，也是很酷的那种pose。
周丽萱和她的古典主义油画 1971年，美国女性主义艺术批评家琳达?诺克林（Linda Nochlin）在《艺术新闻》上发表文章“为什么没有伟大的女艺术家？”，该文揭露了在男性为主宰的权力结构中，女性创作受限制的事实，被视为女性主义艺术批评的“开疆”之作。 这篇文章推出之际，正值女性主义第二次浪潮（the second wave）兴起。第二次浪潮与前不同，主要关注男女的差异，并探讨妇女因与男性有别而遭受的压迫以及压迫的历史根源。诺克林指出：艺术并非个人感性经验的直接而个人的视觉的表达；相反，艺术生产包含前后一贯的形式语言。这些语言符号系统需要通过教学、学徒制或长期的个人实习才能学成，而这个体制是将女性排除在外的。具体来说，女
美术鉴赏梵高作品赏析 文森特·威廉·梵高(Vincent Willem van Gogh,1853－1890),荷兰后印象派画家。她就是表现主义的先驱,并深深影响了二十世纪艺术,尤其就是野兽派与德国表现主义。梵高的作品,如《星夜》、《向日葵》与《有乌鸦的麦田》等,现已跻身于全球最具名、广为人知与昂贵的艺术作品的行列。 梵高出生于荷兰乡村的一个新教牧师家庭,她早年做过职员与商行经纪人,还当过矿区的传教士。她充满幻想、爱走极端,在生活中屡遭挫折与失败,最后她投身于绘画,决心“在绘画中与自己苦斗”。她早期画风写实,受到荷兰传统绘画及法国写实主义画派的影响。1883年底,梵高回到父亲供职的教堂所在地纽南。在纽南的两年时间里, 梵高苦练素描技巧。在画了大量素描写生与习作后,她完成了第一幅著名作品－《吃土豆的人》。这幅作品与她这一时期的很多作品都受荷兰现实主义画风的影响,画面深沉,有极强的乡土气息。这也表现出梵高很强的农民情结,她似乎很想成为一位农民画家。一方面,她受到“精神导师”米勒的影响,更重要的可能就是内心深处对乡间生活的向往,对淳朴农民的尊敬与对诚实劳动的赞美。 1886年,她来到巴黎,结识印象派与新印象派画家,并接触到日本浮世绘的作品。视野的扩展使其画风巨变,她的画,开始由早期的沉闷、昏暗,而变得简洁、明亮与色彩强烈。而当她1888年来到法国南部小镇阿尔的时候,则已经摆脱印象派及新印象派的影响,走到了与之背道而驰的境地。在阿尔,凡高想要组织一个画家社团。1888年,高更应邀前往。但由于二人性格的冲突与观念的分歧,合作很快便告失败。此后,凡高的疯病(有人记载就是“癫痫病”)时常发作,但神志清醒时她仍然坚持作画。 这位易于激动而富于神经质的艺术家,在其短暂一生中留下大量震撼人心的杰作。她的艺术,就是心灵的表现。她曾说: “作画我并不谋求准确,我要更有力地表现我自己”,她并不关注于客观物象的再现,而注重表现对事物的感受。亨利·福西隆在论述凡高时说道: “她就是她时代中最热情与最抒情的画家。……对她来说,一切事物都具有表情、迫切性与吸引力。一切形式、一切面容都具有一种惊人的诗意”,“她感到大自然生命中具有一种神秘的升华,她希望将它捕捉。这一切对她意味着就是一个充满狂热与甜蜜的谜,她希望她的艺术能将其吞没一切的热情传达给人类”。 为了能更充分地表现内在的情感,凡高探索出一种所谓表现主义的绘画语言。她认为:“颜色不就是要达到局部的真实,而就是要启示某种激情。”在她画中,浓重响亮的色彩对比往往达到极限。而她那富于激情的旋转、跃动的笔触,则使她的麦田、柏树、星空等,有如火焰般升腾、颤动,震撼观者的心灵。在她的画上,强烈的情感完全溶化在色彩与笔触的交响乐中。 采用点彩画法。 她的大部分作品如《奥维尔教堂》等,画面色彩强烈,色调明亮。后来受到革新文艺思潮的推动与日本绘画的启发,大胆的探索、自由地抒发内心感情的风格,追求线条与色彩自身的表现力,追求画面的平面感、装饰性与寓意性。梵高的作品中包含着深刻的悲剧意识,强烈的个性与形式上的独特追求,一切形式都在激烈的精神支配下跳跃与扭动。 梵高最早的油画——包括埃顿时期,海牙时期与德伦特时期。当梵高画它们时已经就是快30岁的人了。这些作品大约完成于1881年—1883年间。此前,梵高在博里那日矿区受到巨大打击,对上帝几乎绝望,却终在迷茫与困惑中找到了一生的归宿--绘画。她开始大量临摹名画,并画了大量素描习作。可以说,凡高就是一个自学成才的天才画家。她从小受到艺术熏陶,又有极高的文学素养,这使她具有很高的艺术鉴赏力。梵高喜欢伦勃朗,喜欢米勒,她用自己的画笔描绘农民,工人,社会底层人。深沉厚实的风格虽与其以后的画风有极大的反差,但画中所表现出的气质与精神却就是永恒不变的。 她的早期作品受印象主义与新印象主义画派影响,代表作有《食土豆者》、《塞纳河滨》等。
1、挫 挫是用油画笔的根部落笔着色的方法，按下笔后稍作挫动然后提起，如书法的逆锋行笔，苍劲结实。笔尖与笔根蘸取颜色的差异、按笔的轻重方向不同能产生多种变化和趣味。 2、拍 用宽的油画笔或扇形笔蘸色后在画面上轻轻拍打的技法称为拍。拍能产生一定的起伏肌理，既不十分明显，又不致过于简单，也可处理原先太强的笔触或色彩，使其减弱。 3、揉 揉是指把画面上两种或几种不同的颜色用笔直接操合的方法，颜色操合后产生自然的混合变化，获得微妙而鲜明的色彩及明暗对比，并可起到过渡衔接的作用。 4、线 线是指用笔勾画的线条，油画勾线一般用软毫的尖头绪，但在不同的风格中，圆头、校形和旧的扁笔也可勾画出类似书强中锋般的浑厚线条。东西方绘画开始时都是用线造型的，在早期油画中通常都以精确严谨的线条轮廓起稿，坦培拉技法中排线法是形成明暗的主要手段。西方油画到后来才演变为以明暗和体首为主，但尽管如此，油画中线的因素也从未消失过。纤细、豪放。工整或随意不拘以及反复交错叠
压的各种线条运用，使油画语言更为丰富，不同形体边线的处理更是十分重要。东方绘画的用线也影响了很多西方现代大师的风格，如马蒂斯、凡高、毕加索、米罗和克利等都是用线的高手。 5、扫 扫常用来衔接两个邻接的色块，使之不太生硬，趁颜色未干时以干净的扇形笔轻轻扫掠就可达到此目的。也可在底层色上用笔将另一种颜色扫上去来产生上下交错、松动而不腻死的色彩效果。 6、跺 指用硬的猪鬃画笔蘸色后以笔的头部垂直地将颜料跺在画面上。跺的方法不很常用，通常只在局部需要特殊肌理的时候才应用。 7、拉 拉是指油画中有时需要画出坚挺的线条和物体边缘如画锋利即剑或玻璃的侧面等，这时可用画刀调准颜色后用刀刃一侧将颜色在画面上拉出色线或色面，画刀画出的形体坚实肯定，是画笔或其它方法难以达到的。 8、擦 擦是把画笔横卧，用画笔的腹部在画面鼓擦，通常擦时用较少的颜色大面积进行，可形成不很明显的笔触，也是铺底层色的常用方法。在
油画人物半身像写生 四油画半身写生的方法 1 艺术教育在一定的教学规范中进行，遵循循序渐进的基本规律。半身人像写生在人头像写生的基础上进行。半身人像一般要求的取景范围是从头到手。就增加了手和躯干的关系，这就涉及到衣纹和空间的表现难度。手的表现在半身人像中仅次于面部的表现，他对于表现人物的性格特征有着重要的作用。 2 半身人像的构图问题 较之头像写生，由于描绘的区域扩大了，那么构图的难度在于手怎么摆才能体现出人物的性格，体现出美感；还有头、颈、肩的扭曲关系，还有相应的透视关系等等。因此研究半身人像写生首先就要研究构图规律。 3 半身人像常用的构图法则 1 均衡性 2对比与协调 在肖像画中，经常运用主体与背景的对比（色块的明度对比、冷暖对比） 3变化和统一的关系 五油画半身的写生步骤
1 模特的选择（对模特的性格特征、动态节奏、以及背景设计等要有一个观察构思的过程）。 2 构图落笔 直接用一支小号笔溅松节油稀释透明色，在画布上定出人像的动态关系、比例关系、透视关系以及基本的体积关系。注意外轮廓的变化和衣纹下面的结构变化。这一步要确立信心，要充满激情，调动作画的欲望。 3 铺大色块 这一步骤要用大号的笔刷、较多的松节油稀释颜色，尽快的拉出画面整体的色彩关系，以及够建画面的空间关系。着色的次序一般从深色块—深灰色块—浅色块有计划的进行。首先是深色上去，加大画面的重量感和对比度，造成强烈的色块的明度对比，然后中间色上去以后又减弱了这种对比关系，但是可以使画面形成和谐而具有节奏。 4 深入刻画 深入刻画一般从面部开始。在头部刻画时，多运用对比的手法。一定要注意深色的头发与背景所形成的，在明度上对比与协调的关系；还有面部的暖色与背景的冷色形成的冷暖对比关系；人像的实在与背景又形成了一对虚实关系。这三种对比关系反复作用，可以使画面的主体更加鲜明。当主体落实以后，背景的颜色也要加以调整和刻画。整个刻画过程始终在比较中有节奏的发展。当然在刻画中，要进一步落实光源色、环境色与固有色三者所形成的色彩关系，刻画始终
西方油画艺术色彩研究 方迎 （教育科学学院 09学前班座号：09145019） 【摘要】：在油画艺术领域中,色彩是油画的主要表现手段,同时又具有独立的审美价值,油画色彩的丰富表现力和它所产生的感情力量,它可以直接在艺术家和观众的心灵之间架起 一道互相沟通的桥梁。色彩作为油画的重要语言,具有非凡的艺术表现力。色彩在西方油画艺术中的历史发展,确立了油画色彩的主观性特点,提升了油画色彩的象征性特点,突出了 油画色彩表现性特点。这些特点是构成油画丰富表现力的重要因素,彼此之间不是孤立存在的而是互相联系的。在不同的绘画发展阶段对色彩艺术特点的表现因素的应用也各有偏重,就是同一时期不同的画家也都有各自的特点是使作品具有个性及时代精神的主要因素之一。 关键词；色彩语言油画色彩色彩对比 油画是欧洲人进行艺术创造的产物，然欧洲油画的创造和发展，也是在人类艺术创造的过程和规律之中逐步探讨的，经历了由简到繁由低到高的过程，油画色彩亦然。 色彩是绘画的重要表现语言，色彩运用的成功与否直接影响着作品的价值。色彩在不同的社会历史时期，不同的国度，不同的地域环境，不同的民族有着不同的表达形式，同样的色彩在世界不同的地区往往表示不同的信息。如黄色在中国传统观念中，是帝王的色彩，象征着崇高与威严；古罗马时代表示高贵，是贵族的体现；在东南各国的佛教中，表示超凡脱俗、神圣等意思；而在西方基督教中，黄色是犹大的衣服，被视为庸俗低下的最下等色。 因为东西方不同的审美观念，在色彩的运用上，又各不相同，中国画侧重色彩的主观性，西方油画大部分强调绘画形与色的真实性，侧重于物象的再现，强调对自然的模仿，要求以客观真实的色彩与造型进行绘画创作，着重研究色彩的客观变化规律及物象的形体结构、比例关系。因而油画色彩一直是画家及史论家们研究的主要课题。 早在15世纪，尼德兰画家凡·艾克兄弟找到了绘画用的亚麻油，凭着油画材料和技术的运用,创造出了前所未有的画面逼真效果，从此真正意义的油画诞
浅析梵高油画作品中的色调表现 学生姓名：王若雷指导老师：张宛生 摘要:文森特·梵高是荷兰后印象派代表画家，19世纪最卓越的艺术大师之一。其作品极具特点，不论是技法、抒发情感、表达主旨、还是用色方面都有独特的表现特征。文章先简要说明梵高的成就，油画的特点，以及梵高著名的一些油画作品分析其油画中不同色调的运用，画面中不同色调的内涵及内心世界的变化等一系列画面中由色调的对比，互补展现出的内心活动。他在创作中自由抒发内心感知得到启发，形成了不同的绘画流派。 关键字;文森特·梵高;后印象派;色调;影响力 色彩与人们的日常生活息息相关，在西方造型艺术里，色彩总是给人们一定的联想。在西方绘画中，画家们经常赋予色彩寓意深奥的象征意义和个性鲜明的情感意味。 文森特·梵高是继伦勃朗后荷兰最具影响力的画家，也是19世纪最卓越的艺术大师之一。他和高更、塞尚齐名，同被称之为“后印象派三杰”。梵高在色彩色调上有着他独特的一面。梵高探索出一种所谓表现主义的绘画语言。他曾说“颜色不是要达到局部真实，而是要启示某种激情”。因此在他的作品中色调成为了画面的主宰。 梵高，一位用牺牲自己成就艺术的狂人。他的一生只有短暂的37年，他的绘画生涯只有10年，而与他这些短暂坎坷的人生历程中那些不平凡的对比—他创造了一个全新的丰富且绚烂的绘画类型。他还大胆创新，在广泛学习伦勃朗等前辈画家的基础上，吸收了印象派色彩方面的经验，并且受到东方艺术的感染。在此要提到日本版画。从日本版画中梵高吸取的很多。形成了自己独特的艺术风格，创作出很多热情洋溢的生活激情。梵高的绘画作品由早期的压抑暗淡发展到后期作品充满明亮希望瑰丽，进而逐渐成熟的艺术大师风格。其次，他吸收了印象派的精髓，却反对纯客观的描绘，提倡事物的象征意义和实质。他借助绘画来表达艺术家的主观情感和见解，使作品具有独特的风格。 梵高是用心作画的大师，是现代艺术的重要先驱，法国野兽主义，德国的表现主义以及20世纪初出现的抒情抽象主义等，都从他在创作中自由抒发内心感知得到启发，形成了各自不同的绘画流派。 一梵高油画作品的成就 梵高富有独特创新的油画作品，大多是在他生命最后的六年创作完成的，许多色彩艳丽富有生命力作品的诞生都包含梵高极大的内心波动和不同的心理状态。在这里提到最有名的作品当属《向日葵》这幅画。对他本人而言这种花是表现内心及思想最佳的题材。梵高一共画了11幅《向日葵》，