肖像油画的绘画语言与技巧
肖像画不仅仅在形式上表现细腻的写实和技巧的娴熟，更应该在肖像绘画中注重对生活本身的情感体验，以及肖像本身的内涵和绘画语言诸因素的推敲。只有依靠长期的观察和辛勤的艺术实践才是肖像画的根本。
［关键词］
肖像画塑造形象人物构图和色彩以形写神
肖像画全盛时期的文艺复兴时期，崇尚人文主义，杰出的肖像画家达芬奇、提香、丢勒、委拉斯开兹、戈雅、伦勃朗、大卫、安格尔等，都善于表现人物的喜悦、痛苦、哀伤、烦恼等各种姿态与表情。每幅肖像作品都要经过一番艰苦的艺术构思才能创作出来，其中人物动态、明暗调子等处处都显示了艺术家们独到的匠心。任何具体形象的塑造都离不开形式美感、结构和色彩的处理。在于塑造每一幅肖像时，画面首先要有很高的统一性。在肖像作品中，构图不仅是一种简单的审美规则，更是与人物的一种特殊心理和情感的互动。构图时要把握住整体的安排和局部的处理，人物的每处结构、用线以及用色等，都要做到条理清晰。在画面中先构想出对象所处的空间位置，反复推敲人物的动作姿态、环境与人物的组合的位置关系，以确定人物造型特征以及神态。在整体观察、认识和表现对象的时候，要时刻考虑画面整体与局部的关系，以及光线、画面中黑、白、灰关系的搭配，并根据对象的特征，合理地将人物安排在画面上。注重画面整体色彩感的和谐和色调的统一十分重要。人物一般由肤色、发色、服色等基本几大色块组成，确定大的色块、明暗关系后，再逐步细化色彩，这样会使表现的层次更加丰富、微妙。人物局部同类色之间的比较也就显得必不可少，如面部额头、嘴巴、耳朵、鼻头、鼻翼、下巴等处色彩都不一样，有冷有暖、有明有暗、有鲜有浊。
运用色彩造型表现被描绘人物的形体，主要还是运用明暗色调，通过色彩的明度和补色的对比关系来实现。这需要对人物的受光面和背光处以及中间过渡色彩进行观察分析。找出它们在人物中的不同深浅、强弱、冷暖色差，通常情况下，变化比较多且难以观察和表现的的是中间色，这部分色彩不明确、难分析，表现时，要对照亮部和暗部来看，而且背景色彩往往不能忽略，色彩处理不好，即使人物表现得立体感再强，画面也会失掉立体感，因此，肖像画之所以能将严谨的素描关系转化为单纯而丰富的色彩关系，主要还是得益于对人物形象细致入微的观察和对其色彩规律的理解。
肖像本身是要真实地再现对象。人物的个性、精神状态必须鲜明而生动，两者缺一不可。有理论家说，看到一张优秀的肖像画就等于知道这个人的传记。因此，肖像画追求形神兼备，重视对传达人物神情的五官刻画，选取人物脸上最能反映出其内心世界、精神气质以及时代烙印的细节加以重点描绘。形神兼备仅为画肖像的一个基础，一幅好的肖像画其境界品味、精神力度、情感力度才是画面的终极目的。它要求对人物的容貌、体型、情态、服饰及背景灯要做真实生动的描绘，既要形似，又要表现人物个性的“以形写神”，更追求能表达人物的思想和灵魂的“写心”，因为“写心”才是对“传神”的更深一步的理解。虽然形与神在概念上有相对的独立性，但在具体绘画过程中，形与神是不可分割的整体，“神”必须通过有效
的造型手段变为可视的现象语言才能体现出来。传神的基础来自于形，然而形似神不似未有入骨，神似形不似像有骨无肉。只有深刻的理解人物内心世界与生活环境，深入地了解和熟悉对象的性格、气质及外貌特征后，才能运用造型的手段确切地把握人物性格特征的整体感受，从而表现出人物最佳的精神面貌。
肖像画不仅仅在形式上表现细腻的写实和技巧的娴熟，更应该在肖像绘画中注重对生活本身的情感体验，以及肖像本身的内涵和绘画语言诸因素的推敲。看似对人物随意的安排，实际上是更高层次的把握。只有依靠长期的观察和辛勤的艺术实践才是肖像画的根本。因此，研究和探讨肖像画这一绘画题材对于更好的理解肖像画艺术是十分有意义的。
油画棒 油画棒是能够覆盖和调色的材料，作画技法能够像油画一样反复添加覆盖，用油画棒画画主要还是在借用他比较直接的色彩和较强的笔触感，油画棒可揉，可擦，还能够先上一层底色在用其他工具刮，用高温将其稍微溶解后也会出现出其不意的效果。 油画棒是一种棒形画材，由颜料、油、蜡的特殊混合物制作而成。使用非常简便，你能够直接在画上画画，或用混色、层涂、刮除、分层等技法丰富它的效果。通过单独或组合使用上述技法，你能够画出你自己的风格。与油画颜料和水彩颜料不同，油画棒是一种固体颜料，无须那些混色或调色的准备工作。一旦有绘画冲动，你就能够立刻开始创作。油性蜡笔一般有软硬两种。如果画棒太软，会粘在你的手指上难以使用，这种软质的油蜡笔适合用来厚涂，但他们无法达到混合、层涂所需的细微效果。通常软蜡笔的“油”会弄脏纸面或把纸弄透。不过油画棒是一种具有完美硬度的油蜡笔，软硬适中，构成合理。没有软蜡笔的缺点。 基本材料：油画棒和纸供选择的辅材料：酒精、不透明胶带、剪刀、美工刀、调色板、画笔、画刀、黏土具、面巾（湿巾）、纸头（擦笔） 油画棒的基本技法 点彩法：用油画棒的一端在纸上轻击以形成彩色圆点。 混色法：在一块上色区域的边上，再涂上另外一种颜色，然后用手指或纸头把颜色混在一起并涂平。 预混色法：画在纸上之前，可在调色板上混合颜料。 层涂法：上好底色，然后选择另外一种颜色，用油画棒的粗头把第二种颜色涂在底色上。 另外一种方法能达到同样的效果：用酒精溶解油画棒，然后用画笔把混合色刷在底色上，这种技法产生更透明的效果。 分层法：用油画棒上色后，用手指或面巾涂抹颜色。酒精和松节油也可用于产生分层效果。 松节油的使用法：松节油和彩色油画棒混合使用可产生分层效果或使色彩更加透明。松节油直接用在油画棒色上或用来为油画棒色打底。 油画棒技法使用： 刮除法（用具：画刀、针、梳子、黏土具）通过刮去平涂的不同的油画棒色，能够产生一种简明而独特的效果。如果最后一层颜色是深色，效果更明显。试着用画刀、针、梳子等不同的工具刮出底色。涂的颜色越多，刮后显露的色彩越丰富。厚涂法（用具：调色板、画刀）使用柔软的油画棒，能够产生类似油画的厚涂效果。 制作柔和的油画棒肌理：紧贴画纸反复擦拭油画棒，很快形成黏土状。用画刀或手指蘸上这种油彩作画。厚涂技法也能够通过另外一种方法完成，即把油画棒用力挤压在纸上，在表面涂上一层厚厚的颜色。 模版作画法（用具：纸模、美工刀）剪切一块纸板制作模版，放置模版在纸上，
丁绍光绘画中的中国画语言 丁绍光影响了一代艺术家，“云南画派”也在中国画坛上起着举足轻重的作用。丁绍光1980年七月到达美国，绘画的表现语言也进行了转变，使之在商业上大获成功。我想说的是丁绍光不论是在艺术上还是商业上的成功关键取决于丁绍光绘画中那中国画式的语言表达——通过含蓄，意境所表达出来的东方美。 一、中国画表达的含蓄，神韵与意境 早期的中国人物画，顾恺之就提出了人物画的最高要求：“传神写照”。这里的“神”是指人的风神（个性和生活情调，情绪）①。但并不是说“形”就可以被抛弃了：“写形是手段，传神是目的”。这是一种比像更像的比拟，是中国艺术的独特表达。 中国山水画兴起后讲究意境，体现的是一种大美，这是中国独特的美。“情景交融，借景抒情，从而表现出来的艺术境界、诗的境界、就叫做意境。”“意境就是景与情的结合;写景就是写情。”②在这里李可染认为，意境是两方面的体现，一方面是写实，另一方面是抒发感情。它已经超越了绘画的写实，而把情感的释放与共鸣作为绘画的目的。 我们的艺术创作应该融入更多的文化内涵，提升中国艺术的发展。早在1955年，墨西哥壁画家大卫·艾尔法罗·西格罗斯来到中国，他对中国雕塑和古代壁画倾慕不已。当时在艺术家中盛传一件事：当西格罗斯来到云岗石窟，见到那硕大无朋的菩萨像时，他双膝下跪，惊叹不已③。 二、丁绍光坚实的中国画功底 丁绍光的白描，传统中国画，中国重彩画的基础是非常坚实的。他在中央工艺美术学院毕业时开始西双版纳的写生，从他带回的作品已经显示了他中国画技艺的炉火纯青。1917年8月由云南人民出版社收集、整理出版的一本画集中，吴冠中这样写到：“我从西双版纳回到昆明，看到丁绍光同志的白描，感到分外亲切。他的画，气势磅礴，
直接画法与古典油画的绘制方法在程序上也有很大的不同。直接画法作画必须开门见山，一下子就反映出画面的黑、白、灰布局和总体的色彩效果，然后再在这种基础上进行逐步的深入。一般用直接画法作画都不会离开如下的步骤： （1）起稿 用木炭在画布上勾画出物体的轮廓和处理好大致的素描关系，也有的画家直接用熟褐加上少许的冷色，或用群青经松节油稀释后在画布上直接完成这一工序。因为褐色是一种中间色，易于与其他任何颜色协调关系。群青（有些画家也用翠绿、深红、土黄）一类的颜色所勾画的轮廓在作品完成后残留一些断断续续的边线，可以呈现出一种特殊的色彩效果。 （2）上大色调 用轻松节油稀释并与物体颜色近似的色彩迅速弛画出画面的总的色彩感觉。注意色调应比最后要达到的效果对比稍强一点，在这一步时颜色不宜画得太厚。上大体色调时应取一点提前量，将色调画得鲜明一点，随着不断地刻画深入，各种不同的灰色自然而然地会把这种“过火”的色相关系处理得恰到好处。 （3）深入刻画 待松节油稍挥发后，用较厚的颜料逐步在画面上进行深入刻画，如有
条件把作业时间进行得比较长最好。应该注意有计划、分步骤地去完成，比如说今天只画脸，那么其他地方就不动。明天画手，手以外的任何地方都只保留上大色调时所画的底色。一天画不完的地方应用画刀将厚颜色刮去，待其基本上干透后再画，以免吸油。 画油画时应注意亮色一般都应画得比较厚，而暗色一般都须画得比较薄。 （4）整体调整 经过多次完成的油画画面细节丰富，有些细节可能已超出了预定的需求，除去不必要的细节，调整整体关系，使整个画面虚实相生，主体部分更加突出。 新材料的应用 随着近代工业文明的兴起，西方画坛的绘画用材已经完全脱离了手工制作的阶段，特别是近一二十年来由于现代科技的高速发展，种种性能各异的新型画材不断涌现，许多油画材料是过去闻所未闻的。如各种快干油、快干颜料、调水的颜料，能做出各种厚、薄、粗、细感觉不一、而又快干并具有极强韧性的底料等等不胜枚举。各种新材料的问世大大丰富了油画的表现语言并使画家能在进行创作时百无禁忌，一心只需考虑去如何达到最佳的画面效果。
幼儿园小班美术《神奇的油画棒》教案与反思 教材分析： 小班幼儿大部分能适应幼儿园的环境，情绪愉悦地和老师一起互动，个别幼儿还有哭闹情绪，这次活动的重点是让幼儿对使用油画棒有初步的兴趣，难点是掌握油画棒的使用方法，培养良好的油画棒使用常规。 活动目标： 1、初步尝试油画棒在图纸上进行绘画，了解正确的握笔姿势。 2、了解油画棒的各种颜色、使用方法。 3、激发幼儿的想象空间、培养创新意识，对美术活动的热爱。 活动准备： 油画棒一盒、图画纸一张、示范画若干。 活动过程： 1、出示示范画，让幼儿欣赏。 师：孩子们，老师这儿有一些大班哥哥姐姐画的画儿，我们一起来看看吧。引导幼儿欣赏画面，感受美术作品。这些美丽的画画，是用什么神奇的东西画出来的呢？ 2、出示油画棒，让幼儿观察它的形状、颜色。 师：孩子们，你们看，大班的哥哥姐姐就是用这个东西画出漂亮的画，它既可爱又漂亮，而且它的名字也非常好听，它叫油画棒，油画棒宝宝穿着漂亮的衣服，一个挨着一个住在小房子里，你们看，油画棒宝宝是什么样子的？它有什么颜色？ 3、示范油画棒的使用方法 师：老师要和油画棒宝宝做游戏了，我轻轻捏住油画棒宝宝的外衣，让尖尖的笔头在画纸上画一画，看，要用点力了，油画棒宝宝才
会在画纸上画出漂亮的线线，油画棒宝宝我们要保护好，不能使劲把它弄断了，油画棒宝宝在画纸上画出小鸟、大山、小树，（教师边画边说），看看我的手是怎么动起来的？ 再次引导幼儿观察颜色 师：看，现在老师要用油画棒给小鸟、大树穿上漂亮的衣服了，看看，老师怎样给他们穿衣服的？ 引导幼儿收拾油画棒 师：油画棒宝宝和我们一起玩了好玩的游戏，现在它想回家了，我们用完了油画棒，还要把它送回它的小房子，一根一根地摆好。现在，我们小朋友的桌子上也有油画棒宝宝和画纸，我们也来和油画棒宝宝一起玩玩吧。 4、幼儿操作。 提醒幼儿注意握笔姿势。我们可以用油画棒画画我们自己，画画小花小草，画画你喜欢的东西。教师观察幼儿的操作，对握笔姿势正确的幼儿给予鼓励，对不正确的给予纠正，对能运用画笔画线条和图案的幼儿给予赞扬，鼓励个别有畏难情绪的幼儿。 5、整理材料、展示作品 提醒幼儿收拾油画棒和画纸，对个别幼儿的作品给予展示，激发幼儿兴趣。 活动反思： 这是小班幼儿第一次认识油画棒，接触美术活动，这些五颜六色的油画棒对于孩子来说是陌生又是神奇的，他们乐于探索，乐于在画纸上用油画棒上涂鸦，教师要善于激发幼儿的兴趣，保护幼儿的探索精神。在活动中，运用大班幼儿的绘画作品，让孩子初步感知用油画棒可以画出如此美丽、好玩的画来，教师用游戏的语言，让幼儿了解油画棒的使用方法，并在示范使用时，边说边画，让幼儿直观感知油画棒的神奇。在操作中，让幼儿自选颜色，自由作画，教师在这环节，用鼓励性、创新性的语言来发现幼儿作品中的闪光点，如“你画
2010—2011学年度第一学期 绘画兴趣小组活动备课 任教：陈光 铜山县单集中学艺术组 2010年9月
1.油画棒的特点及材料 1课时 主要特点： 油画棒是一种棒形画材，由颜料、油、蜡的特殊混合物制作而成。使用非常简便，你可以直接在画上画画，或用混色、层涂、刮除、分层等技法丰富它的效果。通过单独或组合使用上述技法，你可以画出你自己的风格。 与油画颜料和水彩颜料不同，油画棒是一种固体颜料，无须那些混色或调色的准备工作。一旦有绘画冲动，你就可以立刻开始创作。 油性蜡笔一般有软硬两种。如果画棒太软，会粘在你的手指上难以使用，这种软质的油蜡笔适合用来厚涂，但他们无法达到混合、层涂所需的细微效果。通常软蜡笔的“油”会弄脏纸面或把纸弄透。然而油画棒是一种具有完美硬度的油蜡笔，软硬适中，构成合理。没有软蜡笔的缺点。 材料 基本材料：油画棒和纸 供选择的辅材料： 酒精、不透明胶带、剪刀、美工刀、调色板、画笔、画刀、黏土具、面巾（湿巾）、纸头（擦笔）
2、油画棒的基本技法 1课时 点彩法 用油画棒的一端在纸上轻击以形成彩色圆点。 混色法 在一块上色区域的边上，再涂上另外一种颜色，然后用手指或纸头把颜色混在一起并涂平。预混色法画在纸上之前，可在调色板上混合颜料。层涂法上好底色，然后选择另外一种颜色，用油画棒的粗头把第二种颜色涂在底色上。另外一种方法能达到同样的效果：用酒精溶解油画棒，然后用画笔把混合色刷在底色上，这种技法产生更透明的效果。 分层法 用油画棒上色后，用手指或面巾涂抹颜色。酒精和松节油也可用于产生分层效果。 松节油的使用法 松节油和彩色油画棒混合使用可产生分层效果或使色彩更加透明。松节油直接用在油画棒色上或用来为油画棒色打底。
第16 单元第17 周8 学时 单元标题： 人物肖像画创意素描 教学地点：动漫画室 教学目标： 知识目标： 1、熟悉肖像素描的写生方法和步骤 2、掌握正确的观察和写生方法， 3、熟悉肖像画创意方法和形式手段 能力（技能）目标： 1、能进行人物肖像素描写生和临摹 2、能运用多种形式和表现方法进行肖像画创意素描表现 素质目标： 1、培养和提高学生美术造型能力 2、较高的艺术审美能力 3、具有一定的学习能力和创新精神 教学重点： 1、肖像素描的写生 2、肖像画创意素描的表现 教学难点： 肖像画创意素描的表现 教学方法： 赏析教学法、观察法、讲授法、角色扮演法、练习法 教学材料及工具： 人物肖像画优秀素描作品、模特（或石膏头像）、素描纸、铅笔、橡皮、画架、画板等 考核与评价方式： 考核方式：考勤+ 作业完成情况 评价方式： 1、学生自我评价 2、小组互评 3、教师评价
一、作品赏析，导入新课： 分析作品的表现手法及特点 二、讲授新课 （一）肖像画创意素描的表现手法 1、具象写生 2、抽象表现 ①夸张、变形 包括：形体夸张、表情夸张、动作夸张 ②填加 ③置换 ④错位重组 ⑤打散重构 3、两种表现手法结合运用 （二）肖像画创意表现的特点： 一是形似，二是合理、幽默式的夸张变形。 肖像画创意表现的绘制方法和要点： ①对人体结构及透视的把握 ②肖像画创意的重点在于捕捉人物的神态表情。 每个人都有属于个人的习惯性的表情和动作，要抓住属于对象个人特有的神态表情加以刻画。 ③变形和夸张要依据一定的结构规律 ④要表现出人物的精神气质。可借助于人的表情、习惯性动作或是人物的一些细微的特征，如胡须的形状、皱纹、疤痕等来表现。 三、作业布置 1、人物肖像素描写生 2、人物肖像创意素描表现
中国山水画与西方风景油画绘画语言之比较 [摘要] 大自然是东西方绘画的共同母题, 然而他们却产生了各具特色的中国山水画和西方风景油画, 作品所反映出的绘画语言方面的差异极其显著。双方都在不断吸收对方优点的同时,又保持自己鲜明的独特性。 [关键词] 山水画; 风景油画; 绘画语言 [作者简介] 喻龙( 1970- ) , 安徽师范大学美术学院2005 级美术学硕士研究生。 喻龙( 安徽师范大学美术学院, 安徽芜湖241000) 人类都有热爱大自然的习性, 艺术中的风景之美是人类对大自然的爱的必然结果。由于中西方文化的差异, 中国人提倡人与自然的融合, 提出“天人合一”, 而西方人提倡以人为中心、以人为本的思想, 这导致了中西方在绘画艺术上的差异。 风景作为内容出现在艺术家的作品中并不是一个简单的存在事实, 它实际上体现了人与自然之间不可分离而又神秘的关系, 风景画的历史不过是人对自己与自然关系的认识历史。 中国山水画萌芽于晋, 真正起点在元朝时期, 在隋唐发展, 五代、宋代达到成熟, 元明清至今为延续发展阶段。宋代以后, 中国山水画这一艺术形式一直是中国绘画的主流形式, 发展的脉络清晰可见; 而“在西方艺术里, 风景画只有一个短暂而间歇的历史”[1]( p152) , 西方风景油画没有一个很清楚的历史沿革,只是以画派形式出现短期高潮。在古罗马和文艺复兴时期, 风景画开始萌芽, 但大部分风景画是作为人物的背景而起衬托作用的。十七世纪的荷兰小画派, 十八世纪末、十九世纪初的法国巴比松风景画派, 十九世纪下半叶的印象派, 都是西方风景油画的闪亮点。除了印象主义, 西方风景油画一直不是绘画领域的主角, 而印象主义在当时也是非主流的, 只是后来才被大家所认可。在新印象派、后期印象派, 以及现代主义诸流派所表现的绘画内容———风景, 一直是他们表达绘画理念的实验场,“只有在十九世纪, 风景画才成了占优势的艺术, 并创造了它自己崭新的美学。”[1]( p152) 1.线条 中国绘画基本上是在单一的线造型上发展, 通过笔的运动, 在平面上产生线的形式。在南朝谢赫“六法”论中, 第二位的“骨法用笔”就是强调了“线条的表现”。由于在中国绘画工具中毛笔的运用更富于变化多异, 绘画用线产生多种线描法,以及多种皴法, 如十八描、披麻皴等, 这都是对线的灵活运用。在山水画中, 表现不同的明暗、质感和韵味, 偶尔出现以面为主。如宋代出现的禅画, 现代画家如李可染融合西洋光影法来表现山水。而西方绘画经历了从线到面, 从形到影, 从具象到抽象, 然后又反复在这个圆心中进行循环发展, 以面和体块造型为主。在西方早期绘画中, 也有以线为主、明显含有东方韵味的绘画, 如古罗马的阿尔巴尼别墅风景壁画[2]( p62) , 与宋代绘画极其相似, 无焦点透视的约束, 轮廓分明, 剪影效果强烈。文艺复兴后期绘画基本上将线条融入到光影之中。到现代绘画时期, 在画面形式感得到重视的同时, 线作为造型元素之一得到加强, 体现了中西绘画相互借鉴、相互融合。 2.色彩 中国山水画由于受老庄哲学、魏晋玄学思想的影响, 崇尚黑色和白色, 淡化了其他色彩。“黑为五色之主, 然须以白配之, 则明, 老子曰:‘知白守黑’”[3]( p66) , 以及“水墨画, 能浓淡得体, 黑白相用, 干湿相成, 则面彩骈臻, 虽无色, 胜有色矣。五色自在其中, 胜于青黄朱紫矣”[3]( p78) 。唐代王维开创水墨山水一派, 宋以后则以水墨山水为正统。青绿山水在唐 代大小李将军、宋代王希孟之后几乎是绝迹了。荆浩在议山水画时提出“六要”法则:“气、韵、思、景、笔、墨”, 也将颜色排除在外, 谢赫“六法论”中“随类赋彩”也只是排在第四位。在中国山水画史上, 绝大部分杰作都是水墨山水, 从荆、关、董、巨、李成、范宽、“宋四家”“元四家”、明清诸流派的代表作品看, 充分说明了这一点。而西方油画是用颜色直接涂于承载体上的绘事, 充分发挥色彩的魅力。西方风景油画在印象主义之前, 大都以明
后期的古典写实油画较少使用单纯的透明罩色技法，一般是与多层混合技法结合起来使用。传统混合技法即多层技法，指在单纯透明技法基础上用坦培拉材料进行底层塑造和透明油色罩染结合、反复交替进行的技法，也属于间接画法。混合技法与透明技法的主要区别在于它是在一个中间色调的半透明底子上开始作画的，用坦培拉白色作形体塑造和透明油色罩染反复交替的方法进行，形成比单纯透明画法更为丰富厚实的形体与色彩关系。由于画布的有色底子，底色与透明油色的交互作用产生出微妙的中间“灰”色，与受光部响亮的透明色及暗部浓厚肯定的调子产生了对比。制作半透明有色底了的方法是在定稿了根据画面色调在润色光油中加入颜色如，浅赭色或土绿色等来罩出一个中间层次调子，形成一个浅浅的半透明底色，但这层颜色不能厚，透过半透明的颜色层应能看得出下面的画稿。然后趁湿时用坦培拉白色从受光部开始提亮，对形体进行塑造，用扇形笔将白色按形体结构向中间层次过渡。如果不用坦培拉白色颜料作底层塑造而改用油性颜料的话，即使是快干并偏瘦的颜料，底层色的干燥时间也会比较长。传统的技法在这一步用排线方法逐次进行以形成明确的层次。当底层造型部分色彩干后，再用透明媒介剂调和油画色均匀地罩上颜色。由于混合技法底子的中间层次为浅灰色，所以在罩色时要充分估计到，罩色后色相和明度的变化。用坦培拉白色塑造形体和以透明油色罩色这两个步骤往往要反复交替进行，直到呈现预期的形体和色彩效果为止。要注意的是，用坦培拉白色提亮可在湿的底色上画，而以透明色罩染则一定要等底色干透。
油画：穿棉衣的男子，画家：提香 以透明技法或多层混合技法为主的古典写实风格油画创作具有透明性好、色彩鲜亮和层次感强的特点，但缺点是由于形与色分开处理，两者容易出现不够协调的问题。而由于色彩以固有色为主，相对会比较单调，颜色也不如直接画法那样厚实。另外古典透明技法制作过程较长，容易注重制作程序而忽视画面节奏的联系和画家情绪表达的问题。 现代油画创作中的古典写实风格油画中透明画法大多与混合技法结合起来运用，也有比较多地采用直接画法先局部完成，然后再用透明技法进行罩染和润色。透明技法或混合技法都并
油画棒风景画 教学目标： 1、通过欣赏使学生发现大自然的美，并结合自己的认识和联想，用语言表达自己的感受。 2、通过课堂活动的参与培养学生合作与交流的学习方式，在活动过程中感受发现美的愉悦，形成健康的审美情趣，提高审美能力。 教学重点：欣赏、感受、了解大片段的美，增强环保意识，激发热爱大自然、热爱家乡、热爱祖国之情 教学难点：油画棒多色重叠渐变的方法。 课前准备： 师准备一些自然风景的图片 生准备油画棒、彩色水笔等绘画工具 课堂教学： 一、引导、欣赏阶段： 1、问：小朋友们，爸爸妈妈经常带你们到大自然去玩吗？给你留下深刻印象的风景有哪些？请小朋友来说说 2、生发言 3、师小结：大自然的风景里藏着许许多多的颜色和形状，你能把它们找出来吗？ 4、师引导学生从图片中找颜色如树的绿、天的蓝、太阳的红、沙的黄等； 另外启发学生说说景物中隐藏着的形状和形状，生表达不清师可提示。 5、美丽的风景需要大家一起来保护，你会用什么办法来保护它呢？ 二、发展、创作阶段： 1、大自然中有这么美丽的景色，你们想不想把他们画下来？ 2、用我们的油画棒和彩色笔就可能做到，你们找找哪些颜色可以用来画大自然的景物？（组织学生找出颜色并说说可用来画什么） 3、“小火车”游戏体验，一个同学上来画一个火车头，下一个同学上来接着画下一节车厢。两种油画棒相互重叠衔接形成新的颜色。从游戏接龙中学到多色渐变图物体。 4、学生创作：小朋友们用自己喜欢的颜色画一画你喜欢的景物，也可以画课本里图本中的景物，可以一边画一边小声说：我用什么颜色画什么东西，它是什么形状的，用几种油画棒渐变来画等等。 4、生创作，师指导 三、欣赏、展评： 1、请小朋友向大家展示自己的画，说说自己画的是什么 2、师出示一些绘画风景，引导学生说说自己喜欢哪一幅，为什么 3、师小结：我们在美术课中可以学习很多种画画的方法，不同的方法画出的景物者有美的方面，小朋友画的也是美的，希望大家今后认真的学，勇敢的画
油画棒的特点及油画棒的使用方法大全 油画棒是一种棒形画材，由颜料、油、蜡的特殊混合物制作而成。使用非常简便，你可以直接在画上画画，或用混色、层涂、刮除、分层等技法丰富它的效果。通过单独或组合使用上述技法，你可以画出你自己的风格。 油画棒和其他绘画材料混合使用法 油画棒用途广泛，适合和其他画材一起使用。混合使用的作品效果和油画棒画区别很大。发现油画棒的多姿多彩和完美性能。 与油画颜料和水彩颜料不同，油画棒是一种固体颜料，无须那些混色或调色的准备工作。一旦有绘画冲动，你就可以立刻开始创作。首先需用美工刀把粉彩棒刮成粉状，用指尖或画笔清涂粉彩棒粉， 色粉轻轻地粘在油画棒画的油性表面，产生粗糙的表面效果。使用荧光和珠光粉彩棒效果更好。图例显示了把粉彩棒粉涂在纸模覆盖的画面上的基本过程。 油水分离法（用具：调色板、水彩、画笔）在油画棒绘制的画面上刷上水彩，产生明显的油水分离效果。由于油画棒以油和蜡为基料，水彩“抗拒”与之混合，一种独特的油水分离效果达到了。
酒精的使用法（用具：酒精、画笔、针、棉布）酒精可以用来擦去油画棒色或溶解油画棒使之象油漆一样刷写。一块酒精浸透的棉布用于擦去油画棒色，或混合多种油画棒颜色，用针刮油画棒色覆盖的表面，再用酒精擦拭可以产生蚀刻效果。 油性蜡笔一般有软硬两种。如果画棒太软，会粘在你的手指上难以使用，这种软质的油蜡笔适合用来厚涂，但他们无法达到混合、层涂所需的细微效果。通常软蜡笔的“油”会弄脏纸面或把纸弄透。然而油画棒是一种具有完美硬度的油蜡笔，软硬适中，构成合理。没有软蜡笔的缺点。 基本材料：油画棒和纸 供选择的辅材料：酒精、不透明胶带、剪刀、美工刀、调色板、画笔、画刀、黏土具、面巾（湿巾）、纸头（擦笔） 油画棒的基本技法 点彩法 用油画棒的一端在纸上轻击以形成彩色圆点。 混色法 在一块上色区域的边上，再涂上另外一种颜色，然后用手指或纸头把颜色混在一起并涂平。 预混色法 画在纸上之前，可在调色板上混合颜料。 层涂法
用文字画人物肖像——人物外貌描写四法 通过对人物外貌的描写，往往能反映人物的内心世界和性格特征。这里教你几种外貌描写的方法，你可以运用到平时的写作中。一、白描式描写就是不加渲染烘托，不用华丽的词藻，而以简练的笔墨勾勒出鲜明生动的人物形象来。这种描写方法的运用，可以给读者一个简单而明快的印象。如《藤野先生》中的“黑瘦”“八字须”“戴着眼镜，挟着一叠大大小小的书”“缓慢而很有顿挫的声调”“衣服太模胡”“冬天是一件旧外套”等，抓住藤野先生的特征，几笔勾勒，就活画出一位生活俭朴、治学严谨的学者形象。二、漫画式描写需要强调人物外貌的某一特征时，可以采用夸张的手法进行描写，这就是漫画式描写。如鲁迅笔下的阿Q：“最恼人的是在他头皮上，颇有几处不知起于何时的癞疮疤。这虽然也在他身上，而看阿Q的意思，倒也似乎以为不足贵的，因为他讳说”癞“以及一切近于”赖“的音，后来推而广之，”光“也讳，”亮“也讳，再后来，连”灯“”烛“都讳了。”鲁迅先生抓住阿Q外形上最引人注目的、最富幽默色彩的特征头上的癞疮疤，以诙谐的语言进行了夸张描写，为读者描绘了一幅幽默的人物漫画。三、工笔式描写工笔描写指对人物多用笔墨做细致入微的刻画，犹如电影中的人物特写或绘画中的工笔肖像画，人物的外貌特征、服饰、穿戴以及细微的表情，都能让读者看得清清楚楚。如刘绍堂《榆钱饭》中：“丫姑野性，胆子比人的个儿还大：她把黑油油的大辫子七缠八绕地盘在脖子上，雪白的牙齿咬着辫梢儿，光了脚丫子，双手合抱比她的腰还粗的树身，哧溜溜，哧溜溜，一直爬到树梢，叉开腿骑在树杈上。”这段文字用工笔细描法，把一个“野性”“胆大”的“丫姑”惟妙惟肖地刻画了出来，令人过目难忘。四、间接式描写就是不直接描写人物的外貌特征，而是通过写周围人物的反应来表现特定人物的外貌。此法含蓄隽永，给人以广
论中国画形式语言的写意特征 彭洁 内容提要本文从中国画形式语言的角度围绕写意这一命题，以历代哲学、美学观念、书论、画论和书法绘画作品的经典范本为依据，并深入到中国画形式语言的动态过程，来探讨写意的本质特征在中国画形式语言中的体现。 关键词中国画写意生命精神形式语言 对中国画的研究首先应对指导画家创作的占主导地位的美学哲学思想进行研究，其次离不开对写意中国画形式语言的研究，因为画家的美学哲学思想往往是其审美理想，艺术家的绘画实践紧紧围绕着这些审美理想，努力在创作中寻求实现这种理想的表现手段。同时，对艺术实践经验的总结也推动了美学理论的发展，理论和实践的相互作用推动着中国画向前发展。 1中国画理论的哲学美学思想根源及写意理论的提出 道家和玄学的重?意?而轻?言?、?象?，以?意?为本的认识论、方法论对中国绘画艺术的审美、创作和艺术表现等方面都有深刻的影响。中国古典美学认为，宇宙的本体和艺术的生命都是?气?，艺术的创造和欣赏也离不开?气?。王充由?气?推演出?神?的概念，进而把?神?作为人生命精神的体现。《易传》提出?天地之大德曰生?，扬雄认为?天地之所贵曰生?，生生不息的乐生精神是中国人生命精神的集中概括。 哲学认识的提高必然直接或间接影响美术理论的发展。魏晋时的理论家谢赫在《画品》中提出的?六法?是中国绘画理论中最早、最基本的系统绘画原则，?气韵生动?是第一法，也可以说是六法总则。谢赫认为气韵主要是指作品体现出来的气
质风韵，而衡量作品是否有气韵，关键在于作品整体上是否生动，也就是说，只有作品中充盈了生机和活力作品整体才会具有?气韵?。 中国传统的思维方式对时间特别依重，强调以时间去融汇空间。《周易》提出?周乎万物?，《管子》谈到?宙合?，意指在时间的恒流中宇宙万物圆融周济。这种时空合一的心理形式反映了中国人以生命为中心的独特意识，也被化用到中国艺术的认识方式和意象创造方式之中。 由于中国语言文字的模糊性和多意性，许多概念往往字面不同而内涵相通。前面论述到中国画重意、气、神、生命和时间，其核心都是重主体的生气和活力，重主体内在生命精神的传达。 因此中国画从它诞生之初就不以单纯追求自然万物外在形态的逼真再现为目的，而是以客观事物的外形结构和运动规律为表现契机，注重创作者主体情感和精神对客体的映照，这种不似之似的创作观念和方法映射出中国画家天人合一、物我相溶的的浪漫情怀。 元代汤垕提出了绘画的?写意?说，他在《画鉴》的《画论》中说：?画梅谓之写梅，画竹谓之写竹，……何哉？……画者当以意写之，不在形似耳。??写?，《说文》中的解释是：?谓去此注彼也……?《小雅》有：?我心写兮。?《传》云：?输写其心也。按，凡倾吐曰写，故作字作画皆曰写。?汤垕将画梅、画竹、画兰称为写梅、写竹、写兰，显然是为了强调倾吐胸中之意。 汤垕的写意说强调的是与书法同源的?写?的手段和直抒胸襟的?意?的表达。?写意?这一特有的理论术语指导了中国绘画的创作。
初学油画时应该掌握的作画步骤与技巧 面对眼前景物进行写生时，会存在许多难以解决的问题，比如构图、色调、还有对油画技法的表现等等。特别是掌握油画技法是非常重要的一关，油画技法中的直接画法又是一个重点，也是我们平时画画时最快捷的方法。也可以说整个西方的传统油画，都是对自然景物的客观规律来进行不同的表现，再深入研究，逐步地发展起来的，而那主要是通过对客观实物进行写生来实现。西方绘画中古典油画的艺术家们主要任务是怎么样解决物体的造型问题，但印象派的油画是以油画的笔触和色彩来评判一幅油画作品的好差。对我们平时画一幅完整的油画习作的时候要求做到形、神、色兼备，缺一不可。 那我们又如何使一幅完整的作品在色彩上处理得能够别出心裁以达到一种最理想的艺术境界，最好方法是在行笔的时候使形与色的处理上达到完美的结合，这才是我们在油画教学上最基本的要求。那么多年来有许多杰出的绘画大师都在这方面以自己独特的方法达到了成功，他们的实践为我们提供了无数的教学参照和优秀作品典范。假如说这其中有什么诀窍的话，那就是我们长时间地进行实物写生练习，并在这样的练习中不断地提炼和优化自己的艺术语言、走进艺术的大门。直接画法是我们平时最容易操作，同时又是最容易见成效的画法。所以我们在这里所讲述的油画写生实际上主要是指使用直接画法来进行油画写生。
进行油画写生需要一个循序渐进的过程。我们不可能要求一个初学者一开始就去描绘那些构成非常复杂的物象、全身人像甚至双人体。我们可将这种学习过程分为静物、风景、人物(其中又包括头像、着衣半身像、全身像及人体)。现在我们就以几个不同的阶段来依次进行分析讲述油画的作画步骤，由浅入深地进行练习。 一、静物写生 静物画是我们平时一种最简单基本的画种，也是一个初学者必须经历的一项造型过程，它的简单同时也有它趣味，我们不能以简单的物体来衡量其艺术价值，它同样有着与其他画种一样的艺术价值。如果我们仅仅将它作为油画学习时的一门基础训练课程，那我们就只要去观察其形态的静止性、光线的固定性和色彩关系就可以组合成一幅完整的油画作品，都可以使初学者在写生练习时对其进行反复的观察和研究，因而这种方法是显而易见的，同时也是任何其他练习所不可取代的。在我们平时完成一幅油画静物练习应从如下几个方面着手，那就是静物设置、构思构图取舍、组织色调、细部刻画、整体调整来进行。 (一)静物设置 静物设置实际上是包含着很深的学问，并非那么简单。当我们平时欣赏一幅优秀的静物画时，可联想到作品画幅作者的艺术追求，其实这是作者在作画前的艺术构思，作者的心里早有了画的设置。我们作画的时候能否设置好静物往往是这幅作品最终能否成功的先决条件。不过对于初学者来说应该选用那些形体相对简单、色彩丰富而又
5~6岁幼儿绘画技能教学的探索——以油画棒绘画为例 导读： 儿童喜欢一次性完成绘画创作，并在创作中几乎不作太多考虑，直接作画，下笔流畅，线条大胆，涂色随心所欲，不存在成人所谓的败笔。研究发现，5~6岁的儿童在创作中充满自信，能以较多的方式使用线条和形状，如开放性的和封闭性的、爆发性的和控制性的，并根据自己的情感、愿望或按物体固有色来涂色。 绘画是儿童的一种特殊语言，是其表现内心世界的一种载体。学前儿童艺术思维在绘画创作过程中表现为一种运用多通道的感觉器官，获取、再造、物化审美心理意象的活动。对学前儿童的艺术思维进行研究，有助于教育者进一步深入认识学前儿童的内心世界，使学前儿童艺术教育更好地促进儿童的发展。 本研究借鉴哈佛大学加登纳教授关于艺术活动三大系统的概念，以及国内研究者关于绘画超常儿童艺术思维过程三大系统的概念，将艺术思维过程分为三个部分： 知觉(perception)、反省(reflection)和制作(production)。研究采用随机抽样，选取一所江苏省省级示范幼儿园(非艺术特色园)大班30名5～6周岁的学前儿童，分成5组，每组儿童作画时间为上午10点～11点之间。研究持续半年，共搜集了138幅儿童绘画作品，通过对儿童绘画创作过程及作品的分析，探究5～6岁儿童绘画创作中艺术思维的过程与特点。 一、5~6岁儿童艺术思维中的知觉 知觉是在感觉基础上实现对物体一般结构特征的把握的心理过程。视知觉，也就是视觉思维。绘画活动中的视知觉是视觉对对象的形状、色彩、光线、空间、张力等审美属性及其所组成的完整形象的整体性把握。学前儿童对绘画创作对象的获取正是通过其感觉器官的视知觉功能来实现的。 对儿童艺术思维中的知觉过程及特点的研究，是通过4次绘画活动来完成的。主题分别是：
《肖像画》教学设计 这是一篇由网络搜集整理的关于《肖像画》教学设计的文档，希望对你能有帮助。 一、教学目标 知识与技能：了解人物脸形、五官、表情等特点，掌握三庭五眼的规律，并运用线描的方式画一幅人物肖像画。 过程与方法：通过对身边小伙伴的观察、描述和分析，能够准确抓住人物特征及其比例关系，提高动手能力。 情感、态度和价值观：提高观察能力和动手造型能力，体验以线造型的艺术魅力，增强同学之间的深厚友谊。 二、教学重难点 重点：人物脸形的特点以及三庭五眼的比例关系。 难点：能够准确抓住人物的主要特征和神态，运用线条进行表现。 三、教学过程 活动一：激趣导入 展开“明星猜猜看”的游戏，多媒体课件展示明星头像图片，并提问： 你们有自己喜欢的明星吗?能说出他们的名字吗? 学生回答自己喜欢的明星，教师总结：在对明星外貌进行区分的过程中，我们会抓住某一个外貌特征来进行比对，那么在表现人物肖像时我们该抓住哪些特点呢?今天就让我们一起走进这片神奇的天地《肖像画》。 活动二：描述分析
1.脸形特征 (1)引导学生同桌间互相观察： 你知道你同桌的脸形有什么特点吗?(有的是方方正正;有的是头部上方较下方更圆润) (2)用多媒体展示八种不同的脸形和相对应的汉字，引导学生进行连线游戏，根据自己的发现将对应的脸形和汉字相连接。 结合汉字，不同的.脸形有什么不同的特征? 学生回答，教师总结：为了帮助人们把握人的脸形特征，古代艺术家把脸形归纳为“田、由、国、用、目、甲、风、申”八个字型的脸形。面扁方为田、方者为国、倒挂形长为目、上削下方为由、上方下削为甲、上削下尖为申、腮阔为风、上方下大为用。即为“八格”，脸形特征有规律可循：“像之大概，不外八格”。但是脸形特征因人而异，并不是一成不变的，有的人脸形比较明显，有的人具备多种脸形特点。 2.五官比例 教师多媒体展示五官的比例图，请学生仔细观察： (1)动手量一量，找一找头部的五官各部分的比例有怎样的特殊之处?(头长均等的分为三部分，面部宽度有五只眼睛的长度) (2)继续观察、测量，图中眼睛的位置在什么地方?(头部长度的二分之一处) 学生回答，教师总结：从发际到眉弓，等于眉弓到鼻底，又等于鼻底到下巴，即为三庭，上庭是从发际到眉弓、中庭是眉到鼻底、下庭是鼻底到下巴。脸的正面，眼睛处于头部长度的二分之一位置，脸宽为五个眼睛长，两眼之间为一个眼长，叫做“五眼”。这就是人物面部比例：三庭五眼。
《中国画的艺术境界和艺术语言》-绘画-教学设计 一、教学目标 【知识与技能】 了解中国画的概念及相关知识，感受画家在自然美中表达内心的审美情趣。 【过程与方法】 通过赏析、讨论和分析，了解中国画的艺术特点及独特的民族文化内涵，提高学生的美术鉴赏能力。 【情感、态度和价值观】 激发学生对祖国优秀传统艺术的热爱之情。 二、教学重难点 【重点】 了解中国画的特点以及作品中所传达出的主观情感。 【难点】 体会中国画中的形神兼备和气韵生动之美。 三、教学过程 环节一：图片展示，导入新课 课件出示一幅中国山水画和一幅西方风景油画对比欣赏，体会不同。结合资料卡介绍相关中国画的特点，从而导入课题《中国画的艺术境界和艺术语言》。 环节二：新课讲授，探究新知 1.认识中国画
课件展示多幅国画作品，并提问：结合相关资料，谈谈对于中国画的理解?学生总结回答：中国画源远流长，历史悠久，是中华民族数千年精神文明创造结晶之一。画家有着自己特有的观察、感受、认识、体验和评价客观世界以及表现自己主观思想感情的独特的方式和方法。他们使用中国特有的笔、墨、纸、绢、砚等工具材料，有着不同于西方绘画的艺术创作理念、艺术创作方法和艺术表现语言体系。 2.形神兼备 结合画面，理解一下“形、神”分别是什么?根据学生回答，师生共同总结得出：“形”是指表现对象的外部形态特征，“神”是指表现对象的内在精神本质，这两者互为表里，相互依存。古籍中有“存形莫善于画”的说法，又有“形具而神生”之说，因此自东晋顾恺之以后，“以形写神”或者“形神兼备”便一直作为重要的指导理论应用于人物画领域，之后又逐渐扩大到山水画和花鸟画领域。 3.气韵生动 出示作品《韩熙载夜宴图》，以同桌俩人为一小组，讨论画家在作品中是如何凸显人物性格特征的，使画面具有生命力?师生共同讨论得出：遵循绘画的最高标准“气韵生动”的绘画理论。气韵，就是宇宙中鼓动万物的“气”的节奏。绘画有气韵，就能给欣赏者一种音乐感。六朝山水画家宗炳，对作品弹琴，欲令众山皆响，这说明画里有音乐的韵律。 环节三：总结归纳，体会气韵 提问：如何理解绘画中体现的气韵生动?师生共同总结归纳得出：南齐谢赫进一步发展了“形神兼备”理论，把“气韵生动”列为绘画“六法”之首。气韵原是品藻人物从姿态、表情中所显示出的精神气质、情味和韵致时的用语。 在绘画中“气韵生动”是指作品及其所刻画的形象要具有一种生动的气度韵致，显得富有生命力。到后来，气韵的概念渐渐涵容更多的主体表现的因素，气韵指的是作为主客体融
古典油画材料与技法教程 2011-02-24 20:10 看过冷军画的人，都非常佩畏他画面中写实细腻逼真的特色。他的照相写实主义的画面需要极大的耐心才能完成，基本功过硬当然是基础。可是就国内而言，许多想画成这样并有素质画成这样的人却往往对实现这一效果过程的技法感到无从下手，这里我先谈谈冷军油画的画面效果： 1.他的油画极为写实、细腻，就算凑得很近也看不出笔触的痕迹。 2.表面非常平整。 冷军是武汉一所普通师范院校美术专业毕业的学生，之前少有人知，但蛰伏到了中年他开始爆发，通过其超级照相写实主义的画作，一下子确立了自己在国内画坛的地位，先前他的一幅《五角星》在纽约苏富比拍到了900多万RMB，直追张晓刚过亿的记录，位列当代画坛第二。在胜名之下，人们对他乱真的技法必然发生兴趣，不过技法包括画家本人以及各方人士谈得都极少，我觉得在这样的关注之下，他要是自己写本技法书出版，肯定卖得不错，还有包括像徐芒耀这样相对纯种的法兰西十九世纪学院派技法的衣钵传人，要是能出本结合自己经验跟国情的技法书，图文并茂，就算贵点，我想卖得人还是很多的，造福学子。市面上我看到的国内的只有一本姚尔畅的比较深入全面些，但我读过还是有些疑问。因此在这里我只能通过展览上的观看再结合自身这些年的经验来尝试写点技法，我并非说冷军就是这么画的，我只是讲以我这样来画可以达到同样的效果，希望跟大家切磋一下（虽然我知道以我博客的访问量这几乎是无望的）。 冷军油画作品局部 一.了解技法前的前提 1.毅力与决心的试金石 这个前提就是你别幻想技法万能或唯一的传说，这种技法就是由于掌握它并实践它时的难度才变得曲高人寡，而最关键的不是技法本身难学，学并不难，只是你必须要有超绝的毅力与耐得住寂寞的耐力才能实现这一目标。冷军一年只能出一张画，每天用小笔（传说是说他用一种日本进口的尼龙小笔）架着画杖从早到晚一点一点地画，一天只能画硬币大小的一块（传说，真实性有待商榷），不厌其烦地一遍遍很薄地罩染。用“关起门来无人知，走出门来吓死人”来形容他的画再好不过。所以这类画法是相当辛苦和需要坚持的，它的乐趣就在坚持之后，出效果时所带来的愉悦。 2.学院派写实绘画的含义 这里所谓学院派不是在美院里学的都可以算，说得清楚点，狭义一些，其实它指的就是在19世纪的法国一批顶级的油画家发展出的一套科学更有效的写实绘画方法。它的精髓真正掌握的人不多，在国内而言也只有为数不多的画家可以运用地游刃有余，大多数画家一来可能对其不了解，二来是因为畏惧学院派技法的艰苦程度而放弃学习和实践。
《画人物》教案 一、教学目标 【知识与技能目标】 了解各种脸型及人体比例结构，把握人物特征。 【过程与方法目标】 通过观察、欣赏，运用某种造型方法表现同学的特征。 【情感态度价值观目标】 通过学习活动，养成良好的观察能力和造型表现的能力。 二、教学重难点 【重点】 了解不同人物的发型、脸、五官、表情的特点。 【难点】 突出人物形象特征。 三、教学用具 绘画用笔、纸、图片等相关资料 四、教学过程 (一)激趣导入 (出示明星漫画肖像)让学生猜一猜是谁，并说出从什么地方看出来的?(学生踊跃回答)师：画家抓住了成龙的——眼睛小、鼻子大这一特点,对成龙的鼻子和眼睛进行了夸张,对特点不明显的眉毛、耳朵、嘴进行了概括。让我们一起了解人脸具体创作方法——《画人像》。 (二)新课讲授 1.(出示名人漫画肖像)师：许多明星被大众所熟悉，他们的特征也非常明显，观察图片思考这些人物五官有什么不同? (学生回答)教师总结：发型不同、脸型不同、五官都有各自的特点。 追问：人物的特征主要是通过哪个方面表现出来的?(学生思考回答) 教师总结：人物的头部是反应人物特征最主要的地方，包括相貌、精神状态，还有性格特征。而人物头部的特征主要是通过脸型、五官和发型来表现出来的，艺术作品又往往通过人物面部的刻画来揭示人的内心世界，突出表现某一主题。 2.欣赏艺术作品肖像画(达芬奇《蒙娜丽莎》、后现代版《蒙娜丽莎》)观察对比这两张作品的在表现人物特征的手法有什么特点?(学生积极思考并回答) 教师总结：时代的不同，创作手法有着很大区别，前者唯美写实，后者夸张搞怪。可见肖像画的创作方式及表现手段的不同即使同一事物也会有不同效果。 继续欣赏人像图片。提出问题：对比画面中人物的脸型，你能归结出哪些形状?由此思考人物的脸型有哪些?
高三基本能力——美术专题——学案2 《中国画2》 编制时间：2011-9-7 编制人：景凯 花鸟画基础知识 一、花鸟画的特点——（、） 二、用笔与墨色 唐代张彦远《历代名画记》—“墨分五色”即。 清代唐岱《绘事发微》—“墨分六彩”即黑、白、干、湿、浓、淡。 黑白不分，无阴阳明暗； 干湿不分，无苍翠秀润； 浓淡不分，无凹凸远近。 三、花鸟画的分类——工笔花鸟、写意花鸟、（小写意又称没骨花鸟） 1、工笔花鸟画 唐代韩滉的《五牛图》是现存最早的花鸟画。 五代黄荃《写生珍禽图》以淡墨轻色，层 层敷染，注重表 达物象的精微、 逼真。 宋代院体画：写实性极强的工笔重彩画 代表作——宋徽宗赵佶《芙蓉锦鸡图》。 工笔花鸟画使用的工具材料：毛笔、绢（或生宣纸）、国画颜料、墨 2、写意花鸟画 重视形似而不拘泥于形似，甚至追求“不似之 似”与“似与不似之间”，借以实现对象的神采 与作者的情意。 四、中国古代著名写意花鸟画家 五代徐熙 南宋法常 元朝王冕 明朝徐渭 清朝朱耷扬州八怪海上画派等 五、中国近现代绘画——（、） 受西方绘画的影响分成两大派 1、传统派：延续中国画的笔墨特色，并力求创 新。 代表人物：齐白石、黄宾虹、潘天寿 2、融合派：将西方绘画引入中国画 代表人物：徐悲鸿——引入明暗《奔马》 林风眠——引入色彩和构图《山 村》 李可染——引入逆光《看万山红 遍》 六、花鸟画的构图——折枝法 代表作品：《白海棠图》清代邹一桂 七、花鸟画寓意 1、四君子：梅、兰、竹、菊 梅：不畏严寒，经霜傲雪。画 梅大师王冕（元代） 兰：寄托一种幽芳高洁的情操。墨 兰大家郑思肖（宋代） 竹：比作君子的气节和虚心。文同 （宋代）、郑燮（清代） 菊：寓意清高脱俗。徐熙（五代） 2、岁寒三友——梅、竹、松 牡丹、芍药——富贵 桃——长寿 八、中国画的装裱形式 1、立轴：窄而高的画幅，上端横杆， 下端木轴，因此叫立轴。 立轴面积较大的叫中堂。 2、斗方：接近正方形的画统称斗方。 3、条屏：窄而高的几幅相同大小的画。 如梅兰竹菊四条屏。 4、扇面：画在折扇或类似扇形的画。 5、镜心：圆形或近似圆形的画。 6、册页：小画装裱成册。