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装饰画构图作者：田畅来源：《神州》2012年第29期摘要：进行装饰艺术创作时，首先要解决装饰构图，有了这个大框架，才谈得上装饰造型、装饰色彩。
关键词：超时空的组合对称与均衡视角与意境一张图画，当人们欣赏之时，首先进入视线的是图面的大结构，就像一个建筑物，首要的是地基布局和钢架结构，其次才是墙壁装潢等。
所以，进行装饰艺术创作时，首先要解决装饰构图，有了这个大框架，才谈得上装饰造型、装饰色彩等。
构图在中国画论中称之为“经营位置”，从字面上，用“经营”两字能很好的体现作者对构图艰苦思维过程，“位置”即是对画面的布局。
把作品构思设想为军师布阵，就可以理解构图对于全局的重要意义。
米勒语说过：构图就是把一个人的思想传递给另一个的艺术。
它能较为确切地表达了构图目的.绘画作为创作活动就应该在借鉴前人经验的基础上有所推进，有所创造。
能做到有法无尽是最可取的。
构图的过程就是构思在逐步成熟的过程，没有这个构思就无所谓构图，构图是对画面的形象和结构的进行全面经营和探索。
构图的能力高低及形式感优劣是衡量一个装饰画是否成熟的标志，因为造型艺术首先打动人的是形式而不是内容。
那么，形式一词有多种含义，只从造型艺术来讲，它是仅仅一种复杂的抽象活动，是艺术整体形成的一个排列。
所谓形式感，按通常的美学来讲，是在客观事物的复杂发展变化中，归纳最基本的形和线的特征，使之还原成单纯的线和几何形像，如圆、三角、方、水平线、垂直线等等。
这些组合，能使人们心理方面产生一定的共鸣，总的来说，这种心理作用又与人们的生产生活经历密切相关。
一条水平线，平静、安宁，波纹研究形式的规律是构图中一个重要的方面，假如对太极图深入的揣摩和体会中，就能对形式规律的对立统一规律有更进一步的理解。
此外，点作为绘画上最简洁的形态，在形式构图中占有很重要位置。
点既有大小、形状和位置的特性，又由于点的扩大、排列、变化、聚散和运动方向，在构图中都可以产生极为丰富的效果。
比如点的大小变化可以给人以点面的互换、拉伸和渐进过渡的感觉，而点位置的变化又可以给人以静、动、浮、沉的感觉。
浅谈装饰性绘画摘要】装饰性绘画是以各种装饰性的特殊手法进行创作，达到特定的装饰效果而成的绘画。
装饰性绘画偏重于表现形式的装饰性，它强调美感，具有不同于一般绘画的独特的艺术魅力。
【关键词】装饰画；要素；认识；处理装饰性几乎是涉及艺术范围广泛的学术问题。
但从艺术上来说，有一点是共同的，那就是画家在面面上所表现得不是机械的再现，而是理想至上的表达。
所以装饰性绘画的主观独立性比任何画种更具代表性。
如果失去了艺术发现的能力，就必然会失去艺术创作的独立性。
罗丹说：“美是到处都有的，对于我们的眼睛，不足缺少美，而是缺少发现。
”①艺术发现的能力与审美能力总是相伴的。
当然，发现的前提还在于我们对艺术的观察，对事物都无动于衷是发现不了艺术的。
“我们的艺术触发有时表现为一种复杂现象：生括积累(包括我们曾经感受到的美感积累)与特定生活环境中的景观相吻合了，也就是触景生情，或是长期积累，苟然得之。
”②一、画面构成构成就是画面的整体结构，无论是装饰性绘画还是写实性绘画，都有一个画面构成形式问题，它包括平面结构与立体结构两个方面。
平面结构是平面空间的分割，如上、下、左、右的形象安排与色彩安排，如荷兰画家蒙德里安的艺术，就是以平面分割设计的完整性为其艺术表现的最终目的。
不恰当的平面结构必然造成构图的平庸与徒劳。
立体结构是画面纵深空问的分割，在有限之中要体现无穷。
山水画论中讲究三远，即“平远、高远、深远”这是深度的要求。
装饰画在处理中，打破透视的束缚，常常用平行线或45度角的斜线来表现画面的一切形象。
其实，就像看海景一样，站得高，看得远，画面更能包括无穷的空间了。
只自打破透视线的束缚才能尽收画幅之中。
二、装饰情味情味是情调、意味。
情味是装饰造型的生命所在，这与纯理性的构成要求不同，“景、情、形是艺术处理的三层结构”。
中国艺术风格富有独特的装饰性和情味。
是意象与情致的高度结合。
从工艺美术角度来看，无沦是运笔果断而生动地彩陶图案、或是庄重而严密的青铜图案、笔意流畅而浪漫的楚文化漆器图案、形象简约凝练的秦砖汉瓦、情趣超然而典雅的的南北朝雕刻、以及天真稚拙而生气盎然的民间工艺美术品能等，无不神形兼备包含动情地气势。
从《女人的三个阶段》分析克里姆特的装饰性绘画风格1. 引言1.1 介绍克里姆特的装饰性绘画风格克里姆特（Gustav Klimt）是20世纪初期奥地利著名的艺术家，以其独特的装饰性绘画风格而闻名于世。
他的作品通常充满了金色的装饰，细致的图案和肖像，展现出一种独特的艺术风格。
克里姆特的装饰性绘画风格受到了拜占庭艺术、日本版画和维也纳分离派艺术运动的影响，将自然元素和抽象形式融合在一起，呈现出一种极具诗意和象征性的艺术语言。
他的作品不仅在当时引起了轰动，也对后世艺术产生了深远的影响。
克里姆特擅长运用各种材料和技巧来营造出独特的视觉效果，他的作品常常充满了装饰性的图案和细节，让人仿佛看到了一幅绚丽多彩的华丽画卷。
他对色彩的运用也极具个性，常常使用金色和暖色调来打造出独特的氛围和情感。
克里姆特的装饰性绘画风格不仅体现了他对艺术的独特理解和创新精神，也展现了他对美的追求和独特的审美观念。
通过对克里姆特的装饰性绘画风格的深入了解，我们可以更好地欣赏和理解他的艺术成就，以及他在艺术史上的独特地位。
1.2 简要概括《女人的三个阶段》《女人的三个阶段》是奥地利画家爱格纳斯·克里姆特的一幅代表作品，描绘了女性在不同阶段的生活中所经历的情感和变化。
这幅画作分为三个部分，分别代表着女性的青春、成熟和衰老三个不同阶段。
在画面中，克里姆特运用了典型的装饰性绘画风格，整体色调柔和而丰富，线条流畅而优美，展现了他独特的艺术表现力。
通过细腻的笔触和独特的构图，克里姆特成功地捕捉到了女性生命周期中的各种情感和体验，让观者能够感受到一种独特的内心表达和情感共鸣。
这幅作品也反映了克里姆特对女性形象的理解和尊重，呈现出一种深沉而充满生命力的艺术风格。
在当代艺术领域中，《女人的三个阶段》仍然被广泛地研究和欣赏，成为克里姆特装饰性绘画风格的经典之作。
2. 正文2.1 克里姆特的装饰性绘画特点1. 强调装饰性元素：克里姆特的装饰性绘画作品中，装饰元素起到了非常重要的作用。
装饰，《辞源》解释为“装者，藏也，饰者，物既成加以文采也。
”是对器物表面添加纹饰、色彩以达到美化的目的。
装饰绘画也正是表达美的一种绘画形式，相对于真实性绘画而言，真实绘画重客观世界物象的真实描绘，而装饰绘画是一种具有具象、抽象、意象并介于绘画和装饰之间的艺术表现形式。
它的艺术语言特征是艺术夸张，最显著的特点是非自然形态的主观造型变形，色彩夸张、形态夸张。
比如在古代附属在彩陶、青铜等器皿上图案纹样的动物纹、人纹、几何纹都是经过夸张变形、高度提炼的图形。
目前这种装饰性的绘画形式也经常用于年画、壁画、招贴等，形成了一种具有民族特色、有图案规律的绘画形式。
在装饰绘画的风格上经过绘画长期的历史发展已经形成了多元化的趋势，其内容承载着艺术家的主观情感和审美情趣，在创作过程中一般多采用合理的夸张、生动的比喻、巧妙的想象，甚至全是幻想进行构思创作。
在表现形式上，它讲求多空间多形式的组合，可以不受时间、空间的限制，可将不同的时间、不同的地点、不同的人物、不同的情节故事、不同的季节变化组合在一起构思创作。
因此可以看出装饰绘画具有可变性，它有它独特性，本文试图从造型、构图、色彩、材料等四个方面来进行阐述装饰绘画的艺术特征。
一、装饰绘画的造型特征装饰绘画中的造型来源于生活，选择的题材多样化，造型的手法与尺度也没有固定的模式，装饰绘画的造型特征一般讲究规律美、秩序美、平面美、空间美以及结构美。
它是在一种可视的形象中讲究秩序、规律，以产生视觉上的韵律感、节奏感，给人以赏心悦目的自然美，它如律诗中韵脚、平仄、对仗所构成的音乐般的和谐美；但是在归纳新的艺术造型过程中也要讲究艺术秩序，在造型上体现平面化，这不仅为了更好地表现对象的手段，选取富有形象特征的角度去造型，而是通过平视的造型方式，抓住外轮廓线所形成的剪影，从而形成具有现代气息的装饰艺术形态。
另外考虑到装饰绘画造型的整体性，艺术家在创作时也要体现空间美和结构美，其艺术形象是有形无象的抽象形也是自然形象的结构美。
论高更绘画作品的装饰性特征高更（Eugène Henri Paul Gauguin）是19世纪末法国后印象派画家，他以其独特的绘画风格和装饰性特征而闻名。
高更的艺术风格主要受到印象派和传统艺术的影响。
在他的绘画作品中，通过使用鲜艳的色彩、简化的形式，以及大胆的构图等手法，高更创造了一种独特的装饰性效果。
本文将探讨高更绘画作品的装饰性特征。
首先，高更的绘画作品使用了鲜艳的色彩。
他经常使用明亮的颜色来描绘他所创造的场景和角色。
这些色彩不仅仅是为了再现对象的真实颜色，更是强调了情感和表达。
例如，他经常使用纯净、鲜艳的蓝色来描绘海洋、天空和自然景色。
这种强烈的色彩对比不仅增加了画面的装饰性，而且也表达了艺术家内心的情感。
其次，高更的绘画作品使用了简化的形式。
他经常将物体和人物的形象简化为基本的几何形状，强调线条和平面的关系。
这种简化的形式不仅使画面更具装饰性，而且也使观众集中注意力于关键细节。
例如，他经常将人物的轮廓简化为明确的线条和平面，从而强调人物的形象和姿态。
这种简化形式与传统艺术中的图案和装饰元素相似，使高更的绘画作品更有装饰性。
另外，高更的绘画作品有着大胆的构图。
他经常使用对角线和不寻常的视角来构图，使画面更加吸引人。
这种大胆的构图不仅增加了画面的动态感和装饰性，而且也突出了画面中的主题和情感。
例如，他经常使用斜线和放大的形式来表现人物和自然景象，使画面充满了活力和变化。
这种大胆的构图使高更的绘画作品更具视觉冲击力，增强了其装饰性。
此外，高更的绘画作品中常常出现装饰性的图案和纹饰。
他经常在画面中描绘植物、花卉和其他装饰图案，增加了画面的装饰性和生动感。
这些图案通常是以大胆的色彩和简化的形式呈现，与画面中的其他元素相辅相成。
同时，高更还经常使用具有异域风情的图案和纹饰，使他的作品充满了神秘和诱惑力。
这些装饰性的图案和纹饰使高更的绘画作品更加引人注目，增加了观众的观赏趣味。
综上所述，高更的绘画作品具有明亮的色彩、简化的形式、大胆的构图以及装饰性的图案和纹饰等特征。
浅谈装饰绘画的几种形式作者：战志芳来源：《新课程·教师》2012年第09期装饰画是艺术画的基本特征，它相对于写实性而言偏重于形式美的表现，注重优美的艺术效果。
无论是古代的、现代的、中国的、外国的、高雅的，都能从中汲取营养。
在装饰画表现形式上，点线面是最基本的表现形式。
因此点线面被广泛运用。
比如，在黑白装饰画里，纯粹用点来表现的称为点绘，靠点的疏密聚散来表现物象。
纯用线表现的叫线描，用拼接线的曲直长短粗细软硬来表现。
还有用面来表现的，依靠面的大小疏密聚散的对比来表现效果。
一、装饰绘画中艺术处理形式1.对称形式自然界的植物和动物，一般都是按照对称的结构生长，从而在比例关系上具有了美感。
对称形式的画，可分为绝对对称和相对对称两种。
2.平衡形式这种构图形式是一种较现代的构图形式。
平衡式与对称式不同，假设将对称式比喻为对称的花瓶，那么平衡式就好像是茶壶一样，一边是把，一边是嘴。
二、造型装饰造型是一种创造性的活动，它借助于外力的启示和感受，从而激发人们主观能动性的想象和升华。
1.形的分类简单性——这是世界上最简单、最规则的形，如，圆、方、三角、梯形，因为几何形简单易识在标志中常被采用。
随意性——在很放松的情况下随意勾画的形，如，我国传统中所玩赏的石，形态就属于随意性。
偶然性——因偶然性不是人工可为，为画面平添了不少装饰情趣和艺术魅力。
2.变形方法夸张法——夸张对象的特征，包括结构夸张和表情夸张。
如，在动物变形中，表现猴子要夸张伶俐的特点，表现狮子要夸张头部的特点，在夸张运用中一定明确突出什么，强调什么，这样才能鲜明强烈地将对象夸张到位，淋漓尽致、入木三分，令人拍绝叫好。
省略法——就是将反复多余的东西去掉，只保留其特征的部分，就是做减法题，就是删繁就简，大胆扬弃。
经过一番取舍以后，形象特征更鲜明了。
这样就达到了省略的目的。
添加法——根据装饰造型的设计意图、想象空间和装饰情趣，如，在树冠形内添加花果纹样，在太阳的形内添加人物的纹样等。
论高更绘画作品的装饰性特征高更（Eugène Henri Paul Gauguin，1848-1903）是19世纪末著名的法国后印象派绘画家，他以其独特的装饰性风格和鲜艳的色彩而闻名。
高更的绘画作品通常具有以下装饰性特征：一、暗色调与浓重线条：高更的作品普遍采用暗色调，如深红、棕色和暗绿等，这种色调营造出一种神秘而象征意义丰富的氛围。
他采用粗笔触和浓重线条的绘画技法，强调形状的简化和图案的装饰性，突出作品的装饰效果。
二、扁平而简化的形象：高更的作品往往采用扁平的构图，将形象简化为几何形状和图案。
他善于运用轮廓线和大块的色块，通过减少细节和细化物体形状，达到对自然的再创造和审美化的效果。
这种简化和扁平的形象使作品具有更强的装饰性和图案感。
三、大胆而鲜艳的色彩运用：高更善于运用鲜艳的色彩，尤其是红色、橙色和绿色等强烈对比的色彩，营造出强烈的视觉冲击力和色彩对比效果。
他对色彩的运用不仅仅是对自然的模仿，更多是对情感和内心世界的表达。
这种大胆而鲜艳的色彩运用使作品充满了装饰性和视觉冲击力。
四、图案和装饰元素的运用：高更善于利用图案和装饰元素来丰富作品的装饰性。
他经常使用各种形状的装饰性图案，如花纹、植物和动物等，将它们巧妙地融入作品中，强调作品的装饰效果和图案感。
这些图案和装饰元素不仅仅是对自然的模仿，更多是对艺术的表达和装饰性的追求。
五、异域和原始的主题：高更对异域和原始文化有着浓厚的兴趣，他经常以南太平洋的土著文化为主题进行创作。
他将原始文化中的图腾、雕刻、舞蹈和仪式等元素巧妙地融入到作品中，突出作品的装饰性和原始性。
这种异域和原始的主题使高更的作品具有独特的装饰性特征。
高更的绘画作品具有暗色调与浓重线条、扁平而简化的形象、大胆而鲜艳的色彩运用、图案和装饰元素的运用以及异域和原始的主题等装饰性特征。
这些特征使他的作品具有独特的风格和魅力，成为装饰艺术的重要代表之一。
论装饰性绘画构图 本文分析了装饰性绘画和人们常说的装饰画的区别,装饰性绘画的本质定位及几点体会:装饰性绘画作品注重画面上下左右间面积的经营,不去刻意追求画面的纵深立体效果;装饰性绘画在构图,完全凭借形式感所表现的美来打动、启示和熏陶观众,从而改变观众的审美观;构图往往打破了时间和空间的限制,运用了以大观小的散点透视构图法以及蒙太奇式的自由组合构图法;装饰性绘画在构图时,把空间美提到同形象美同等的高度一起研究,使形象适应空间,空间创造形象;装饰性绘画的构图,不仅要向传统学习,总结前人的经验,还要向生活学习,接受自然的启迪。
标签：装饰性绘画;装饰画;构图;装饰规律 装饰性绘画是介于绘画和工艺美术之间的一门艺术,属于绘画的范畴,只是在创作过程中运用了一种甚至多种装饰画的表现手法,使画面具有装饰的美感或意境。
装饰性绘画从本质上讲是绘画的一种样式,是一种富有装饰性的绘画[1]。由于其原本是依附于器物和建筑的一个画种,因此必须与装饰功能相适应并受到工艺材料和制作条件的制约。装饰性绘画借鉴和吸收装饰的形式美,赋予画面更多的装饰元素及形式的规律,创造出的一种理想色彩浓厚,主观意识突出的绘画形式风格[2]。具有画面简洁、色彩新颖、造型有趣的特点[3]。
装饰性绘画,全面总结了人们喜闻乐见的艺术形式,并将这种具有时代性与大众性的公共艺术上升到社会群体的、具有学术意义的层面,并有纯艺术的境界,从中寻求规律、继承传统、开拓创新。
装饰性绘画和装饰画都是工艺美术和绘画相交融的边缘学科。但是装饰性绘画和人们常说的装饰画有三点根本区别。第一点是性质不同,具有审美与实用的功能属于工艺美术,而装饰性绘画服务于作者本体,属于绘画艺术;第二点是出发点不同,装饰画运用装饰味画面,表现积极、向上、欢快、神秘、浪漫的意境,主题为美好的人物或事物,极力避免消极的因素,是以客观存在的外部世界为主,本体服务于客体的。装饰性绘画的主题和意境的传达都是围绕着作者的思想,为艺术观念服务的,这种主题与意境并不一定都是积极的、向上的,它以本体为主,客体服务于本体。第三点是目的不同,装饰画的目的是为了群众的,强调装饰意味,满足大众的审美需要,强调与群众的关系,在设计时要考虑到群众的审美心理和需要。装饰性绘画的目的是传达作者的艺术观念和思想情感。
装饰性绘画所涉及的范围十分广泛,国内外许多著述中都把用于装饰功能的绘画和壁画,如毕加索、马蒂斯、莫奈等人的作品及希腊瓶画、埃及壁画、敦煌壁画、日本浮世绘、民间年画等,列为绘画的研究范畴。装饰性绘画,从使用的绘画材料上来分,是我们熟知的那些画种,如油画、水彩、水粉、版画、国画、丙烯画、水墨画等等。[4] 装饰性绘画的构图、造型、色彩等组成要素中,构图是特定艺术作品产生的前提和过渡性的环节,对于表达作者的思想感情,表现作品主题起到重要作用。虽然构图是一种比较复杂而且难度较高的知识和绘画技巧,然而它又是绘画实践不可避免的,即使是一幅简单的习作,也会遇到不同程度的构图问题。[5]在中国绘画中构图被叫做经营位置或章法与布局。这里仅就装饰性绘画构图谈几点体会。
一、装饰性绘画构图的体会——平面性 装饰性绘画构图的体会首先是平面性的,二维空间的样式成为绘画发源的首要样式,也是装饰性绘画的主要样式。如中国水墨画中的黑白布局,就是着眼于平面上的黑白分布。[6]
平面性,体现在装饰性绘画构图中,是用平面的表现手法,通过对物体的理解和感受,由浅入深,由表及里的认识,再将作者的构思在平面上瞬间定格,产生二维画面上的多维感受,将本是三维状态的客观物体转移到画面上,充分发挥作者的想象,运用所学的作画技法诸如渗透法等,加强画面的层次和深度。
装饰性绘画构图,以平面性为前提,对画面上下左右间面积的经营,主要是由以下几种因素决定的。
装饰性绘画构图的平面性体会,来源于装饰性绘画构图要适应装饰功能的需要。在构图时不能随心所欲,要依附于客体,求得和客体对象的统一协调。从我国新石器时代的彩陶纹样到商周青铜器上的装饰,从西汉的画像石、画像砖到举世瞩目的敦煌壁画,可以发现装饰性绘画原本是依附于器物和建筑的,这就要求其与之相适应的装饰功能,依附于客体,求得和客体对象的统一协调。比如在壁画中,墙面是建筑物的一部分,只有壁画的平面感,才能保证建筑物的安定感,完整性。
装饰性绘画构图的平面性体会,来源于装饰性绘画构图在某些时候要受工艺材料和制作条件的制约。比如以大漆和蛋壳为主要材料,以镶嵌为主要制作手段的漆画作品,不擅长表现纵深层次,为了突出材料特点,在构图时就在平面经营上做文章。如广东蔡克振的《荷兰玉兰》,画面由前景台布、背景叶子、花、花瓶构成,将静物进行加工,在具象和抽象中大胆探索,化繁杂为简洁,化具象为抽象,化立体为平面,化不规则为规则,然后用蛋壳疏密不匀、厚薄不均地贴花瓶图案,厚漆画花,台布磨漆膜,背景撒箔粉,融汇传统漆艺中的填嵌、罩明的各种技法,吸收嵌、撒、画、罩、磨的髹饰工艺,巧用漆性的肌理,产生错彩镂金之美。
装饰性绘画构图的平面性体会,还表现在作者自觉的审美追求。随着艺术形式的不断发展,对客观对象的摹仿逐渐减弱,装饰性绘画构图追求作者主观思想、艺术观念的有效传达,强调美术的纯视觉性和形式感,平面性也成为作者的绘画追求。如毕加索的《亚威农少女》画面采用平面化的形体垂直线构图组织画面,将画中五位裸女形象分解为几何形体,带有醒目的边线和尖锐的边角。脸酷似非洲的原始面具,脸部表现带有埃及的特点:侧面的脸和眼睛;两个居中的形象都将手臂置于脑后,仿佛有传统绘画中的譬如维纳斯的影子[7]。 二、装饰性绘画构图的体会——形式美 装饰性绘画构图体会到形式美,形式是体现内涵的一种表象,内容必须通过特定的完美形式才能得以体现。一定事物的内容通过它特有的形式感完美而典型的表现出来,并引发人们的审美感受。
装饰性绘画构图绝大多数是借助于形式美来体现内容美,在无具体内容非主题的情况下,完全凭借形式感所表现的美来打动、启示和熏陶观众,从而改变观众的审美观。
形式美规律有许许多多的表现,呈现出千变万化的形式法则,但将其概括成一句话,那就是变化统一,即在统一中求变化,在变化中求统一[8]。为了取得变化统一的良好效果,就要注意对比、均衡和节奏感。
装饰性绘画构图时要注意点、线、面的对比。点连续延伸的轨迹成为线,密集成片而成为面。线既可以作为物象的边缘,也可以独立地表达一定的形象,例如线的直与曲,长与短。面的对比,在多数以圆作为环境的形象中,方形易突出;反之则圆形突出。点彩派的作品就是例子。
如修拉的《大碗岛上的星期日下午》,赤、橙、黄、绿、青、蓝、紫等各种小色点被仔细地排放在一起。慢慢地整张画的颜色就丰富了起来,轮廓、形式……要拼的图像也一点一点清晰明朗了。看修拉的画感觉很朦胧,好像人、静物、景物都置身于一个虚幻的世界中。远看整体感强,走近看,又发现了很多色彩。整个画面生动有变化。
装饰性绘画构图的均衡感,是以重量来比喻物象、黑白、色块等在构图分布上的审美合理性。我们已经习惯于重力的平衡、稳定,在观察事物中要寻找最理想的视角和视域,反映在构图上就要求均衡。均衡是将图形分成数量各不相同的两组或多组,分别安排在作品的两边,使两边的数量不相等,但通过变化统一的手段,使两边的质量相等。均衡包括对称式均衡、非对称式均衡和运动倾向。
对称式均衡是将构图的图形以作品的中心为起点,向左右或上下做水平、垂直或放射状排列,使各边的图形数量和形状相等或相似。能给人以稳定感。如果画面主体是同类型的,均衡的方法就可以归纳为:色调的不均衡,可以调整形体大小进行补偿;形体的不均衡,也可以调整色调的深浅进行补偿。
非对称式均衡是一种感觉上的均衡。任何人都不可能准确判断画面上物象的实际重量,因为纯属心理意义上的重量,按照他在人物生活中的重要性及与人的关系密切程度而定。大体顺序是以人为重,其次是动物、人造器物、植物、自然物质。从物理意义上,无论如何是不均衡的,因为树木无疑比人物重得多,但因为人物的重要性,所以感觉是均衡的。
运动倾向是有方向性的,人们观察运动着的物体,视点往往追随着其运动方向 而略为超前,因而在构图中也往往需要在运动前方留有更多的余地。 三、装饰性绘画构图的体会——浪漫性 装饰性绘画构图的浪漫性体会,体现在散点透视构图和蒙太奇式的构图上。 散点透视构图就是画面没有固定的构成结构,其表现方法是从不同角度出发、观察、描绘同一个事物,将从各个角度所见到的形象结构一一列出来,形成散落的构图形式。
中国山水画能够表现飓尺千里的辽阔境界,正是运用这种独特的透视法的结果。如张择端的《清明上河图》,采用散点透视法构图,作者带着观者遨游于北宋都城汴京的上空,俯视观看北宋首都汴京从城郊到城内在清明节这一天的繁荣景象。
蒙太奇,在法语是“剪接”的意思,但到了俄国它被发展成一种电影中镜头组合的理论。在装饰性绘画中,就是把远景与近景、天空和地面、虚景与实景等等,都有机而巧妙地结合在一起,打破了时间和空间的限制,把穿越时空的人和事物表现在平面上。 当我们描述一个主题时,将一连串相关或不相关的镜头放在一起,以产生暗喻的作用,这就是蒙太奇。例如:我们将母亲在煮菜、洗衣、带小孩,父亲在看报等镜头放在一起,就会产生母亲忙碌的感觉。
这种蒙太奇式的构图在我国的绘画史上很多。比如敦煌壁画《萨埵那太子本生图》用连环画的形式,将故事情节发展的顺序有机地穿插组织在一个方形的单幅画面上,从离宫出游到收骨白塔为止,中间经历了舍身饲虎的高潮,以太子不断改变饲虎的方式,来突出其自我牺牲的决心。
四、装饰性绘画构图的体会——空间美 装饰性绘画构图体会到空间美的重要性,要处理好实体与空间的关系,使形象适应空间,空间创造形象。
中国传统绘画十分重视空间美,提出“虚实相生”、“计白当黑”、“摆实就是布虚,布虚就是摆实”、“落墨处黑,着眼处却在白”等见解。
装饰性绘画中,“黑白”处理就是实体和空间的关系。空间感受,画面“黑白”的分配的多与少在视觉心理上有反映。实体黑多于空间白,使人感到画面充实饱满,同时也有紧迫、压抑感。白多于黑,会使人感到轻松、自由,也会有空旷、冷清感。黑、白、虚、实均衡,会给人一种安逸、平稳的感觉。反之,也会减弱气势,琐碎凌乱。
