美术史方法的差异与对象的差异研究

传统工艺文化与现代工艺文化的比较陈夏中二者不同的时代背景从远古的石器说起，传统工艺是通过手工技艺来完成的，建立在农耕文化的基础上，它带有明显农业时代的特征。

虽然其中也有一部分民艺品，但大部是为少数官僚士大夫阶层服务的产物，如：制陶、青铜、烧瓷、金银器具、红木家具等。

儒士的审美趣味决定着传统工艺美术的方向和发展。

事实上，由中国原始造物艺术延续而来的工艺文化，与人们的社会生活有着密切联系，而艺术设计是在工业化大生产中完成的，建立在工业文明的基础上，它带有明显工时代的特征，为大众服务，民主的意识较强。

在最初，手工艺开始只是为自己制作器物，工场多设在自己家中，很多时候是子女继承了家庭的职业，因而都是“一子相存”的风习，手工艺是家庭工艺。

传统手工艺从业者地位地下，是历史重视官本文化贬抑民本文化的结果，中国古代的封建等级制度决定了工艺匠人的生存状态。

不可否认绝大多数的工艺匠人受文化水平的局限，导致许多工艺技术的提高和发展缓慢，以及一些工艺技术的失传。

而为满足现代社会的需要，工艺也带有阶级性，生活的差异导致了器物的差别，匠人们将秘传之技贯穿在工作中，他们愈来愈求取技艺，极尽秘术之能，从业人员基本上受到了较好的专业教育，社会地位和工作环境大大提高，在技术定位上围绕市场，有系统的经验方法作后盾，创作上保持一种自由自主的状态。

二者美学的概念思想在工艺的历史潮流中，传统工艺美术相对于现代艺术设计在美学上，实质就是手工技术的装饰美与机械艺术的功能美的比较。

我们可以这样认为，个人作品在美术的刺激下产生的，被称之为“工艺美术家”，手工技术的美常带有个人的情趣，贯穿着个人的精神，保持着经验、感性的特征，以装饰为美。

而机械艺术的功能美是建立在流水线批量生产基础上的，以实用功能为最终目的，反映的是大批量、标准化的和谐、统一和理性的技术美特征。

功能美与技术美是当今艺术设计美学中的主要内容。

众所周知，认识工艺的概念和工艺在造型艺术中的美学是必需的。

随着时代的发展，出现了一个新的学科名词——“设计”，这是时代发展的必然趋势。

二者关系密切，相互融合。

人们可以沿着二者发展的方向求同存异，将二者结合，使其成为系统的整体。

一、美术与设计的概念“美术”最早的名称是“工艺”。

“工”，即制作、操作等；“艺”，即才能、技术等。

这与现代大众口中的“美术”有着较大的差别。

“美术”这一名词始见于17世纪，也有人认为正式出现于18世纪中叶。

近代日本以汉字意译，“五四”运动时期传入中国，“美术”一词得到普遍应用。

美术门类的划分有多种，一般包括四大门类：雕塑、绘画、设计、建筑。

现代一些学者也把其他一些艺术门类纳入美术，如书法、摄影等。

20世纪90年代出现了传统意义上的“艺术设计”，英文为“D e s i g n”，指在保证产品使用功能和使用舒适度的前提下，设计出更加具有个性的外观，内部功能与外部设计有机结合，使产品更加容易被大众接受。

随着时代的进步，人们慢慢将美术与设计一起讨论，渐渐模糊了二者的界限，因为这样更加符合中国人的认知习惯。

随着美术教育的发展，当今社会渐渐出现艺术设计专业，学科建设上偏向于设计层面。

这是美术教育体系发展的结果，所以难以摆脱美术的影响。

二、美术与设计的差异1.研究对象不同在远古时代，一切事物的产生与发展都十分缓慢。

文化的形成经历了很长的时间。

器物文化的出现到被定性、完善是一个自发的过程，是时代顺其自然的产物。

古代社会是一个较为封闭的状态，人们过着自给自足的生活，还没有出现大范围的商业交流模式，这使工艺美术的适用面较窄，民间十分少见，多为贡品，供统治者使用，多以作坊或手工艺工厂的生产方式出现。

艺术设计出现在工业时代，高度的商业化模式已经颇具规模，各种商品可以自由交换。

在这个时代产品功能完备的前提下，人们的物质需求得到满足，开始追求精神生活、追求外观的美化，审美要求越来越高。

从一个产品的创造到批量生产，设计的地位越来越突出，服务对象是全体人民群众。

鉴赏美术史的五对“基本概念”——简论沃尔夫林的《艺术风格学》龚丽可 贵州大学外国语学院摘要：沃尔夫林在其著作《艺术风格学》中以文艺复兴和巴罗克艺术为主要研究对象，从绘画、建筑、雕塑形式中抽绎出五对包含着辩证关系的基本概念：线描和图绘，平面和纵深，封闭的形式和开放的形式，多样性的统一和同一性的统一，清晰性和模糊性。

并说明了这些概念本身的流变以及它们与具体的艺术形式的对应关系。

关键词：艺术风格；文艺复兴；巴罗克沃尔夫林在其著作《艺术风格学》中以文艺复兴和巴罗克艺术为主要研究对象，对艺术风格进行了分类，从文艺复兴和巴罗克时期的绘画、建筑、雕塑形式中归纳出五对包含着辩证关系的基本概念：线描和图绘，平面和纵深，封闭的形式和开放的形式，多样性的统一和同一性的统一，清晰性和模糊性。

每对概念的前一个概念都体现了同一风格，这种风格可以称为文艺复兴风格或古典风格，而后一个概念则体现了另一种风格，这种风格可以称为巴罗克风格。

一、线描和图绘沃尔夫林认为，在任何民族、任何时代、任何具体的审美创造中，都存在着线描的因素和图绘的因素。

“线描和图绘”分别表达了文艺复兴艺术注重坚实外形描绘、单个物体的把握与巴罗克艺术强调对象的运动、气氛营造的区别。

正如沃尔夫林指出：“线描风格是按线条观察的，而图绘风格是按块面观察的” [1](P22)。

绘画方面，沃尔夫林在轮廓、明暗、光影、等几个方面分别对线描风格和图绘风格作了一番对比[2]。

在轮廓上，线描风格的绘画特别强调的是剪影轮廓，而对于图绘风格而言，“过去那种形体的线条被破坏了。

没有单独的哪一笔可以确确实实地理解”[1](P52)。

在光影上，沃尔夫林把丢勒的版画《圣杰罗姆》同在奥斯塔德画中相同画题的图绘的形式做了比较。

在丢勒的画中，物体好像是主要的东西，光是附属物，他主要追求的东西是使单独的物体通过它们塑形的界线成为可触知的。

而在奥斯塔德的画中，光不是塑形的形式，它表现一个沉浸在晦暗的微光中的整体，在光的包围中，所有边缘是变化无常的。

高等院校艺术设计专业中外美术史教学现状与反思刘伟(安徽财经大学文学与艺术传媒学院，安徽蚌埠233030)摘要：中外美术史作为一门理论性较强的课程．记录各个历史时期重要的美术遗存，阐述历史上各个时期经典美术风格和重要美术流派的艺术特色及其形成变化规律。

因此。

艺术设计专业学习中外美术史不仅能提高学生的艺术修养和审美能力．而且能为学生的艺术实践与创作服务。

针对目前高等院校艺术设计专业教学领域存在理论教师不足。

教学方法陈旧，学生厌学等现状，本文将从加强师资队伍建设、调动学生的学习兴趣、整合美术史课程内容三个方面提出反思。

关键词：艺术设计美术史教学反思随着市场经济不断繁荣，社会对艺术设计人才的需求不断增加。

众多的高等院校相继增开艺术设计专业，以顺应市场需求。

作为一门应用性、实践性非常强的学科．艺术设计专业所涉及的知识层面是多元的，既要使学生熟练掌握专业技能．又要广泛学习相关学科的基本知识。

美术史作为一门人文学科，以视觉呈现的方式，记录社会发展的历程．它是全国高等院校美术专业的理论必修课程，设计专业也不例外。

但是，艺术设计专业性质导致了学生重视实践操作，忽略理论滋养，从而使美术史课程多处于令人尴尬的境地。

因此，我们必须给予美术史课程以足够的重视．结合学科性质，在教学上进行思考和探索。

一、中外美术史教学对于艺术设计专业的意义在高校艺术设计专业理论课中．中外美术史教学作为专业必修课占有一定的地位。

学习中外美术史不仅了解艺术造型、装饰风格、美术思潮的更迭与变迁，而且是理解中外文化特质的重要媒介。

众所周知，艺术设计的本质在于创造。

而这种创造又常常植根于对中外民族文化特质的理解。

目前，随着科技的进步，特别是电脑的发展已成为艺术设计主要的创作手段，学生过多依赖于设计软件的更新换代。

而忽视艺术素养的学习。

要知道学生设计水平的高明并不取决于电脑操作技能的高低，而在于对艺术设计本身的理解。

普通高等教育注重的就是艺术设计教育文化素质培养。

从艺术史的角度鉴赏美术作品作者：陈雷来源：《速读·上旬》2014年第07期摘要：美术鉴赏的方法多种多样，本文通过艺术史的角度来探究一种美术鉴赏的方法。

关键词：美术鉴赏；艺术史；角度美术鉴赏本身就是一种积极的主动的审美再创造活动，艺术作品不但是艺术家的产物，它也是鉴赏者的产物，只有这样艺术作品才能完善它的社会意义和美学价值。

鉴赏者根据自己的生活经验、艺术修养、兴趣爱好、思想感情和审美理想，对作品中的艺术形象进行加工改造、补充丰富，因此，美虽然是一种直观，却需要鉴赏者具备丰富的审美经验和正确的审美态度。

审美经验越是丰富，那么鉴赏的效果就会越好，而我们通过对各个时期艺术作品的介绍与鉴赏，目的就是揭示各个时期的美学理论与标准，从而扩大审美视野，丰富审美经验，为提高鉴赏能力提供帮助。

欣赏一幅美术作品究竟要把握哪些要素呢？第一，时间的概念——这是什么时期的作品；第二，地域的概念——这是哪个国家或哪个地区的作品；第三，观念的概念——艺术家想在这件作品中表达什么；第四，手段的概念——艺术家想表达的东西能表达到什么程度。

艺术史可以说是一门与美术鉴赏联系最密切的学科了。

艺术史似乎可以是归属史学的，但它却是史学中最小的，亦可以说是最边缘的史学，它似乎更多地和艺术学胶合在一起。

这门史学不仅最小且最年轻，只是在18世纪末，在考古学和古物研究兴盛之时方显出它的端倪。

18世纪末的启蒙思潮激起了人们对考古和古物的研究兴趣和热情，博物馆和艺术品的收藏成为当时的时尚。

1764年德国学者约翰·温克尔曼的著作《古代艺术史》首次出现了“艺术史”这个学科名称；1872年卡尔·鲁穆尔的《意大利研究》开始了确立艺术史学科基础原理的尝试。

从1813年德国的哥廷根大学开始，然后在德国、奥地利、瑞士等国的各大学中开始设立了艺术史的教授席位。

以后，德国弗朗茨·库格勒的专著《绘画史》（1837年）和《艺术史手册》（1841～1842年）、瑞士雅各布·布克哈特的《意大利文艺复兴时期的文化》（1860年）、德国的阿洛依·李格尔的《风格问题》（1891年）、瑞士海因里希·沃尔夫林的《艺术史原理》（1915年）确立了艺术史学科的真正的现代形态。

高中美术鉴赏的方式有哪些通过美术鉴赏不但可以促使学生掌握美术鉴赏的基本方法，还可以不断提高欣赏能力和审美水平，从而开阔艺术视野。

以下是店铺整理的高中美术鉴赏的方式有哪些，希望能够帮到大家。

美术鉴赏的方式：感悟式鉴赏感悟式鉴赏所要求的主要是从观看者自身的经验出发，充满想象力和激情地去欣赏美术作品。

在欣赏过程中，可以任由思维驰骋而不受限制。

这种鉴赏方式比较适合写意性和表现性的艺术作品，因为这类作品所追求的不是客观地记录形象，而是通过主观化的形象处理来表达艺术家的情感。

比如：罗中立的《父亲》，饱含深情地流露出对陕北农民形象的刻画，利用感悟式鉴赏方法，不仅让学生体会到作品形象的表现，还能起到审美教育。

美术鉴赏的方式：社会学鉴赏应该意识到美术这种文化现象不是存在于真空环境之中，而是有着特定社会阶层和社会生活的烙印。

要理解不同创作目的以及社会背景对艺术家的影响。

这些因素不是单靠表面的观察就能完全了解的，所以社会学式鉴赏的核心在于探究、追问，了解作品的主题，发现作品的独特之处，并要了解一定的文化背景，积累一定的知识才能有很好的把握。

美术鉴赏的方式：比较式鉴赏比较式鉴赏的目的，是为了更好地把握每件作品的特色。

俗话说，有比较才有鉴别。

但在比较式鉴赏中，需要根据具体情况来分析。

美术作品的好坏是可以通过比较来确定的;但在很多情况下，作品之间并不存在谁好谁坏的问题，仅仅是表现方式和风格上的不同而已。

比较的内容主要是形式方面的，但根据这些形式方面的差异也可以引导我们去寻找原因，这就需要涉及一些社会的因素了。

至于具体对比哪些内容，还需要依靠感觉的指引，所以比较的方法其实是几种鉴赏方式的综合运用。

在高中的美术鉴赏教材中，基本上分两大部分：鉴赏的基础知识和美术作品鉴赏。

在教学中，在传授学生理论知识的同时，还要通过各种鉴赏方式指导学生如何去欣赏美术作品。

下面，结合本人的教学实践体会，就美术鉴赏的比较式鉴赏法的实际应用做点浅显的探讨。

小学美术的说课稿作为一名为他人授业解惑的教育工作者，时常会需要准备好说课稿，说课稿有助于提高教师的语言表达能力。

优秀的说课稿都具备一些什么特点呢？下面是小编收集整理的关于小学美术的说课稿（精选6篇），希望对大家有所帮助。

小学美术的说课稿1一、教材分析：本节课是人教版美术六年级上册第八课《太空之旅》，属于设计应用进修范畴的教学，发展学生思维，培养学生想象力主要体现在教学中的想象画的创作。

培养学生动手动脑的能力主要体现在用废旧材料制作太空飞船这方面，用巧手制作太空飞船，应该从他们的兴趣起航，在了解浅近的太空飞船知识的基础上，开拓思路，能变废为宝的制作有创意的太空飞船。

太空是个无限而遥远的空间，充满了无穷无尽的秘密，认识、利用和征服太空是人类梦寐以求的幻想。

课本选用中国第1个飞向太空的英雄杨利伟驾"神州五号"太空飞船航行太空的图片及其他飞船、卫星图片等，让学生感应科学离我们的生活并不遥远，引发学生热烈地爱科学、亲密而接近科学的情感及了解太空的情欲；借用此图，意在激励学生的航天梦想，成为未来航空航天事业的设计者和摸索者，造福人类。

教材中还展览了一些学生作品，几件利用废旧材料制作太空飞船，进行太空旅行与摸索为正题的绘画制作，更是为了进一步拓展学生的思维，触动学生创作灵感，使学生在激情昂扬中想象本身驾神舟游太空的情景。

二、教学目标：1.认知目标：了解浅近的太空飞船和中国航天方面的知识2.技能目标：能运用多种表现手法描绘未来世界人类去太空旅行或者摸索的情景；利用废旧材料制作造型独特的太空飞船。

3.情感目标：培养学生丰富的想像力，引发学生对航天事业的兴趣和热烈地爱科学的精神；了解国内大喜事，增强学生的民族自豪感。

三、教学重点、不容易解决的地方重点：从学生的兴趣起航，了解浅近的太空飞船和中国航天方面的知识，开拓思路，培养丰富的想象力。

不容易解决的地方：培养学生育成收集关于太空飞船的信息与资料习惯；了解和掌握太空飞船的主要结构。

浅议中国工艺美术史课程中的思政教学思路摘要：本文以中国工艺美术史课程为例，讨论在设计理论课程上，开展课程思政的思路和方法。

中国工艺美术史课程内容丰富，是古代文化成就的展示和总结，本身就具有很强的思政潜力，讲好工艺美术史课，能有效的增强学生的文化认同感和文化自信，学好工艺美术史能提高学生的鉴赏能力，积累审美经验。

介绍中西文化中对于文化史观的差异可以很好激发学生的爱国热情，以及为国家创造文化实力的责任感。

关键词：设计理论课程教学改革课程思政美育项目：湖北工业大学工程技术学院课程思政项目时代的发展伴随着国家和国家、文明和文明之间的竞争。

课程思政适时而出，着力解决“培养怎样的人才”，“如何培养人”的问题。

课程思政继承我国“德治”传统，以育人为根本，为国家培养人格健全，国家观、民族观、历史观、人生观和世界观正确的高质量人才。

高校设计史论课程开展课程思政有一定优势。

以中国工艺美术史课程为例，我国历史悠久，工艺美术的成就丰富，风格和趣味多样，器物设计的审美质量、设计思想都远超时代水平。

设计史是审美发展史的物质载体，苏联教育家赞科夫说“审美发展和道德发展是密切联系的，对于美的欣赏可以使人变得高尚起来。

美能唤起人的善良感情，如同情心、忠诚、爱、温柔等。

感情会在人的行为中成为一种积极作用的力量”。

美育对于构建高尚人格，高雅的趣味自带优势，是课程思政开展的潜力课程。

开展课程思政的融合，也要尊重课程的内容特点和教学特点，要多结合课程与学情实际，从学生角度思考思政融入的点，注意不要生硬结合，引发反感情绪。

本文以中国工艺美术史课程的教学为例，分析设计设计史论类的课程中思政融入的几个重要切入点。

1、注意引导学生认识和构建正确的历史观。

高校教师在进行设计史类的教学的时候，重点多集中于知识点的讲授，但是对于设计史的书写角度、研究方式，以及这些表象后面的动机敏感度不高。

长久以来对于西方学界的仰视惯性，使人忽略了起背后的政治动机。

对于西方学术界的史学观念不能全盘接受和盲从，教师需要不断的阅读学习，扩大自己的知识范围，才能用批判的思维去理解和解读，才能敏锐识别设计史学研究和表述的差异。