绘画艺术与语言形态的关系

品评中国绘画的艺术语言特征文/张国军当今，中国绘画艺术创作呈现出百花齐放、丰富多姿的多元化局面。

但能够打动人们心弦、具有典型代表性的作品却不多见。

在市场经济占主导地位的今天，不少画家被商业观念所左右，心浮笔躁，形式上强装学术，故作深沉，技法上偏重于肌理制作，玩弄雕虫小技；有的急功近利，玩弄笔墨游戏；有的打着创新的招牌搬抄西方的绘画形式，从而失去了中国民族绘画的艺术特质，也直接影响到中国绘画的发展和人民大众对中国画的审美价值的判断和评价。

重审中国绘画，其线条之丰富，笔墨之有趣，构图之灵活，空白之妙用，诗书画印之相得益彰，可谓世界艺术奇观。

在文艺创作多元化的今天，如何传承，如何把握中国绘画的民族精神，体现民族文化底蕴，乃是我们艺术家的主要责任。

中国画创作必须按照绘画的演绎过程，沿着事物本质发展的轨迹，运用新的审美观念进行拓展。

中国绘画扎根于中华民族深厚的文化土壤之中，融汇了整个中华民族独特的审美意识、思维方法、美学思想和哲学观念，并形成了自己独特的艺术体系。

从东晋顾恺之的“以形写神”，到南齐谢赫的“骨法用笔”，再到唐张璪的“外师造化、中得心源”，直到近代齐白石的“似与不似之间”，等等，包含着立意、气韵、意境、经营、笔墨、程式、风格以及学养等一系列艺术创造的经验和理论。

这些经验和理论，经过长期的艺术实践检验，既符合一般的艺术规律，又独具鲜明的民族风格和中国气派。

中国画无论是表现形式、表现方法，抑或工具材料，都与西方绘画迥然不同，深为中国人民喜闻乐见。

在中国绘画艺术创作繁荣与多元发展的今天，把握和深化中国画的艺术特征仍具有重要意义。

一、传神写意超以象外中国画重写意，区别于西方的写实绘画，具有鲜明的个性和独特的意蕴。

中国画不同于西方具象的摹拟和抽象的不似，而是在具象和抽象之间，通过形象和笔墨，表现出人的感情和气质。

近代大师齐白石先生有句名言说：“作画妙在似与不似之间，太似为媚俗，不似为欺世。

”“似”指创作的题材和内容来源于对客观事物的观察，是真实的反映。

浅析杜大恺绘画艺术中的形式语言及其借鉴性发布时间：2021-04-14T07:19:33.509Z 来源：《中国科技人才》2021年第6期作者：符瑶[导读] 平面性是通过线条来表达艺术形体，强调线条所塑造的平面形象，削弱明暗对比构成的立体空间，画家在塑造艺术形象时主要根据对光影冷暖的块面构建和画家的主观感受加以提炼概括完成，并非客观的自然景物，画面中所呈现的的形、色、和光是画面结构的组成方式，而不是一些具体的题材在画中营造一种客观的结构，这个问题可以追溯到塞尚。

山西大学美术学院山西省太原市 030000摘要：本文主要研究杜大恺绘画艺术中的部分形式语言，文章通过对他画面中平面性的分析、绘画中的用笔以及其画面中形式语言的借鉴性三个方面来进行阐述。

关键词：杜大恺；平面性；用笔第一章解读杜大恺画面中的平面性平面性是通过线条来表达艺术形体，强调线条所塑造的平面形象，削弱明暗对比构成的立体空间，画家在塑造艺术形象时主要根据对光影冷暖的块面构建和画家的主观感受加以提炼概括完成，并非客观的自然景物，画面中所呈现的的形、色、和光是画面结构的组成方式，而不是一些具体的题材在画中营造一种客观的结构，这个问题可以追溯到塞尚。

杜大恺的绘画艺术具有现代性就在于他的绘画艺术中西结合，他汲取西方绘画语言中的构成形式，能够把中国传统的绘画语言与绘画材料和西方绘画的一些理念和语言相结合，把很多现实繁杂的生活物象提炼出平面性和设计感，走融会贯通之路，为中国画的发展提供了更加广阔的思考方式和创作思路。

杜大恺将工艺美术学中的平面性、装饰性与形式感与中国传统的绘画语言相结合，将纷繁复杂的现实生活提炼成简约的、带有设计感的艺术画面，精粹又不刻意。

他的画不论是层次、空间还是质感，也无论是线条、笔墨还是色彩，都表现为一种“不到之到”的画面感和艺术境界。

他的绘画艺术不仅以其中的图像打动人，更以画中的势所取胜，通过对画面的解构与重构表现画面的静态之美，其作品的题材源于生活，将生活中最常见的景物用艺术的语言描绘出来，让人感觉轻松愉快。

绘画的语言要素与风格刘军(陕西延安大学鲁迅艺术学院芙术系)摘要：绘画语言是绘画的工具，绘画语言的运用，直接影响绘画作品的风格。

画家运用绘画语言的点、线、形、光、色彩等要素．来完成他们的艺术作品创作的同时。

意在表现情感的体现和对美的追求。

绘画语言不只是技巧和形式的再现．还是思想、思维、知识、直觉和感情的相互融合。

绘画艺术的演变与多层次探讨艺术本质的同时．极大地丰富和创造了人类的视觉形象语言．深刻改变着人们的审美方式和审蔓观念。

关键词：绘画；语言；画家；艺术绘画做为一种艺术形式．在体现一种艺术手段与水平的同时．更多反映的是现实和表达某种思想情感以及审美感受和思维方式的艺术。

它应当是美术艺术形式的总体框架的突出体现形式。

是对其它门类划分的概括如：工艺美术、建筑、雕塑等。

在有限的绘画的空间内，运用具体的物质才料来体现一种实践活动，让思想、情感寄托于色彩的渲染、画面的造型和构想之中．在一定形式与法则的规范与约束下，使之整体材料的组成与搭配达到最佳组合与视觉上的审美．完成物质与精神的相互结合。

在这个比较复杂的过程中．绘画作品所要展现的是内容、形式、技法、思想、情感的相互融合。

是一种密切的相互关联的观念、情感和技术的体现。

即绘画的主题．画家的绘画语言表现。

当然，绘画的主题体现画家的艺术形象的构思与设计，并通过绘画语言实现技巧、形式和内容的有机融合。

画家潜意识中的构思、审美与艺术表现力直接决定未来艺术品的价值。

所以．创作的构思．以及完成构思的创作，是体现绘画创作的一种美的追求过程。

因此。

绘画创作中对绘画语言要素的把握尤为重要。

一．绘画语言的多种要素组成艺术的语言特征存在于自身的艺术价值的体现方面．比如：舞蹈艺术的肢体语言。

声乐艺术的歌唱语言。

当然其价值体现的要素包含较为丰富．音乐的语言包含在各个物质的表现实体与音乐的节奏、旋雒、和声、速度等的结合，如：钢琴、古筝等；再如：舞蹈艺术的肢体语言的价值体现在于音乐语言与舞台、灯光、场景、服装等要素的结合。

概述艺术结构与艺术语言艺术结构与艺术语言是艺术作品具体存在的形式，艺术作品基本上都是由内在的结构和外显的艺术语言两种形式因素构成，结构通常称内部形式，艺术语言通常称外部形式。

艺术结构是指作品中各个局部之间、题材各因素之间的内在关联与组织的样式。

艺术语言指在艺术作品中起到类似语言的表情达意的作用的物质表现手段，是作品的外部形式。

不同类型艺术作品结构和语言的表现形态又各不相同，下面根据工作实际，以造型艺术为例对艺术结构与艺术语言进行说明。

一、造型艺术的艺术结构造型艺术有着不同于其它艺术的独特的艺术魅力，运用点线面、形光色等造型手段，运用表现、再现等艺术表现手法在空间中塑造具体的、个性化的视觉形象来反映生活,表达创作主体的审美感知和审美理想的艺术。

我们知道，造型艺术是依赖于视觉欣赏和感受的视觉艺术，它是运用点线面、形光色等造型手段，在二度空间中塑造具体的、个性化的视觉形象来反映生活，表达创作主体的审美感知和审美理想的艺术。

它的独特之处在于，正是因为它的造型必须是在空间上展开，这才为空间创造出人们所需要的立体幻觉提供了可能，艺术家利用人类视觉的虚幻创造出空间上的立体，这无疑是空间给富于想象的聪慧的艺术家们提供了创造的土壤，也为开拓空间构成的抽象、装饰绘画提供了解构意义上的需要；正是因为它的视觉直观性，艺术家们才会运用跃动的笔触或强烈的光影给视觉以温柔的爱抚之后让你觉得余音未尽，余味无穷；也正是因为它是静态的画面，艺术家们才可能去力图冲破这一凝固而又单纯的二维空间，运用生活中最具启发性的一瞬来展现这一瞬的前前后后。

德国美学家莱辛说：“绘画在它的同时并列的构图里，只能运用动作中的某一顷刻，所以就要选择最富于孕育性的那一顷刻，使得前前后后都可以从这一顷刻中得到最清楚的理解。

所有造型艺术形式及整个艺术创作过程中，都会涉及到结构问题，结构是一种普遍的存在。

没有合适的结构，就不会有明确的外在形式。

艺术家在创作实践中，为了更好地突出主题，塑造艺术形象，必须考虑人与人之间的关系如何处理，前后内容如何过渡和照应，情节、场面如何处理，环境如何布置，各个部分如何安排，如何处理浓墨重彩重点描绘，何处只要轻描淡写粗线条勾勒，哪里该张，哪里该驰，开头和结尾如何呼应等，都属于艺术结构的范畴。

一、构图艺术家为了表现作品的主题思想和美感效果，对画面各种形式的语言，即布局、形态、比例、空间、色块、体积、线条等，在有限的平面上进行结构经营。

构图是绘画作品中各种艺术语言整体的组织方式，是根据画家的创意把自然界中的具体形态和形象，如人、景、物，通过提炼、加工，有计划地组织、安排在限定的画幅之中。

构图必须有一个视觉中心，或者必须确立画面的宾主关系和“趣味中心”，这个中心就是画家的垕着力点。

元朝汤在《画鉴》中指出：“画有宾主，不可使宾胜主。

”一幅绘画作品不能“喧宾夺主”或“宾主不分”。

当观赏一幅绘画作品时，首先通观全画，对整体产生一个初步的印象，然后视线停留在某处，仔细地欣赏，最后移动视线逐渐读遍全画。

画面上最引人注目的地方往往是画面的视觉中心。

画面构图要有松有紧、有张有驰，紧凑而不淤塞，松弛而不松垮，给人以深刻的印象。

例如，达芬奇《最后的晚餐》中12个门徒交头接耳，各自的表白和询问，形成几组小的人物活动场景，然而基督却是唯一的焦点，是各条线索的中心。

明确中心人物就可以理出人物关系的条理以及画面结构的条理。

构图是创作的关键所在，它决定着作品的性质与感染力，是联系作品思想、主题、情感的纽带。

不同作品要找到与其内容相适应的构图形式，才能达到和谐与完美。

无论是具象绘画还是抽象绘画都离不开形、色、质等要素。

画幅有大、小、宽、狭之分；形状有方、圆、横、竖之分；载体又有油画、国画、水彩、版画、连环画之分。

构图时要认真考虑，精心选择，以适应主题思想的表达和技法的运用。

最常用的构图形状是黄金律画幅———1:1.618比例构成的矩形画幅，这是古希腊实验美学派毕达哥拉斯通过大量实验证实的。

生活中的电影银幕、电视机、书本等的形状大都运用此比例。

还有6:4、3:5的矩形也都可以归结成黄金比例。

二、点、线、面、色与视觉心理绘画的形式语言离不开点、线、面、色、形、体等要素，这些都是构图中的基本要素。

点是绘画形式语言中最小的单位。

绘画艺术的内容与形式关系作者：门芳艳来源：《丝路艺术》2018年第05期摘要：自然界中任何美的内容都是要通过一定的形式所表现出来，一定的形式美其存在必然也不能脱离内容。

内容与形式是两个方面的有机统一，内容支配形式，但形式又影响内容的外在呈现。

关键词：内容；形式；形式与内容一、所有的绘画艺术都具备形式因素具有形式的美感1绘画都具备哪些因素？我个人认为绘画艺术应该同时具备把握和协调形象的比例、解剖、节奏、透视、线条、色彩、块面、明暗以及情感等诸多因素。

绘画就是通过艺术家的审美真实准确地塑造，形象地传达作者的思想情感。

2什么是形式美？狭义地说，形式美它就是事物美的形式提炼、所获得的一种抽象形式所具有的美。

广义地说，它是客观事物外观形式的形体美，它是相对独立的外部形式诸多因素的美，即点、线、面、色彩、空间、构图、材质等诸多形式因素的组合构成的艺术作品的形式之美。

3形式是艺术的生命。

绘画它作为一种人类纯视觉欣赏的艺术，一种静止的视觉艺术表现形式，没有形式美的艺术就好比一潭死水毫无生机。

关于绘画形式的争论在上世纪八九十年代的中国美术界出现过多次激烈的思想碰撞，其中当以吴冠中和张仃两位前辈。

对于吴冠中在水墨形式方面的运用的争论最为惹人注目。

吴冠中追求笔墨运用形式的争论实际上就是基于个人创作过程及结果的风格化和对中国画形式创新的认知争论。

但是我们可以注意到在西方现代美术发展的过程中，关于此类认知的争论似乎并未引起大的争议，印象派之前的绘画就没再引起过类似莫奈《日出·印象》那样激烈的非议。

后印象塞尚经常讲到"色彩丰富到一定程度，形也就成了"，塞尚是在追求探索用一种永恒不变的形式去体现自然，使形式美感更加自然。

如果我们说印象派画家的作品是将外轮廓变得抽象的不能在抽象，使之轮廓线模糊之模糊的话，而塞尚则是重新建立起轮廓线。

他十分注重物体本身所带来的厚度，体量。

因此在他的绘画作品中，物象的体量感占有很主要的地位，为此他摒弃了绘画领域的线性透视法，而这种体量感不是靠线条表现出来的，它是靠作者感知的自由组合的色彩块面表现而来的。

油画创作的语言表现探析油画语言，作为一个复杂而庞大的体系，正应从多方面，以各种不同的形态被画家充分释放与展现，其目的就是表现画家心中的“艺术品”。

通过对古今中外优秀画家作品的解读，本人认为，油画艺术创作的语言表现可以从以下四个方面来理解。

一、光影表现从15世纪欧洲文艺复兴时期达•芬奇开始，就形成了一种传统的画法，即利用光影的层次来表现客观的立体感、深度或三维度。

卡拉瓦乔大胆处理光线，用光作为塑造形象、构图布局、突出戏剧性主题的重要手段，在油画《召唤圣马太》中，首先映入观者眼帘的就是画面中那束集中又强烈的光线。

同时期受卡拉瓦乔影响最大的伦勃朗一生画了不少自画像，这些油画很有个性，画面经过许多的提炼和加工，将光线概括为一束束电筒光似的集中线，着重在画的主要部分，突出主体。

17世纪还有一位用光表现的画家，维米尔以微妙的光影变化，通过对阴影和高光的运用，营造出和谐、优雅、静谧的生活气息，赋予了光影神奇的表现力。

发展到19世纪，光影观念深入人心，印象主义画派影响到整个欧美画坛。

作为现代绘画的起点，它将光与色的科学观念引入到绘画中，创立了以光源色和环境色为核心的现生色彩学。

20世纪至今出现了众多的思潮或流派，它们强调主观情感的抒发，强调艺术的纯粹性与绘画语言自身的价值。

画家们在作品中表达自己的艺术观念的同时，不可避免地，光影表现因素作为一种语言手段不自觉地融入到画面中。

二、色彩表现无论在任何时期，色彩都是油画艺术的重要表现手法。

照相术发明以前，几乎所有画家想要表现的终极目的是模仿与再现自然。

我们可以看到，传统绘画艺术中色彩的功能在于增强绘画的真实感，这可以说是色彩的天然功能，尽管不是色彩的唯一功能。

安格尔是传统绘画艺术的佼佼者，《瓦尔平松的浴女》中，画家从这个美妙的女子背部看到了使他激动的东西，那就是微妙的色调变化，半明半暗的光色在女子柔嫩的背部微妙变化着，浮动着。

照相术发明以后，写实性绘画艺术向主观表现和形式方面转化，印象主义可以说是传统绘画艺术与现代主义绘画的分水岭，它反对照相机式的模仿自然以及古典学院派贵族化的美学观念，“为了色彩去画一个主题，而不是为了主体本身”，这就是印象主义绘画的宗旨。

中国画从文人传统水墨到现代水墨的“语言转向”研究中国画中的水墨绘画艺术,有着自我的文化性格和内在的精神品质。

传统的水墨绘画发展至今,自身有着相对完整的形态语言结构系统,这一语言系统形成了大的艺术文化范畴中东方艺术的特殊性和地域性。

从文化存在的语境来看,任何艺术语言转向都离不开自己的文化本体,是在传统文化的积累与滋养中生发和演变的,从传统水墨到现代水墨具有清晰的顺序和逻辑关系。

所以可以这样说,中国水墨绘画的形态史,就是中国水墨绘画语言流变的历史。

上个世纪80年代后,水墨绘画改革的呼声越来越大,受到了艺术界与学术界的关注,同时艺术国际化的背景也给中国水墨绘画的发展提供了广阔的文化视野和表现空间。

随着中国“八五新潮”的影响,国内艺术界随之出现了水墨语言形态的巨大转型与面向现代视觉审美图像的演变。

现代水墨与实验水墨是在现当代的文化语境中产生的艺术表现方式与文化载体,现代的水墨绘画中的内容与笔墨传达的韵味已经与传统文人情趣拉开了距离,也远离了传统书法用笔的语言形态,从精神关注层面上具有了现代的气息,这是现代水墨与实验水墨的重要艺术特征。

本论文旨在探索水墨文化的语言现代转型与内在观念变化的认识问题。

通过分析中国水墨画语言的不同与时代的对应表达方式,来把握从传统水墨到实验水墨的绘画语言转型演变的总体趋势,探寻水墨绘画形态流变的深层机制。

从目前国内艺术生态来看,以水墨绘画语言作为中国特有的人文精神符号和艺术表现形式,具有深厚的传统文化背景和当代学术关注。

作为物象的呈现符号,水墨语言也随着社会经济与时代观念的变化而演变,这种演变是在东方中国的文化范围内发生并面向国际的文化舞台。

而现代水墨语言随着社会转型,其艺术精神的的现代转化是和文化语境紧密的联系在一起,说明了这需要在自己的文化群体讨论其发展才会有意义,所以研究水墨语言转向要从自己的文化传统和文化母体进行论证是研究的基本立足点。

本文从艺术精神的文化背景、转化的途径、美学理念建构和文人水墨语言的现代转向几个方面阐述了现代进行中的水墨绘画发展的形态语言。

论艺术语言的表现形式陈其和十几年来我一直从事艺术创作及教学，特别是近几年我想到对于艺术创作来说，艺术语言是一个十分重要的因素。

如何正确地认识和运用艺术语言，直接影响着作品的主题内容的表达，在某种程度上也决定着作品的成败，因为艺术作品的内容，最终必须通过一定的艺术语言，才能表现为具体存在的艺术作品。

它是传达思想，表露感情的重要手段和媒介。

下面，就这个问题分几个方面谈谈自己的看法。

一、各门艺术都有独特的语言，它们互相影响，但又有区别，必须正确地认识它们和准确地运用它们我们知道，艺术包括很多门类，如美术、音乐、舞蹈、戏剧、电影等。

区别它们的一个显著特点就是它们有着完全不同的表现形式和艺术语言。

美术作为一门造型艺术，它的艺术语言也必然是可视的、直观的和形象的。

线条、明暗、色彩等就是它的主要艺术语言。

音乐艺术的语言是诉诸听觉的音响、音调、节奏和旋律等特殊的语言，而舞蹈艺术主要是以人体本身的动作作为自己的艺术语言来传达内在的思想感情。

戏剧和电影都综合艺术，它们二者的艺术语言也就不可避免地带有综合性，既包含文学语言，也包含造型语言和音乐语言等因素，但又都有各自的特点，戏剧主要以演员的形体动作和台词作为主要表现手段，而电影则主要是以它自己的独特语言——“蒙太奇”来表现内容的。

各门艺术之间的互相借鉴，都给各自的艺术生命带来了新的生机。

节奏、旋律等名词被赋予了新的含义而被运用到造型艺术的画面上来。

色彩、调子等术语也成了音乐王国的常客。

“诗中有画”和“画中有诗”，都形象地表明了不同艺术种类之间的血缘关系。

但是我们也不应忽视了它们之间的差别。

“诗中有画”毕竟还是诗，“画中有诗”毕竟还是画，虽然含有其他因素，但还属于各自的范畴，它们既有相“生”的一面，也有相“克”的一面。

如果取消了艺术语言之间的差别，后果将是可怕的。

拿美术来讲，它长于表现，而短于叙述，这正是与文学、戏剧等艺术语言完全不同的方面。

但并不是所有的人都明确这一点，他们往往有很好的意愿，也花了很大的气力，想让绘画艺术能容纳更多的东西，于是让绘画融进了许多文学、戏剧的因素，过分注意了“事”而忽略了“情”，有的甚至成了图解式的东西。