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印象画派的造型特点和色彩特性【内容摘要】印象画派，称之为传统绘画与现代绘画的过渡一点都不为过，是油画画派中最具代表性的一种画派，是现代艺术和传统艺术的分割线。
印象画派标志着旧艺术的结束，是新艺术的开端。
它创立了全新的色彩体系，在色彩表现上打破了常规的“固有色”思想，对色彩之间的关系进行了科学的、客观的分析。
同时，印象画派也对我国的美术发展影响深远。
【关键词】印象画派造型特点色彩特性西方油画绘画历史上划时代的艺术流派不是很多，但印象派绘画却当之无愧。
印象画派在19世纪七八十年代风靡，并在欧洲引起了一次油画绘画浪潮，在世界各国开始广泛传播。
印象画派诞生于法国巴黎，在它的发源地——法国同时取得了最辉煌、最瞩目的艺术成就。
到19世纪末20世纪初，大量的优秀印象画派大师在法国涌现，他们的经典巨制耳熟能详，直到现在还有深远的影响，其中最具代表性的作品有梵高的《向日葵》、莫奈的《日出印象》、马奈的《草地上的午餐》等。
一、印象画派的发展19世纪后期，在法国产生了一种艺术思潮和流派，被称为印象主义。
印象派画家与传统的古典主义画风有着明显区别，无论在色彩、造型上，还是在构图和笔触上，另外在主观精神上也表现出不同之处。
他们强调实践，主张迈出画室，鼓励写生，他们把作品的重点放在大自然中，用没有调和的色彩和张狂的笔触描绘大自然和光的瞬息万变，将冷色调与暖色调强烈地凸现出来，形成了一种新的画风。
当然，与任何一种新生事物一样，印象画派的诞生和发展也是艰辛坎坷的。
莫奈的《日出印象》是印象画派的处女作，最初它因被人讥笑而得名，一个记者嘲讽他的画展为“印象主义画家的展览会”，印象画派也由此得名。
在1874—1886年共计举行印象主义画展8次，前两次受到激烈的批评和嘲讽，当第3次、第4次举办时，社会便没有那么大的排斥，相反，越来越多的人在接受这一画风，渐渐的，印象画派成为了一个具有影响力的艺术流派。
印象派画展向世人宣告，印象画派作品不会固步自封、不会受世俗等级制度的桎梏。
印象派风格绘画
印象派是一种源于19世纪后期法国的绘画风格。
这种绘画风格强调描绘光线和视觉印象的变化，侧重于描绘自然光的变幻及其在物体表面所产生的效果。
印象派最初由阿尔弗雷德·西斯莱等画家提倡，其代表作品有克劳德·莫奈的《日出》、皮埃尔-奥古斯特·雷诺阿的《午后草地的贵女》和埃德加·德加的《舞池》等。
印象派绘画的特点是使用鲜艳的色彩，强调光的变化和视觉效果，凸显出对自然景象的感性体验和个人印象。
这种表现手法与传统绘画的写实风格所追求的客观精确性不同。
印象派画家常常在戶外作画，观察自然光的变化，因此印象派作品常常具有浓郁的生活气息和强烈的个人感染力。
印象派画家的作品通常使用分明的笔触，刻画出光影的反射和色彩的变化，其运笔远离传统火石粗糙的画风，采用小笔触来填充画面，给人留下一种朦胧的感觉。
印象派作品的构图和色调十分丰富，颜色明亮，也许是因为画家们在画面中强调了太阳光中的黄色和红色等强烈的色彩。
可以说，印象派绘画是一种对自然的精神追求，反映了19世纪末留给人们无穷遐想的新艺术，它摆脱了传统的艺术范式，以更多的
情感和创造力向外展示原有的自然景象，该艺术风格应该还会继续为艺术爱好者们所喜爱。
印象派介绍1000字印象派是19世纪末兴起于法国的一个重要的艺术流派，也被称为“印象主义”。
这个流派的艺术家们主张在户外进行创作，追求捕捉瞬间的光线和色彩，以及表达瞬间的感受和印象。
他们的作品通常以轻快的笔触和鲜明的色彩展现出独特的艺术风格，对后来的现代艺术产生了深远的影响。
一、起源和发展印象派的起源可以追溯到19世纪60年代的法国，当时一些年轻的艺术家在巴黎的一间画廊里聚集，他们开始尝试在户外进行创作，以捕捉自然的光线和色彩。
这些艺术家们认为，传统的艺术创作方法和观念已经过时，需要寻找新的表达方式。
他们受到现代光学理论的启发，认为色彩是由光线反射和折射而产生的，因此他们开始研究如何捕捉瞬间的色彩变化。
在这个时期，印象派艺术家们经常在户外进行创作，他们观察大自然中的光线和色彩变化，尝试用画笔捕捉这些瞬间的印象。
他们的作品通常以轻快的笔触和鲜明的色彩展现出独特的艺术风格，与传统的艺术创作方法和观念有很大的不同。
二、艺术风格和特点印象派的艺术风格和特点主要体现在以下几个方面：重视光线和色彩的表现：印象派艺术家们认为光线和色彩是绘画的核心，他们尝试捕捉自然中的色彩变化和光线的反射效果。
在他们的作品中，色彩非常明亮、鲜艳，而且富有变化。
追求瞬间的印象：印象派艺术家们追求捕捉瞬间的印象，他们试图在画布上表达他们对自然景观的瞬间感受。
这种追求体现在他们的作品中，使得每一幅作品都充满了生动和活力。
创新的绘画技巧：印象派艺术家们在绘画技巧上也有所创新，他们使用轻快的笔触和短小的线条来表现瞬间的印象。
这种技巧使得他们的作品具有很强的表现力和视觉冲击力。
反映现实生活：印象派艺术家们也试图通过他们的作品反映现实生活，特别是对城市和农村生活的描绘。
他们的作品通常以现实生活中的场景和人物为主题，展现出现实主义的特点。
三、影响和贡献印象派在艺术史上产生了深远的影响和贡献：推动了艺术的进步：印象派的出现打破了传统艺术观念的束缚，为现代艺术的发展奠定了基础。
印象派借着今天的这个学习交流平台，我想和大家分享一下西方油画中的印象派。
定义：印象派，也叫印象主义，19世纪60—90年代在法国兴起的画派。
1872年，莫奈创作了日后扬名于世的《日出、印象》。
在参加展览时被评论家讽刺为“印象派”，后得名印象派。
这就是印象派的由来。
风格特点我通过莫奈的作品《日出〃印象》来讲解一下印象画派的风格特点，莫奈的这一作品画的是法国勒阿弗尔海港的风景,描写海港日出时的景象。
它的画法虽然是近乎速写式的。
但由于画家抓住了大自然在阳光下的真实效果,生动地描绘了融化在晨曦和朝雾中的光和色,表现了画家对日出时转瞬即逝的海港景色的鲜明的印象。
此绘画所描写的景色动人地表达了自然美的意境,为油画新的表现手法开拓了广阔的道路。
莫奈对光色的专注远远超越物体的形象，使得物体在画布上的表现消失在光色之中。
他让世人重新体悟到光与自然的结构。
所以这一视野的嬗变，在以往难以想象，它所散发出的光线、色彩、运动和充沛的活力，取代了以往绘画中僵死的构图和不敢有丝毫创新的传统主义。
印象主义Impressionnism（1874-1886）：是不依据可靠的知识，以瞬间的印象做画。
画家们是抓住一个具有特点的侧面去做画，所以他们必须疾飞画笔把颜色直接涂在画布上，他们只能多考虑画的总体效果，较少的顾及枝节细部。
印象主义的以粗放的笔法做画，作品缺乏修饰，是一种外表草率的画法。
印象主义采取在户外阳光下直接描绘景物，追求光色变化中表现对象的整体感和气氛的创作方法，主张根据太阳光谱所呈现的赤橙黄绿青蓝紫七种颜色去反映自然界的瞬间印象，印象主义的作品选择的题材面比较广泛，无论是在城市或是在乡村，画家都试图捕捉到瞬息多变的大自然。
《点PPT》在艺术观点上，印象主义画家认为一切色彩皆产生于光，于是他们依据光谱赤橙黄绿青蓝紫七色来调配颜色。
由于光是瞬息万变的，他们认为只有捕捉瞬息间光的照耀才能揭示自然界的奥妙。
因此在绘画中注重对外光的研究和表现，主张到户外去，（点PPT）在阳光下依据眼睛的观察和现场的直感作画，表现物象在光的照射下，色彩的微妙变化。
印象画派是十九世纪下半叶法国兴起的一个画派。
这一名称是由1874年该派作者举行画展时，批评家对莫奈所作《日出·印象》一画出以嘲笑而来。
该派反对当时学院派的保守思想和表现手法，采取在户外阳光下直接描绘景物，追求光色变化中表现对象的整体感和氛围的创作方法，主张根据太阳光谱所呈现的赤橙黄绿青蓝紫七种色相去反映自然界的瞬间印象，一反过去宗教神话等主题内容和陈陈相因的灰褐色调，使欧洲绘画出现发挥光色原理加强表现力的新方法，对绘画技法的革新有很大影响。
1863年，与官方沙龙画展唱反调的“沙龙落选作品展”在巴黎举行。
马奈展出了他的《草地上的午餐》，画一裸妇与绅士们在草地上午餐。
此画被认为有伤风化而受到激烈批评和嘲骂。
而富有创新意识的莫奈、雷诺阿、德加、西斯莱、毕沙罗、塞尚等画家却乐意与马奈结盟。
1874年4月在巴黎卡普辛大街借用摄影师那达尔的工作室举办了题为“画家、雕塑家和版莫奈《花园中的女人》画家等无名艺术家展览会”。
“疯狂、怪诞、反胃、不堪入目！”这是巴黎一位艺术批评家的怒斥，画展迅即成为巴黎街谈巷议的话题，观众不但前往讪笑，甚至向画布唾啐。
其中莫奈所绘的一小幅海景，受讥嘲最多，画的是哈佛港晨景，题名为《日出·印象》，艺术观点保守的记者路易斯·勒罗伊（Louis Leroy）借此画名挖苦其为“印象主义画家的展览会”，“印象主义”由此而得名。
、代表人物代表画家有莫奈、毕沙罗、西斯莱、雷诺阿、文森特·梵高、塞尚、高更、修拉等。
代表作品毕沙罗的《农家女》的纯朴与率真、《牧羊女》的灵动与鲜活等，正反映了“以自然为师”，描绘了“感觉到的第一印象”。
德加的《赛马》的投入与动情、《骑马散步》的闲情与潇洒、《舞台上的芭蕾舞者》的莫奈《巴黎蒙特戈依街道》欢快与忘我等，正叠加了“记忆”和“想像”，试图“从自然的束缚下解放出来”。
日出印象莫奈创作了扬名于世的“印象·日出”。
这幅油画描绘的是透过薄雾观望阿佛尔港口日出的景象。
印象乐派音乐艺术特征一、印象乐派的艺术特征受印象主义绘画的影响，19世纪末，法国作曲家德彪西②创立了音乐的印象主义乐派，它在美学思想上与自然主义、快乐主义、直觉主义和经验主义等流派相通，在艺术观念上象征派诗人追求辞藻声韵的微妙效果。
其在题材上专注于光和影的游戏以及一切美丽、愉悦和能给人以享受的东西，追求大自然中景物瞬间的交替和变幻，特别强调色彩轻淡与浓重之间的对比，强调音乐的明暗层次与浓淡色彩，制造出一种朦胧的与变幻莫测的气氛，并用绝妙的和声、音色将其表现出来。
德彪西认为，音乐比绘画更能有效地把印象主义的理想付诸实践，绘画只能表现光的静止状态，而音乐却能表达光的流动变化。
莫奈需要一系列画幅才能绘出同一场景光的不同效果，而音乐却能在同一首乐曲中创造不间断的光的流动。
在创作手法上，他的旋律多以零碎的片断或短句加以发展；他喜用不协和和弦，平行四五度，平行和弦，音阶常用全音阶，五声音阶和中古调式。
和声上尽量减弱功能性，增强其色彩性。
通过频繁离调、转调的使用，大大扩充了调性的范围。
曲式结构则以三部曲式为主，体裁上也作了较多的创新，不是照搬传统的曲式体裁，而是把体裁的运用更加自由化，如交响素描《大海》第三乐章“风与海的对话”，结构就接近于回旋曲式。
配器手法精致细腻，色调闪烁，变幻莫测。
他善于捕捉光、影、水色的动态，借视觉式形象来表现听觉式幻想。
所有这些手法的运用都是为了营造印象主义特有的朦胧、飘忽、空幻和幽静的意境。
二、印象乐派的代表——德彪西的钢琴音乐德彪西的钢琴音乐艺术总结了印象乐派的音乐特征。
从1880年第一首钢琴曲《波希米亚舞曲》问世到1915年用纯音乐写成的12首《钢琴练习曲》，35年中德彪西共写了包括以钢琴独奏形式发表的舞剧音乐《玩具盒子》在内的92首钢琴曲。
其钢琴作品在艺术表现上概括起来有以下几个特征：1.绘景音乐在诸种艺术形式中是最抽象的，由于受到印象画派的影响，德彪西在作品中大量地用音响材料进行“绘景”。
078印象派的“法国特性”[荷]曲培醇丁 宁译虽然在19、20世纪之交时，印象派被认为是一种典型的法国艺术运动，但是，在1920和1930年代，至少在法国，它却被看作是一种与伟大的法国艺术传统背道而驰的运动。
我希望说明，20世纪早期法国在欣赏印象派过程中的这种转变是与政治尤其是第一次世界大战紧密联系在一起的；一战使得法国人不仅仇恨德国人，而且也憎恶一切在他们看来是与北欧日耳曼文化相关的东西。
印象派与18世纪法国洛可可绘画密切相关，而洛可可绘画则又被看做是扎根于北欧的艺术——荷兰、比利时和德国的艺术，这就使得一战以后的艺术家和批评家都把印象派不仅仅看作非法国的艺术，而且还视作坏的艺术而加以否定。
本文从印象派画家雷诺阿《煎饼磨坊的舞会》说起，该作品创作于1876年，描绘的是初夏周日午后一个咖啡馆的露台，年轻人在那里跳舞、调情。
此咖啡馆名为煎饼磨坊，坐落在巴黎北边的蒙马特区，该区到了1870和1880年代还依然有着乡村特点，就如我们在梵・高1886年的画作中所看到的那样。
当时，艺术家和他的弟弟就住在蒙马特。
由于蒙马特坐落在山上，风大，因而拥有众多的风车，在17、18世纪时，都用来将谷物磨成面粉，但是，到了19世纪，风车就逐渐弃而不用了。
一些19世纪的实业家就有了将这些老磨坊改造成咖啡馆或饭店的念头，煎饼磨坊就是其中的一个。
一位名叫德布雷的人将老磨坊改造成了一家咖啡馆，以其煎饼而出名。
煎饼磨坊咖啡馆由于深受年轻人的喜爱，店主德布雷就决定再在屋外扩建一个户外跳舞的平台。
煎饼磨坊咖啡馆的周日舞会，就如雷诺阿的画所表明的那样，在巴黎极受欢迎。
今天我们来看雷诺阿的《煎饼磨坊的舞会》，或许都会同意这是一幅典型的法国绘画。
这是一种散发着愉悦感的都市生活场景，一副描绘时装、饮食、调情与爱恋的绘画，我们会把所有这些因素与法国联想在一起，也就是和“法国特性”联系在一起 。
或许我们许多人都会同意，不仅仅是雷诺阿的《煎饼磨坊的舞会》，而且，总体而言，印象派绘画代表了一切我们认为是法国的东西。
再举几个例子或许可以说明这一点。
莫奈的《1878年6月30日巴黎圣德尼街》以一种不同的方式来表征“法国特性”。
画面上主宰的色彩是法国国旗的颜色：红、白和蓝——法国大革命的色彩。
此画常常被认为是对7月14日巴黎巴士底日（法国国庆日）的再现，这一天纪念的是1789年大革命的爆发。
不过，此画再现的却是法国政府为庆祝“和平劳动”在1878年制定的特别节日的那天一条装饰得花团锦簇的街道。
但是，无论是再现了什么节日，莫奈的画如同雷诺阿的作品一样，讲述的是法国特性，尽管可能是一种不同类型的法国特性。
在这里，我们需要想到法国民族主义和法国大革命期间宣告的“自由、平等和友爱”的革命理想。
毕沙罗《春日的巴黎蒙马特大道》展现的却是法国特性的另一种方面，此画再现的是现代巴黎中的法国精华。
这个城市是拿破仑三世在豪斯曼男爵佐助下，于19世纪中叶创立煎饼磨坊的舞会 1876 雷诺阿春日的巴黎蒙马特大道 1897 毕沙罗1878年6月30日巴黎圣德尼街 1878 莫奈079的。
豪斯曼拆掉了巴黎半个中世纪老城，将其重建为拥有宽阔大街和林荫大道的超现代城市空间。
毕沙罗所画的蒙马特林荫大道有现代的六层公寓楼，新栽的大树，可轻松通过四辆马车的宽阔路面，以及行人可在商店橱窗前逗留的现代步道，把巴黎再现为如著名的20世纪德国哲学家本雅明所说的“19世纪的大都会”。
最后，卡耶博特画于1881年的《静物与牡蛎》展现的是一张法国酒吧或饭店里的餐桌，准备让顾客享用一盘新鲜的牡蛎和一瓶白葡萄酒。
浆洗过的白桌布、闪光的水晶杯、珍珠质感的牡蛎肉，以及切开的汁水饱满的柠檬等，都让观者有一种视觉愉悦，仿佛预示着将要品尝牡蛎的顾客的口福。
此画散发出一种感性的愉悦感，让我们再次体会到了一种典型的法国味。
虽然如今我们都将印象派看作是典型的法国绘画，但是，在20世纪早期，有关印象派的“法国特性”却是大有争议的。
人人都同意，这是一种新的、现代的艺术风格。
问题是，它究竟是否和怎样融合到法国的艺术传统的，它是以什么方式与法国艺术史联系在一起? 若干位批评家，包括卡米耶・莫克莱、西奥多・迪雷和诗人马拉美等，都将印象派与 18世纪上半叶的法国艺术即所谓的洛可可时代的艺术联系在一起了。
他们觉得，印象派分享了那个时代的艺术的许多特点，即众所周知的闲暇生活主题、写实性以及自由、疏松的笔触。
雷诺阿的《秋千》是一个很好的例子。
它描绘的是年轻人在公园里享受着春天的情节。
两名年轻男子似乎在与抓着秋千绳的女孩调情。
或许，她是一个保姆，负责照看左边的小女孩，而在她听着男子们的言谈而脸红时，看上去忘记了自己的职责。
雷诺阿的画或可与18世纪的洛可可画家华托的《尴尬的求婚》进行比较。
后者早于雷诺阿约150年就已描绘过类似的年轻人户外的休闲生活，调情与献殷勤。
两幅画都构图随意，而且，看上去这些随意的构图反映了年轻人随意相遇的特点。
印象派与洛可可绘画的另一关联就是都痴迷于写实——对现实进行直截了当的再现。
要说明这种关联，我们可以比较一下卡耶博特的《牡蛎》和夏尔丹的《鳐鱼》，后者的题目指的是背景上一条大鱼的名字。
两幅画都表现了艺术家对精心捕捉眼前物品的色泽、表面肌理的兴趣甚或乐趣 ——如卡耶博特画中浆洗过的桌布、闪光的水晶杯、珍珠质感的牡蛎肉；以及夏尔丹画中的鳐鱼去掉内脏后湿乎乎、滑腻腻的内里、猫的柔软皮毛，以及粗糙的石墙等。
最后，洛可可绘画和印象派绘画都偏爱疏松的笔触。
比较一下印象派之父马奈所作的吉普赛女人的画像与洛可可画家弗拉戈纳尔的题为《灵感》的想象性头像习作，会是很有启发性的。
两幅画都是用宽而疏松的笔触画成的，笔迹清晰可见。
显而易见，马奈与弗拉戈纳尔都是从色彩而非轮廓的角度来构思画作的。
马奈用色彩画出作品的草图，然后在结束时再用黑色的轮廓线来突出人物，尽管它在好几处呈现出一种清晰的轮廓线，但是，这种轮廓线是在画作完成时而不是开始时画上去的。
我们已经证明，在19-20世纪之交，有好几位批评家认为印象派是与18世纪法国洛可可绘画联系在一起的，以表明印象派运动根源于更早的法国艺术。
这种与法国洛可可绘画的关联会强化这样的观念，即印象派是典型的法国艺术风格。
但是，18世纪晚期以来，在法国艺术批评以及艺术史中时或有一个问题被提出来，即洛可可绘画本身是否代表法国艺术传统? 有些法国文化批评家说“是的”，另一些人则认为，洛可可绘画是“非法国的”，因为它深受北欧（也即荷兰、德国）绘画的影响。
确实，前面提及的所有洛可可的绘画都可用来与北欧的艺术作比较。
例如，华托的《尴尬的求婚》，此画我在前面曾与雷诺阿的场景或闲暇生活联系在一起，其本身或许可以回溯到17世纪的荷兰绘画，特别是一种称为“快乐伴侣”的绘画。
静物与牡蛎 1881 卡耶博特鳐鱼 1728 夏尔丹 鱼静物 17世纪080这种画就是表现人们在闲暇时的聚会，奏乐、餐饮或只是自我的享受。
如同华托的绘画，迪尔克・哈尔斯的《在湖边奏乐的优雅聚会》描绘的是年轻人在户外的聚会，他们衣着优雅，调情逗乐。
两幅画都呈现出随意的构图，以反映聚会的随意性。
之前与印象派画家卡耶博特的《静物与牡蛎》做过比较的夏尔丹的《鳐鱼》，或许也可以与荷兰17世纪的绘画联系在一起，尤其是与描绘鱼的静物画联系起来——这在当时的荷兰是极为流行的主题。
我们从荷兰鱼静物画中随意挑选了一幅亚伯拉罕・凡・贝叶林的画作来比较，与夏尔丹的画一样，它显然强调对色彩和肌理的有意味渲染——铜锅内闪亮的内壁、切开的鲑鱼的柔软粉红的肉，以及右上角鱼干硬而脆的表面等。
最后是我们在马奈的《抽烟的吉普赛女郎》和弗拉戈纳尔的想象性头像习作中所见的疏松的笔触。
这种笔触或许是与迪尔克・哈尔斯的哥哥弗兰斯・哈尔斯的《吉普赛女郎》有关。
如同赞赏哈尔斯的弗拉戈纳尔一样，哈尔斯本人就是用宽阔而又清晰可变的笔触来画《吉普赛女郎》的。
在弗拉戈纳尔自身所处的时代里，他是明确承认受惠于弗兰斯・哈尔斯的。
批评家罗杰・波塔利斯谈到过弗拉戈纳尔的想象性头像习作，认为是“疯狂的弗兰斯・哈尔斯” 。
但是，如果说，在某些法国批评家看来，18世纪的洛可可绘画事实上是根源于荷兰和佛兰德斯的艺术，并未在艺术上体现“法国特性”，那么，什么才是真正的法国传统呢？在许多法国人看来，“法国传统”并非产生于18世纪，而是以17世纪法国历史上最为辉煌的时代（即路易十四时期）为代表。
路易十四从1643年直到1715年去世期间统治了法国，有路易大帝或“太阳王”之称的他统治的是当时欧洲最为强大的国家。
在17世纪，法国文化主宰欧洲，而法语是整个欧洲大陆受过教育的人的共同语言。
17世纪的法国艺术迥异于18世纪的艺术。
较诸比较轻松和快乐的洛可可风格，它代表了法国艺术的“宏大风格”。
这种“宏大风格”是以夏尔・勒布伦（1619-1690）的作品为代表的。
勒布伦是路易十四宫廷里的重要画家，有“国王首席画家”的名号，路易十四称其为“所有时代中最伟大的法国画家”，并且允许他以自己统治法国的方式统领法国艺术。
选出勒布伦的一幅画，且让我们来看一看他的《亚历山大大帝进入巴比伦》（约1664）。
此画如今藏于巴黎的卢浮宫，是描绘古希腊国王亚历山大大帝一生的系列画之一，此系列画是路易十四本人在1662年委托勒布伦创作的。
作为古代世界的一个战士与国王，亚历山大大帝在其32岁死去之前，就设法征服了东欧的大部分地方以及整个中东与埃及。
公元前331年，亚历山大成功地包围了美索不达米亚的古老都城巴比伦，该城被降服后，他就举行了正式的进城凯旋行军，其中，他坐在战车上，开进了巴比伦国王大流士的宫殿，勒布伦的画就是对这一场景的再现。
我们看到，陪伴亚历山大的是战士们，还有那些在投降时奉献礼品的人 。
勒布伦的画作是我们所谓的历史画，也就是说，它并不是再现来自日常生活的某一场景，而是再现古代历史的某一场景。
它是以文学文本为基础的，并讲述故事的一部分。
它并非写实的，而是想象性的，而画中的人物则都是所谓“理想化”的人物，也就是说，他们是想象出来并显得完美无缺的形象。
确实，许多人物都似乎有点参考古典的希腊罗马的神像，而这些神被认为具有完美无缺的人的外观。
例如，在勒布伦画中的前景上，那些抬着礼品的人体态强壮，肌肉发达，令人想起希腊英雄赫拉克力士的形象，诸如著名的《法灵感 1768 弗拉戈纳尔抽烟的吉普赛女郎 1862 马奈 吉普赛女郎 1628-30 哈尔斯乃塞的赫拉克力士》，一座属于罗马法乃塞家族的雕塑，在17世纪极为出名。
这些人物都不是写实的，他们是肌肉发达、完美无懈的标本，就如背对我们的女性，她似乎拥有完美的女性身材。
此画另一个重要的方面就是画得非常柔和，笔触几乎看不出来，除非用放大镜来看。
这幅画是从线和轮廓的角度构思的——有点像是儿童的填色书，其中的轮廓线已经画好，再填入各种颜色。
