西方艺术史

西方艺术史●当一座神庙由一囤立柱围绕四周时，称为“立柱式”。

当立柱排列成好几行时，称为“多柱式”。

●“多利亚式”在希腊大陆上传播“伊奥尼亚式”在各个岛屿上和小亚细亚沿岸发展。

多利亚神庙非常厚重、体积适中伊奥尼亚式给人以修长的外表，有意地强调装饰成分●公元前447年开始建造的巴底农神庙标志着这一古典建筑的顶峰。

由于采用了独具特点的解决办法，将多利亚式与伊奥尼亚式的大量成分混在一起，它成为该世纪后半叶一切建筑创造的典范。

●建筑家们冲破了古风时期样式的束缚，赋予雕像以最大限度的生活气息：动态。

代表雕刻家：米隆、波留克列特斯、菲底亚斯。

米隆：《掷铁饼者》波留克列特斯：《束发的运动员》《荷矛者》菲底亚斯：巴底农神庙檐壁饰带。

在极有个性的极浅的浮雕上，他通过均衡稳定的构图和沉着冷静的运动感表达出最理想、最神圣的希腊精神。

●科林斯式成为在建筑物中出现的第三种样式，型式的混合在这时变得日益频繁。

希腊化时期大量新城市的出现和民用石材建筑的开始，支配着城市规划建设的仍然是对称和理想的原则。

●雅典巴底农神庙（BC5000）以数学上的严格去对待节奏、和谐概念同赋予希腊建筑以非凡气魄的极端精美结合在一处。

巴底农代表了古典艺术最高成就之一，简洁明确的蓬勃生气、庄严肃穆与丰富想象都在这座神庙上达到完美平衡。

希腊艺术在这里把理性和诗情成功地融为一体，成为世世代代建筑家的楷模。

●早期基督教艺术到了公元4世纪成为帝国的官方艺术。

在罗马陷落之后，东罗马部分便成为新基督教艺术的唯一保证。

由于包围它的和组成它的各种不同文明带来的多种多样的影响，东罗马要创造一种特别的艺术语言。

于是，早期基督教艺术便一步步地便成了拜占庭艺术。

这一转变似乎是在6世纪黎明之时，与君士坦丁大帝的统治一起进行的。

远远地离开了古代的现实主义，拜占庭艺术在早期基督教艺术美学演变的基础上，制订了新的艺术表现方式，它浸透了象征主义，确定了直至今日的基督教圣像艺术。

●公元380年，狄奥多西敕令使基督教成为国教。

西方美术史的发展
西方美术史的发展可以追溯到古希腊和罗马时期。

在古希腊时期，艺术家主要创作了许多雕塑作品，而在罗马时期，壁画和马赛克成为了主要形式。

中世纪时期，基督教成为了主流宗教，艺术家开始在教堂和修道院中创作宗教主题的画作、壁画和雕塑。

文艺复兴时期是西方美术史中的一个重要时期。

艺术家开始以人文主义为基础，追求恢复古典文化和艺术的精神。

这一时期的艺术作品注重透视和比例的准确性，主题从宗教转向了个人、人体和自然。

17世纪是欧洲艺术的黄金时期，巴洛克艺术风格兴盛。

这一时期的艺术作品表现了宗教、神话、历史和日常生活等各种主题，强调精神和感情的奔放和丰富。

18世纪的欧洲艺术主要体现了启蒙运动的精神和理念，风格趋向简约、明快和自然。

19世纪的印象派运动开创了现代艺术的先河，推崇以色彩和光线描绘形式，追求个人感觉和主观反映。

20世纪以来，西方美术的发展经历了多种流派和风格的变革，包括表现主义、抽象表现主义、超现实主义、流行艺术等。

同时，数字艺术和多媒体艺术的出现与发展也为西方美术带来了新的可能性和挑战。

大地艺术超越时空的自然之美一、大地艺术的起源大地艺术（Earth Art）起源于 20 世纪 60 年代的美国，它是一种将自然环境作为艺术媒介的艺术形式。

大地艺术家们不再局限于传统的画布、雕塑等艺术媒介，而是将艺术创作延伸到自然界中，通过改变自然景观来创造艺术作品。

这种艺术形式强调与自然的和谐共存，试图超越时空的限制，创造出永恒的艺术作品。

二、大地艺术的特点1. 强调与自然的和谐共存大地艺术强调与自然的和谐共存，艺术家们在创作过程中尽可能地减少对自然环境的破坏，而是通过巧妙地利用自然元素来创造艺术作品。

这种艺术形式不仅体现了人类对自然的敬畏，也展示了人与自然的和谐共存之美。

2. 追求永恒性大地艺术追求永恒性，艺术家们通过改变自然景观来创造出永恒的艺术作品。

这些作品不仅超越了时空的限制，也能够抵御自然环境的变化，从而实现艺术的永恒性。

3. 强调参与性和互动性大地艺术强调参与性和互动性，艺术家们通常会邀请观众参与到艺术创作过程中，让观众与艺术作品产生互动，从而增强观众的艺术体验。

此外，大地艺术作品通常需要在自然环境中展示，观众需要亲身到达现场才能欣赏到作品，这也增强了观众与作品的互动性。

三、大地艺术的代表作品1. 《螺旋岛》（Spiral Jetty）《螺旋岛》是美国艺术家罗伯特·史密斯森（Robert Smithson）于 1970 年创作的一件大地艺术作品。

他将在犹他州大盐湖边用玄武岩和泥土堆出了一个螺旋形状的岛屿，并通过引水渠道将湖水引入岛屿，形成一个小湖泊。

这件作品将自然景观与艺术创作巧妙地结合在一起，展示了大地艺术的独特魅力。

2. 《闪电场》（Lightning Field）《闪电场》是美国艺术家沃尔特·德·玛利亚（Walter De Maria）于 1977 年创作的一件大地艺术作品。

他在美国新墨西哥州一片荒漠中摆放了 400 根不锈钢杆，这些杆子按照一定的规律分布，形成了一个巨大的网格。

《西方艺术史》教学大纲英文名称：The History of foreign Fine Art课程所属模块：艺术创作与审美体验课程类别：学科基础课适用专业：美术学、绘画、艺术设计等考核方式：论文总学时：24学时（理论讲授学时：24学时）学分：2学分课程简介：西方艺术史是一门以艺术风格为主线介绍西方艺术流派发生、发展和延续的课程，其基本素材是时代背景、艺术家和艺术作品。

在内容和结构上，以时间序列为基准，分别是：艺术风格的奠基—古希腊罗马艺术和中世纪艺术、艺术风格的独立—文艺复兴时期的艺术、艺术风格的装饰—巴洛克艺术和罗可可艺术、艺术风格的满实—十九世纪的艺术、艺术风格的裂变—二十世纪的艺术。

作为艺术史的基本理解，全部内容是透过一个以艺术品为中心的三层同心圆结构展示出来的：艺术风格的转移切换、艺术运动的此起彼伏和思想文化的层浪递进。

通过该课程的习修，努力达到三点效果：对西方艺术的发展脉络形成常识性与框架性的了解；对艺术问题形成自己综合性和独到性的见解；对个人的审美风格和设计实践给予足够的启示。

与教学计划中前后课程的关系：本课程为艺术系一年级第二学期必修专业理论课程，为学生以后学习艺术史、艺术鉴赏、美学等课程打好基础。

对学生了解外国艺术思想、美术观念、美术思潮有所帮助。

对学生进行艺术创作提供准备。

一、课程的性质,目的与任务：西方美术史课程是高校美术生和绘画专业的基础课和必修课,它是提高学生美术理论水平和审美能力的重要手段,对促进学生全面发展有着重要作用.本课程坚持辩证唯物主义和历史唯物主义的基本原理和根本原则,坚持内容的科学性和体系的完整性.使学生认识到,西方美术史是研究外国绘画,雕塑,工艺美术,建筑等艺术的发生,发展的过程与其规律的科学.通过对西方美术史历程中若干问题的讨论,引发学生对西方美术史料的把握以与对美术发展规律的探讨的兴趣,掌握对西方美术史学习和研究的方法,为以后进一步研究美术史以与从事美术教学和美术创作奠定良好的基础.。

浅谈西方艺术史及其历史发展沿革诚如纪伯伦所言，“艺术是从自然迈向永恒的小小一步”。

无论是西方艺术家还是国内的艺术家，都在漫长岁月里试图用艺术作品这项特殊的表达方式记录人类对于生活和思想的轨迹，并以各种特殊的载体媒介来传递某一个时期里的历史、人文，以及社会经济，乃至政治统治背景。

纵观西方艺术史，在任何时期，艺术品的存在和價值都在受社会需求的影响。

远古（约前30000-前480年）人类通过抽象与简洁的方式记录了其与自然的共存，他们擅长准确、生动的描述动物的体态，这种借助于洞穴空间的艺术，使用颜色和粘黏合物质（如鸡蛋，胶，动物油脂等）在石壁上进行图画的方式，让尚未掌握透视画法的古埃及人记录了“对死后亡灵“世界的期许。

此后这种记录方式在史前艺术家的引导下，通过尼罗河流域传播到了希腊，在那里传承了约有1000年后，又继续传到了北欧，可以说埃及人教会了希腊人关于艺术的早期鉴赏，而希腊人又将天性好胜的战争题材发挥到极致，让这段原本充满血腥的战乱时期成为了值得后人可歌可泣的英勇历史。

如果说古埃及人通过艺术描述了“死后预想的一切”那么希腊人就将“生”的一切展现在了后人面前，并将有关于艺术的精神传递给现在的我们。

尽管在那个时代里，并没有太多的人欣赏那些石壁上精美绝伦的画作。

但是欧洲还是经历了石器时代，古风时代，与此同时中东也经历了苏美文明时期，埃及文明和巴比伦文明，亚述文明，希伯来文明时期，美洲则经历了奥尔梅克文明时期。

大概在公元325年左右，艺术家开始在技艺上追寻对光线的捕捉，但此时的罗马宗教的统治极大限度的限制了艺术创作者自由发挥的题材，艺术家在大环境中失去了肯为艺术“买单”的群体，甚至有段低谷时期，他们的艺术品甚至无法被当作礼物馈赠给他人——因为没有人会去在意他们想要表达的或是记录的内涵。

直到宗教势力的扩大，一种被13世纪中期称为“哥特式”的艺术沾染着浓厚的拜占庭风辗转到欧美。

那个时期的历史充斥着海盗的抢夺，民众的暴动，苦难的生活让当时的人类寿命变得短暂，而为了巩固自己的教皇统治地位，让那些没有机会得到文化培养的不识字的底层人民能够被教皇在思想上进行统治，原本空洞的教堂开始出现了雕像和微型壁画。

西⽅艺术史：威尼斯画派（１５—１６世纪）【20】意⼤利的⽂艺复兴威尼斯在１５世纪成为地中海沿岸最⼤的商业中⼼，实⾏贵族共和制政体，整个城市充满了繁华的世俗⽓氛，到１５世纪后半期美术题材就从宗教转向了世俗。

湛蓝的海⽔与东⽅商船绚烂的⾊彩交相辉映，使这⼉的艺术家对⾊彩特别敏感，世俗的题材使他们把⽬光转向美丽的⾃然风光，舒适豪华的⽣活也带来⼀种享乐主义的情调。

⾊彩鲜艳、富于乐天情趣的威尼斯画派⼀直倍受青睐。

其偏重⾊彩、注重感觉的特点，对⽇后⼀切具有浪漫主义倾向的艺术家都具有启发意义。

威尼斯画派形成与15世纪后期，繁荣于16世纪，开创者是乔凡尼·贝利尼(giovannibellini 1430—1516年)。

与同时代的画家相⽐，他更注重风景的描写，把⾃然景⾊诗意化，使作品充满宁静和淡雅的情调。

即使在圣母的形象中，他也没忘记以优美的风景作背景。

《有⼩树的圣母》扫除了传统的宗教⽓息。

《有⼩树的圣母》在晚期作品《神的欢宴》（⼜名《诸神的宴会》）、《湖的圣母》中，他开始⼤胆地采⽤外光，⾊彩变得明朗鲜艳起来，流畅的线条富于⾳乐性，这种和谐优美的基调促进了威尼斯画派的形成和发展。

《神的欢宴》《园中祈祷》描写基督在克西马尼的园⼦⾥⾟苦地作最后的祈祷。

贝利尼在曼坦那的坚实构图中找到了冥想的及诗意特⾊的灵感，并将之⽤在⾃然美的景物上。

画家透过宽旷原野空间，通过黎明的光线传达给我们以深沉的情绪，沉睡在⼤地上的信徒们流露出苦恼与迷茫。

全幅画构思独特，趣味迥异，可谓情景交融，开创了⽂艺复兴时代祭坛画的新局⾯。

画⾯的构图采⽤写实主义⼿法，⾊彩⾃然⽣动。

《园中祈祷》乔尔乔纳（1477-1510）是从贝利尼风格过渡到威尼斯画派全盛时期的⼈物。

乔尔乔内的绘画造型优美，有绚丽的⾊彩，柔和的明暗关系，⼈物和风景⾃然交融，开创了风景⼈物绘画的新格局，⽽佛罗伦萨画家则仅仅把风景作为⼈物的陪衬。

乔尔乔纳诗⼀般的画⾯，并不单纯是⼀种优美的视觉效果，⽽且有丰富的⼈⽂主义内涵，如《三个哲学家》就分别代表了中世纪哲学、东⽅哲学和⼈⽂主义思想，尤其在代表⼈⽂主义思想的青年学者⾝上倾注了他的热情和理想。

在美术史上，人们把12世纪后，以建筑样式的变化而开始的艺术风格称之为“哥特式风格”。

“哥特”一词本源于西欧的一个民族“哥特人”，有野蛮、怪异的意思，但哥特艺术并非哥特人所造，它出现的时候，“哥特人”早已溶化在西欧其他民族之中了。

因此哥特式艺术决不能说是“粗野”的。

哥特式艺术包括建筑、雕刻，在建筑上体现得尤为明显。

确切的说，哥特式的建筑艺术是指中世纪最后300年——12至14世纪流行的一种新的建筑（包括其中的雕刻绘画）艺术样式。

法国则是它的故乡。

2.文艺复兴(14th)文艺复兴式艺术风格指发源于意大利，在14至16世纪影响遍及全欧的一种富有革新精神的人文主义艺术风格。

“文艺复兴” 一词来自法文， 原意为“重新出生”，在此指'古典文化的再生”。

文艺复兴艺术的开端，可追溯到14世纪初期意大利人比萨诺父子的雕刻、契马部埃的绘画及其弟子乔托的绘画和建筑设计。

他们的作品开始突出“人本主义”的思想，在内容上大胆肯定人生与自然，在形式和技巧上注重对人与自然的科学研究，并借“回到古代去”之口号来摄取古希腊罗马的建筑、雕刻和绘画经验，在风格上则体现出哥特式艺术与古典艺术的结合及在此基础上的新突破。

3.巴洛克艺术(17th)巴洛克艺术是指17世纪风行于欧洲的一种艺术风格。

“巴洛克”一词源于西班牙语及葡萄牙语的“变形的珍珠”。

巴洛克艺术潮流对当代艺术设计产生了巨大而深远的影响。

波及到雕刻、绘画、家具、服装、音乐等领域。

其代表作家作品有普杰的《克罗托那的米罗》、卡拉瓦乔的《埋葬基督》、卡尔德隆的《人生如梦》等。

巴洛克艺术的特点主要有：1豪华的特色，它既有宗教的特色又有享乐主义的色彩；2激情的艺术，它打破理性的宁静和谐，具有浓郁的浪漫主义色彩，强调艺术家的丰富想象力；3运动与变化是巴洛克艺术的灵魂；4关注作品的空间感和立体感；5综合性，巴洛克艺术强调艺术形式的综合手段，例如在建筑上重视建筑与雕刻、绘画的综合，此外，巴洛克艺术也吸收了文学、戏剧、音乐等领域里的一些因素和想象；6浓重的宗教色彩；7大多数巴洛克的艺术家有远离生活和时代的倾向，如在一些天顶画中，人的形象变得微不足道，如同花纹一般。

西方艺术史：后现代主义的艺术-概论【146】后现代主义的艺术如果说，波普艺术是后现代美术的征兆，那么，观念艺术就进入了后现代主义的征兆。

当然，更应该看到，波普艺术和观念艺术是联结在一起的，它们并不能截然分开。

所谓观念艺术，亦称概念艺术，是一种主要强调思想、观念的艺术。

在西方，观念艺术还有别的名称，如理想或思想艺术、思考艺术、形而上艺术、实体以外的艺术，还因为这种艺术特别强调行为和事物的过程与状态，又常常被称作状态艺术。

关于观念艺术的兴起过程，美国的H·H·阿纳森、英国的N·斯坦戈斯、罗伯塔·史密斯等学者都作了分析。

我国学者也作了系统的研究。

他们认为波普艺术是观念艺术较近的源头。

50年代波普艺术的兴起，标志着达达思潮在新形势下的复述与发展。

新达达、新写实主义，在试图把艺术生活化的过程中，越来越强调观念的作用。

不论波普、新达达或新写实主义，它们在本质上有一致的地方，那就是对于审美价值的根本性探讨，要弄清艺术和实在究竟是何种关系。

美国理论家哈罗德·罗森堡以后现代主义的角度分析了观念艺术。

罗森堡对以波洛克为代表的美国抽象表现主义绘画--行动绘画有独特的解释，认为这种绘画已经不是某种物体的画像，而是物体本身；它们不是自然的再现，而本身就是自然，同时画家的创作过程被看作是真正的现实。

罗森堡敏锐地发现，50年代之后，现代派传统的形与色的追求已和日益发展的社会需要不相一致。

因为在后工业社会，科学技术的迅速发展，形成知识爆炸的局面。

在政治、道德、文艺各个领域，各种新的问题层出不穷地出现，形与色的现代派绘画，已很难包容当代人复杂的精神生活。

当代艺术正在朝着超越纯美学的范畴，与伦理学、心理学、政治学和文化融为一体。

因而，后现代主义必然取代现代主义。

走出形与色的框架，艺术向何处发展？罗森堡认为，必须以恢复人的创造性的生命力为契机，强调"行动"的重要性。