浅析艺术歌曲《岁月悠悠》演唱风格

歌唱语言在起音中的运用技巧作者：安田露来源：《北方音乐》2018年第20期【摘要】歌唱艺术作为一门音乐与语言相结合的艺术形式，语言起着很重要的作用。

中国唱论体系中对歌唱的语言非常重视，正所谓“字正腔圆”。

徐大椿的《乐府传声》中把歌唱语言大致总结为“五音四呼十三辙”，通过这些规范不仅能使歌唱的语言生动清晰，在技术上还能解决歌唱中起音的问题。

【关键词】起音；歌唱语言；歌唱技巧【中图分类号】J623.3 【文献标识码】A一、起音的分类“起音”（attack）是意大利美声学派中的概念，清人徐大椿在《乐府传声》中提到：“唱法之最紧要不可忽者，在于起调之一字。

通首之调，皆此字领之；通首之势，皆此字蓄之；通首之神，皆此字开之。

”[1]在这里需要注意的是，“起调”同“起音”的概念也有些异议。

“起调”为通曲之首；而“起音”具体到了段、句和字之间。

本文重点讨论全曲开始的第一个音。

起音作为歌唱的第一个音，是歌唱发声的开始动作。

起音虽然只是瞬间的一个现象，但对声音的形成和声音的质量起着重要的作用，[2]正所谓“此字一梗，则全曲皆梗；此字一和，则全曲皆和”。

没有正确的起音，后边唱出的声音就不会好，也不会获得美好的声音来表达作品。

（一）硬起音硬起音是声带的闭合与呼出气息不在同一时间，即在未产生声音之前，声带的闭合早于呼出的气息。

[3]因此，要用比较大的声门下压，才能推开声门，致使歌声、说话时伴有硬性气音。

硬起音的音头坚实、有力，常出现在男声部的颂歌类型的作品（二）软起音软起音是声带的闭合与呼出气息经过声门的时间一致，在形成声音时，声带靠拢，声音集中，如同“穿针引线”。

演唱时要体会音头以舒气或叹气开头，即“以气带声”的感觉。

软起音可以使声音保持相应的弹性和持久力，并使声音圆润、通透、上下自如。

其实，正确的起音不仅是气息和声门协调配合的基本方法，还应该与歌唱语言有密切关联。

起音的字正腔圆对整首作品的影响很大，在训练过程中，要融会贯通，方可运用自如。

浅论中国古诗词艺术歌曲的演唱风格与特征《浅论中国古诗词艺术歌曲的演唱风格与特征》一中国古诗词艺术歌曲的演唱风格那可是相当独特。

就像品茶，得慢慢咂摸滋味。

你看啊，古诗词本身就有那种含蓄、典雅的韵味。

演唱的时候，声音就得像涓涓细流，轻柔又细腻。

比如说唱李煜的《虞美人》，“春花秋月何时了”，这一句要是扯着嗓子喊，那可就全毁了。

得用一种略带忧伤、娓娓道来的声音，仿佛在诉说着这位亡国之君无尽的哀愁。

二演唱中国古诗词艺术歌曲还得讲究咬字清晰。

这咬字啊，就像工匠雕刻，得一丝不苟。

每个字都要像精美的珠子，串起来才好看。

像唱苏轼的《水调歌头·明月几时有》，“明月几时有”的“月”字，要是咬不准，就像珍珠上有了瑕疵。

清晰的咬字能让听众一下子就进入到古诗词的美妙意境当中，感受到诗人的情感。

我就听一个歌手唱，那咬字含糊不清，我都想冲上去喊：“你好好唱啊，这可不是瞎糊弄的事儿！”三在演唱风格上，情感的把握是关键。

这就跟演员演戏似的，得入戏。

唱古诗词艺术歌曲时，你得把自己想象成诗人。

比如唱李白的《将进酒》，那股豪迈奔放的劲儿得出来。

“君不见黄河之水天上来”，你要是唱出一种小家子气，那可不行。

得唱出那种对人生的豁达，仿佛自己就是那个斗酒诗百篇的李白，豪情万丈。

四中国古诗词艺术歌曲的演唱特征还体现在韵律感上。

这韵律就像是舞蹈的节奏。

每一句诗词都有它的平仄格律，演唱的时候要把这种韵律体现出来。

拿王昌龄的《从军行》来说，“青海长云暗雪山”，读起来就有一种顿挫感。

演唱的时候也要像踏着这种节奏跳舞一样，忽高忽低，忽快忽慢，这样歌曲才有韵味。

要是没了这韵律，就像跳舞乱了节拍，那多难看啊。

五演唱这类歌曲时的气息控制也很重要。

这气息就好比放风筝的线，得稳稳地把控住。

唱悠长的句子时，气息要绵长。

像唱柳永的《雨霖铃》，“执手相看泪眼，竟无语凝噎”，这时候气息要是不稳，声音就会抖得像风中的树叶。

而唱短句子的时候，气息又要有一种爆发力。

就像射箭，得有劲道。

中国艺术歌曲及其演唱意义作者：邹京航来源：《北方音乐》2014年第07期【摘要】随着社会的发展和人们审美观念的转变也在不断进步，作为中国美声学习者，应该掌握世界上最先进的声乐理论和演唱方法，并与中国的语言发音相结合，用正确的声音概念去指导中国声乐作品的演唱，加快美声唱法在中国的发展和前进。

其中艺术歌曲以其深邃的人文精神，含蓄内在的诗意，高妙的人声技巧，抒情的格调，适合的艺术规范成为声乐艺术的范本之一，促进和繁荣着声乐表演艺术。

【关键词】艺术歌曲；演唱；古诗词20世纪初的中国近代音乐史上出现了一种极为重要的音乐体裁——艺术歌曲。

本文以这个时期的艺术歌曲为例，因为它是作曲家在继承传统音乐的基础上走向专业创作最终达到完善的重要阶段，这个时期作曲家追求民主、自由、崇尚个眭、抒发崇高情感、反映时代、民族、个性精神的集中体现，预示着中国人从文化心理上改变了传统的音乐审美理想与情趣，开始了中国音乐向专业化、正规化发展的道路。

一.这一时期的艺术歌曲创作大致可以分为两大类（一）以古诗词创作的艺术歌曲诗词在中国文学史上占有极其重要的地位，为中国艺术歌曲的丰富和发展提供了充足的养料。

这一类创作中有青主的《大江东去》（【宋]苏轼词）、《我住长江头》（【宋]李之仪词），黄自的《花非花》（【唐]白居易词）、《点绛唇·赋登楼》（【宋]王灼词），陈田鹤的《枫桥夜泊》（【唐】张继诗）、《春归何处》（【宋】黄庭坚词），谭小麟的《彭浪矶》、《春风春雨》（【宋]·朱希真词），周淑安的《纺纱歌》（[明】裴彼词）及刘雪庵的《红豆词》（【清]曹雪芹词）等。

其内容多表现为借用古代诗词来表现时人的内心感受，其中有表示离别思念的如《我住长江头》；有触景生情的如《春归何处》、《枫桥夜泊》；表现强烈爱国精神的如《大江东去》和表示爱情的《红豆词》等等。

尤其可贵的是，这些作品在整个保持中国式清雅高洁的气韵中，又鲜明地表现了各自的艺术特色。

浅析艺术歌曲《思乡》的演唱风格发表时间：2019-08-13T16:26:58.707Z 来源：《科学与技术》2019年第06期作者：孟晓宵[导读] 从歌曲创作背景、创作特征、伴奏艺术性、作品美学特征等角度出发，重点阐述《思乡》演唱把握，以此作一粗略探讨和分析。

聊城大学音乐与舞蹈学院摘要：抒情性艺术歌曲是他声乐作品中最具有艺术价值的部分。

这类歌曲多抒发内心情感，表现一种对生活的美好向往和淳朴的情感。

艺术歌曲《思乡》作为其中一首经典之作很好的体现了创作风格和创作特点。

下面结合自身演唱实践，从歌曲创作背景、创作特征、伴奏艺术性、作品美学特征等角度出发，重点阐述《思乡》演唱把握，以此作一粗略探讨和分析。

关键词：黄自；抒情性；艺术歌曲；演唱风格把握住作品内容及时代背景才能更好的抓住作品风格，再现作者的原作，达到声情并茂的完美演绎。

而不同时代对声乐作品的理解也是不同的，这就决定了我们演唱中还要根据时代性特点，赋予作品与时俱进的演唱风格，才能为大众所接受。

一、创作背景和作品分析艺术歌曲《思乡》是黄自艺术歌曲的代表作品之一，其创作于1932年，词作者韦瀚章。

当时中华民族正处在动荡不安的特殊年代，而满怀爱国情怀的黄自先生在这个阶段感慨万分，把他的希望寄托在音乐创作上，希望以此来抒发自己的感情并号召激励全民族团结一致抗日，黄自采取的爱国行为受到当时某些学院派人士的指责，黄自无奈的感到自己力量的渺小和无法挽回大局，就是在这种时代背景下，创作了这首经典作品，它将黄自的忧国忧民、无奈感伤的心情淋漓尽致的谱写出来。

这首歌曲风格雅致，结构规整，用和声和独到的伴奏生动的刻画了黄自的心情，表现了一种思乡之情，怀着满腔愁离别恨，要随流水一同归去。

《思乡》这首作品是b E大调，4/4拍，速度行板，二段曲式，歌曲表达了作者独自在异乡，睹物而深切思乡之情。

二、作品《思乡》演唱分析这首作品采用二段曲式、b E 大调、4/4 拍，速度为行板。

浅谈江定仙的艺术歌曲创作摘要江定仙先生是我国现代作曲家、音乐教育家。

在他一生的音乐创作中，艺术歌曲始终都是他所挚爱的音乐形式。

他的艺术歌曲无论是在题材的选择、旋律的应用、钢琴的伴奏以及对民族民间音乐的借鉴方面，都有着独到之处。

时至今天，他所创作的音乐作品仍然有着巨大的艺术魅力。

关键词：江定仙艺术歌曲中图分类号：j642 文献标识码：a江定仙先生的音乐风格是独树一帜的，写作特点也是个性鲜明的。

作为作曲家，江定仙先生非常热心追求在戏剧性抒情艺术歌曲方面的创作，而他所创作的作品也都充分显露了他对自己毕生追求的风格的各种尝试。

江先生这种对于艺术的执着以及敢于追求的精神，值得我们后人去认真学习与探讨研究。

一江定仙的艺术歌曲创作概览江定仙，湖北武汉人，著名作曲家、音乐教育家。

早年在上海国立音专学习，师从黄自学习理论作曲，被誉为黄自的“四大弟子”之一。

新中国成立后，曾兼任中央音乐学院副院长，后受聘为终身教授。

江定仙一生创作声乐独唱曲、合唱曲、民歌改编曲、儿童歌曲等声乐作品与钢琴曲、管弦曲一百多首（部）；艺术歌曲《岁月悠悠》入选“20世纪华人音乐经典”曲目。

江定仙于上世纪30年代谱写的艺术歌曲有：《恋歌》（韦丛芜词）、《前途》、《静境》（均廖辅叔词）、《岁月悠悠》（黄嘉漠词）等，这些艺术歌曲在风格上与黄自的艺术歌曲意颇近之，同时也从舒伯特、勃拉姆斯的艺术歌曲中汲取了营养。

其中《前途》一歌，以明快的曲调和活泼的节奏，歌唱了青年的朝气和理想；《静境》一歌，表现了人们对美好事物的执着追求。

这些艺术歌曲的钢琴伴奏都写得很细腻。

40年代，江定仙在重庆曾任教育部音乐教育委员会编辑、中央训练团音乐干部训练班教员。

1942年，他任教于重庆青木关国立音乐院（抗战胜利后迁至南京）。

在这一期间，他创作的作品有钢琴曲《小奏鸣曲》；艺术歌曲《浪》、《树》、《小马》（均艾青词）和《解脱》（宗白华词）等。

在青年学生组织“山歌社”学习和改编民歌热潮的影响下，江定仙也在1945年为康定民歌《跑马溜溜的山上》编配了钢琴伴奏。

浅析歌曲的意境之美〔摘要〕古诗词艺术歌曲有着深厚的历史积淀，同时古诗词艺术歌曲在其发展过程中，经历了一个漫长的过程。

古诗词艺术歌曲很好的借鉴和吸收我国传统戏曲的诸多方面，如：咬字，行腔，气息，表现手法等；古诗词艺术歌曲的通透之美可以表现在歌曲的演唱方式与演唱风格上。

〔关键词〕通透演唱民族声乐意境中国民族声乐的历史源远流长。

早在先秦时期，我国最早的音乐美学论著《乐论・师乙篇》就提出了：“人居中矩，句中，累累乎端如贯珠”。

说的是：演唱时要自如转换，行腔变化合乎规律，每个字每个音都要像穿玉珠一样串在一起。

这种理论，在今天来说，依然闪烁着智慧的光芒，很多的老师在上声乐课时，经常会要求我们说，演唱时要把每个字象穿珠子一样串起来。

类似的中国古代民族声乐论著也很多。

朱权在《太和正音谱》中提出：“一声唱到融神处，毛骨萧然六月寒”。

说明唱情得以融神的艺术效果①。

古诗词艺术歌曲的演唱和表现形式还借鉴和吸收了传统戏曲的菁华。

我国戏曲艺术的正式形成，一般认为是南宋时的南戏。

南戏的演唱方式是多样化的，它既可以独唱，又可对唱、轮唱、合唱等，戏曲的雏形，到元代基本形成。

王国维在《宋元戏曲考》中说：“论真正的戏曲，不能不从元？《杂剧》开始也。

”②元《唱论》的作者芝庵，论述的虽然是戏曲声乐的演唱方式，但其中的一些如：“字真”、“声要圆熟”、“腔要彻满”与我们现代演唱中所要求的“字正腔圆”的要求是一致的。

同时，他十分注意唱腔的旋律美，提出歌唱时要注意“抑扬顿挫”、“索纡牵结”、“敦拖鸣咽”等。

还提出气息的支持的重要性，提出“偷气、取气、换气、歇气，爱者有一口气”等观点。

他还注意了歌唱者不同的音色与演唱风格问题。

通透―――①精通、透彻。

②穿透，常比喻能看透人心。

这是通透的原意，用在声乐艺术上，人们说有通透感就是演唱者声音运行无阻、贯通、通达、不憋屈，听着很清澈，没有乌哑的感觉。

而作为本人对通透一词的理解，首先，是对民族声乐演唱方法及风格的把握，民族声乐演唱讲究“依字行腔，以字带声，以字传神，以字传情，唱声唱情，以情动人”，并且民族声乐发展到今天，已经成为文艺百花园中，一道不可或缺的亮丽的风景线，由于其具有独特的抒情性，音乐性，结构性，独创性，地域性，语言性，所以要求声音清澈干净，明亮透彻，能塑造不同类型的角色。

中国早期歌曲特点一、中国早期艺术歌曲的特点在钢琴伴奏上的特点西方艺术歌曲,尤其在舒伯特、舒曼的歌曲中,钢琴伴奏已不再是歌曲的简单辅助和衬托,而是一种适应于音乐作品整体结构和音乐内容的需要、表现音乐形象、发掘歌词内涵、弥补和表达歌曲中能够感到而难以言明的情感的重要创作手段,这也是作为艺术歌曲的最重要特征之一。

我国早期艺术歌曲也因保留和传承了将钢琴伴奏的功能放在突出地位上这一重要特点而较之传统音调在表现上更加丰富,有效烘托了歌曲的意境,钢琴伴奏艺术的功能性作用得到了充分的传承和发扬。

如赵元任的《秋钟》用切分重复的f音描写钟声,用快速的音阶下行描写风声,用轻盈的半音阶上行描写落叶。

又如青主的《大江东去》,音调宽广,伴奏中流动的音型表现出长江流水的景致,强力分解和弦具体描绘了江涛拍岸的景象以抒发词意的壮丽意境。

另一首复调性作品,夏之秋的《思乡曲》,第三段声乐和伴奏各自独立表现及烘托,使人感到思乡之情更加深沉、内蕴。

在江定仙的《岁月悠悠》中,第二段的间奏是对第一段开始句的重复,第二段的“岁月悠悠”之后的间奏也是对第一段开始句的模仿,这样就使钢琴伴奏与歌声之间形成一种遥相呼应的衬托作用,刻画出人物内心的一种伤感、惆怅、怀旧的心情,用钢琴伴奏来补充和加深诗词中黯然神伤的意境。

调式调性及旋律上的特点“艺术歌曲之王”舒伯特常常采用大小调转换、离调等调性布局以及各调之间关系的微妙感觉与和声色彩表现力的不同,来塑造诗歌的形象和诗意的内心感受,这一特征已成为艺术歌曲的典型创作手法。

中国早期艺术歌曲的创作明显受到了这一手法的影响,同时又努力结合本民族传统调式的表现方法,在创作中进行了新的探索。

例如赵元任在《教我如何不想他》此歌中,即采取了大小调交替的调性布局。

在第四段中,主歌采用了e小调,给人以暗淡、伤感的色彩,描绘出歌词中“枯树在冷风里摇,野火在暮色中烧”的凄凉情景;而在副歌中转入同主音大调上,又给人以抒情、明朗的气氛。

声乐教学中情感培养方式的探究【摘要】如何完善声乐教学一直是众多音乐教师所不断研究的问题，本文就情感在声乐教学中所起到的作用、如何起作用及如何培养学生的音乐情感为对象，进行简要的梳理与探讨，希望对音乐教师们的声乐教学起到一定的帮助和启发作用。

【关键词】声乐；教学；情感我们经常会听到声乐老师对学生说：“你的技术很到位，但是演唱整体上总是缺少了一点打动别人的东西”。

这点东西是什么？对于学生的声乐演唱又起到怎样的作用呢？这将是需要我们进行分析与探讨的地方。

一、声乐教学中情感培养的重要性在讲述如何在声乐教学中进行情感的培养训练之前，我们必须对情感在声乐教学中所扮演的角色、特点及其重要性进行简要的阐述，这样才能使我们在声乐教学中融入进行情感培养时，有一定的标准与方向，更好地完成声乐教学中的各项任务。

1.情感在声乐教学中所扮演的角色技术是美好嗓音出现的基础，只有具备了相当的歌唱技巧，才能将音色美发挥出来。

但是，单纯地追求技术的纯熟和训练，而忽略了声音情感的表达，将会使得学生成为一种唱歌的机器，而不是一名有自我情感、个性的演唱者。

歌唱，是音乐艺术的一种，其不仅仅是学生对歌曲的单纯演绎，还应保有着歌曲本身的情绪、歌词内在的情感、演唱者自身对于音乐所寄语的情绪。

“情动于中而形于言，言之不足，故嗟叹之；叹之不足，故咏歌之……”歌唱为人的本能，是人类最原始、最直接的音乐表达形式。

歌的曲、歌的词都寄托着情感，音乐的美，便是其对于情感的展现，通过情感的互动，使演唱者与歌曲本身、演唱者与听众间产生共鸣。

音乐情感属于歌唱中非技术因素的一种，对于作品的演唱与表现来说，起到了一种升华、深化的作用。

就好比是化学中的催化剂，加速了演唱者对于音乐的理解与把握，从而更好的表现出音乐的魅力。

2.情感性使得演唱者各具不同声乐中寄托着演唱者个人的情感，不同的人演唱同一首声乐作品，必然会有不一样的理解和表现，而这种差异性也是演唱者的个人特色，不仅造就了艺术的多样性，也使得音乐具有了丰富多彩的情感性。

浅析黄自艺术歌曲的音乐特征与演唱风格——以《玫瑰三愿》为例黄自先生是我国著名的音乐理论家和实践者，他短暂的一生创作出了无数首经典音乐，涉及到的题材更是有很多种，创作内容涵盖了艺术歌曲、群众歌曲、合唱曲、清唱剧等多种音乐形式，大都紧密结合当时的生活，风格独特，唱法优美。

其中，艺术歌曲作品最多，最为著名，如《玫瑰三愿》，其艺术歌曲的典型音乐特征是将西方音乐技法运用到含有中国传统元素的音乐作品中，演唱风格唯美而深情。

本文以其艺术歌曲《玫瑰三愿》为例，展开分析黄自先生的音乐特征和演唱风格，进而探索其艺术歌曲中的艺术价值和审美价值。

艺术歌曲是现当代音乐中的一种声乐歌曲，它是由诗词、歌曲和钢琴作为伴奏共同组合而成的艺术形式，且在表演中将这三者融为一体，极具艺术感染力。

很多人认为，艺术歌曲是起源于19世纪的欧美音乐文体，但也有中国学者认为，早在我国春秋时期问世的《诗经》就是艺术歌曲。

黄自在20世纪初开始研究、创作并发展艺术歌曲，并成为那个时代的艺术音乐的开拓者，对我国后来的音乐艺术发展和进步有着深刻的影响。

他将中国传统的文化艺术元素与西方音乐技法相融合，擅长将我国的古典诗词与音乐进行完美的结合，并创作出许多具有研究价值的艺术歌曲，这些作品被后人当作经典进行研究，其中《玫瑰三愿》这一首创作于1933年，至今已经传唱了80多年，是我国艺术歌曲的代表作，极具代表性和研究价值。

一、黄自与其艺术歌曲概述（一）黄自生平简介黄自先生在上世纪初的1904年出生，却仙逝于1938年，他的祖籍是江苏川沙，也就是现在的上海市。

他14岁考入清华大学，并在清华大学接触到了西方的音乐理论，毕业后赴美留学，后毕业于耶鲁大学音乐学校欧伯林学院，是我国近现代著名的作曲家、音乐家和教育家。

黄自的家庭是书香门第，为其后天的艺术造诣提供了艺术土壤和养料。

黄自生在乱世年代，短暂的一生都处于动荡之中，他经历了清末的朝代变革、鸦片战争、民主运动等系列社会变革。