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学赏画：（11）伦勃朗梵莱茵Rembrandt资料及高清油画作品赏析伦勃朗《戴帽的自画像》伦勃朗·梵·莱茵，英文名：Rembrandt Harmenszoon van Rijn，俗称伦勃朗，出生于1606年7月15日，死于1669年10月4日。
伦勃朗是17世纪荷兰最伟大的画家之一，台湾把伦勃朗翻译为林布兰。
伦勃朗早年跟从荷兰历史画家皮尔特·拉斯特曼学习绘画，1625年在家乡开设画室。
伦勃朗作品题材广泛，擅长肖像画、风景画、风俗画、宗教画、历史画等。
伦勃朗一生留下600多幅油画，300多幅蚀版画和2000多幅素描，以及100多幅自画像。
伦勃朗《鸡心螺》伦勃朗1606年生于荷兰莱顿的一个磨坊主家庭，母亲是面包师的女儿，除伦勃朗外，他们还有8个孩子。
伦勃朗《阿比塔公牛》伦勃朗青年时期就已经声明鹊起，可以说是少年得志。
14岁进入莱顿大学；17岁去阿姆斯特丹向历史画家拉斯特曼学画；1627年21岁时伦勃朗已经基本掌握油画、素描和蚀刻画的技巧并发展了自己的风格，回家乡自己开画室招徒作画，期间画了许多自画像；1631年伦勃朗离开莱顿去阿姆斯特丹，30年代就成为阿姆斯特丹的主要肖像画家。
伦勃朗的肖像画风格人物安排具有戏剧性，深深打动人心，伦勃朗以神话和宗教故事为题材的作品供不应求。
伦勃朗对戏剧很感兴趣，经常利用如同舞台高光的亮色描绘在阴暗背景下的人物。
伦勃朗《库克的画像》伦勃朗代表作之一：《杜尔博士的解剖学课》。
从1640年代开始，伦勃朗经常到乡村漫步和作画，创作了许多反映大自然的素描和版画，风格质朴。
1661年是伦勃朗作画最多的一年，创作了包括素描、油画、版画在内的大量作品。
1663年以后伦勃朗作画较少，此时他结交了许多中下阶层的市民，眼界更为开阔，技巧更为成熟，创造力达到顶峰。
伦勃朗《摩西十诫》伦勃朗生命中苦难的转折点是从他的名作《夜巡》开始的，在绘制《夜巡》的过程中，伦勃朗固执的想要打破当时的传统，他的这种做法在当时并不被世人所接受，从此以后，找他订画的人越来越少，画家的生活也逐渐变得潦倒。
浅析伦勃朗艺术伦勃朗·范·莱因是17世纪荷兰最杰出的画家之一，他的作品和艺术风格对后世产生了深远的影响,伦勃朗以其逼真的肖像画和卓越的光影效果而闻名，被认为是欧洲艺术史上最伟大的画家之一。
一、生平与背景伦勃朗1606年出生在荷兰莱顿的一个家具商家庭,他是家中的第九个孩子，但仅有四个兄弟姐妹在他出生后幸存下来，这个大家庭为他提供了稳定的家庭环境和经济支持。
在早期成长阶段，伦勃朗表现出了对艺术的浓厚兴趣，他在学校展现出绘画才能，为此他被送往莱顿大学学习文法和修辞学，但是他的兴趣更倾向于绘画，于是他辍学并开始拜师学习绘画。
伦勃朗的第一位导师是知名艺术家，他教授伦勃朗绘画技巧和艺术理论，然后伦勃朗成为彼得·拉斯特曼的学徒，学习历史画的绘制和故事性表达。
在完成学徒期后，伦勃朗回到莱顿并开设了自己的画室，他开始接受委托绘制肖像画和历史画，逐渐建立了声誉和客户群，他的作品展示了对细节的精确描绘和对光影的巧妙运用，这些特点后来成为他艺术风格的标志。
但他的个人生活并不一帆风顺，在1634年，他娶了一个名叫萨斯基亚的女性为妻，他们共同经历了悲痛和喜悦，他也面临了经济上的挣扎，伦勃朗的艺术事业在这段时间取得了巨大的成功。
他的肖像画和历史画受到了社会上层阶级的青睐，并获得了丰厚的报酬，不幸的是，萨斯基亚在1642年去世，给伦勃朗带来了深深的伤痛，这一事件对他的生活和创作产生了重大影响。
伦勃朗的经济状况也逐渐恶化，他在投资和生意上遭受了巨大的损失，但他并没有放弃艺术创作，相反，他通过不断探索和创新来寻找新的艺术表达方式，晚年的伦勃朗将更多的精力投入到风景画和宗教题材的创作中，他的作品逐渐展现出内省和沉思的特点，反映出他在个人经历和人生困境中的思考。
尽管伦勃朗在经济上遭受了挫折，但他的艺术声誉在欧洲各地不断上升，他的画作被广泛收藏，并受到其他艺术家的推崇和模仿，伦勃朗通过独特的绘画技巧和表现力，成功地创造出了属于自己的艺术语言。
荷兰黄金时代大师：伦勃朗的生平伦勃朗（Rembrandt Harmenszoon van Rijn）是17世纪荷兰最杰出的画家之一，被誉为荷兰黄金时代的大师。
他的作品不仅以绘画技巧卓越而闻名，而且还通过精细的肖像和富有情感的描绘，展示了他对人性和生活的深刻洞察力。
本文将介绍伦勃朗的生平，探索他艺术成就的背后故事。
伦勃朗于1606年7月15日出生在荷兰莱顿市的一个家庭中，他的父亲是一位磨具商人。
在他年轻的时候，他显示出了绘画的才华，并得到了莱顿大学的教授雅各布·冯·斯旺恩伯赫的赏识。
然而，他的家庭却希望他成为一名学者，于是他被送往莱顿大学学习文科。
然而伦勃朗对绘画的热情使他决定辍学，成为画家。
在莱顿，伦勃朗成为一位受人尊敬的学徒，并在1619年成为油画大师彼得·拉斯波尔的学生。
他接受了拉斯波尔的严格训练，学会了精确的绘画技巧和对光影的运用。
这种技术对伦勃朗的艺术风格产生了深远的影响，他后来以自己独特的方式使用光线来创造戏剧性的效果。
在早期阶段，伦勃朗主要从事肖像画的创作，他通过细致入微的笔触和逼真的面部表情来捕捉每个人的个性和情感。
他的肖像画被认为是当时社会地位显赫的人的象征，因此受到了广泛的欢迎。
伦勃朗的作品在荷兰国内和国际上都引起了广泛的关注，为他赢得了宫廷和富有权势的保护者。
在财富和声望的巅峰，伦勃朗创作了一系列令人惊叹的历史画作和宗教画作。
其中最著名的是《夜巡》（The Night Watch），这幅画展示了荷兰市民武装组织的壮丽场景。
通过巧妙的构图和对紧张氛围的运用，伦勃朗创造了一幅栩栩如生的画面，使观众感受到了现场的热闹与紧张。
然而，伦勃朗的事业在1650年代开始出现转折。
他的妻子逝世后，他遭遇了一系列的个人和财务困境。
他的绘画风格也逐渐变得更加内省和深沉，反映了他在面对人生困境时的思考和痛苦。
尽管面临着挑战，伦勃朗依然坚持创作，并通过描绘自画像来表达他对内心世界的探索。
如果你走在阿姆斯特丹或莱顿别致的小巷里，你到处都能闻到艺术的气息，特别是你刚走出伦勃朗的博物馆，你会觉得伦勃朗刚从你身边擦肩而过。
伦勃朗是我所了解的艺术人格最完整而社会人格最不完整的载体，与他相提并论的还有一位德国人：贝多芬。
他对绘画的责任感即成就了他的辉煌也埋下了凄凉的阴影，他是唯一坚持：“观众是羊，画家是牧羊人。
”的审美理想主义者！他是唯一不怕用伟大去碰撞渺小而遭遇悲剧的画家。
他给我们留下了一个教训：“卖的是你的生活，不卖的是你的艺术。
”伦勃朗（1606-1669）伦勃朗1606年出生于荷兰的文化名城莱顿的一个磨坊主家庭，1620年，14岁的伦勃朗顺利地通过了拉丁语学校的各门考试，进入莱顿大学法律系学习。
伦勃朗在进入莱顿大学后从没有听过教授们讲一节课，他对这些枯燥的法律条文丝毫不感兴趣，所以注册后没多久就退学了。
退学后的伦勃朗把主要精力都放在了他的最大兴趣点绘画上。
从1621年开始，伦勃朗跟随当地画家雅各.凡.斯瓦宁堡学习。
斯瓦宁堡曾经留学意大利，他特别擅长对建筑场景与阴曹地府的描绘。
伦勃朗在这里待了三年，学会了素描、版画等绘画的基本技巧。
此后17岁的伦勃朗多次请求父亲同意他去阿姆斯特丹学习，父亲只好送他到阿姆斯特丹，跟随当时著名的历史画家彼得·拉斯特曼学画。
并由此开始了他的绘画求学生涯。
彼得·拉斯特曼也曾经到意大利留学，他对卡拉瓦乔和亚当·艾谢梅尔的作品很感兴趣。
在绘画风格上，卡拉瓦乔主张自然主义，在光线运用上主张用光线的明暗对比来营造戏剧般的效果与张力。
而艾谢悔尔则喜欢荷尔拜因作品上精细刻画的效果，两人一人对光线另一人对细部刻画有很深的研究。
拉斯特曼深受两位大师的新技术革新的影响，也把这些东西学习掌握之后，传授给了他的学生伦勃朗，让年轻的伦勃朗印象深刻。
六个月后，伦勃朗离开拉斯特曼回到莱顿。
虽然伦勃朗只在拉斯特曼的工作室待了半年，但他很快就掌握了这种绘画光线的明暗技法。
伦勃朗：一个高贵灵魂的沉沦17世纪的荷兰，是一个绘画风潮泛滥的时代，但当时的绘画主要是为市井各阶层作肖像画，雇主的满意与否是一个画家能否成功的关键。
就在这时，荷兰出现了一个成功的画家——伦勃朗。
伦勃朗·哈尔曼松·凡·莱因，可以说是欧洲17世纪最伟大的画家之一，也是荷兰历史上最伟大的画家，他在绘画史上所占的地位，是与意大利文艺复兴诸巨匠不相上下的，他所代表的是北欧的民族性与民族天才。
就是这样一位大师，你却可能很难想到他的结局……1606年，伦勃朗出生于荷兰莱顿。
父亲是个磨坊主，母亲是面包师的女儿。
他家共有9个孩子，而伦勃朗是最小同时也是兄弟们中最聪明的。
他14岁进莱顿大学，17岁时只身前往阿姆斯特丹，在画家拉斯特曼的手下学习绘画长达4年之久。
21岁时，他回到家乡开画室，招徒作画。
随着绘画事业步入正轨，伦勃朗在当地也开始小有名气。
1634年，他与一位富商的女儿结婚。
后来，女方家也为他的绘画事业提供了不少帮助。
在荷兰的阿姆斯特丹港（类似上海南京路外滩），至今仍保留着伦勃朗夫妻两人住过的一栋故居，可见他当时的生活环境要好于其他画家。
然而，曾经受宠于上流社会的伦勃朗，却因坚持自己的艺术风格，最终死于家境穷困。
1642年，伦勃朗为阿姆斯特丹城射手队成员画了一幅名为《夜巡》的作品。
这是他一生中最著名的、也是最有争议的作品。
当时的荷兰画坛，有一个不成文的规定。
在画志愿军人的群像时，必须严格按照其身份和军阶进行画面分配。
伦勃朗却一反常规，他以接近舞台效果的手法呈现那些军人，既让每个人的形象都出现在画面上，又安排得错落有致、主次分明。
射手们在看过画作以后，认为伦勃朗未将志愿军人的地位摆正确，明暗、大小也是不同。
他们不但拒接画作，还将伦勃朗告上了法庭。
整个事件闹得沸沸扬扬，伦勃朗画室的生意也受到了影响，订单一下子骤减许多。
祸不单行，他的爱妻沙斯姬亚在生下儿子后感染了肺病离世。
在此之前，这对夫妇已经失去了3个孩子。
【名人故事】荷兰之子：伦勃朗年老的伦勃朗坐在两个年青画家和一群漂亮姑娘中间。
他们把站在街边的伦勃朗当成疯老头，请他喝酒，叫他扮演所罗门王。
伦勃朗也许在他们身上看到了自己的年轻时代，接受了这个邀请。
“忧愁和智慧一同生长……”在一片哄笑声中，伦勃朗背诵着所罗门王的箴言。
也许是酒的原因，他的老眼潮湿明亮。
向着哄笑的年轻人，伦勃朗说了他的一生。
这是影片《伦勃朗》的最后一段。
之前的字幕是“最后一年……”伦勃朗在绘画史———不只是荷兰的而是全欧的绘画史上所占的地位，是与意大利文艺复兴诸巨匠不相上下的。
他所代表的是北欧的民族性与民族天才。
造成伦勃朗伟大的面目的，是表现他的特殊心魂的一种特殊技术：光暗。
这一名词，一经用来谈到这位画家时，便具有一种特别的意义。
换言之，伦勃朗的光暗和文艺复兴期意大利作家的光暗是绝然不同的。
法国19世纪画家兼批评家佛罗芒坦视他为“夜光虫”。
又有人说他以黑暗来绘成光明。
伦勃朗（1606—1669年）是莱顿一家磨坊主的儿子，父亲让他上大学，想使他成为法律家。
由于天性爱好绘画，伦勃朗只上了6个月大学就休学了。
他先跟从鹿特丹的一位画家学艺，17岁时去阿姆斯特丹，进了一位崇尚意大利画风的、很有名声的同乡画家拉斯特曼的画室。
功成名就之后，伦勃朗的第一批作品是画他父、兄、母、姐的肖像，其中以他的一幅戴金盔的兄长肖像最出色，显示出了画家新的探索成果：用光的明暗强烈对比手法，突出形象的主要部分，造成心理刻画的效果。
这种画法使主题鲜明，尤其受光部分的质感极为强烈，画面的其余部分则很暗，欧洲的美术史家称之是“紫金色的黑暗”。
不久，他的巨幅《杜普教授的解剖课》（1632年作）的集体肖像画，又确立了他的艺术声誉。
这种带风俗性的集体肖像画，是时代的需要。
在照相术未问世以前，资产阶级同业公会都喜欢悬挂这种画。
伦勃朗于1632年定居阿姆斯特丹，28岁时与一位名门闺秀莎士基亚结婚，这时他的绘画声誉已初步确立。
莎士基亚原是画家认识的一位美术商威廉布尔克的表妹，伦勃朗是被邀给她画像时认识的，两人一见钟情。
历史上最有影响力的五位艺术家艺术是人类文明的重要组成部分，通过艺术作品能够传达情感、表达思想以及展示美感。
在历史的长河中，有许多艺术家以其出色的才华和独特的艺术风格成为人们心目中的偶像和偶像。
以下将介绍五位被认为是历史上最有影响力的艺术家，他们的作品影响了世界，并对整个艺术领域产生了深远的影响。
1. 莫奈（Claude Monet）莫奈是印象派画家，被公认为现代绘画的奠基人之一。
他的作品以自然界的印象和光线的变化为主题，以捕捉瞬间的光与色彩为特点。
莫奈独特的绘画风格打破了传统艺术的规范，使观众能够感受到自然景色的真实感和变化的美感。
他的作品深受人们的喜爱，对后世的艺术家产生了深远的影响，开创了现代绘画的新时代。
2. 伦勃朗（Rembrandt）伦勃朗是荷兰黄金时代最负盛名的画家之一，他的艺术作品以极其精湛的绘画技巧和对人性的深入观察而闻名。
他的肖像画和历史画作品描绘了人类情感和内心灵魂的真实面貌，鲜明地展示了人类存在的复杂和多样性。
伦勃朗对绘画技术的创新和对内心情感的表达影响了无数后来的艺术家，并使其被视为艺术史上最伟大的画家之一。
3. 达·芬奇（Leonardo da Vinci）达芬奇是文艺复兴时期的顶尖艺术家和多面手。
他的画作《蒙娜丽莎》被誉为世界上最具代表性的艺术品之一，他的成就涵盖了绘画、雕塑、建筑、科学等多个领域。
达芬奇将艺术与科学融为一体，通过细致观察和刻画人体解剖结构，打破了人们对艺术和科学界限的认知。
他的作品不仅启发了后来艺术家的创作思路，也在科学研究等领域产生了深远影响。
4. 梵高（Vincent van Gogh）梵高是后印象派画家，他以夸张和动感的画风而著名。
他的作品充满了情感和内心的痛苦，通过独特的色彩运用和笔触表达了他对世界的感受和情感体验。
梵高的作品直接触动观众的情感，传达了他内心独特的世界观。
尽管梵高在生前未获得成功，但他的作品在他去世后受到了广泛认可，并对现代艺术产生了深远的影响。
伦勃朗名词解释
伦勃朗是一位著名的荷兰画家，活动于17世纪的荷兰黄金时代。
他被广泛认为是艺术史上最伟大的画家之一，并且他的作品对后世的艺术发展产生了深远的影响。
伦勃朗以其精湛的绘画技巧和逼真的人物刻画而闻名。
他主要以历史画、肖像画和风俗画为题材，其中最著名的作品包括《夜巡》、《牧羊人在伯利恒》和《开国元勋的个别人像》等。
伦勃朗的作品充满了情感和戏剧性，他善于捕捉人物的情感表达、细腻的光影处理以及对细节的准确描绘。
这使得他的作品给人以强烈的触动和内心的共鸣。
伦勃朗的绘画风格深受后世画家的推崇。
他的技巧和创新为后世艺术家提供了无限的启发。
他的作品也成为了许多博物馆和艺术收藏家的宝贵收藏。
总的来说，伦勃朗是一位具有卓越天赋和影响力的艺术家。
他通过他的作品传递了丰富的情感和思想，永远留下了艺术史上不可磨灭的足迹。
油画大师伦勃朗是光与力的伟大表达者，画中女性光鲜亮
伦勃朗·范·莱茵1616年出生于莱顿城，这是一个纺织中心和大学城。
他的家庭背景一般，父亲是一位磨房主，但伦勃朗却最终成为了17世纪荷兰乃至艺术史上最重要、最具开创性的艺术家之一。
伦勃朗从拉斯曼那里学到了作为历史画家的重要原则—描绘古代神话和圣经的复杂场景以及注重从面相术的角度捕捉人物的内心世界。
同时伦勃朗与他年长一岁的朋友和竞争对手—莱顿艺术家扬·利文斯的竞
争对他的早期发展产生了重要作用。
正如奥兰治王子的秘书康斯坦丁·惠更斯对这两位艺术家所作的描述，利文斯因其“大胆的主题和形式”而着称，而伦勃朗则胜于“创新性、坚定的笔触以及真实的情感”。
伦勃朗的作品大多关注肖像与历史题材，他对此类题材的浓厚兴趣也被他在阿姆斯特丹的学生们所继承，包括费迪南德·波尔、科瓦特·富林克和卡尔·法布里蒂乌斯等。
这些艺术家以各种不同的方式对伦勃朗的绘画技巧予以回应，包括光与影的强烈对比，丰富的颜色组合，同时他们也接受了伦勃朗将历史题材转化为普通人日常经历的技法。
艺术和美能够在文化之间搭建桥梁，伦勃朗是全世界的，他属于我们大家，他对美和真理的洞察和表现让他成为艺术领域最具影响力、最受人尊敬的大师之一。
更为难得的是，伦勃朗所代表的17世纪的荷兰艺术绘画在创造性和创新性方面也是非常领先的，而且这些绘画的主题依然能让今天的我们找到共鸣。
欣赏这位绘画巨匠的作品时我们很容易发现，他较大的特色就是对光线的运用。
画面中流淌的那些灿烂的光线总是能够在第一时间牢牢抓住观看者的眼睛，无人不为之叹服。
荷兰历史上最伟⼤的画家伦勃朗油画作品赏析荷兰历史上最伟⼤的画家伦勃朗油画作品赏析伦勃朗光线是⼈像摄影中独特的布光⽅法。
它的基本特征为：在⼈物正脸部分形成⼀个三⾓型的光斑，故也称作三⾓光；分别由：眉⾻和⿐梁的投影，及颧⾻暗区包围形成。
伦勃朗光线依靠强烈的侧光照明，使被摄者脸部的任意⼀侧呈现出三⾓形的阴影，它可以把被摄者的脸部⼀分为⼆，⽽⼜使脸部的两侧看上去各不相同。
伦勃朗式的⽤光，缘起于这张暗⽰着他⼈⽣转折点的《夜巡》。
画家采⽤强烈的明暗对⽐画法，⽤光线塑造形体，画⾯层次丰富，富有⼀定戏剧性。
1642年，射⼿队长班宁·柯克队长看到伦勃朗为牧师安思罗和他的妻⼦所画的肖像，他很喜欢这样的绘画，于是和他⼿下的队员每⼈出100荷兰盾，请伦勃朗画⼀幅集体像。
他们希望在这个群像中，官兵们全副武装地披挂起来，团坐在桌⼦周围，桌上摆着牡蛎和精美的盘⼦和酒器，每个⼈都显得很勇敢和骄傲。
伦勃朗接受了定件，因此创作了《夜巡》这⼀幅布⾯油画作品。
伦勃朗在这幅画中把众多的⼈物、不同的情绪动态，变化多样的光线、⾊彩的冷暖，丰富的空间层次等统统进⾏了恰当的处理，让他们组成了⼀个和谐的整体。
由于每个军官都拿出了100个荷兰盾，他们希望画家能把他们按照各⾃的⾝份和军阶都正⾯画在画上，集中放在⼀个层⾯上。
可是画家彻底打破了这种平衡，他选择了⼀个以两个队长为⾸领的紧急集合的场景，画上的⼈物被放在了不同的空间层⾯上，有先后主次之别，甚⾄有的被放在阴暗的⾓落中，有的只呈现局部。
画作完成后，射击⼿公会拒绝接受，要求画家按照他们的意思进⾏修改，伦勃朗拒绝修改，认为画家有权对⾃⼰的作品做作出完⼯与否的决定，双⽅争执不下，闹成僵局。
最后诉诸法律，画作遭到退定，伦勃朗只得退还了订⾦。
这件事给伦勃朗带来了极⼤的伤害，他名誉扫地，成了阿姆斯特丹最不受欢迎的画家，订单稀落，弟⼦也不再登门。
更为悲剧性的事件发⽣在当年6⽉，伦勃朗的妻⼦萨斯齐亚(Saskia)去世了。
伦勃朗为什么是先驱？2017-06-28从“伦勃朗和他的时代——美国莱顿收藏馆藏品展”说开去双眼被阴影覆盖的自画像伦勃朗·范·莱茵“这真的太"伦勃朗"了！ ” ——走进中国国家博物馆南8展厅，你仿佛置身于一个“紫金色黑暗”的神秘世界，幽深的空间感，给人以迷醉、意蕴悠长的心灵震撼。
展览画作所呈现的柔和的色彩、平整的布局、深沉的色调、细腻的笔触、独特的用光、引人共鸣的主题，让你仿佛以为自己踏入了一座17世纪的荷兰绘画博物馆。
6月17日至9月3日，“伦勃朗和他的时代——美国莱顿收藏馆藏品展”亮相中国国家博物馆，美国莱顿收藏馆携70余件绘画藏品在中国进行了最大规模的荷兰黄金时代画作展示，其中包含11幅伦勃朗画作——这也是伦勃朗画作数量最多的私人收藏。
除了伦勃朗的11幅画作外，扬·利文斯、约翰内斯·维米尔等著名艺术家以及伦勃朗流派的其他知名艺术家的作品也悉数展出；同时，展览还着重展出了来自伦勃朗的学生“精细绘画”的创作。
本次展览精选了肖像画、历史画及风俗画三大主题，旨在重现荷兰黄金时代的艺术创造力。
双眼被阴影覆盖的自画像伦勃朗·范·莱茵伟大的开端：对传统“肖像绘画”的颠覆伦勃朗·范·莱茵1616年出生于莱顿城，这是一个纺织中心和大学城。
他的家庭背景一般，父亲是一位磨房主，但伦勃朗却最终成为了17世纪荷兰乃至艺术史上最重要、最具开创性的艺术家之一。
他在17世纪20年代早期曾在莱顿当地的一位画家手下接受初步艺术训练，此后便与阿姆斯特丹历史画家彼得·拉斯曼共同度过了对他影响深远的6个月。
拉斯曼对神话和宗教主题的兴趣、对人物的戏剧性的姿态和表情的关注以及生动的用光效果等都带给伦勃朗极大的启示。
伦勃朗从拉斯曼那里学到了作为历史画家的重要原则——描绘古代神话和圣经的复杂场景以及注重从面相术的角度捕捉人物的内心世界。
同时伦勃朗与他年长一岁的朋友和竞争对手——莱顿艺术家扬·利文斯的竞争对他的早期发展产生了重要作用。
正如奥兰治王子的秘书康斯坦丁·惠更斯对这两位艺术家所作的描述，利文斯因其“大胆的主题和形式”而著称，而伦勃朗则胜于“创新性、坚定的笔触以及真实的情感” 。
策展人劳拉·耶格尔说：“伦勃朗是改变艺术史上人物肖像绘画的一位先驱，他的绘画并不是表面地描绘人物的外貌，更重要的是他的画作中有对人物内心和精神世界的探索，他一生画过100多幅自画像，是画自画像最多的一位画家，可以说他在用这样的方式不断地去探寻自己的内心。
在展厅中伦勃朗和扬·利文斯的自画像交相呼应，仿佛看到了他们之间的对话与互动。
”此次展出的伦勃朗和利文斯的部分绘画能使我们更好地了解他们早期的风格，他们对于自画像、穿着外国衣饰的人像、光与影的极致使用，让我们领略到了其艺术尝试与开拓的过程。
莱顿收藏创始人卡普兰认为：“伦勃朗比自古以来的任何艺术家都注重对人物面部的描绘，因为他能看到更多、更细，而这都出自他的内心。
中国人说绘画创作需要三件东西：眼、手、心。
我觉得这个洞察十分准确，这三者缺一不可，伦勃朗的每一幅作品都与这句话的精髓相呼应，都是眼、手、心的完美协作。
”“伦勃朗尤其擅长肖像画，善于通过捕捉人物面部表情的细微变化来揭示画中人物的性格特征和内心活动；善于利用光线塑造形体，通过光线的明暗对比来处理复杂的画面，创造出用黑暗来表现光明的"紫金色黑暗"这种伦勃朗式的独特艺术风格。
正是这一点，让伦勃朗在西方艺术史上具有了无与伦比的崇高地位。
”中国国家博物馆馆长吕章申说。
玩牌者扬·利文斯走向黄金时代：对“历史绘画”技法的创新伦勃朗于1631年离开莱顿，前往经济繁荣的文化中心阿姆斯特丹。
他加入了艺术商人亨德里克·范·乌伦博格的工作室，并依靠为阿姆斯特丹市的名人画肖像而挣得了第一笔酬金。
1633年创作的《红衣男子像》就是其中著名的一幅，它描绘了一位精英阶层并具有国际化特征的人物，这幅作品在栩栩如生地刻画人像的同时，体现出人物的庄重感。
从总体上看，伦勃朗以其历史画家的身份最为同行们所称道。
他创作于1635年的里程碑式的作品《书房中的女神密涅瓦》是这一艺术题材的最佳例证，在这幅极其重要的作品中，伦勃朗展现了女神的庄严形象：明亮的房间里，女神密涅瓦正端坐在桌旁；一本巨大的书在她面前摊开，她暂停了阅读，一手还放在打开的书页上，然后望向了画外。
她身穿点缀金色刺绣的蓝色衣服，肩上披着一件华美的斗篷。
她金色的头发垂到了双肩，头上戴着一个桂冠。
密涅瓦的坐姿是男性学者在书房的经典姿势，但伦勃朗却把它用到这位司掌战争、智慧、艺术、医药和纺织技艺的圣洁女神身上，还用多种标志性物品展现她的特点，包括精美的挂毯、厚重的书籍、地球仪以及带着戈尔戈头像的盾牌。
伦勃朗为密涅瓦精细绘制出光辉灿烂的服装，这也展现出他对荷马史诗的熟悉。
这幅作品将一位当代荷兰女性与古代神话中的密涅瓦女神的形象联系起来，这种将普通人与神的形象融合的技法使伦勃朗成为17世纪历史画家中的翘楚，正如此处的密涅瓦，这个超凡伟大的形象充满了视觉力量，伦勃朗笔下的她既是一位奥林匹斯神明，又好似一位现实生活中的妇女。
伦勃朗的作品大多关注肖像与历史题材，他对此类题材的浓厚兴趣也被他在阿姆斯特丹的学生们所继承包括费迪南德·波尔、科瓦特·富林克和卡尔·法布里蒂乌斯等。
这些艺术家以各种不同的方式对伦勃朗的绘画技巧予以回应，包括光与影的强烈对比，丰富的颜色组合，同时他们也接受了伦勃朗将历史题材转化为普通人日常经历的技法。
坐在维金纳琴旁的年轻女子约翰内斯·维米尔师承与革新：伦勃朗学生的“精细绘画”格里特·德奥是伦勃朗在莱顿的第一位学徒，他在17世纪以绘画技巧和题材的创新而闻名。
与他的老师伦勃朗不同的是，伦勃朗以一种广阔、流畅和具有强烈表现力的方法来作画，而德奥发明了一种名为“精细画”的技巧。
这种绘画要求用非常精细而准确的笔触来刻画近距离的场景。
他在肖像画、对学者或做家务的人的描绘之中，都蕴含着对于材料、表面质地和所在空间错觉的精准把握。
德奥使用日常生活中熟悉的题材，以石头窗台为背景主题，人物则斜向窗外，似乎进入了观众所在的空间。
他的《伏在画家画室壁架上的猫》以一种戏谑的方式体现出的上述技法，以极其精细的笔触突出了猫的特征，包括身上的条纹、柔滑的皮毛以及锐利的双眼。
17世纪，猫在人们眼中有着特殊寓意，它象征着视觉；德奥遵循了这一传统，让画中猫望向画框之外的物体，窗框顶端挂着一条发光的丝帘，德奥用他灵巧的手描绘出一条掀开被挂起的窗帘，从而露出了坐在画架旁的画家，在那里，视觉与画家的错觉艺术法在永恒地嬉戏。
对于德奥广受欢迎的绘画题材与作品风格，生活工作在莱顿及周边的艺术家们以各种不同的方式予以回应并进行了进一步拓展。
他最重要的一位学徒，弗兰斯·范·米里斯，以多种创新的方式将德奥的主题进行了拓展，包括在历史题材中加入17世纪风俗画中的人物，《卢克丽霞之死》便是最好的例证。
对现代绘画的启迪： 来自“民俗绘画”的艺术创造力荷兰共和国风俗画的盛行源于大家对人们日常生活这一题目的持久兴趣。
加布里埃尔·梅曲、杰拉德·特·博尔奇以及扬·斯坦等风俗画家引入了男子或女子读信、人物演奏音乐、乡村集市、平静的日常生活等多种主题。
这些作品都注重细节、质地、光与影以及氛围塑造，体现了生活普通而平实的一面。
在17世纪，人们的兴趣逐步转移至描绘上层人物的室内画，以维米尔的《坐在维金纳琴旁的年轻女子》为代表。
维米尔对于空间、色彩和光的掌握，体现出了沉浸在自己的世界中的年轻女子演奏维金纳琴的静谧与美好。
据劳拉·耶格尔介绍：“画中弹着维金纳琴的女子仿佛被我们突然打断，她停止了演奏把头扭向了我们，营造出了一种看画人和画中人的互动，这是非常难得的，这也是维米尔非常了不起的一点，历史上少有艺术家可以真正创造出这样画与人之间的互动。
”尽管荷兰风俗画看起来较为写实，但也遵循着艺术对话的传统做法与范式，这些作品都体现出关于日常生活的持久兴趣及艺术创造力。
荷兰艺术家在17世纪的风俗画主题、历史场景和肖像画中展现出了其多样的技巧和专长。
在这一背景下，无论是描绘历史或圣经场景的绘画，都带有了更多标志性或纪念性的意义。
伦勃朗和他的学生们在17世纪下半叶仍在艺术领域具有重要的影响力。
伦勃朗及他学生们的晚期作品，都很好地描绘了室内人物端坐的场景。
画家采用了具有强烈表现力的笔触，使作品中的人物也显示出丰富的经历和道德权威。
这都为现代绘画提供了重要的启示，其中的绘画技巧时至今日仍然在艺术领域具有广泛的影响力。
——正如卡普兰所言：“艺术和美能够在文化之间搭建桥梁， 伦勃朗是全世界的，他属于我们大家，他对美和真理的洞察和表现让他成为艺术领域最具影响力、最受人尊敬的大师之一。
更为难得的是，伦勃朗所代表的17世纪的荷兰艺术绘画在创造性和创新性方面也是非常领先的，而且这些绘画的主题依然能让今天的我们找到共鸣。
”People’s Daily 28 June 2017 Staff report“What makes Rembrandt a pioneer”“Rembrandt and His Time – an Exhibition by the American Leiden Collection”“This is so Rembrandt!” – Wandering around South Hall 8 of the National Museum of China, one feels like in a mysterious world of “purple golden darkness”; a world whose deep sense of space fills the heart with enchantment and fascination. The soft and thoughtful color scheme, smooth layout, delicate brushwork, unique depiction of light, and evocative themes, give the impression of having just stepped into a museum dedicated to seventeenth century Dutch paintings.From June 17 to September 3, “Rembrandt and His Time – Masterpieces from The Leiden Collection” is held at the National Museum of China. With over 70 works brought to China by The Leiden Collection, this represents the largest ever exhibition of Dutch Golden Age paintings in China. It includes 11 works by Rembrandt – making The Leiden Collection the most significant private collection of the Dutch master’s work. In addition, the exhibition also unveils pieces by other renowned artists, including Jan Lievens and Johannes Vermeer, as well as works by the “Fijnschilders”. The show features three major themes – portrait paintings, historical paintings, and genre paintings – and is designed to recreate the artistic ingenuity that so characterized the Dutch Golden Age.A monumental beginning that revolutionized traditional “portrait painting”In 1606, Rembrandt van Rijn was born in Leiden – both a center in the textile industry and a university town. Hailing from an ordinary miller’s family, Rembrandt eventually became one of the most consequential and pioneering artists in the 17th century Netherlands, indeed in the entire history of art.In the early 1620s, Rembrandt went through his initial training under a local artist in Leiden. He later spent six pivotal months as an apprentice to the Amsterdam history painter Pieter Lastman. Lastman’s interests in biblical and mythological themes, his attention to a character’s dramatic postures and expressions, and his use of chiaroscuro, all were a source of deep inspiration to Rembrandt. He learned from Lastman the important principles of a history painter, especially how to depict complex ancient mythological and biblical scenes, as well as focus on capturing the inner world of the characters from the standpoint of anthroposcopy. The competition between Rembrandt and another Leiden artist, Jan Lievens, who was also a friend of his, had a profound influence on the Dutch master’s early development. According to a description of the two artists by Constantijn Huygens, Secretary to the Princes of Orange, Lievens was renowned for his “bold themes and scale”, while Rembrandt proved superior when it came to “innovation, firm touches, and real emotions”.The curator of the exhibition, Dr. Lara Yeager-Crasselt, said: “Rembrandt is a pioneer who changed portrait painting in the history of art. His paintings do not superficially portray the character’s appearance, but actually explore their inner-self and spiritual world. Throughout his life, he painted over 100 self-portraits, making him the most prolific self-portrait artist. One could argue that this was his way of continuous soul-searching. In the exhibition hall, Rembrandt and Jan Lievens’ self-portraits echo one another, as if in conversation or dialogue.” The paintings by Rembrandt and Lievens that are featured in this exhibition help us understand the style of their early period, especially through self-portraits, portraits of characters with exotic clothing, and their expert use of chiaroscuro, as we travel with them on their artistic journey.Thomas S. Kaplan, the founder of The Leiden Collection, declared: “Rembrandt paid more attention to the depiction of the face of a character than any other artist since ancient times, simply because he could see more details. This comes from his heart. Chinese people say that paintings need three elements: the eye, the hand, and the heart. I think this insight is very accurate. All these elements are indispensable. Each of Rembrandt’s works are in line with the essence of this sentence: the eye, the hand, and the heart in perfect harmony.”“Rembrandt is particularly good at portraits. Good at capturing the subtle changes of the facial expressions of the characters in order to reveal characteristics and inner thoughts. He is also an expert in the use of light to shape the body, through the contrast of light and shade when dealing with complex images – hence the “purple golden darkness” so characteristic of Rembrandt. As such, Rembrandt enjoys an unparalleled status in the history of Western art,” said Lu Zhang Shen, Curator of the National Museum of China. The Golden Age: a time of innovation for history painting skillsIn 1631, Rembrandt left Leiden for Amsterdam, the prosperous artistic center of the time. He joined the studio of art dealer Hendrick van Uylenburgh, and received his first commission – a portrait for an Amsterdam notable. Portrait of a Man in a Red Coat became one of his most famous. It showed a man from high society with international characteristics. The vivid depiction also gave the picture a sense of dignity.To his contemporaries, Rembrandt was generally better known as a history painter. The landmark piece Minerva in Her Study is the best example of such themed works. In this important piece, Rembrandt displays the solemn image of the goddess: in her brightly lit study, Minerva is sitting in front of her desk. She seems to pause from her reading, looking up to gaze out with one of her hands still resting on the book. Minerva is dressed in her blue gown with golden embroidery and a magnificent cloak. Under the laurel wreath, her blond hair cascades onto her shoulders. Her posture represents the classical posture of male scholars in their studies. Yet Rembrandt used it for the virgin goddess of war, wisdom, art, medicine, and textiles. A variety of symbolic objects are present, including exquisite tapestries, thick books, a globe, and a shield with a Gorgon’s head. The magnificent garments of Minerva reflect Rembrandt’s deep knowledge of Homer’s epic poems. In the painting, the image of Minerva shares the features of an ordinaryDutch woman. The ability to combine the images of ordinary people with those of gods placed Rembrandt at the forefront of 17th century history painting. Much like Minerva in this painting, her regal image is full of visual impact. Under Rembrandt’s brushworks, she is both one of the Olympian deities and a real-life woman.Rembrandt mostly focused on portraits and historically themed paintings. His strong interest in such genres also influenced his students in Amsterdam, including Ferdinand Bol, Govert Flinck, and Carel Fabritius. Works by these artists reflected Rembrandt’s painting skills in various ways; among others, the contrast of light and shade, as well as rich color combinations. Equally, they were greatly influenced by Rembrandt’s ability to combine historical themes with people’s daily experiences.Legacy and innovation: the FijnschildersGerrit Dou was the Dutch master’s first student to be renowned for his skills and innovative themes. Unlike Rembrandt’s broad, smooth, and expressive style, Gerrit Dou developed a fine touch skill – the style of artists who later would be called the “Fijnschilders”. The Fijnschilders would depict scenes from a close angle using delicate touches. Dou’s portraits and paintings of scholars, or domestic workers, reflected a precise grasp of the material and surface texture, along with an illusion of space. In his paintings inspired by daily life, Dou often used stone windows as the background, with the main character oblique to the window, thereby creating an illusion that he or she was stepping into the viewer’s space. Cat Crouching on the Ledge of an Artist’s Atelier represented a whimsical illustration of such techniques, with extremely fine brushwork highlighting the cat’s features, including stripes, silky fur, and sharp eyes. In the 17th century, people believed that cats carried an allegorical meaning and that they symbolized vision. As such, Dou let his cat stare beyond the frame. The silky curtain was also left hanging on the window, with just one of its corners lifted, gently revealing the artist by the atelier in the back. Dou, with his skillful hands, created the perpetual play between vision and illusion.The artists working and living around Leiden responded to Dou’s style and popular themes in diverse ways, and further expanded them. His most important apprentice, Frans van Mieris, used a variety of novel approaches to expand the master’s theme, including adding genre characters to historical themes. Death of Lucretia was a fine example of such innovation.Artistic creativity drawn from “folk paintings” as an inspiration to modern paintingThe prevalence of genre paintings in the Netherlands stemmed from an enduring interest in the subject of everyday life. Genre painters like Gabriel Metsu, Gerard ter Borch, and Jan Steen, all introduced scenes such as men and women reading, musicians playing, rural markets, and quiet daily life. These works would focus on details, texture, light and shadow, as well as the ambiance, reflecting the ordinary and simple aspects of life.In the 17th century, people’s interests gradually shifted to the domestic life of the upper class. Vermeer’s Young Woman Seated at a Virginal provides a good example of such a trend. His mastery of space, color, and light, reflects the serenity and beauty of the virginal-playing young woman who is immersed in her own world. About that painting, Lara Yeager-Crasselt said: “The woman seems to be interrupted by us while playing her virginal. She stops and turns her head towards us, creating an interaction between the character and the viewer, which is very rare. This is what’s so great about Vermeer. Very few artists in history can really create the interaction between the painting and the viewer.” Although Dutch genre paintings seem more realistic, they also follow the traditional practices and paradigms of artistic dialogue, which echo this enduring interest in daily life and artistic creativity.In the 17th century, Dutch artists displayed their varied skills and expertise in genre paintings, historical scenes, and portraits. In that context, paintings of both historical and biblical scenes carried more symbolic or commemorative meaning. Rembrandt and his students maintained an important influence in the field of art through the second half of the seventeenth century. Late works by Rembrandt and his students also represented scenes of still characters in domestic settings. The artists used bold and expressive brushwork, which conveyed upon the characters in the works a wealth of experience and moral authority. All of these techniques proved a great source of inspiration to modern painting, including wide influence in the realm of art to this day.— “Art and beauty can build bridges between cultures. Rembrandt in fact belongs to the world. He belongs to all of us. His insight into beauty and truth made him one of the most influential and respected masters in the field of art. What is even rarer is that seventeenth century Dutch art, as represented by Rembrandt, was also very innovative, with the themes of these paintings still resonating with us today,” Thomas Kaplan said.。
