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对《赛德克·巴莱》电影中“释”认识的浅析《赛德克·巴莱》是一部鲜有的优秀少数民族抗日电影。
导演从选题之初到具体的制作过程都独具匠心的结合中国传统文化视角还原了真实的历史事件，在整个的影片架构中始终都贯彻着佛家“轮回”“因果”——生与死、信仰与救赎、冲突与宽容的多重人道思考，使影片的内涵超越了简单还原或再现历史的单薄意义，上升到文化和哲理层面，达到反观历史的高度和深度，体现了佛学中“活着即修行”“观自在”“万人万象皆是空”等多个思想观。
标签：少数民族电影；叙事视角；精神信仰；灵魂救赎《赛德克·巴莱》是魏德圣导演“台湾三部曲”中的第二部，也是台湾影史最大制作和最高票房的电影，兼具商业性与艺术性为数不多的少数民族史诗大片。
王志敏在《少数民族电影的概念界定问题》中提出了一个切实可行的判断标准，“标准包括三个要点，即一个根本原则，两个保证原则。
一个根本原则，即文化原则；两个保证原则，一个是作者原则，一个题材原则。
”导演魏德圣坦言过：《赛德克·巴莱》的诞生有其偶然性和必然性。
一方面是台湾原住民抗暴事件激发了他对历史与人性的思考，认为只有从信仰的高度才能够走近历史，从而用宽容之心去反思过去。
另一方面导演认为，1930年的“雾社武装反抗事件”可探讨延伸的层面非常广，它不仅是单纯的抗日事件，还有文化冲突、阶级矛盾、传统信仰等，亦可延伸出原住民猎者的战斗模式与生活方式，正是这些加深了《赛德克·巴莱》的文化内涵与人类学意义上的厚重感，这也就使得该片包含了历史与情感双重的深度，把哲学、艺术、人性以及佛家对世界独有的“释”观融合为一种独特的审美，笼罩着一种忧伤的情感，并从决绝的反抗中展现了一种灵魂的救赎，完成一次“轮回”。
一、“悟”——引入式的矛盾冲突处理手法影片所包含的矛盾情感体现出了“悟”，尤其是影片对日本人比较客观的刻画，对贯穿影片之中烂漫樱花的展现、以及结尾从日本军官口中说出的关于日本武士精神的话语，都表现出导演对于一个特定历史事件深入而全面的思考，这种思考使影片带有了复杂的情绪感受，日本的入侵虽是残酷的却也符合弱肉强食，应了“欲”才有了“悟”。
赛德克巴莱观后感500《赛德克巴莱》是一部激励人心的电影，它讲述了台湾部落泰雅族人民抵抗日本殖民者的故事。
观看《赛德克巴莱》后，我被片中所展现的勇气、坚持和团结深深打动。
本文将从电影的剧情、人物形象和主题等方面进行分析，以展示我对这部作品的观后感。
首先，电影《赛德克巴莱》的剧情引人入胜，情节紧凑而不失细腻。
该片以泰雅族人民反抗日本殖民统治的真实历史事件为背景，通过主人公鲁道夫（Mona Rudao）的视角，展示了他为保卫土地、保护族人而奋起抵抗的故事。
电影的节奏紧凑，情节跌宕起伏，每一幕都充满紧张和悬疑。
特别是鲁道夫带领泰雅族人民与日本军队展开的一系列战斗场面，令人仿佛亲身体验到他们的苦难和不屈。
剧情的设置巧妙，情感的表达细腻，让观众情感共鸣，引起深思。
其次，电影中的人物形象塑造真实而饱满。
主人公鲁道夫是一个敢于为民族利益而奋斗的勇者。
他坚定的民族意识以及英勇无畏的精神，使他成为了人们心中的英雄。
鲁道夫的形象展示了泰雅族人民对土地、对自由的执着追求，使观众对他产生了深深的敬佩之情。
同时，电影中的其他人物也各具特色，他们与鲁道夫一起组成了一个坚定的团队，为抵抗日本佔领乡泰雅族的目标而努力奋斗。
这些人物形象传递出的团结和互助的价值观念，激励着观众在面对困境时勇往直前。
电影的主题是对抗殖民统治和追求自由。
《赛德克巴莱》所展示的主题非常明确，通过描述泰雅族人民的抵抗运动，揭示了殖民统治对于一个民族的摧残和奴役。
电影通过生动的画面和真实的情感，传递了对自由和尊严的追求，以及对家园的热爱。
这一主题深深触动了观众内心深处的共鸣，使观众对历史事件产生了更深入的思考。
电影《赛德克巴莱》的拍摄手法也值得称道。
导演魏德圣用大量的宽屏画面和动态摄影的手法，展现了战斗的悲壮和泰雅族人民的坚定信念。
通过精心设计的视觉效果，电影给观众带来了身临其境的观影体验。
配乐也非常出色，不仅与剧情紧密结合，还能够凸显出泰雅族文化的独特魅力。
电影《赛德克·巴莱》述评范晶晶20140411310008首先不得不说这肯定不是一部烂片，从制作上说可谓精良，画面气势恢宏，场景布局神马的也都精细和谐。
很多写景的镜头都很美，美的摄人心魂，毫不违和、做作。
据说从开始构思到拍摄完成历时12年多，开始拍摄时还因为资金不足而被迫中止，很佩服这么用心执着的导演。
整部电影长达4.5个小时，没有太多的噱头，没有浮夸的搞笑场景，没有当下流行的元素，没有轻松愉快的情节，只有贴近历史的叙事，大理石般坚硬的民族气节，悲情无奈的结局，整部电影如史诗一般庄严肃穆，沉重得让人有些喘不过气来。
电影一开始，就被那带着原始野性的森林风光所吸引，还有彼时脸上未纹图腾的青年莫纳鲁道，一双眼睛炯炯有神，身处东方文明的我着实有点不习惯这霸道强势略显唐突的直视。
但是，不得不承认，这眼神，迷人、坚定。
现在回味，仍可感知眼神传递出的执着信仰，还有那独属男人的勇敢和民族使命感。
（电影看完都没能忘记那个眼神，我一直以为莫纳鲁道是一个人演的，直到百度搜索了一下才知道青年莫纳和中年莫纳是两个人，这里不得不感叹下演员扎实的演技，特别是中年莫纳鲁道，既贴合了年轻时已经形成的人物性格，又演出了岁月的砂轮磨平的棱角。
导演也是棒棒哒，选的两个如此神似的演员。
）身手矫捷的莫纳鲁道从敌对部落手中抢回了野猪，成为了年轻的部落首领，纹上彰显民族精神，令人骄傲的图腾。
（这里看的人心疼，身体发肤受之父母啊，如此残害自己的容貌，特别是族中的女人，纹了大半脸，和封建时期强迫妇女裹足一样的陋习，从现代文明的角度，着实不解，但是尊重民族文化！）这也为后面情节埋下伏笔，从一个侧面反映了部落之间的错综复杂的矛盾，也正因如此，才让日本人有机可乘。
开篇有一处，与森林中其他部落在交换物品处相遇发生摩擦时，差一点就取了对方首级，但是由于猪一样的队友突然冲到自己前面使得自己失手，莫纳鲁道很不开心，吼了一句“我不许任何人走在我的前面”（大概意思是这样）。
赛德克巴莱影评赛德克巴莱影评赛德克巴莱影评精选（一）：《赛德克·巴莱》：生命的尊严与电影的尊严旧年底的那当口，许多网站、期刊或其他媒体都在做着关于2012年电影的回顾与总结。
无非是分析艺术与商业上的得失（当然聚焦于后者的无疑居多），有些个干脆排出一个榜单来。
此间，也有一些朋友因本人平时看电影多，写评论亦多，就催着看我的2012年电影的梳理品评文字。
结果延误于其他太多的琐碎事情，加之自己的旅行计划，也就只能一再作罢了。
过春节的那阵子，见到了一些老同学老朋友，聚会间聊起电影的话题，免不了又让我推荐些电影给他们看看。
这才静下心来，细细闪回了去年看过的部部电影。
就中国（华语）电影这一块儿，还真是数量多多，质量参差的。
我在影院里，看了我所有想看的中国电影（即使很多“普通”国产电影的档期实在是短的可怜），算是对国产电影的一种支持态度。
若论起2012年最不应被错过、也不应被遗忘的，TOP1的华语电影，我会毫不犹豫的投给来自中国台湾地区的英雄史诗（民族史诗）大片《赛德克·巴莱》。
实话说，在影片还没有公映之前，看到相关的介绍就已经十分充满期盼了。
只是期盼了许久许久，影片才得以修改压缩在国内“低调”上映（内地对本片的宣传由于找不到适宜的卖点加以广而告之，致使很多普通观众根本不明白本片为何物！）。
在影院里，我还看到了一些年龄较长的观众，证明了该片题材（并非内地观众认为的一般好处上的“抗日”或“主旋律”题材）对各年龄层的影响力拓展。
相较于网络上能够看到的四个多小时的版本，影院里公映的两个多小时的版本，去除了一些过于刺激观众视觉感受的血腥镜头。
当然，这些镜头在那个“冷兵器”时代（对原住民是如此），其实这也是真实的，不可避免的。
影片中很多场景拍摄起来是极其艰难的（山区与雨林），那恶劣自然环境中衣不蔽体的演员还要自由的狂奔与激烈的战斗。
而单单是影片所营造出来的真实的影像质感就实属不易中的不易了。
既然导演是如此执着苦心的知难而上，那么我们也就很能够去想象和理解导演从四个多小时版本剪辑压缩时的不忍。
29台湾电影《赛德克·巴莱》主要讲述了赛德克族抵御日本侵略的历史事迹，虽以战争为主线，“但其内涵不止于此，其中包含的生与死、信仰与救赎、冲突与宽容的沉重思考，使其超越了还原或再现真实的简单意义，而具有了从文化或哲理层面反思历史的高度和深度”。
[1]这部电影不仅在台湾引发了一场关于台湾原住民历史文化以及民族精神的讨论，而且对于探索新道路的台湾电影业来说，这样一部艺术与商业完美结合的电影无疑也是一个崭新的指路明灯。
影片采用了近似纪录片的客观镜头讲述了台湾的重大历史事件“雾社事件”。
“台湾人的抗日民族运动，虽然未达到靠自己的力量从日本的统治中解放出来的目的，但作为殖民地民族运动，却是台湾人能永远引以为荣去回忆的。
”[2]基于不忘历史，不忘国恨的情感基调，台湾导演魏德圣不惜耗费10年筹拍本片，展现了台湾原住民抵抗外来侵略时的民族精神以及对历史的反思。
该片虽没有宏大的场景、刻意煽情的情节，但硝烟浓重的氛围、朴实无华的语言以及情感浓烈的画面，让人时刻充斥在保家卫国的心灵涤荡之中。
一、 原始传统的本土文化在主流商业电影盛行的今天，台湾电影坚持本影片《赛德克·巴莱》中的文化分析吴林博【作者简介】吴林博，女，河南南阳人，平顶山学院讲师，文学博士，主要从事影视美学研究。
【基金项目】本文系平顶山学院2014年度教学改革研究项目“戏剧影视文学专业《中国电影史》课程教学改革与实践”的阶段性成果（项目编号：2014JY02）。
电影《赛德克·巴莱》剧照土化的创作，与他们的“孤儿情结”有着密切的联系。
在特殊的历史环境与地理条件的共同作用下，台湾与外界处于孤立隔绝的状态，在政治经济、风俗文化方面都难以与外界进行交流。
在这样一个较为封闭的文化氛围里，台湾对于外来的文化和事物都极为敏感，甚至敌视外来势力，故而形成了独立于大陆及其他地区的文化传统。
基于“孤儿情结”，台湾电影在探讨台湾文化和传统时，也开始了对文化起源的思考和生命初始的探寻，这种文化现象被称为“寻根”。
《赛德克·巴莱》电影影评《赛德克·巴莱》是一部有灵魂的大片，它让我在电影院里感受到了前所未有的震撼。
这部电影以台湾原住民赛德克族反抗日本殖民统治的历史事件为背景，展现了赛德克族人民的英勇和坚韧，以及他们对自由和尊严的追求。
从电影本身来看，它的故事、制作态度和主题都非常出色。
在故事方面，《赛德克·巴莱》比《阿凡达》和《与狼共舞》更加宽广和史诗，人物更加群像更加复杂，支线故事丰富多样，展现了人类的各种情感。
在制作态度上，制作者精益求精，对原住民生活的各个方面都进行了细致的反映，从演员的衣着打扮到动作造型，从舞蹈仪式到歌唱曲目，从面部纹身到不同含义的图腾，都体现出了他们对细节的执着和对历史的尊重。
在主题方面，《赛德克·巴莱》提出了一个深刻的问题：在面对不可避免的“文明”改造“野蛮”时，究竟是接受被改造的过程活下去，还是“可以输掉身体，但要赢得灵魂”宁可战死也不被同化？这个问题没有给出一个简单的答案，而是让观众自己去思考和反思，这种多义而开放的主题使得电影更加深刻和有内涵。
关于如何看待影片浓墨重彩的战斗与杀戮，这是一个有意思的话题。
韩寒说看这个片不用废那么多话，就是看如何像男人一样战斗。
的确，“打猎者与采集者”这种生活状态占据了我们人的历史的大部分时间，这种战斗基因肯定根植于我们。
但当我们看到“文明”社会的日本人为了利益奴役他人、把自己的观念强加于他人时，赛德克们为了自己的生活方式“士可杀不可辱”跟压迫者战斗到死，这却显得更加纯粹而接近生命本身。
影片对战斗场面大量描绘的背后支持及其用意应当也在于此。
这种保卫家园、宁为玉碎不为瓦全的精神显然在“文明”的侵略者之上，那么在实验中牺牲自我的科学家、在政治运动中坚持真理的就义者之下么？我想他们行为的根源是相通的。
换句话说，影片中日本表面的文明后面是野蛮，而赛德克野蛮背后的生命力与不屈不挠的精神却是文明的本质。
所以观看影片的战斗场面，不仅仅满足了我们野蛮的基因，同时更包含生命的意义、纯粹的精神这些崇高感的体验。
《赛德克·巴莱》影评影片落幕，片尾字幕滚动许久，观众们仍沉浸其中，无人起身离去。
我想说，这部电影值得一看，强烈推荐。
但我却不忍用“好看”来形容它，因为这个词似乎不足以表达其真正的价值与内涵。
此刻，风很大，却恰好能平静我激动的心情。
我不禁挺直脊梁，告诉自己，无论身处何种环境，都不能忘记自己的骄傲。
很长一段时间里，“骄傲”在我眼中是一个贬义词。
我崇尚谦逊待人，虚怀若谷，仿佛骄傲就等同于浅薄。
影片伊始，两个部落的对峙让我颇感困惑，明明可以和睦共处，或干脆互不干扰，为何非要刀剑相向？这样的生活方式太过野蛮。
因此，当我看到井然有序的社区、求学的孩童和辛勤劳作的人们时，我暗自庆幸，文明的生活或许更好。
于是，我和花冈一郎一样，产生了疑问：被日本人统治不好吗？这个至死都在纠结自己身份的男人，我们还是称他为花冈吧。
毕竟，生活井井有条，还能接触现代化文明，接受教育。
然而，我却忽略了一个事实，即在那个所谓的“共荣圈”中，依旧存在着等级之分。
所以，当莫那说：“被日本人统治好吗？男人被迫弯腰搬木头，女人被迫跪着帮佣陪酒……邮局、商店、学校，何时能让我们的生活变得更好？反而让我们越发感到自己的贫穷！”我才如梦初醒，原来我们并未真正摆脱被支配的命运。
尽管生活看似安稳，但仍需看人脸色，任人宰割。
别人心情好时，或许会施舍你几块肉，而一旦心情不好，便可能要了你的命，一切都由他人掌控。
为了族人的生存，莫那隐忍了许久。
若非打伤辖区内的日本人，他恐怕难逃灭族之灾，当年的英雄或许也只能继续忍辱负重，积攒力量。
影片中，有两句话令我印象深刻：“如果你们的文明是要我们卑躬屈膝，那我就让你们见识一下野蛮的骄傲！”“以生命换取图腾……那又能用什么来换回这些年轻的生命？”为了捍卫尊严和灵魂，他们明知前方只有死亡，也毫无退缩之意。
他们的表情坚毅而决然，义无反顾地冲锋陷阵，视死如归。
对他们而言，有些事情比生命更重要。
观影后，我的心情沉重而复杂。
《赛德克·巴莱》电影影评《赛德克·巴莱》这部电影给我带来了极大的震撼。
它以独特的视角展现了一个部落的故事，让我对人性、文明与野蛮有了更深刻的理解。
影片中的两个场景令我难以忘怀。
其一，是赛德克族在雾社起义中对日本平民的残忍杀戮，包括妇女和儿童。
这种不分士兵平民的屠杀行为，让人深感震惊。
其二，是当番人决定打一场持久战时，女人们集体上吊自杀，为了给战士多留一些粮食。
这种自我牺牲的精神令人敬佩。
有人将《赛德克·巴莱》比作台湾版的《勇敢的心》或《阿凡达》，但我认为它们之间存在很大的差异。
好莱坞电影中以野蛮部落为主角的作品，往往对这些野蛮人进行理想化的描绘，使他们看起来比文明人更文明、更有道德。
正因如此，我从不认为《与狼共舞》比其他西部片更尊重印第安人，反而觉得它不如那些将印第安人描绘为反派的电影。
因为在这些电影中，印第安人成了披着棕色皮肤的白人，成为了白人道德的理想和与自然和谐相处的智者，让白人为这些虚构的野蛮人洒下同情之泪。
然而，在现实中，赛德克人可能被视为一群恐怖分子，而雾社事件则是一起针对平民的恐怖袭击。
当我们隔着银幕观赏他们时，由于都是抗日题材，我们可以在情感上接受他们的真实野蛮。
但如果类似的少数民族（×）独势力出现在我们身边，进行无差别的杀戮，我们还能带着敬佩之情吗？因此，这部电影恐怕很难获得奥斯卡最佳外语片，尽管我认为它完全有资格获得该奖项。
美国电影，无论是商业片还是艺术片，主流电影都有一个共同特点，即造梦。
它们必须对自己的历史和民族进行神话般的描述。
因此，将侵略印第安人的土地描绘成西部波澜壮阔的开拓史，将已经被同化吸收的印第安人描绘成具有白人道德的楷模，便成为了美国电影的常见做法。
而《赛德克·巴莱》这部电影在一定程度上让我感到不适，这种不适并非源于血腥程度，而是电影中展现的人性的野性和对现代文明道德的无视，让我在移情过程中产生了间离感。
然而，我喜欢这部电影的一个原因是，它正面刻画了一支野蛮部落英勇反抗暴政和压迫的同时，毫不掩饰这支部落的野性力量和血腥可怕。
《赛德克·巴莱》电影影评这部电影的高清版在我的电脑中已经存放了很久，好电影需要在适当的心情下观看，才能领略其中的精妙之处。
就像在白天难以体会到《瓦尔登湖》的韵味一样，心情不佳时也难以欣赏到一部好电影的真正魅力。
影片的故事情节无疑是引人入胜的。
然而，有人在豆瓣上评价说故事情节不完整，我认为这可能有两方面的原因。
其一，是他自己的大脑CPU 处理速度不够，难以跟上剧情的发展；其二，他看的可能是删减版。
对于演员们的演技，我也给予了高度评价。
莫那·鲁道的扮演者是首次登上银幕，但其逼真的表演让人仿佛看到了古人附体。
尽管如此，我认为他们的演技只能说是不错，而不是很好，原因在于他们在讲土著语时，难免会受到一定的影响，而名字也没有太大的特点，这可能导致观众在看到后面时忘记前面某一角色的自身故事。
不过，这也是可以理解的，毕竟他们要在讲不熟悉的话的同时进行表演。
此外，这部电影的音效和配音非常出色，给我带来了强烈的震撼。
至于舞蹈部分，同样具有感染力，即使是莫那鲁道一个人独舞且没有任何配音的情况下，也能让人感受到他们的精神力量。
相比之下，我认为《赛德克·巴莱》中的土著人更配得上“赛德克·巴莱”这个称号。
威廉·华莱士的英雄称号是在心上人被杀害后，为了反抗而获得的。
华莱士的英雄主义更多地是出于对红颜的愤怒，但后来升华到了为民族自由而战。
相比之下，《赛德克·巴莱》中的人们纯粹地为了自己的山川和猎场而战，这种纯粹的精神更加令人钦佩。
当然，我们不能否认《勇敢的心》的经典地位。
然而，如果将《赛德克·巴莱》视为台湾土著版的《勇敢的心》，那么不免会将《赛德克·巴莱》置于《勇敢的心》之下。
如果没有崇洋媚外的情节，我相信这部电影在你心中的地位将远远超过《勇敢的心》。
《赛德克·巴莱》是一部令人难以忘怀的电影，它以其深刻的主题、精彩的剧情和出色的表演，展现了人性的复杂和力量。
赛德克巴莱影妇女集体上吊片段影评分析案例一因为一些原因，导致先看了彩虹桥才看太阳旗，开局就是一群妇女集体上吊我大受震撼。
不过这样也好，就当是彩虹桥是正片，太阳旗是前传了！这其实是一部原始部族与现代文明的冲突、奴隶与资本的剥削及反抗。
日本帝国主义占领湾湾后为了获取大量的原料矿石等，把原始部落的人群当廉价或免费劳动力剥削，当剥削到底一定的阈值后部落之间联合反抗“反杀”，而日本调集大批军力后客场作战不敌原始部落，乃利用部落直接的仇恨分割“远交近攻”。
部落及日本之间的战争又可以理解为“微型合纵连横”!用我们现代人的眼光看待原始部族很多文化我们是理解不了的，使我大受震撼的是妇孺上吊；为了不拖累前方打战的男人，又要避免被敌方俘虏后的侮辱行为，赛德克的妇女们能为部族做的一件事就是“上吊”，上吊被视为是勇敢无畏的行为，跟宗教的“到天国去”差不多意思，在天国照耀着活着的同类！案例二片子的开始以一个野蛮人的形象出现，既凶猛又原始，单枪匹马追赶敌人砍人头。
乍一看，觉得挺血腥愚昧的，随着剧情的推进，逐渐被吸引、震撼。
作为头目的莫那鲁道既要肩负起族人的生存责任，又屈辱于族群的尊严被践踏。
他内心的痛苦无法与人分享，只能通过独来独往，在森林猎场自我逃避。
一个肩负责任却有心无力的理性领导者角色由此奠定好。
电影让我觉得感动和震撼的是部落确定集体起义后，因为起义消息被日本人泄露，部落需要集体迁移来抗战，部落的妇孺为了不拖累大家集体上吊自杀。
从男权女权的维度来看，觉得男女不平等，彰显男权主义，但是放在历史的角度来看待这个动作，无不为之动容。
作为一个女性，战争与他们无关，她们可以说是从起义开始到结束从无参与过，甚至发表过自己对于起义的看法，她们只是这个事件牵连者，但是为了对该起义的支持，她们集体选择了自我了解。
妇孺集体自我了结行为，除了是对于亲情、爱情无条件付出的表现，更是对于族群文化深入到骨髓的信仰。
文化的信仰让她们发自内心的相信起义的选择是对的，族群文化受到践踏就应该奋起反抗，为了实现这目的可以选择从容赴死。
《赛德克·巴莱》电影影评在电影的开篇，我们便被带入了一个陌生而遥远的世界。
这里的人们操着奇异的语言，行为方式也让人难以捉摸。
观影过程中，我们不断地产生疑问：他们为何如此行事？这有何意义？是否有更好的方法？随着剧情的推进，这些问题愈发深刻地困扰着我们。
我们习惯了每天的起床、洗漱、用餐、上班、乘车、打招呼、午餐、加班等一系列行为，这些看似文明的仪式背后，隐藏着多少的肮脏、自私、懦弱和嗜欲，只有我们自己心知肚明。
就像我们在名片递送、餐桌觥筹交错、会议商谈、着装穿衣等各种礼仪中所表现出来的那样，表面上的礼貌和优雅，或许只是一种掩饰，真正的内心世界可能充满了虚伪和厌恶。
而在莫纳鲁道的世界里，丑恶被直白地展现出来，伴随着愤怒与残忍，如同茅屋一般简单而粗糙。
相比之下，我们被束缚在文明的枷锁中，带着丑恶，将其编织成各种形式，如邮局、教育所、发电站、公路、警察局等，以显得丰富多彩。
这让我不禁思考：什么是文明？什么是野蛮？电影中那句“拿生命来换图腾印记，那拿什么来换回这些年轻的生命？”“骄傲！”的回答，听起来是如此空洞。
我们上一次感到骄傲是什么时候？是在对客户阿谀奉承时？是在面对恶行选择冷漠忍耐时（大多数人对恶行其实已习以为常，能忍耐已属不易）？是在准备远行冒险却被现实生活阻拦时？还是在我们因消费他人无法消费的车、房，进入他人无法进入的富丽堂皇之所，接触他人无法接触的权贵而感到骄傲时？这样的骄傲，是多么的悲惨和乏味。
我们声称自己信仰佛教、基督教或其他宗教，可我们是否真正坚守过自己的信仰？是否为了信仰而勇敢地捍卫过自己的猎场，坚决地阻止过平淡与庸俗的入侵？是否相信彩虹桥的存在，愿意为此放弃世人的赞许与认可？是否相信祖灵的庇佑，在软弱危机之时能够镇定自若？除了世俗的金钱、享乐，我们是否真正相信过什么？每天起床，我像机器一样精准地度过一天，看似充实，实则虚空。
我知道周围的一切，包括文明、高楼大厦、机械、规则和财富，都只是捕风捉影。
《赛德克·巴莱》电影影评
电影的叙事策略给人留下了深刻的印象。
导演试图通过多条线索来讲述这个故事，包括莫那鲁道的个人成长、部落内部的权力斗争、日本殖民统治者的压迫等等。
然而，这种叙事策略在实际操作中却显得有些混乱，导致观众难以理清头绪。
一些重要的情节和人物关系没有得到充分的交代，使得整个故事显得有些支离破碎。
此外，电影中的动作场面和民俗场面的节奏也存在问题，动作场面过于频繁和冗长，而民俗场面则显得过于繁琐和缺乏重点。
电影的人物刻画也存在一些问题。
虽然电影中的主要人物形象都比较鲜明，比如莫那鲁道、花冈一郎等，但是他们的性格和行为却显得有些过于简单和理想化。
例如，莫那鲁道被描绘成一个英勇无畏、正义凛然的英雄，但他的决策和行为却缺乏足够的动机和合理性。
同样，花冈一郎也被描绘成一个对日本文化有着深厚感情的人，但他的转变过程却显得过于突兀和不合理。
此外，电影中的一些次要人物形象也比较单薄，缺乏足够的个性和魅力。
电影的特效和画面质量也存在一些问题。
虽然电影中的一些特效场面，如战争场面和祭祀场面等，制作得比较精细，但是整体的特效水平仍然有待提高。
例如，电影中的一些人物形象和场景设计显得过于粗糙和简陋，与电影的整体氛围不太协调。
此外，电影的画面质量也存在一些问题，如色彩过于鲜艳、对比度过高等等，影响了观众的视觉体验。
《赛德克·巴莱》电影影评在电影院中，我观看了 153 分钟的电影版本，随后又在宿舍里补看了4 个小时的完整版。
在这数小时的观影过程中，我的心情沉重了七八个小时。
这部电影给我留下了深刻的印象，尤其是其中的一句台词：“如果你的文明是让我们卑躬屈膝，那我就带你们见识一下野蛮的骄傲！”这句话出自那个信仰彩虹和祖灵鸟的民族，以及那个桀骜不驯的莫那鲁道之口。
他象征着真正的男人和女人的图腾，还有那些宁愿死在战场上的勇士们。
当我向朋友推荐这部电影时，我说它关乎人性和信仰。
在电影院里，只有我一个人；而当我在宿舍看完整版时，也只有我自己。
我被这部电影深深触动，沉浸在沉重的情绪中许久。
我了解到，为了准备这部电影，导演魏德圣耗费了 12 年的时间，跨国动用了 2 万人进行拍摄。
最初，这个剧本获得了极高的认可，但由于环境恶劣，人们怀疑它是否能够拍成电影，因此该项目一直被搁置，没有投资方愿意支持。
当所有人都认可了这部电影，称它如史诗般伟大时，魏德圣期待着它在大陆的票房能够达到 7000 万，以偿还债务，但最终的票房结果却令人失望。
真正优秀的电影，往往会遭遇冷落。
我对中国的电影并不太满意，因为我觉得它们缺乏文化和信仰。
中国或许不缺文化，但确实缺少信仰。
一个泱泱大国，人们最初信仰天朝，后来信仰毛爷爷，再后来信仰共产党，而现在似乎失去了信仰。
我不知道自己应该信仰什么，因此特别羡慕那些有信仰的民族，无论是个体还是整个民族，无论是正面角色还是反派角色。
如果你觉得 4 到 5 个小时的电影时长太长，挑战人类极限，那么导演剪辑的 153 分钟版本也不会影响故事的主线，我同样在这个版本中落泪了。
电影中的赛德克族妇女们深知食物不足可能会成为男人们的负担，于是选择自杀，她们宁愿输掉自己的身体，也不愿输掉自己的灵魂。
她们的男人是赛德克人，她们深知这一点。
她们宁愿牺牲自己，也不愿失去尊严。
这种自我牺牲的精神令人感动，也令人深思。
我不喜欢中国的电影，因为我觉得它们缺少文化和信仰。
关于电影《赛德克巴莱》的几点评析人物篇“哪里是你的猎场？”，在《赛德克?巴莱》里面，似乎每个部落里面的每个人都在寻找自己的猎场，为的是将来能够血祭祖灵，成功地在死后进入祖灵之家，才能称为“真正的人”。
这就是他们的文化和图腾信仰，他们认为这是比生命更重要的东西，是不能失去的，为了这个信仰，他们可以付出一切。
片子里面，莫那?鲁道是影片的灵魂人物，以莫那?鲁道为核心的各个人物的刻画十分鲜明，在本文首先从男人、女人、孩子三个角度出发，来分析各个人物形象，进而整体上分析影片的内涵。
男人：莫那?鲁道的父亲可以说是启迪莫那?鲁道精神以及灵魂的启蒙者，也可以说他是将民族精神和信仰传给下一代的老一辈代表。
是他在莫那?鲁道小的时候教导他“好猎人要懂得时机”，是他告诉族人“真正的赛德克?巴莱应该守护自己的猎场”。
所以当莫那?鲁道成年以后，他也会继承父亲的遗志，成为一代精神领袖。
莫那?鲁道是部落的头目，他年轻的时候狂傲不羁，到了中年则沉稳而有谋略。
作为头目，他想让自己的族人过得更好，他心中的信仰崇拜比他的下一辈人都要纯洁而强烈，可能是由于他年少时家园是完整的、没有受到日本人入侵的原因。
于是在他见证了三十年来族人被日本人压迫统治之后，他决定反抗，他决定血祭祖灵，也是为了父亲那句遗言“千万不能让异族人进入到部落”。
莫那?鲁道是全片的主角，他是英雄，连同他的死亡都有了神秘色彩。
达多和巴索是新一代年轻人的代表，因为他们年轻，他们有血性，他们受够了日本人的奴役，宁愿拼死一搏，或许反抗的当时只是为了泄恨，但随着抗争的进一步深入，在父亲的带领下，他们也逐渐成长，也希望自己能血祭祖灵，死后成功地进入祖灵之家，成为真正的人。
花冈二郎、花冈一郎是我个人认为影片中导演刻画地最好的两个人物形象，原因在于在刻画莫那?鲁道和其他勇士的时候采用了更多的“英雄主义”色彩。
而一郎、二郎这两个人物却更让人感到真实、震撼，能真正地打动人。
所以当二郎知道他一向敬畏的莫那头目要带领族人反抗时，他就想试图阻止，终于他选择了帮助族人，这是一个不情愿的选择，但是他又不得不做。
赛德克·巴莱,电影剪辑的分析出草，是台湾少数民族猎人头习俗（猎首）的别称，就是将敌人的头颅割下的行为，泰雅语称“姆嘎亚”（mgaya）。
之所以叫出草，多是由于处在山地的部族人狩猎，习惯蹲在草丛中等候猎物走入包围圈，然后从“草中冲出”袭击。
出草时，极少单打独斗，一般都会组成4～5人，有时甚至多达数十人的“狩猎队”，围困住被猎的人，然后会由队中一名主要成员实施“猎头”。
一旦得手，马上撤退，全队随即消失于山野树林间。
这种原始部落的习俗对于现代文明社会来说难以理解，而长达4个半小时的《赛德克·巴莱》正是以一个标准的“出草”段落来开篇破题的。
一部电影的剪辑，之所以能区别于电视剧，就在于电影除了叙事功能外，还必须营造出“气”，或者说气势。
有些电影的气场是宏大的，有些则是温馨的，有些是细腻的，还有些是纠结的。
但总之必须让你往漆黑的大荧幕前一座，就能震撼住，并深深的沉进去。
有的时候你可能坐在电影院里看了半天，其实也没什么叙事，甚至人物长相都看不清，但就是会坐在那里呆呆地望着画面，忘了自己其实坐在影院的座位上。
这就是气势，就是导演用来吸引人的法宝。
而电影的最初5分钟，营造出气势又尤为重要。
《赛德克·巴莱》的剪辑师，是台湾电影剪辑界的泰斗陈博文，有着极高的美誉。
一路走来，手上的作品全是台湾殿堂级：《牯嶺街少年殺人事件》、《獨立時代》、《麻將》、《一一》、《海角七号》。
那么，我们就来看看台湾金剪刀，到底有何不同吧。
按理说，台湾行内讲师徒，《赛》片的导演魏徳圣实际上是上一代导演杨德昌发掘的得意门生，两人的“戏感”一脉相承。
而陈博文正是从杨德昌时代开始就一同合作，对两人的导演和运镜风格了如指掌，可以说是看着魏徳圣成长起来的。
据陈说，魏徳圣尤其喜用中景镜头，这很大程度上是受杨德昌标志性的中景跟拍移动长镜头影响。
杨德昌经常说，特写镜头表达的是强烈的个人情绪或深刻的感受，而远景相对在情绪上疏离得多，虽客观但更显冷漠，唯中景镜头较方便表达故事的情节跟气氛。
《赛德克·巴莱》电影影评电影的开篇就以其独特的方式吸引了观众的目光。
不同版本的考证和对电影本身的评价，让人们对这部电影充满了期待和好奇。
然而，观看版本的不同可能会直接影响对电影的评价，这也让人们更加深入地思考电影的制作和传播过程。
《赛德克·巴莱》的第一个版本是威尼斯电影节放映的国际版，虽然映后反馈以恶评为主，但这也为电影的后续发展留下了悬念。
魏德圣解释说这个版本不是他自己剪的，这也让人们对电影的制作过程有了更深入的了解。
正因如此，才有了后来的第二个国际版，这个版本比第一个版本更强，也肯定比台湾的上、下两集连映要强。
香港上映时，下集被删减到 109 分钟，而内地引进时，更是在第二个国际版的基础上进行了删改。
这也让人们感受到了电影在不同地区的传播和接受过程中所面临的挑战和限制。
然而，无论版本如何变化，《赛德克·巴莱》都以其独特的魅力吸引了观众的目光。
电影以原住民的历史题材入手，这在内地是不可想象的，在香港也是没有历史条件和天然环境的。
魏德圣对雾社事件的关注和对身份认同的反思，促成了这部电影的拍摄。
他以其独特的视角和深刻的思考，展现了赛德克族人民的生活和信仰，以及他们与日本殖民者之间的冲突和对抗。
影片的最大优点是独树一帜，它以原住民的历史题材入手，这在内地是不可想象的，在香港是没有历史条件和天然环境。
在选题和执行上，魏德圣完成得很出色。
他对雾社事件的关注，对身份认同的反思，这些都促成了《赛德克·巴莱》的拍摄。
影片的拍摄成功，又给华语导演的励志故事添上一笔。
对很多台湾人来说，《赛德克·巴莱》的意义就是把历史课本上的一行字，变成了一部有血有肉还有“人头”的历史大片，算得上精彩好看。
对华语观众来说，他们终于看到了气质不大一样的大片，技术出色、演员朴实，内容激荡，更能引起一定的反思。
然而，《赛德克·巴莱》也有它的莫大缺陷，那就是主要人物太过平板，缺乏内心戏。
赛德克·巴莱电影剪辑的分析
出草，是台湾少数民族猎人头习俗（猎首）的别称，就是将敌人的头颅割下的行为，泰雅语称“姆嘎亚”（mgaya）。
之所以叫出草，多是由于处在山地的部族人狩猎，习惯蹲在草丛中等候猎物走入包围圈，然后从“草中冲出”袭击。
出草时，极少单打独斗，一般都会组成4～5人，有时甚至多达数十人的“狩猎队”，围困住被猎的人，然后会由队中一名主要成员实施“猎头”。
一旦得手，马上撤退，全队随即消失于山野树林间。
这种原始部落的习俗对于现代文明社会来说难以理解，而长达4个半小时的《赛德克?巴莱》正是以一个标准的“出草”段落来开篇破题的。
一部电影的剪辑，之所以能区别于电视剧，就在于电影除了叙事功能外，还必须营造出“气”，或者说气势。
有些电影的气场是宏大的，有些则是温馨的，有些是细腻的，还有些是纠结的。
但总之必须让你往漆黑的大荧幕前一座，就能震撼住，并深深的沉进去。
有的时候你可能坐在电影院里看了半天，其实也没什么叙事，甚至人物长相都看不清，但就是会坐在那里呆呆地望着画面，忘了自己其实坐在影院的座位上。
这就是气势，就是导演用来吸引人的法宝。
而电影
的最初5分钟，营造出气势又尤为重要。
《赛德克?巴莱》的剪辑师，是台湾电影剪辑界的泰斗陈博文，有着极高的美誉。
一路走来，手上的作品全是台湾殿堂级：《牯?X街少年?⑷耸录?》、《??立?r代》、《麻??》、《一一》、《海角七号》。
那么，我们就来看看台湾金剪刀，到底有何不同吧。
按理说，台湾行内讲师徒，《赛》片的导演魏?允ナ导噬鲜巧弦淮?导演杨德昌发掘的得意门生，两人的“戏感”一脉相承。
而陈博文正是从杨德昌时代开始就一同合作，对两人的导演和运镜风格了如指掌，可以说是看着魏?允コ沙て鹄吹摹＞莩滤担?魏?允ビ绕湎灿弥芯熬低罚?这很大程度上是受
杨德昌标志性的中景跟拍移动长镜头影响。
杨德昌经常说，特写镜头表达的是强烈的个人情绪或深刻的感受，而远景相对在情绪上疏离得多，虽客观但更显冷漠，唯中景镜头较方便表达故事的情节跟气氛。
《赛》一开篇，即可强烈感受到魏?允ザ灾芯熬低返钠?好。
整个接近5分钟的段落中，很少有全景镜头，特写更是几乎销声匿迹。
这可能就是一脉相承的对镜头的偏好了吧。
不过不得不说，电影开篇最重要的5分钟，在中景的运用上，确实出彩，气势一下子就造出来了。
这里按照镜头组的概念，把这精彩的“出草”段落切段分析一下，其中着重强调剪辑的两条线，也就是屯巴拉部落猎杀豪猪，以及马赫坡部落猎
屯巴拉人头的另一条线。
听起来颇有螳螂捕蝉，黄雀在后的意思。
而真实的台湾部落，也确实是在这种典型情境下，实施“出草”的。
电影一开始，黑屏。
一句老首领的旁白，道出了出草的哲学：好猎人，必须懂得等候。
黑屏，是为了不打扰观众的思考，留给观众一个头脑中的空白空间，这样方便营造后来的气势。
之后是第一组镜头，画面由一只奔跑的豪猪开始，逐渐摇到中景，后面追击的屯巴拉部落成员入画。
定住身，拔剑拉弓，飞出的箭直射豪猪，3个镜头简单直接。
豪猪中箭摔倒。
这时非常意外的切了一个全景，浓雾背后远远地见到有另一票猎人移动。
这时观众可能不会太留意，但前面的快节奏中景剪辑由于这个停顿，也会刻意打断了一下观众的思路。
没错，这就是剪辑留下的伏笔。
下一组中景镜头剪辑继续，猎人全神贯注的给火枪上弹药，豪猪爬起身愤怒的向镜头跑来（这时接第一人称视角，正是屯巴拉部落猎人的视角，从这个主观视角剪辑，更能体现猎人的全神贯注，观众更能切身体会到现场的危险和紧张感），紧接着是侧面的中景镜头，在猎人开枪的一瞬间，他的脑袋上竟然也挨了一枪。
猎人与豪猪同一时间倒地。
这时观众心中起疑，到底是谁开的这一枪？此时，前面唯一的全
景镜头的伏笔就会凸显重要，观众心中自然会联想，会不会是对岸有人？
紧接着，一个猎人同伴的眼神镜头，望向河对岸。
答案果然不假，必是对岸有人。
这时镜头就按照观众的逻辑，顺利衔接过来了。
河对岸的全景，一队人马雾中现身，中景，马赫坡部落的猎人枪火频闪，反打回屯巴拉部落，队员纷纷逃跑，留下已经中枪的同伴，并以倒下的同伴为前景，切全景镜头，展示湍急的河水。
按理说，这里没必要给最后这一个全景镜头，除非??
没错，除非这个湍急的河流能衬托后面的故事。
这时画面切回河对岸，我们的英雄出场了，马赫坡部落下一代首领莫那出场了。
他从林中起身，丢下还发烫着得枪管，推开众人直接跳入湍急的河水中。
接下来的一系列镜头，要特别留意主角和陪衬众人的反应及镜头间的关系。
在莫那跳入河水后，给回众人紧张神情的中景镜头，接着是水中仰拍莫那游泳，水狼翻滚雪白更显得英雄身影矫健。
上岸后莫那直接拔刀砍下敌人的头颅，紧接着是众人的欢呼。
与欢呼形成对比的，是莫那冷漠凶狠的特写。
这一反衬，更显英雄特别酷，有没有点周杰伦冰块脸的帅气？
屯巴拉部落的援兵很快赶到，一个全景交代好猎人间的位置关系，直接接河对面的马赫坡部落反应镜头，伸手给莫
那指点敌人的位置。
莫那已经切下人头，还不甘心，背起巨大的豪猪就走，这时切回己方的部落，首领嘱咐他不要贪多，赶快丢下豪猪脱身。
从这一刻，开始，战争就变成了两边人马的比拼。
屯巴拉首领瞄准莫那就是一枪，打中豪猪，这时且河对岸的中景，开枪射击掩护莫那逃跑，屯巴拉部落首领转头，才发现河对岸有大队人马。
这个这个视线镜头完美的交代了两边的位置关系，也就是以河水为虚拟轴。
下一组镜头是在逃跑途中，豪猪落水。
注意这组镜头中，第二张插入了一个全景镜头，按道理讲，这里其实并不需要交代太多空间关系的，人物离水面距离并不太高，插入这个镜头是剪辑流畅性的一个基本技巧。
注意第三张，莫那眼神的特写，他望着调入水中的豪猪，这个镜头机位和第一张完全一样，而景别略小，一个观赏习惯的定理是，当两个镜头角度相同，景别又类似时（注意，是类似，也就是有轻微的景别差别时），观众会感到明显的“跳接”，剪辑流好像卡了一下，让人不舒服。
解决办法就是，可以在中间插入一个景别变化更大的镜头，剪辑流反而显得顺畅。
最后一个镜头是豪猪落水的交代，反打镜头。
莫那毫不犹豫跳下水，之后是水中一连串的中景跟拍，水下摄影相当漂亮。
水里白色的浪一多，自然显得水流湍急。
之后莫那从水中探出头来换气，马上被众人射击，于是
很快缩回水中。
前面都是很短的跳切镜头，显得连贯紧凑。
但紧张之余，观众很难适应长时间的快速剪辑，尤其是水中这一系列镜头，节奏快，镜头短，这样反而会显得拖沓。
因此在剪辑动作类的影片时，千万记得阶段性的给观众留一个“气口”，也就是突然插入一个慢节奏的镜头，这样观众倒上一口气来，再接着一系列快速的镜头，反而更显得紧张。
请留意导演接入的这个镜头，其实这个河面的空镜头，时间并不长，但是在镜头剪辑时，判断镜头的长短更重要的一个参考标准是镜头内容的丰富性，如果一个镜头时长很短，但与之相对的镜头信息量非常少，观众一眼就看明白了，这个镜头的时间一样算是长的。
这就是高级的剪辑师常会留意的技巧。
镜头接着使用安静的静态镜头，表现两拨人分别等待着水面的变化。
“慢节奏”的“气口”由此营造。
莫那逆游而上，游到了他们身后。
就在两拨人安静瞄准时，莫那突然从他们身后水中跃出。
注意这里的前两个镜头，机位与上两个镜头相比，有位置上的变化，但实际上这两个镜头的选择并不太好，若为了表现莫那出其不意的从后方逃出的话，最好是分别接两组人背后拍的机位，这样观众一下就知道了人物间的位置关系。
且背影镜头会有莫那看他们的主观镜头的感觉，这样观众的心里参与感会更强烈，更紧张。
好在之后的一个镜头是屯巴拉首领的背后镜头，由转身的动作完成了位置的提示。
瞄准莫那开了一枪，但没中。
再之后是两边人火拼的标准正反打，怪不得吴宇森是制片，从景别到人物寻找掩体的动作，完全就是港片的街头巷战。
很经典的枪战剪辑法，一定要有正反打反应镜头，还要有地上的抢眼。
装好弹药的首领探出头要瞄准，接一个全景的空镜，没有一丝的运动迹象，最后反打首领的特写，画外音只空空的留下了莫那骄傲的笑声回响在山间。
激烈的枪战后，剪辑流再次戛然而止，从画面到声音，都突然静止，这个强烈的对比，使这个开篇段落收得干净利落。
往往气势，就是由收放自如才能体现出来。
最后，针对这个精彩的段落，还要补充说两点：一是我们注意到导演魏?允テ?爱的中景镜头，经陈博文的处理，多与参与者的眼神镜头相结合，这样剪出来的片子有很强烈的观众主观参与感，相对于大全景镜头来说，更显得节奏紧张刺激，叙事也会更加连贯。
远景的“上帝视角”过于抽离，因此会在调整节奏时才插入一二，以起到冷静观众情绪，减慢节奏的作用。
另外一个就是，陈博文在初剪时，面临了一个很困难的问题，就是演员无论从长相、着装上来看，都太相似了，观众很难区分两拨人的身份，无法建立对立的人物关系，影响
叙事。
而这里，剪辑师故意用一条虚拟轴，也就是一条大河，来隔开两个部落。
屯巴拉部落皆用右侧的机位，马赫坡则都用左侧的机位镜头，这样观众在观看时，视角上的空间位置是统一的，再辅助以从光影色调的调整，才很容易理解。
