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卡拉瓦乔作品赏析卡拉瓦乔作品赏析有史以来世上最出众的的绘画巨匠之一卡拉瓦乔作品赏析大师名作、偶然发掘、真假难辨、争议不断、却在拍卖市场被冠以超高价格......将这些元素集合到一起，你是否想到两年前以 30 亿元卖出的达芬奇《救世主》？莱昂纳多・达・芬奇（1452 - 1519）《救世主》成交总额：450,312,500 美元（约合人民币 29.88 亿元）2021 年纽约佳士得今年，又有一件文艺复兴大师名画被意外发现，并将于法国图卢兹拍卖行上拍，估价为 1-1.5 亿欧元（约 8-12亿元人民币）。
米开朗基罗．梅里西．达．卡拉瓦乔（Michelangelo Merisi da Caravaggio， 1571-1610 年）《朱迪斯与赫罗弗尼斯》（Judith and Holofernes）约作于 1607 年 144 _ 173.5 cm 图片版权：Cabi Turquin 这就是文艺复兴大师卡拉瓦乔（Caravaggio）的名画《朱迪斯与赫罗弗尼斯》（Judith and Holofernes）。
此画至今已消失超过百年，五年前在民宅阁楼被意外发现。
发现卡拉瓦乔油画的图卢兹民宅阁楼《朱迪斯与赫罗弗尼斯》取材于《旧约》中的《朱迪斯传》，是罗马天主教和东正教都承认并用于说教的宗教艺术题材。
《朱迪斯传》讲述了犹太人受到亚述帝国侵略时，遇到敌人彪悍的主帅霍洛芬斯，犹太男人们都无计可施，蜷缩在城镇中，只有一位年轻貌美的寡妇朱迪斯利用美色骗取了霍洛芬斯的信任。
她带着一名仆人深入虎穴，进入霍洛芬斯的大帐，把他灌得酩酊大醉，然后拔刀砍下了他的头颅。
结果群龙无首的亚述大军随之溃散，朱迪斯凭借着女性的智谋拯救了自己的祖国。
奥塔维奥·莱奥尼《卡拉瓦乔画像》素描佛罗伦萨马鲁里亚纳图书馆卡拉瓦乔（1571-1610 年）被公认为有史以来世上最出众的的绘画巨匠之一，他的一生既站过高位，受众追捧，也掉落过谷底，一路逃亡。
卡拉瓦乔《那喀索斯》：在光影中凝视自我《那喀索斯》是意大利文艺复兴时期画家米开朗基罗·卡拉瓦乔的一幅油画作品，创作于1600年。
这幅作品以半身像形式描绘了耶稣基督受难前最后一晚的场景，画面中展现了深度和阴影的运用，使观者感受到强烈的真实感和戏剧性。
《那喀索斯》以一个人物为中心，展示了卡拉瓦乔独特的绘画技巧和艺术风格。
画面中的人物形象非常凝重，几乎占据整个画面，这使得观者的目光完全被吸引。
他使用了明暗对比来强调人物的轮廓和重要部位，使得人物形象更加生动。
画面中的人物是一个肌肉健硕、皮肤黝黑的男子，下颚上覆盖着大胡子，双眼向前凝视。
他身穿一件黑色披风，披肩下垂。
他的胸前系着红色披风，象征着王者的尊严和权力。
他的手臂上，被锁链捆绑着。
他的表情严肃而沉思，似乎在思考着生命的意义和承担。
这幅画作中最引人注目的是艺术家对光影的运用。
卡拉瓦乔用繁复的画法描绘出肌肉的质地和线条，赋予了人物更真实的形象。
他用明暗对比和光的投射来突出人物形象和画面的深度。
画面中的光线来自人物的右上方，斜照着画面。
光线照射在人物的脸上，使脸部明亮，并形成清晰的阴影。
这个光源的运用增强了画面的戏剧感和秩序感，也给人一种庄重和威严的感觉。
而画面中的黑暗部分则使得人物的形象更加凸显出来。
卡拉瓦乔在这幅画作中还使用了一种特殊的调色技巧，称为“卡拉瓦乔红”。
他用这种红色给人物的衣领、披风等位置增加了强烈的对比效果，使得画面更具吸引力。
《那喀索斯》通过光影的运用和细腻的画法，给观者展现了一个凝视自我的形象。
画中的耶稣凝视着观者，与之建立起一种特殊的联系。
观者不由自主地被画面所吸引，进一步体会到画作中所呈现的思考和沉思。
这幅作品不仅在技术上成为卡拉瓦乔的代表作之一，而且也以它独特的风格和视角，对后来的艺术家产生了巨大的影响。
它向观者传达了深刻的情感和内省，使观者在沉思中与作品产生共鸣。
《那喀索斯》通过光影和绘画技巧的运用，将观者带入一个深思熟虑的世界。
卡拉瓦乔《那喀索斯》：在光影中凝视自我卡拉瓦乔是意大利巴洛克艺术的代表大师之一，他的作品《那喀索斯》（Narcissus）是他个人风格的典型体现。
这幅画作不仅仅展现了卡拉瓦乔的技巧和审美观，更深层地探讨了自我和虚幻的主题。
《那喀索斯》描绘了希腊神话中的英俊的青年那喀索斯，他迷恋自己美丽的面容而无法自拔。
画面中，那喀索斯半身裸露地倚靠在池塘前，沉醉地凝视着自己的倒影。
他的脸上充满了自恋和自我陶醉之情，仿佛只有自己的容颜才能给他带来真正的快乐。
卡拉瓦乔通过精湛的绘画技巧，将那喀索斯的水面倒影和实际形象混为一体，传达了自我迷恋导致的心灵盲目。
卡拉瓦乔在这幅画中运用了明暗对比的技巧，营造出沉重的氛围。
画面中的那喀索斯被浓密的阴影所包围，迷人的面容在黑暗中显得更加神秘。
光线从画面的左侧斜射，照亮了那喀索斯的右侧颜面，凸显了他的青春和美丽。
这种明暗的对比不仅仅是卡拉瓦乔在技巧上的运用，更是对自我迷恋的深刻剖析。
在他的眼中，自己就是世界的中心，其他人和事物都只是为了他而存在的陪衬。
画面中的池塘起到了折射光线和形象的作用。
池塘中的水波纹和水面倒影使那喀索斯的面容变得模糊不清，凸显出他的虚幻与幻觉。
这种虚幻感进一步突出了那喀索斯自我迷恋的主题，似乎在告诉我们自我迷恋只会让人沉溺于虚拟的幻景中，无法真正面对和接触到自己的真实内心。
《那喀索斯》这幅画作虽然是卡拉瓦乔个人对自我迷恋的表达，但它超越了个人的感受，具有普遍的意义。
每个人都会面对自我的迷恋和对自我形象的关注，但如果沉溺就会失去对外界的真实认知。
卡拉瓦乔通过这幅画作，警示了观众必须超越自我的迷恋，追求真实的自我和价值。
卡拉瓦乔的《那喀索斯》在光影的运用上展现了他的艺术技巧，同时通过对自我迷恋的描绘，深刻地反思了个体在追求自我满足时可能陷入的心灵盲目。
这幅画作向观众传达了一个重要的思想，那就是只有真实面对自己，并超越自我迷恋，才能找到真正的自我意义和快乐。
卡拉瓦乔《那喀索斯》：在光影中凝视自我《那喀索斯》是卡拉瓦乔（Caravaggio）于1609年创作的一幅具有深刻内涵的油画作品。
在这幅作品中，他以鲜明的光影对比和生动的形象描绘了一位年轻人对着镜子凝视自己的场景。
这幅作品不仅在艺术层面上具有极高的价值，也展现了卡拉瓦乔对自我认知和存在意义的深刻思考。
《那喀索斯》的画面中央是一面镜子，镜中反射出一位年轻人的面容。
他的眼神专注而深邃，仿佛在沉思着什么。
他的脸庞清秀，轮廓分明，表情凝重而内敛。
镜子的周围是黑暗的背景，而镜子上方的光亮投射出来，照亮了年轻人的脸庞和上半身，形成了强烈的光影对比。
光线的刻画将年轻人的形象映衬得淋漓尽致，凸显了他的特立独行和内心的独立坚定。
卡拉瓦乔通过《那喀索斯》中的光影处理，将年轻人与镜子中的自我融为一体，仿佛在提示观者：“你所看到的只是表面，真正的自我隐藏在阴影之中，需要通过认真的观察和深刻的思考才能一窥其真相。
”这种光影对比的处理手法，不仅赋予了作品强烈的观赏性，更是对内心深处诠释和揭示的一次探索和呈现。
而《那喀索斯》的背后蕴含着更为深刻的内涵和意蕴。
在文艺复兴时期，艺术家们开始对“自我”进行反思和审视。
人们开始探索自我意识和自我表达的可能性，探讨自我在社会和文化中的角色和意义。
卡拉瓦乔正是通过这幅作品，表达了他对自我认知和存在意义的思考和探索。
他透过镜子中的年轻人，呈现了人类内心对自我认知和自我挖掘的渴望和追求。
镜中的年轻人仔细凝视着自己，考察自己的容颜和心灵。
他的表情凝重而深沉，仿佛在在追问自己的内心：“我是谁？我又在哪里？我的存在意义何在？”这种对自我认知和存在意义的思考和探索，是人类自古以来一直关注的话题。
而卡拉瓦乔正是在这种思考的背景下，通过《那喀索斯》这幅作品，表达了对人类内心世界的关切和探寻。
他透过年轻人对镜的凝视，呼吁人们应该更多地关注内心世界的自我发现和思想深度的挖掘。
他在作品中用光影的手法把观者带入到自我认知的内心世界，引导人们对内心深处的角落进行深入的探索和反思。
卡拉瓦乔作品的隐秘性
卡拉瓦乔是意大利著名的画家，在17世纪意大利艺术史上具有重要的地位。
他的画作以其品质高超、技巧独特、虚实结合为特点，往往让人对他的作品难以完全理解。
然而，正是这种神秘性，才让人们更加喜欢他的画作，不断探寻和发现其中的深层含义，也让他的作品受到了高度的赞誉。
一、他的人物形象笼罩着一层神秘的氛围。
卡拉瓦乔的画作往往把人物的面部呈现在暗影之中，这不仅是他运用光影效果的一种技巧，也是他想要传达的某种信息。
比如他的《献香》中的人物，用手中的香熏烟囱遮住了大部分面部，只留下一双发出光芒的眼睛，这种画面让人感到神秘而深邃，不知道他究竟想表达什么。
二、他的画面中常常出现神秘的符号，这些符号让人摸不着头脑，产生更多的疑惑。
例如他的《圣女大德兰》中，画中人物手中的尺子是什么意义？又或者他的《圣伯多禄辞别基督》中，两个人物头顶上的一对耳朵和两只手指要表达什么含义？这些符号让观者无法理解，也正是这种神秘感的体现。
三、他的画面构图相对简洁，但富有厚重的情感内涵，给人以深刻的启迪。
卡拉瓦乔的画作中，常常是简单的画面，但却给人强烈的感受。
比如他的《自画像》中，只是一张脸部特写，一米视线紧紧盯住着观者，但它的内涵深入人心，引发人们的思考和共鸣。
在卡拉瓦乔的艺术作品中，隐秘性和神秘性不仅仅是一种形式上的表现，更是他的作品所传达出来的深层次含义的一种体现。
在卡拉瓦乔的作品中，观者往往需要通过认真琢磨和探寻，才能真正欣赏和体会他的作品的内在意义。
卡拉瓦乔的作品，给了艺术爱好者无穷的灵感和启示，也成为艺术史上的一笔宝贵财富。
卡拉瓦乔《那喀索斯》：在光影中凝视自我卡拉瓦乔（Caravaggio）是一位意大利文艺复兴时期的画家，以其强烈的对比明暗技法和本质主义的表现手法而闻名。
其作品《那喀索斯》（Narcissus）描绘了古希腊神话中美少年那喀索斯在自己的美貌中产生的自恋情感，透过画中人物的神态和舞台的氛围，展现出对于自我认知和凝视的思考。
画面中，那喀索斯敞开衣襟，俯身在池塘前凝视自己的倒影。
他身穿华丽的红色外衣，凸显出他的高贵身份和自信神态。
反映在水面上的面容让他惊叹不已，他右手轻抚着自己的脸庞，好像想要抓住这美丽瞬间，永远保留在自己的心中。
画面构图简洁，只有那喀索斯一个角色和一池荡漾的水波。
但画家却通过巧妙布局和巨大的对比来强调那喀索斯的娇美和自我沉迷。
画面中最亮的地方是那喀索斯的头发和脸庞，以及水面上最亮的反射，将他的人物形象凸显得更为栩栩如生。
画家将那喀索斯的身体和水波的颜色以及周围暗淡的背景展现出来的极致对比，更加强化了那喀索斯这个角色的自负和破坏性。
画面所散发出来的气氛充满了对于美和神秘的追逐与执迷。
从人物的神态和舞台的氛围来看，这幅画所传达的情感似乎是一种自我沉迷的空洞。
成为自己狂热的追求者，在自我的虚幻世界中忘却了周围人和事。
那喀索斯看到的，只是自己眼前的美艳和少年面容，但他并没有体验到真正的爱的喜悦。
他的自恋妨碍了了解他人和享受爱的体验。
他的痴迷似乎导致了他失去了珍贵的心灵体验。
《那喀索斯》这幅画，细腻，自然，充满着生命力，呼吸着集中的精神力。
画面中的那喀索斯，松散地坐在池塘前，身着红色的华服，手中握着一朵白色的花。
水波如面镜一样，映照出他的美貌与倒影，得到了爱神阿佛洛狄忒的注视和喜爱，但他并没有意识到自己已经在自恋的陷阱里。
画家的颜色运用和光影表现，让观众深入角色的心灵，感受到那刻自恋和自我认识的美丽和伤害。
总体来说，卡拉瓦乔的作品《那喀索斯》展现了一个流浪在自恋之海的年轻人的形象，表现了他在痴迷、歇斯底里的眼神中神话中的美丽。
卡拉瓦乔《那喀索斯》：在光影中凝视自我卡拉瓦乔是17世纪意大利最著名的画家之一，他的画作以独特的光影效果和黑暗的背景著称。
他的《那喀索斯》是他最著名的作品之一，它描绘了一个哀悼母亲的年轻人，他的眼睛和手都被光线照亮，强调了他内心的情感和自我意识。
这幅画作充分展示了卡拉瓦乔的特点，光影效果和表现主观情感的能力。
《那喀索斯》的背景十分简约，只有一条悬挂着布帘的墙，这样的布局使得人物和光线的对比更加强烈，也让观者的视线更集中于人物心理的表达上。
画中的那个年轻人身穿一件白色的外衣，他的面容憔悴，眼神呆滞，仿佛陷入了自己的内心世界中。
而光线则聚焦于他的脸部，手间和胸前，使人物表情的细节尤为清晰，充满了情感力量。
除了光影效果外，卡拉瓦乔的表现主观情感的能力也十分出色。
年轻人的脸上满是痛苦和哀伤，像是在思考和回忆什么，他的手紧紧地握在一起，仿佛是为了控制自己的情绪。
这一切都在表明，这个年轻人经历了不可言喻的痛苦和悲伤。
没有任何人与他说话，也没有任何其他情节的描绘，画作纯粹地呈现出人物内心的独白，深刻地体现出卡拉瓦乔对人类情感的洞察能力。
总之，《那喀索斯》是一幅很有力量、极富内涵、十分个性化的画作。
它不仅展现了画家的技艺和艺术追求，也反映了当时意大利文化的众多特色。
作为当时花朵盛开的意大利巴洛克艺术中的代表作之一，《那喀索斯》向我们展示了其中最为重要、最为突出的一些方面：严谨的构图、深刻的审美与心灵的洞察，以及对于实验和创新的不断追求。
最重要的是，它不仅是一幅画，更是一个人类内心深处的声音，它提醒我们在这个瞬息万变的世界里，要时刻保持对内心的关注，要时刻凝视自我。
卡拉瓦乔作品的隐秘性卡拉瓦乔是一位17世纪的意大利画家，他的作品多为宗教题材，常常运用明暗对比和强烈的光影效果来呈现画面，使得作品具有一种神秘和隐秘的感觉。
本文将从作品的构图、色彩、主题等方面分析卡拉瓦乔作品的隐秘性。
一、构图卡拉瓦乔的构图往往非常简洁明了，把人物的姿态和动作呈现在画面中央，突出主题。
这种构图方式并不是独特的，但是他的作品中的主题常常比较难辨明，需要仔细品味，把握画面中的细节才能理解作品所要表达的含义。
例如《圣伯多禄接受钥匙》这幅画，画面中央的圣伯多禄在接受钥匙，但他的姿态和表情却非常奇怪，让人感到不安。
画面左侧的人物和背景的细节可以暗示出一些信息，使得画面的意义更加丰富深刻。
二、色彩卡拉瓦乔的作品色彩以深沉、暗调为主，这使得画面在视觉上更显得神秘。
例如《十字母缩写》这幅画，画面中只有一盏油灯的光亮，使得画面非常黑暗，人物的面容无法完全辨认，给人留下了很大的想象空间。
在卡拉瓦乔的画面中，暗角的刻画和光线的渲染往往比较重要，这既突出了画面的主题，也增加了画面的神秘性和隐秘性。
三、主题卡拉瓦乔的作品主题常常是宗教和神秘的，他不仅表现了宗教场景和人物，也表现了一些非宗教的主题，例如《扫帚妆橱》这幅画中，画面中央的女仆正在打扫，但是却显得非常焦虑，对于观者来说似乎有一些难以理解的情感在隐秘地传达出来。
在这些非宗教主题的画作中，卡拉瓦乔也运用了明暗对比和强烈的光影效果，使得画面的隐秘性更加强烈。
总之，卡拉瓦乔的作品在构图、色彩和主题等方面都具有一定的隐秘性，需要观者仔细品读和揣摩，才能理解其所要表达的寓意和情感，这也是卡拉瓦乔作品魅力所在。
卡拉瓦乔《那喀索斯》：在光影中凝视自我卡拉瓦乔（Caravaggio）是17世纪意大利巴洛克艺术的代表人物之一，他以其独特的光影处理和生动的表现手法著称于世。
在他的作品中，常常能够感受到一种强烈的现实主义，仿佛触摸到了他画作中的人物和事物所散发出的真实气息。
而在他的作品《那喀索斯》中，这种真实感更是得到了充分的展现，同时也展现了艺术家对自我内心的深刻凝视。
《那喀索斯》是卡拉瓦乔于1597年创作的一幅作品，现藏于罗马国家美术馆。
作品描绘的是圣保禄倾听耶稣基督对他说的话，让他放下过去的一切，重新出发。
整幅画面充满着强烈的对比和饱满的情感，给人以震撼和共鸣。
作品中的光影处理十分精彩。
卡拉瓦乔善于利用光影的对比来突出画面的主题和情感，他的作品常常给人一种强烈的现实感。
在《那喀索斯》中，画作的右侧几乎是一片漆黑的背景，而左侧则是一束明亮的光线，照亮了画面中的人物。
这种光影处理让画面更加突出了主题，同时也给人一种在现场的感觉，仿佛自己就站在光线明亮的地方。
这样的处理方式也使得人物的表情和情感得以充分展现，给人一种强烈的冲击和共鸣。
作品中人物的表现力也是十分突出的。
圣保禄的眼神凝视着远方，略带忧郁和思索，整个人物显得沉静而内敛。
而耶稣基督则是一身白色的衣袍，显得神圣而威严。
画面中两个人物的对比也是十分鲜明的，这种对比让人物的表现力更加出色，给人一种强烈的冲击力。
尤其是圣保禄那凝视远方的眼神，仿佛在展现着内心深处的挣扎和思考，这种内心的冲突和挣扎恰恰是艺术家想要表达的主题之一。
作品中所表现出的情感也是特别的丰富。
整个画面中充满着一种压抑的氛围，仿佛能够感受到圣保禄内心深处的挣扎和思索。
而耶稣基督的出现，则给人一种超脱世俗的感觉，仿佛在提醒着圣保禄要放下过去的一切，重新出发。
作品中的情感表现丰富且细腻，给人以深刻的触动和共鸣。
《那喀索斯》是卡拉瓦乔的一幅代表作品，他在其中充分展现了他独特的光影处理和生动的表现手法。
意大利艺术家杰克逊·卡拉瓦乔油画作品赏析意大利艺术家杰克逊·卡拉瓦乔油画作品赏析杰克逊·卡拉瓦乔(Caravaggio，1571年9月29日—1610年7月18日，天秤座)意大利画家，1593年到1610年间活跃于罗马、那不勒斯、马耳他和西西里。
他通常被认为属于巴洛克画派，对巴洛克画派的形成有重要影响。
病中的酒神巴克斯解析：病中的酒神巴克斯卡拉瓦乔完成这幅《病中的酒神巴克斯》时，可能刚出院。
不去管它的完成方式，其用意就是要用古怪的方式挑战传统。
要说巴克斯可不只是葡萄酒和欢宴之神，他也是舞蹈和歌曲的守护圣，因此常被刻画为永葆青春的青年。
可是，卡拉瓦乔把他变成了病态的玩笑。
灰色的嘴唇，挑逗的眼神，皮肤是令人不安的土黄色，额头上用葡萄藤做成的桂冠太大、太重，不像是节庆上用的。
卡拉瓦乔把自己画成隔天醒来的、过分讲究的派对动物，他终结了传统。
用富含魔力的艺术，将充满人性瑕疵的人类模特，转变为高贵而又可以永葆青春、美丽和欢愉的象征；卡拉瓦乔可没有选择这么做，而是将神话中的神祗变为盛装打扮的凡人，一身衣服实在不适合平常穿着。
画面中表现的绝非不朽，而是恰恰相反——腐朽。
他的手指边缘肮脏不堪，为我们献上一把葡萄，红润的果实画得太过完美，我们都可以看到它们即将腐烂的未来。
腐烂可不是多么高贵的事情。
配图虽然卡拉瓦乔在世时声名显赫，死后的几个世纪里却被人们完全遗忘了，只是在20世纪的最近几十年才被重新发现。
尽管他影响了风格主义衰亡后几乎所有的艺术风格，但对新兴的巴洛克艺术才是真正影响深远的。
安德烈·贝恩-若夫鲁瓦(保罗·瓦乐希的秘书)评论道：“坦率地说，卡拉瓦乔的工作标志着现代绘画的开始。
”出老千者出老千者卡拉瓦乔作品赏析卡拉瓦乔成功实现了高洁与低俗的结合，这种结合有些令人不安，但在罗马，自拉斐尔以来，没人见过像他这样引人注目的技艺。
在传统中，“底层生活”主题，比如吉普赛人或是酒馆场景，都是用昏暗的处理手法。
卡拉瓦乔佳作赏析卡拉瓦乔佳作赏析召唤使徒马太油画1592-1602年323×340厘米藏罗马路易吉·德佛朗西斯教堂作品简介据《圣经·福音书》所载，使徒马太原是税吏，因从事这种职业常受人憎恶和鄙视。
福音书上告诫说，能认识自己的行为是卑贱和被唾弃的人要胜过那些心地伪善的法利赛人，所以耶稣要在贫穷的或被唾弃的人当中挑选税吏马太作自己的门徒。
画家从中汲取的是它的民主主义成分，并用一间徒有四壁的昏暗房间作为背景，展现了这个宗教故事场面：一伙收税人正围坐在未铺台布的桌子旁，桌上有钱币、帐本和墨水缸，在桌子的右侧，是两个佩剑青年。
显然他们是帮助收税的政府代表。
刚从门外进来两个人，即是耶稣和使徒彼得。
耶稣用手指着，他的身子虽被彼得挡住，但头上淡淡一轮圆光，表明着他的身份。
有趣的是，围桌而坐的人物穿的是与卡拉瓦乔同时代的服装，而走进来的耶稣与彼得却穿着古代服装。
光线从进门的两个人的身后投入，照亮了墙的上部，也照见了桌旁几个转过脸来的人的脸庞。
在那个戴饰有羽毛帽子的青年和左边一个散着头发、戴着夹鼻眼镜的老人的中间，即是马太。
他的脸正好处在光线中，他用左手指指自己的胸口，似乎在问：“是指我吗？”另一个背朝着观众坐着的佩剑青年，惊异地转过脸来把目光投向耶稣和彼得，他使两组人物的联系密切了。
自右而左的光线和自左而右的几个坐着的人的视线，构成了强烈的戏剧性冲突，突出了马太这个真实可信的农民形象（据《圣经》上说，马太做过农民）。
他的皮肤粗糙，有皱纹，头部谢顶，脚掌还有老茧。
此外卡拉瓦乔是采用明暗对比色彩方法来处理这幕“戏剧”的。
由于光线明暗对比强烈，观众首先从昏暗的房间中看到了高处一只指向马太的手，让观众沿着手指的方向去搜索主要形象。
使画面故事性更加鲜明了。
卡拉瓦乔用写实的手法提示这一主题，并没有使之失去艺术的概括性，这是卡拉瓦乔的艺术成功之处。
１６０６年５月，卡拉瓦乔参加了一次斗剑游戏，因发生口解，引起决斗，不慎把对手打死了。
身负重伤的卡拉瓦乔，只好离开罗马逃亡，在那不勒斯、马耳他岛、西拉库兹、墨西拿、马勒摩等地流浪。
他性格倔强，不善于忍让，经历坎坷，生活潦倒，仅活了３７岁，最后客死他乡。
死后，他的风格被各国现实主义画家所继承，人们把这种画风称为“卡拉瓦乔主义”。
背景说明卡拉瓦乔是１６－１７世纪之交意大利现实主义画派的卓越代表。
他所生活的年代，正是意大利面临着经济衰退，内乱外患，国势减弱的时代。
这位画家的生活历程也充满着苦难和失望。
他的画继承了意大利北部现实主义风俗画的传统，由于不善于美化圣经人物，过分真实地描绘自然，当时很难找到买主，有时竟弄得穷愁潦倒，不得不依靠同行的周济来维护生活。
卡拉瓦乔（１５７３.９－１６１０.７）原名米开朗基罗·迈里西，“卡拉瓦乔”是他的绰号。
他出生在伦巴第省卡拉瓦乔小镇一个建筑师家庭。
１１岁时全家移居米兰，后来进入西蒙·培德查诺的画室学习，约于１５９０年前去罗马。
贫困没有使他在真挚朴素的现实主义艺术道路上改弦易辙，去迎合宫廷艺术的胃口。
１５９７年，他终于得以红衣主教德尔·蒙泰的赏识，顺利地获得了３幅大画的订件，让他在罗马圣路易斯·弗兰契齐教堂内的康塔列里（Contarelli）礼拜堂制作几幅“圣徒马太行传”的故事画。
这时他的生活与创作上的转折点。
《召唤使徒马太》（也称《圣马太传》，作于１５９７－１６００年）即是其中之一，它是准备用来装饰小礼拜堂侧面的墙上的，此画有３２３.９×３４０.４厘米大。
基督的下葬油画1602-1604年300×203厘米罗马梵蒂冈博物馆作品简介这幅祭坛画最初是圣马利亚·德拉·瓦里契拉教堂的订件。
描绘的是基督被钉死十字架后，由约翰、尼哥底母、圣马利亚与基督的两个女信徒给他下葬的悲剧场景：微弱的光线只照亮岩洞的一块大石板。
在一片昏黑的背景前，约翰与尼歌底母慢慢地把耶稣赤裸的尸体放入墓中。
背后站着耶稣的母亲马利亚与两个女信徒。
耶稣的尸体被光线照得透亮。
整个场面俨然一个阵亡英雄或战士的下葬情景。
耶稣的躯体画得强壮结实。
脸上也显出刚毅的意志力。
一张留短黑须的脸十分安祥。
气氛肃穆，悲怆而庄严。
画家运用准确的解剖技巧表现了肌肉发达的尸体。
唯有耶稣垂落的一只手提示他已没有生命。
但这只下垂的手与被抬起的双腿，在画面上构成平衡的光感。
尼哥底母在这里是卡拉瓦乔重点刻画的形象。
传说他是法利赛人。
曾于夜间见过耶稣，和耶稣谈论过人可否重生的问题。
耶稣被钉死后，他前来帮助埋葬。
画家把他描绘成一个上了年纪的农民形象。
并把他画在前景主要位置，尤其展示了他的一双赤裸的大脚。
为了加强整个形象的稳定性，这两只脚在前景上起着平衡作用。
在这里，除前景上耶稣尸体与尼哥底母的生动形象外，后面三个妇女形象也处理得很有节奏，尤其是双手高举、脸上表现了悲痛欲绝的心情的抹大拉，她给画面增强了悲剧性。
她哭肿了双眼，嘴唇半张，似在呼天抢地。
圣母包着头巾，脸容消瘦，她从约翰的肩后伸出一只右手。
这只手被光照射着，因而使分布在右边的受光部分取得均衡。
同时这只掌心向下的手又起着对这幕下葬悲剧的指挥作用。
中间一个马利亚形象画得很美。
她显得楚楚动人，娇弱可爱。
她是拉撒路的姐妹。
一个质朴的农家姑娘。
她正低着头，沉浸在悲痛之中，右手用手帕紧擦着眼泪。
梳着中间分缝的并在脑后盘上小辫的发式，更使人感到这个形象的写实性质。
所有人物，除了约翰的脸部沉入半阴影中外，都有清晰的受光部位。
画家的典型构思是作了一番精心考虑的。
在色彩上，衣服的红、蓝与皮肤的苍白也形成了一种鲜明的色调对比。
这使英雄下葬的悲怆气氛，与四周的黑暗构成了强烈的冲突。
当这幅画公展时，不仅使卡拉瓦乔的崇拜者心悦诚服，连他的宿敌也不得不承认画家的高度艺术修养。
此画现藏罗马梵蒂冈绘画馆。
背景说明卡拉瓦乔的创作进入成熟阶段后，他的画上的明暗对比表现得更强烈了。
往往背景的空间都陷入阴暗或看不透的黑暗中，人物形象不是部分被吞没，只露出某部位，就是完全暴露于光照中，黑暗用棕色和深褐色来表现。
这种手法被称谓“黑暗法”（意大利语为tenbroso）或者叫做“酒窖光线绘画法”。
他的《召唤使徒马太》一画便是这样表现的。
１６０１－１６０４年间，卡拉瓦乔完成了这一幅最著名的祭坛画《基督下葬》。
圣马利亚与蛇292*212.7厘米罗马波尔葛塞美术馆作品简介幼小的耶稣见到一条蛇要去踩死它，圣母见此情景，先将蛇头踩住，让小耶稣踩在她自己的脚背上，以免被毒蛇咬伤。
此种亲子之爱是通过暗示性隐喻来提示的。
圣母的打扮是17 世纪富裕家庭主妇的装束。
右边的圣安娜画得苍老一些，以象征老少三辈的家庭关系。
１７世纪，许多进步的画家力求传统题材的革新，而风格主义画家则追求表面的形式效果。
1600 年至１６０６年，是卡拉瓦乔的多产期。
与这幅《圣马利亚与蛇》差不多同时创作的，还有《萨伏尔的幻像》、《使徒彼得的死难》、《圣马利亚与朝圣者》、《圣母升天》、《基督入棺》等作品（分别藏于罗马圣马利亚·戴列·彼波罗教堂、圣阿戈斯蒂诺教堂与梵蒂冈绘画馆），这一幅作于画布上的《圣马利亚与蛇》有２９２×２１２.７厘米，现藏于罗马波尔葛塞美术馆。
背景说明卡拉瓦乔成名后，他的艺术声望几乎是毁誉参半的。
一些人对他的独特手法极感兴趣，承认他构思大胆，写实技能高超；另一些人则说他表现的人物过于“粗野”，强烈明暗光影违犯规范，故弄玄虚，还说他对待崇高的圣经题材是任意的，卡拉瓦乔所绘的圣经人物，确实都穿上与他同时代一样的服装，这往往引起非议。
这一幅《圣马利亚与蛇》（作于１６０５－１６０６年）就是如此，除了表现圣母与圣子的天伦之情外，还赋予正义战胜邪恶的象征意义。
它创造了这个思考性情节。
此后，因卡拉瓦乔误杀了人，被迫逃离罗马，以躲避追究。
由于长期的颠沛流离生活，影响到他的艺术生命，象这样充满着世俗之爱的圣母画再也不见了，这是这位１７世纪画家的最大不幸。
在那个时代，画家如不依附教会或权贵，就意味着艺术生命的枯竭。
、使徒马太的殉教323.9ｘ342.9厘米罗马弗兰契教堂作品简介继《召唤使徒马太》一画之后，卡拉瓦乔为罗马圣路易斯·戴伊·弗兰契齐教堂的康塔列里（Contarelli）礼拜堂的一面墙上画了第二幅马太行传故事画，题为《使徒马太的殉教》（１５９９－１６００）。
据目击者回忆，这幅画曾经重绘过两次，原因是“它的构图和运动表现与题材不相符合”。
订件者要求它与《召唤使徒马太》一幅的构图相呼应。
据研究者所提供的资料说，最初的构图是：马太刚做完祷告，倒于地板上。
一个雇佣的杀人者手中握剑，向马太弯下身去。
在右边，马太身边一少年仆人见此情景，拔腿逃跑；左边，有几个男人也向出口奔去，其中一人还惊慌地回头张望。
画的下半幅上则挤满了人群，动势比较紊乱。
现从这里的一幅画的构图看，雇杀马太的活动已略向深处移了一些。
马太正倒在祭坛的台阶上。
他略为欠身，用一只手挡开杀人者，眼光直视那个凶手。
光线透过昏暗的房间，直射在这两个人身上。
左右人物纷纷向两边逃去。
构图与第一幅所说明的相似。
只是光线把观者的注意力更集中地引向两个人物身上。
右边的少年仆人正欲逃离，他张嘴喊叫。
在左边，除了两个男子正恐惧地夺门而走外，还有四个人也在向出口退去。
其中一个握着剑，却没有胆量去援助马太。
据说这一幅变体画是在第一幅画的基础上一再修改后确定的。
主教要求中心人物再向深处移，让前景空出地位，再添画上三个裸体人物。
这三个人物象征这一谋杀事件的目击者。
这三个形象在画上好象与中心人物关系不大。
但它完善了构图上下呼应的装饰性效果。
这是当时风行的风格主义绘画的审美要求。
主教坚持要卡拉瓦乔作这样的安排。
画家为了避免矫揉造作，他对前景的三个人物先按照模特儿画好，然后巧妙地把他们的裸体动势按透视缩短画法添加在前景的最下边。
可见，卡拉瓦乔虽做了些让步，但仍不马虎从事。
他尽可能使画上的人物处理得合情合理。
此外，两个中心人物头上的天使，本来在低垂的阴云下，后来画家改换成一团白云托住天使的身体，并以强烈的透视缩短法表现少年天使的裸体质感，使他具有自然的俯伏姿态。
这种姿势虽也是宗教艺术中常见的，但经画家精心构思，虚幻中寓有一种实感。
天使递给马太一枝棕榈枝——基督教信徒殉难的象征。
它既没有违犯教会对风格主义艺术表现的嗜好，又高度展示了现实的人体画法，使画上的生活显得神奇而又可信。
这种带有一定戏剧性的宗教故事画，在卡拉瓦乔笔下往往运用自如，欣赏起来耐人寻味。
这是和他的高超技巧和熟练的素描写生能力分不开的。
圣母子作品简介卡拉瓦乔的圣母子形象构思独特，毫无宗教气息。
就世俗化的程度看，他的圣母比拉斐尔的圣母更甚。
这一幅就是明显的一例。
圣母与圣婴的形象是当代人生活中常见的典型。
