世界美术大师作品赏析

最后的晚餐美术作品赏析一、作品简介达.芬奇毕生创作中最负盛名之作。

在众多同类题材的绘画作品里，此画被公认为空前之作，尤其以构思巧妙，布局卓越，细部写实和严格的体面关系而引人入胜。

构图时，他将画面展现于饭厅一端的整块墙面，厅堂的透视构图与饭厅建筑结构相联结，使观者有身临其境之感。

画面中的人物，其惊恐，愤怒，怀疑，剖白等神态，以及手势，眼神和行为，都刻画得精细入微、惟妙惟肖。

这些典型性格的描绘与画题主旨密切配合，与构图的多样统一效果互为补充，使此画无可争议地成为世界美术宝库中最完美的作品。

二、题材取自圣经故事。

犹大向官府告密，耶稣在即将被捕前，与十二门徒共进晚餐，席间耶稣镇定地说出了有人出卖他的消息，达·芬奇此作就是耶稣说出这一句话时的情景。

画家通过各种手法，生动地刻画了耶稣的沉静、安详，以及十二门徒各自不同的姿态、表情。

此作传达出丰富的心理内容。

达·芬奇改变了文艺复兴早期对这一题材的传统处理方式，图中人物列为一排，以耶稣为中心，十二门徒分为四组，对称分列两侧，形成了一个穿插变化又相互统一的整体。

达·芬奇成功地运用构图和用光等手段，塑造了一系列个性鲜明的人物形象。

《最后的晚餐》是基督教新约圣经记载的最重要的事件之一，几乎被所有宗教画家描绘过。

但在达·芬奇为米兰格雷契寺院食堂画《最后的晚餐》之前，所有的画家对画面艺术形象处理都有一个共同的特点：那就是把犹大与众门徒分隔开，画在餐桌的对面，处在孤立被审判的位置上。

这是因为画家们对人的内心复杂情感无法表现，从形象上难以区别善恶。

由于达芬奇对人的形象和心理作过深入的观察和研究，能从人物的动作、姿态、表情中洞察人物微妙的心理活动并表现出来。

三、作品赏析在耶稣右边的一组中，我们看到一个黑暗的面容，他朝后倚着，仿佛从耶稣前往后退缩似的。

他的肘部搁在餐桌上，手里抓着一只钱袋。

我们知道他就是那个叛徒，犹大.伊斯卡里奥特。

全画总共十三人，基督居于面面中间位置，其余十二个门徒分四组平均对称排列左右，这些组合是由每个人的心变化和感情联系自然结合在一起的，画中人的情绪造成画面的气氛有动有静，有声有色。

幼儿园美术教育案例：世界名画赏析分享幼儿园美术教育案例：世界名画赏析共享在幼儿园的美术教育中，启发幼儿对世界名画的赏析是非常重要的。

通过欣赏世界名画，幼儿可以了解不同的文化、历史和艺术风格，同时也能够培养他们的审美情感和想象力。

在这里，我们将共享一些幼儿园美术教育中世界名画的赏析案例。

1. 《蒙娜丽莎》蒙娜丽莎是世界上最著名的油画之一，由文艺复兴时期的大师达·芬奇创作。

在幼儿园的美术教育中，可以通过让幼儿观赏《蒙娜丽莎》，引导他们发现画中人物的微笑，了解文艺复兴时期的肖像画特点，并鼓励幼儿想象蒙娜丽莎的故事。

也可以通过手工制作让幼儿模仿画中的微笑，进一步加深对这幅名画的理解与欣赏。

2. 《星夜》梵高的《星夜》以其独特的风格和色彩成为了世界艺术史上的经典之作。

在幼儿园美术教育中，可以通过让幼儿观赏《星夜》，引导他们观察画中的星空、村庄和旋涡云彩，同时鼓励幼儿用自己的想象来解释画中的场景。

另外，可以通过使用不同颜色的画笔和手指，让幼儿亲身体验《星夜》中的色彩和线条，从而更好地理解这幅名画的艺术特点。

3. 《大碗岛的星期天下午》勃朗宁的《大碗岛的星期天下午》是印象派的代表作品之一，通过笔下的光影和色彩展现出了法国乡村的宁静和美丽。

在幼儿园美术教育中，可以通过让幼儿观赏《大碗岛的星期天下午》，引导他们感受画中的阳光和颜色的变化，同时鼓励幼儿通过手工制作创作自己的乡村风景画，用色彩和笔触表达内心对自然的感受。

总结回顾：通过以上三幅世界名画的赏析案例，我们可以看到，在幼儿园的美术教育中，引导幼儿欣赏世界名画是非常有益的。

通过观赏名画，幼儿可以培养审美情感、发展想象力，并了解不同的艺术风格和文化背景。

在实践中，教师可以结合手工制作等方式，让幼儿从多个方面感知、理解和创作有关名画的主题，从而丰富他们的美术教育经验。

我的观点和理解：我认为，幼儿园美术教育中引入世界名画的赏析是非常有意义的。

这可以帮助幼儿建立艺术素养，培养他们的审美情感和想象力，同时也让他们了解更多世界文化和历史知识。

美术鉴赏论文梵高部分作品赏析摘要：文森特·威廉·梵高，荷兰后印象派画家。

他是表现主义的先驱，并深深影响了二十世纪艺术。

梵高着意于真实情感的再现，也就是说，他要表现的是他对事物的感受，而不是他所看到的视觉形象。

“为了它，我拿自己的生命去冒险；由于它，我的理智有一半崩溃了；不过这都没关系……。

”关键词:梵高印象派油画星夜割耳朵后的自画像乌鸦群飞的麦田文森特·威廉·梵高（Vincent Willem van Gogh，1853－1890），荷兰后印象派画家。

1853年3月30日生于津德尔特，1890年7月29日在法国瓦兹河畔因患精神病自杀身亡。

早年经商，后热衷于宗教，1880年以后开始学习绘画。

代表作《向日葵》、《邮递员鲁兰》、《咖啡馆夜市》、《包扎着耳朵的自画像》、《星光灿烂》、《梵高在阿尔勒卧室》等，都包含着深刻的悲剧意识以及强烈的个性和形式上的独特追求。

当时他的作品虽很难被人接受，却对西方20世纪的绘画艺术有深远的影响。

他是表现主义的先驱，并深深影响了二十世纪艺术，尤其是野兽派与德国表现主义。

在这里，我主要对他的《星夜》、《包扎着耳朵的自画像》、《乌鸦群飞的麦田》进行分析。

梵高的宇宙，可以在《星夜》中永存。

这是一种幻象，超出了拜占庭或罗曼艺术家当初在表现基督教的伟大神秘中所做的任何尝试。

梵高画的那些爆发的星星，和那个时代空间探索的密切关系，要胜过那个神秘信仰的时代的关系。

然而这种幻象，是用花了一番功夫的准确笔触造成的。

当我们在认识绘画中的表现主义的时候，我们便倾向于把它和勇气十足的笔法联系起来。

那是奔放的，或者是像火焰般的笔触，它来自直觉或自发的表现行动，并不受理性的思想过程或严谨技法的约束。

梵高绘画的标新立异，在于他超自然的，或者至少是超感觉的体验。

而这种体验，可以用一种小心谨慎的笔触来加以证明。

这种笔触，就像艺术家在绞尽脑汁，准确无误地临摹着他正在观察着的眼前的东西。

美术作品赏析国外美术作品：一．雕塑1.《着衣母婴卧像》亨利.摩尔（1898年—1986年）英国现代雕塑家，他在矿区里度过童年时代，中学时受一位教师的影响，走上艺术之路。

母与子是亨利.摩尔经常创作的题材，这件作品介于写实与抽象之间，人物的一切细节都被忽略了，强化了母亲敦实起伏的身体，孩子在母亲的怀中显得那么安全和舒适。

亨利.摩尔常常借用母亲的身体表现山峦、丘陵和大地。

亨利.摩尔以独特的雕塑语言和创新精神，给雕塑艺术注入了现代气息，掀掀开了雕塑艺术史上新的一页。

2.《米洛斯的维纳斯》古希腊《掷铁饼的人》米隆（古希腊）《摩西》1516年米开朗基罗(意大利)《圣堂》1908年罗丹(法国)《自由女神像》1886年弗雷德里克·奥古斯特·巴托尔迪（美国）二．绘画马蒂斯法国画家，野兽派的创始人、主要代表人物，也是一位雕塑家、版画家。

马蒂斯生于法国，是毕加索时代最重要的古典现代主义艺术家之一，且是野兽派的领导角色。

野兽派主张印象主义的理论，并促成了二十世纪第一次的艺术运动。

使用大胆及平面的色彩、不拘的线条就是马蒂斯的风格。

风趣的结构、鲜明的色彩及轻松的主题就是令他成名的特点。

1950年6月11日，法国当代著名艺术大师亨利-马蒂斯在威尼斯艺术节中荣获大奖。

马蒂斯和野兽派1995年在秋季沙龙展览会中，马蒂斯等人作品色彩鲜艳，对比强烈，富有装饰性，与传统写实色彩截然不同，评论家们戏称他们像“野兽”一样，“野兽派”因此得名。

2.油画《戴帽子的妇人》采用涂鸦的方式，在整个油画的表面都有涂鸦的痕迹，而这些涂鸦大部分都是黄色和绿色，使整个油画的表面看起来有点模糊，这幅油画主要描绘的是一个年轻的妇人，她的身子本来是向前的，但是她的头却向后扭了过来，所以这幅油画应该是一个年轻的妇人回头的一刹那的情境描绘。

3.《红色中的和谐》是马蒂斯成熟期的代表作。

画中描绘了一个室内的场景，其中有精心布置的桌子、衣着整洁的女佣、鲜艳的桌布和墙纸、两把椅子和一扇窗户；通过窗户，画家还描绘了一片室外的自然景色——绿色的草地、黄色的花朵、几棵树和一所房子。

1.海伦娜.弗尔曼肖像鲁本斯1620-1625年79×54厘米现存伦敦国立美术馆2.宫娥委拉士贵支1656年318×276厘米藏马德里普拉多博物馆宫《吹笛少年》3.《吹笛少年》1.作者：马奈2.质地：画布，油彩3.创作时间：1866年4.尺寸：160X98厘米5.收藏地点：巴黎，奥赛美术馆作者简介马奈(1832-1883)是法国印象主义画派中的著名画家,他对欧洲绘画的发展有重要贡献;尽管他从来没有参加过印象派画家的联合展览,仍被认为是印象主义画派的奠基人.马奈的成就主要体现在人物画方面,第一个把印象主义的光和色彩带进了人物画,开创了印象主义画风.马奈早年受过学院派的六年教育,后又研究许多历代大师的作品,他的画既有传统绘画坚实的造型,又有印象主义画派明亮、鲜艳、充满光感的色彩,可以说他是一个承上启下的重要画家.他的作品(尤其是肖像画)很自然地反映出了人物的性格和心理。

《吹笛少年》用几乎没有影子的平面人物画法，表现人物的实在，从这里我们可以看到马奈的才气和自负感。

此画明显带有日本浮世绘版画的影响。

注：马奈这一名字出典于拉丁文题铭Manet et manebit,意思是：＂他活着并将活下去＂。

作品介绍在这幅带有日本绘画风格的画作中，我们还可以看到委拉斯贵支以及戈雅不用任何背景和装饰的画风。

画中的吹笛少年以右脚为重心站立，左腿向外伸展，上身自然向左倾斜，手指在乐器的孔洞上按压，悠扬的音符流泻而出，脸上神情专注，谨慎的演出。

这幅画中运用三种基本色调--红色裤子、黑色上衣以及赭石色的背景。

红色裤子两边的黑色边线，与黑色上衣连成一气，红、黑两色间的关系，被马奈以金黄色的衣扣和吹笛少年肩上的白色披带突显出来。

赭石色的背景，是既无横面又无竖面的抽象背景，赭石色的底色，以人物为中心，渐次向外加深，使吹笛少年处于明亮的空间中。

4.珍珠女郎【创作者】柯罗【创作年代】1868-1870年【题材】肖像【规格】70cm×55cm【材质】布油彩【存藏处】巴黎卢浮宫藏【作品赏析】这是一幅色彩优美的肖像杰作，它描绘一个戴着用树叶编的“花环”的青年女子。

01乔托《犹大之吻》Kiss of JudasGiotto1305乔托《犹大之吻》聚焦于基督和犹大之间心理交锋的瞬间。

基督坚定的目光回应犹大的注视，眼神中只有对背叛者的谦卑和同情。

在指控、欺骗和背叛的喧嚣中，基督保持着始终如一的怜悯。

乔托首次赋予形象鲜明的人性动机，以及传统绘画欠缺的心理深度与逼真感。

02马萨乔《纳税银》The tribute moneyMasaccio1427画面描绘了《马太福音》里的故事：税吏质问耶稣是否缴纳了税。

画面中央税吏正在索要纳税银，场景延续至画面左边，彼得从鱼口中取出钱币。

右侧，彼得交给税吏纳税银。

马萨乔将三个独立场景浓缩于一幅画面之中，赋予角色人性化的感情，同时在古典主义基础上加入了技法的革新。

03扬 · 凡 · 艾克《阿尔诺芬妮夫妇像》 Arnolfini portraitJan van Eyck1434这幅谜一般的双人像，描绘阿尔诺芬尼和新妻宣誓的场景，展示出 扬 · 凡 · 艾克 卓尔不凡的传递细节和光线的能力。

夫妇的姿势和不同寻常的细节设置，都有独特涵义和象征性，镜中反射出夫妻背影和画家本人。

装饰性拉丁铭文写着：「1434年，扬 · 凡 · 艾克在此。

」《阿尔诺芬尼夫妇像》不但是新型油画深入表现的最早尝试，也是后世风俗画和室内画的最早先例。

04保罗 乌切洛《圣罗马诺之战》Battle of san RomanoPaolo Uccello1440乌切洛名作《圣罗马诺之战》，显示出直线透视法领域的突出成就。

前景是交战双方，后面是持矛的队伍，地上横七竖八丢弃的武器盔甲。

背景经过几何式的抽象处理和透视安排，具有强烈的空间效果。

乌切洛首次在理性层面上，探索总结出「焦点透视法」，不仅使二维空间艺术在视觉上趋于科学性，而且使东西方绘画的空间经营从此分道扬镳。

05波提切利 《维纳斯的诞生》The Birth of VenusSandro Botticelli1482-1486希腊神话中，克罗努斯阉割了乌拉诺斯，重伤的生殖器坠入大海，孕育出美女维纳斯。

世界油画经典：拉斐尔和他的作品赏析拉斐尔·桑西（1483 —1520），意⼤利著名画家，他的性情平和、⽂雅，创作了⼤量的圣母像，他的作品充分体现了安宁、协调、和谐、对称以及完美和恬静的秩序。

拉斐尔谢世时年仅37岁，但由于他勤勉的创作，给世⼈留下了300多幅珍贵的艺术作品。

拉斐尔的作品博采众家之长，形成了⾃⼰独特的风格，是⼿法主义的代表⼈物，也代表了当时⼈们最崇尚的审美趣味，成为后世古典主义者不可企及的典范。

《抱⼦圣母》拉斐尔代表作有油画《西斯廷圣母》、壁画《雅典学院》等。

拉斐尔潜⼼研究各画派⼤师的艺术特点，并认真领悟，博采众长，尤其是达芬奇的构图技法和⽶开朗基罗的⼈体表现及雄强风格，最后形成了其独具古典精神的秀美、圆润、柔和的风格，成为和达芬奇、⽶开朗基罗⿍⾜⽽⽴的⽂艺复兴三杰。

《雅典学院》壁画纵279.4×横617.2厘⽶梵蒂冈塞纳图拉⼤厅《西斯廷圣母》布上油彩纵265×横196厘⽶德累斯顿国家美术馆藏拉斐尔所绘画的圣母画像都以母性的温柔以及青春健美，体现了⼈⽂主义思想。

其中最有名的是《安西帝圣母》、《草地上的圣母》和《佛利诺的圣母》。

1513年-1514年绘画的⼤型油画《西斯廷圣母》，由圣母和圣徒组成的三⾓形构图，庄重均衡，圣母和耶稣表现了母爱的伟⼤。

另外，《椅上圣母⼦》、《阿尔巴圣母》都是拉斐尔完美⽆瑕的作品。

《椅上的圣母》板上油画直径71厘⽶佛罗伦萨彼蒂宫藏1483年耶稣受难⽇（复活节的前⼀个星期五，基督教节⽇。

）凌晨三时，拉斐尔诞⽣于意⼤利的乌尔⽐诺。

其⽗乔万尼·桑西（另译：乔凡尼·桑提·迪·彼得洛）是位默默⽆闻的画家，在其唯⼀的⼉⼦诞⽣后，给他起名拉斐尔，并坚持由孩⼦的母亲（玛吉亚·迪·巴蒂斯塔·迪·尼吉拉·席亚拉）亲⾃抚养。

所以，童年时代的拉斐尔受⽗母家庭环境熏陶，养成了良好的⾏为习惯，⽽没受到贫民家庭那种相俗、野蛮⽅式的影响。

外国美术作品赏析赏析赏析赏析赏析(总4页)--本页仅作为文档封面，使用时请直接删除即可----内页可以根据需求调整合适字体及大小--朦胧之美——莫奈的《日出·印象》我第一次看到这幅画是在高中的美术课上，那时候老师就告诉我们这是一幅印象派的画作，给我们浏览了图片。

现在在大学的美术课，我再一次看到这幅油画，跟以前一样我挺喜欢这种朦胧之美，所有的形象都是朦朦胧胧,没有写实的细节。

《日出·印象》是克劳德·莫奈所画的印象派的画作。

在十九世纪下半叶,光学原理改变了画家对固有色的观念,由此他们开始在艺术上对光与色进行新的探索。

其实在当时，人们还不接受“印象派”这一艺术流派，克劳德·莫奈的油画《日出·印象》曾遭到一位记者地嘲讽说：“这幅作品很粗糙，过于随便，它完全就是凭印象胡乱画出来的，还有其他人附和着说，这些画家统统都是“印象主义”。

没想到，这些挖苦的话，反而成全了这批画家，“印象派”随之诞生。

在十九世纪七八十年代，印象派达到了它的鼎盛时期，其影响遍及欧洲，并逐渐传播到世界各地，但它在法国取得了最为辉煌的艺术成就。

十九世纪后半叶到二十世纪初，法国涌现出一大批印象派艺术大师，他们创作出大量至今仍令人耳熟能详的经典巨作。

《日出·印象》是莫奈于1873年在阿弗尔港口画的一幅写生画。

它描绘的是透过薄雾观望阿佛尔港口日出的景象。

据了解，克劳德·莫奈在同一地点还画了一幅《日落》,绘画描绘出晨雾中不清晰的背景，多种色彩赋予了水面无限的光辉，画出了水的流动感。

整幅画作主要运用了水蓝色、淡蓝、红色、橙色和黑色。

海水、天空、景物几乎采用了同一色系——蓝色，在轻松、无拘束的笔触中，交错渗透，浑然一体。

日出时, 海上雾气迷朦, 水中反射着天空和太阳的颜色。

岸上景色隐隐约约, 模模糊糊看不清, 给人这种瞬间的感受。

在蓝色为主打的背景色下，淡淡的海上，那些黑色的小船依稀可见，其实仔细去看，中间的那个小船有船夫拿着船桨在撑船预示着船夫已经开始工作，新的一天来临。

图片：我最欣赏的画家~米罗MIRO<人物与红色太阳> 米罗生于西班牙的巴塞罗那，1907年开始学习艺术，曾在巴塞罗那市的几所美术学校学习。

他早年接触过许多前卫艺术家，如凡高、马蒂斯、毕加索、卢梭等人的作品，也尝试过野兽派、立体派、达达派的表现手法。

在接受了各种可能的影响之后，他逐步探索出一条独特的艺术道路，形成了完全属于自己的个人艺术风格。

当然，这成功还得益于他家乡美丽的自然环境和深厚的文化艺术传统。

<女儿与蝴蝶> 米罗的艺术是自由而抒情的。

他的画中往往没有什么明确具体的形，而只有一些线条、一些形的胚胎、一些类似于儿童涂鸦期的偶得形状。

颜色非常简单，红、黄、绿、蓝、黑、白，在画面上被平涂成一个个的色块。

看起来，这些画自由、轻快、无拘无束。

但是，如果你认为它们是漫不经心一蹴而就的，那你就错了。

它们其实是艺术家自由幻想和深思熟虑相结合的结果。

正如米罗自己所述，“当我画时，画在我的笔下会开始自述，或者暗示自己，在我工作时，形式变成了一个女人或一只鸟儿的符号……第一个阶段是自由的，潜意识的。

”但是，“第二阶段则是小心盘算。

”因此，尽管米罗的画天真单纯，仿佛出自儿童之手，但它们绝没有儿童画的稚拙感，它们是缜密思考后的流畅活泼。

<皇帝的宦臣> 米罗的艺术代表了超现实主义的另一种风格，即有机的超现实主义。

米罗的作品是令人愉快的,其画面洋溢着自由天真的气息，往往人见人爱。

<诗人与太阳> 米罗艺术的卓越之处，并不在于他的肖像画或绘画结构，而是他的作品有幻想的幽默——这是其中一个要素。

另一个卓越之处就是，米罗的空想世界非常生动。

他的有机物和野兽，甚至他那无生命的物体，都有一种热情的活力，使我们觉得比我们日常所见更为真实。

<人物与星星> 米罗的画风，总是有一种天真、无邪、贪玩的风格。

他以有限的记号要素还元做画，达到现代画自由表现的境地，作品幻想虽神秘，表现却明晰，画面充满了隐喻、幽默与轻快，表现孩童般的纯朴天真，并且富有诗意。

莫奈《日出印象》赏析印象派：风格特点：不依据可靠的知识，以瞬间的印象做画。

画家们是抓住一个具有特点的侧面去做画，所以他们必须疾飞画笔把颜色直接涂在画布上，他们只能多考虑画的总体效果，较少的顾及枝节细部。

印象主义的以粗放的笔法做画，作品缺乏修饰，是一种对笔法较草率的画法。

印象主义采取在户外阳光下直接描绘景物，追求以思维来揣摩光与色的变化，并将瞬间的光感依据自己脑海中的处理附之于画布之上，这种对光线和色彩的揣摩也是达到了色彩和光感美的极致。

是西方绘画史上划时代的艺术流派，19世纪七八十年代达到了它的鼎盛时期，其影响遍及欧洲，并逐渐传播到世界各地，但它在法国取得了最为辉煌的艺术成就。

19世纪后半叶到20世纪初，法国涌现出一大批印象派艺术大师，他们创作出大量至今仍令人耳熟能详的经典巨制。

这幅名画是莫奈于1873年在阿弗尔港口画的一幅写生画。

他在同一地点还画了一张《日落》, 在送往首届印象派画展时，两幅画都没有标题。

一名新闻记者讽刺莫奈的画是"对美与真实的否定，只能给人一种印象"。

莫奈于是就给这幅画起了个题目——《日出印象》。

《日出·印象》描绘的是在晨雾笼罩中日出时港口景象。

在由淡紫、微红、蓝灰和橙黄等色组成的色调中，一轮生机勃勃的红日拖着海水中一缕橙黄色的波光，冉冉升起。

海水、天空、景物在轻松的笔调中，交错渗透，浑然一体。

近海中的三只小船，在薄雾中渐渐变得模糊不清，远处的建筑、港口、吊车、船舶、桅杆等也都在晨曦中朦胧隐现。

这一切，是画家从一个窗口看出去画成的。

如此大胆地用“零乱”的笔触来展示雾气交融的景象。

这对于一贯正统的沙龙学院派艺术家来说乃是艺术的叛逆。

该画完全是一种瞬间的视觉感受和活泼生动的作画情绪使然。

该画是印象主义绘画的开山之作, 它标志着印象派绘画的产生。

迅速成为一个风靡全球，影响深远的世界性画派。

它强调自然界的光和色，把光与色的变化作为绘画的主流。

莫奈被认为是第一个采用外光技法进行绘画的印象派大师。

世界名画家系列——巴洛克艺术⼤师委拉斯凯兹作品欣赏世界名画家系列——巴洛克艺术⼤师委拉斯凯兹作品欣赏委拉斯凯兹（1599 ~ 1660年），西班⽛⾄⾼⽆上的画家，对欧州艺术的影响可说⽆⼈可⽐的，渊博的能耐⼤皆由向⾃然界的学习得来。

1623年到马德⾥并担任宫廷画家，前期的作品显⽰他偏爱以⾃然主义的⽅式表现强光照射下的物体。

他的作画速度不快，下笔谨慎，技巧考究，⾊调肃穆晦暗。

许多肖像画以简单⾊彩作背景，使⼈物的轮廓浮现出来。

1628年当鲁本斯访问马德⾥时，维拉斯奎兹与之会⾯，虽然他们之间的看法、个性及艺术修养⼤不相同，但是维拉斯奎兹仍然从鲁本斯那⾥学到很多。

1629年维拉斯奎兹旅迹热那亚、威尼斯、罗马及那不勒斯，在义⼤利期间，他曾专注于男体和丰富多层次的⾊彩。

他回国后所作的肖像画，⾊彩极为鲜艳，是菲⼒普四世恐怖统治下，唯⼀⼏个欢乐年头的写照，有⼀种类似鲁本斯的丰富感。

1648年维拉斯奎兹伴随使节团到义⼤利护送奥国的玛莉亚纳，⽽重访热那亚、威尼斯、罗马及那不勒斯。

维拉斯奎兹被称为「西班⽛艺术家的最⾼贵与最⾼指导者」，现实主义者⼤师，「画中男⼥似乎在轻⾔细语」、「他的马是蓄势待发的，他的狗是活⽣⽣的」，明显的受其影响的有Goya,Corot, Courbet, Manet和Whistler。

l 001《以马斯的晚餐》1622 - 1623 年油彩．画布 123.2 x 132.7 cm 美国纽约⼤都会美术馆所描绘的场所是在耶路撒冷附近的⼩旅馆，内容是耶稣的两位门徒恍然⼤悟，与他们共餐的男⼦正是复活的耶稣。

l 002《伐尔肯的熔炉》1630 年油彩．画布 223 x 290 cm 西班⽛马德⾥普拉多美术馆该画的主题是在表现阿波罗向维纳斯的丈夫伐尔肯，揭露维纳斯和马尔斯通奸的故事。

构图基本上是以垂直线为基础。

画中⼈物以熔炉为中⼼⼀⼀排列，产⽣⼀种纵深的效果。

这幅画明显地反映出义⼤利之⾏，对维拉斯奎兹的影响，其画⾯安排充实有⼒、⼈物描绘精确、表情恰到好处，贝利拉的明暗技法也得到了运⽤，在那不勒斯时，维拉斯奎兹曾会见了这位⾃⼰仰慕已久的⼤师。

梵高油画《向日葵》赏析引言：梵高的油画《向日葵》,给了我一个强烈的思虑：画向日葵不是一种酷爱性命的表示吗？为何梵高在艺术面前走向自我扑灭呢？于是,我开端存眷他的生平,追问梵高是何人,何人是梵高.参考文献：《梵高传》作者：欧文·斯通文森特·梵高（1853.3.30-1890.7.29）出生在荷兰一个村庄牧师家庭.他是后印象派的三大大师之一.梵高年青时在画店里当伙计,这算是他最早受的“艺术教导”.后来到巴黎,和印象派画家订交,在色彩方面受到启示和陶冶.以此,人们称他为“后印象派”.梵高全体出色的.富有独创性的作品,都是在他性命最后的六年中完成的.他最初的作品,情调常是低沉的,可是后来,他大量的作品即一变低沉而为洪亮和晴明,仿佛要用欢乐的歌声来安慰人世的魔难,以表达他强烈的幻想和欲望.一位英国评论家说：他用全体精力寻求了一件世界上最简略最通俗的器械,这就是太阳.他的画面上不单充满了阳光下的鲜艳色彩,并且不止一次地下面去描写令人逼视的太阳本身,并且多次描写向日葵.人们假如确能真挚相爱,性命则将是永存的,这就是梵高的欲望和信心.可是冷淡和浑浊的实际终于使这个迟钝而热忱的艺术家患了间歇性精力错乱,病发之时陷于狂乱,病过之后则加倍苦楚.他不肯增长他人的累赘,自杀身亡,享年只有37岁.梵高最著名的作品是这幅画有16朵的《向日葵》.对于梵高而言,向日葵这莳花是表示他思惟的最佳题材.夏日短暂,向日葵的花期更是不长,梵高亦如向向日葵般停止本身短暂的平生,称他为向日葵画家,应当是恰到好处.他曾多次描写以向日葵为主题的静物,他爱用向日葵来安插他的房间.向日葵是太阳之光,是光和热的象征,是心坎翻腾的情绪猛火的写照,亦是酷爱性命选择生涯的表示,但为何却成了梵高魔难性命的缩影.他本身则成了向日葵的变节者,如斯看来酷爱性命与选择消亡其实不抵触.梵高身为一个画家,成就了艺术却鄙弃了性命.他曾说过：我想用《向日葵》来装潢我的画室,让纯净的或折衷的铬黄,在各类不合的布景上,在各类程度的蓝色底子上,从最淡的维罗内塞的蓝色到最高等的蓝色,闪闪发光;我要给这些画配上最精细的涂成橙黄色的画框,就像哥特式教堂里的彩绘玻璃一样.梵高确切做到了让阿尔八月阳光的色彩在画面上大放光线,这些色彩炽热的阳光,发自心坎忠诚的敬神色绪.16朵形态各别的向日葵,或残暴或枯委,或隐或现,以淡黄色为布景,以深黄色为向日葵的主色调,尚有几朵含苞未放以淡黑色装点花蕊,色彩上给人一种强烈的比较,画面总体上给人一种通亮而又强烈的性命力,让人觉得生涯充满欲望,阳光是那样的明媚,天空是那样的辽阔.梵高很多以向日葵作为主题的作品一向在冲击着我的思惟,一个如斯酷爱向日葵的画家为何却为如斯歧视性命,本身选择走向性命的止境.梵高平生中共作了11幅《向日葵》,有10幅在他逝世后散落各地,只有一幅今朝在梵高美术馆展出.他以《向日葵》中的各类花姿来表达自我,有时甚至将本身比较为向日葵.以前听过台湾某艺人见到梵高《向日葵》原画泣如雨下的报导,心想不免难免夸大,可当我见到这幅《14朵向日葵》时,也不由黯然太息：如许拼了老命出力地画,不疯才怪,不夭折才怪.自从梵高画了一组11张向日葵油画后,向日葵就属于梵高.《14朵向日葵》隔壁是高更的《梵高画向日葵》从未有工资向日葵投注如许剧烈专注的热忱！梵高化的向日葵似乎在燃烧,浮雕般色彩如斯强烈厚重,情绪笔触如斯饱满有力,真恰是无邪充沛性命兴旺的太阳扭转之花.梵高嗜画向日葵,因向日葵是追光拜日的农平易近之花.画向日葵即画太阳,也是自画.太阳.向日葵及梵高融成一体.梵高和向日葵谱出相濡以沫性命与共的蓝与黄交响乐章,是其喜剧平生的象征物.梵高强烈地爱上了遍地发展的高尚向日葵及炙热目眩般的阳光.他不无自嘲：“我越是年迈丑陋.令人憎恶.贫病交加,越要用鲜艳华美.精心设计的色彩为本身雪耻.梵高是天才,也是疯子.你说他陷入癫狂割下本身的耳朵,可他偶然苏醒沉着得恐怖.向日葵用色如斯大胆强烈,因为他清晰地知道：岁月将使它们变得阴暗,甚至过于阴暗.可那股以螺旋的涡流向外喷射的金黄色猛火,百年之后还能深入感触感染到.百年前的向日葵不是加倍金黄炙热吗？我们都爱梵高的光与热,因为我们正常愚蠢圆滑得不会把本身逼向绝境.梵高知道高更爱好他的向日葵多于莫奈的向日葵而愉快万分.高更这么形容：在我的黄色房间里,带紫色圆环的向日葵凸起于一片黄色布景之前,花梗浸在一只黄色壶中,壶放在一张黄色桌上.金黄色的太阳透过我房间里的黄色窗帘,朝气盎然洗澡在一片金黄色中.仅用壮丽的黄色色系组合绘成的《向日葵》,堪称梵高的化身,也可说是他的代表作.梵高分散精力创作《向日葵》系列作品时,恰是他的艺术成熟时代,此时他异常爱好应用黄色.对于梵高而言,向日葵这莳花是表示他思惟的最佳题材.夏日短暂,向日葵的花期更是不长,梵高亦如向向日葵般停止本身短暂的平生,称他为向日葵画家,应当是恰到好处.梵高的十一幅《向日葵》中,有十幅在他逝世后散落各地,只有一幅今朝在梵高美术馆展出.梵高老是一人独自生涯,在他为爱彷徨的时刻,独一陪同他的只有强烈的孤单感.而象征梵高化身的《向日葵》,在他逝世后则被西奥家人收藏,一向保存至今……梵高是世人公认的艺术大师,同时也是备受争议的“猖狂天才”,其代表作《向日葵》历来是为人称颂的名画之一.如今,这幅《向日葵》又获得一项殊荣———竟能引来蜜蜂立足花蕊,其实令人赞叹不已！英国伦敦大学玛丽女王学院做了一个有味的研讨：让一群从来没见过真花的蜜蜂“观赏”四幅色彩残暴的名画复成品,看看蜜蜂反响若何.成果发明,梵高的油画《向日葵》特殊受蜜蜂青睐.大师笔下惟妙惟肖的向日葵竟让蜜蜂误认为真.蜜蜂多次停落在“向日葵”上,想品尝个中的“花蜜”.玛丽女王学院的拉尔斯·希图卡传授引导了这项研讨,研讨成果将登载在《光学与激光技巧》杂志上.希图卡说,用进化的不雅点很轻易说明“花朵类”油画的吸引力.他信任人类对色彩的选择是由进化而来的.希图卡指出,科学家已经证实,人类对色彩的分辩是从吃生果开端的,而梵高的画吸引蜜蜂的原因也和色彩有关.《向日葵》是梵高在法国南部所作.在法语里面,向日葵的意思是“落在地上的太阳”,人们往往把它看作是光亮和欲望的象征.梵高的向日葵不是一种亮丽明快.充满着欲望和幻想的向日葵,而是比较猖狂的.在梵高的精力世界里面,他看到的一切对象都充满着一种性命———一种消失着压抑和反压抑关系的性命.尽管向日葵那么美,高更因艺术理念不合,无法与神经解体的梵高相处最终分开了.画了向日葵后的梵高等于金黄色的化身,把这金黄色的火焰撒遍天际野外,也涂上夜晚的星空,卷成旋涡直到麦田群鸦乱飞,才举枪停止了这场金黄色的癫狂.金黄色从此属于梵高.生前寥寂.逝世后光荣的画作一九七八年,在伦敦拍卖会上,梵高的《向日葵》以大约五十九亿日元的天价被日本身买走了,这个新闻震动了全世界.无论是有钱人的附庸精细照样《向日葵》真的找到了会观赏它的人.但是贸易上的伟大好处,与梵高生前卖画所比,的确是一种伟大的讥讽.后来,梵高的作品《鸢尾花》和《迦赛大夫像》分离以七十三亿及一二七亿日圆卖出.假如说如今画价飞涨是由梵高所引起的,也不为过.可是,梵高生前卖出的作品只有《红色葡萄园》一幅,并且价钱异常便宜,仅为当时的四百法郎罢了.在梵高逝世后不久,社会上就开端评定他是一流画家.惋惜的是,梵高本身却在还未获得准确评价之前,就本身拉下了人生的帷幕.。

蒙娜丽沙美术鉴赏《蒙娜丽沙》是意大利文艺复兴时期画家列奥纳多·达·芬奇的杰作，也是世界上最著名的绘画之一。

它是一幅半身像肖像画，描绘了一位神秘而优雅的女性，她微微带笑，眼神深邃，似乎散发着内心的力量和智慧。

这幅画采用了达·芬奇独特的艺术技法，包括透视原理、柔和的光影效果和丰富的细节表现。

他通过精确的绘画技巧，将蒙娜丽沙的面部表情和眼神表现得栩栩如生，给人一种亲近而又神秘的感觉。

蒙娜丽沙的微笑更是成为了人们津津乐道的话题，无论从哪个角度看，她的微笑都仿佛有一种神秘的魅力，让人产生无法言喻的共鸣。

这幅画的背景也很精细地描绘了一片自然景色，包括远处的山脉和水域。

达·芬奇巧妙地运用透视法将蒙娜丽沙与背景融合在一起，增强了画面的整体效果。

此外，画中的光影变化和色彩运用也展现了达·芬奇对绘画的独特见解和技巧。

《蒙娜丽沙》作为一幅绘画作品，不仅在艺术价值上具有重要意义，也在历史上扮演了重要的角色。

它代表了文艺复兴时期对人物形象的新探索和对绘画技巧的突破。

达·芬奇通过这幅作品展示了他对人性和情感的深刻理解，使得观者们能够通过作品感受到蒙娜丽沙所传递的思想和情感。

《蒙娜丽沙》的影响力远远超出了艺术领域，成为了世界文化的一部分。

它被广泛引用和模仿，成为了艺术史上的经典之作。

无论是艺术爱好者还是普通观众，都可以从这幅画中感受到艺术的魅力和深度。

总之，蒙娜丽沙是一幅具有重要艺术价值和历史意义的绘画作品。

它的精湛技巧和神秘表情使得它成为世界艺术史上的瑰宝，也让人们对艺术产生了深深的思考和赞美。

无论是从审美角度还是文化角度，这幅画都值得我们深入鉴赏和欣赏。

蒙娜丽沙美术鉴赏《蒙娜丽莎》是文艺复兴时期意大利画家达·芬奇的杰作，也是世界著名的艺术品之一。

它以其独特的神秘微笑和精湛的绘画技巧而闻名于世。

以下是对《《蒙娜丽莎》的美术鉴赏，简要介绍其艺术价值和吸引力。

毕加索最后自画像拍卖4980万美元他的最后一幅自画像是在他去世前9个月完成的。

在这幅蜡笔画中，毕加索创造了一个令人畏惧的形象：一双似乎因惶恐而睁大的眼睛，紧闭的双唇，憔悴的脸庞衬着鲜明凸出的颧骨——完全不同于他那实际上看起来像个保龄球的脸。

这是毕加索对其内心的刻画，那是一个凝视着死亡深渊并带着悔恨思考自己生活的男人的形象。

《日出印象》法国莫奈《日出〃印象》描绘的是勒阿弗尔港一个多雾的早晨，晨曦笼罩下的海水呈现出橙黄色或淡紫色，天空被各种色块渲染，再现强烈的大气反光中形成的表面的色彩。

这种对绘画语言本身的探索为后世许多画家所接受，从而形成了以印象派为起源的大潮流，艺术踏上了迈入现代的旅程。

《梦》——毕加索1927年,47岁的毕加索与长着一头金发,体态丰美的17岁少女初次相遇,从此,这位少女便一直成为毕加索绘画和雕刻的模特儿。

又过17年,64岁的毕加索给她的生日贺信中说:"对我来说,今天是你17岁生日,虽然你已度过了两倍的岁月。

在这个世界上,与你相遇才是我生命的开始。

"<<梦>>这幅画作于1932年,可以说是毕加索对精神与肉体的爱的最完美的体现。

鸢尾花梵高拍卖5330万美元《拍卖奴隶》让－莱昂〃热罗姆法国是一个西方艺术家眼中的东方场景。

近东地区司空见惯的奴隶拍卖，引起了画家的注意。

被剥去衣衫的女奴，裸体站在台上被拍卖，台下是争相竞价的商人，他们伸出手指－－暗喻买奴隶的价格，女奴们茫然地望着这一切，听凭命运摆布……。

可以看出，热罗姆是怀着同情与怜悯之心创作这件作品的，表明了他的良知与对奴隶制的不满。

《玛利亚.美狄奇的教育》鲁本斯他的作品写实、写诗、写情、写力，突破古典的约束，歌颂人的力量，有着无止境的空间变化。

该画讲述玛利亚由阿波罗和水星带着进入音乐和演讲圣地。

在米罗瓦身边学习朗读，希腊美惠三女神在水星的介绍下，参与了对玛利亚的教育，赋予她美貌。

在画中鲁本斯重点突出了三女神的形体之美。

世界经典油画赏析1、无名女郎1883年克拉姆斯柯依俄国75.5cm×99cm 布油彩莫斯科特列恰科夫美术馆藏这是一幅颇具美学价值的性格肖像画，画家以精湛的技艺表现出对象的精神气质。

画中的无名女郎高傲而又自尊，她穿戴着俄国上流社会豪华的服饰，坐在华贵的敞蓬马车上，背景是圣彼得堡著名的亚历山大剧院。

究竟“无名女郎”是谁，至今仍是个谜。

画家在肖像画上创造了一种新的表现风格，即用主题性的情节来描绘肖像，展示出一个刚毅、果断、满怀思绪、散发着青春活力的俄国知识女性形象。

2、入睡的维纳斯约1510-1511年乔尔乔内意大利108.5cm×175cm 布油彩德累斯顿国家美术馆藏这是乔尔乔内最成功的油画作品，最后由提香完成。

作品中的维纳斯展示出造化之美，没有任何宗教女神的特征：在自然风景前入睡的维纳斯，躯体优美而温柔，形体匀称地舒展，起伏有致，与大自然互为呼应。

这种艺术处理不是为了给人以肉感的官能刺激，而是为了表现人的具有生命力的肉体和纯洁心灵之间的美的统一。

这种充满人文精神的美的创造，是符合文艺复兴时期理想"美"的典范的。

3、蒙娜丽莎1503年-1506年莱奥娜多·达·芬奇意大利77cm×53cm 板油彩巴黎卢浮宫藏达·芬奇的《蒙娜丽莎》成功地塑造了资本主义上升时期一位城市有产阶级妇女形象。

据记载，蒙娜丽莎原是佛罗伦萨一位皮货商的妻子，当时年仅24岁。

画面中的蒙娜丽莎呈现着微妙的笑容，眉宇间透出内心的欢愉。

画家以高超的绘画技巧，表现了这位女性脸上掠过的微笑，特别是微翘的嘴角，舒展的笑肌，使蒙娜丽莎的笑容平静安祥而又意味深长。

这正是古代意大利中产阶级有教养的妇女特有的矜持的美好表现，不少美术史家称它为"神秘的微笑"。

4、亚威农少女毕加索西班牙1907年油画244×233.5厘米纽约现代艺术博物馆这是现代艺术创始人毕加索早期立体主义的代表作品，是一幅颠覆了以往的艺术方法的立体主义经典画作。