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节奏的变化如何用复杂的节奏创造音乐的张力音乐是一种能够通过声音的组织和排列来表达情感和思想的艺术形式。
而在音乐中，节奏则是其中一个最基本、最核心的元素之一。
节奏的变化可以极大地影响音乐的表现力和张力。
本文将探讨节奏的变化如何用复杂的节奏创造音乐的张力，从而使音乐更加丰富多样、生动有趣。
一、节奏的基本概念节奏是音乐中的时间感，是一种有规律的音乐元素的排列与组织方式。
它通过不同音符的持续时间和速度来表达出来。
在音乐中，节奏一般由一个固定的时间单位称为拍子来衡量，并可以通过节拍的强弱、分布等方式进行变换。
而节奏的变化则是指在音乐演奏中，节拍的分布、速度和强度的变动。
二、复杂的节奏创造音乐的张力复杂的节奏变化可以使音乐更加有张力，进而激发听众的兴趣和情感共鸣。
以下是几种运用复杂的节奏创造音乐张力的方式：1. 节奏的加速和减速通过在音乐中使用加速和减速的节奏变化，可以营造出紧张或放松的氛围。
以加速的方式表现音乐的高潮部分，可以使听众感受到一种紧迫感和强烈的情感冲击；而以减速的方式表现音乐的尾声，会给人一种安静、舒缓的感觉。
2. 节奏的交替和对比在音乐的编排中，可以运用交替和对比的方式创造出节奏的复杂性和变化。
比如交替运用快速的连续音符和慢速的长音符，可以使音乐的层次感更加丰富，给人以变化和惊喜；而对比运用快速和慢速的音乐节奏，则可以通过反差的效果带来更大的张力和冲击力。
3. 节奏的多样化和变异在音乐中，通过运用多样的节奏模式和变异的方式，可以使音乐更加富有表现力和个性化。
这包括使用不同的节拍、重拍和分拍方式，创造出不同的节奏效果。
同时，还可以使用拍子感不规则、交错的方法，来打破传统的节奏结构，使听众感受到更多元、更具张力的音乐节奏。
4. 节奏的转换和转调在音乐中，节奏的转换和转调是运用复杂节奏创造音乐张力的重要手段之一。
通过将不同的拍子和节拍进行转换，或将音乐切换到不同的调式中，可以改变音乐的节奏感和情感表达，增添音乐的变化和张力。
声乐技巧知识：声乐技巧——如何创造极具张力的音乐效果在声乐演唱中，能够创造出极具张力的音乐效果是非常关键的，这正是许多歌唱家和音乐家追求的目标之一。
如何在演唱中创造出这种效果呢？下面我们来探讨一下声乐技巧方面的知识。
1.呼吸控制良好的呼吸控制是创造张力效果的第一步。
尤其当我们唱高音时，需要更加有效地控制呼吸，以确保声音能够顺畅流淌。
因此，你需要进行有效的呼吸练习，以提升自己的肺活量和呼吸控制能力。
同时，也可以尝试一些深呼吸的技巧，例如深吸气后慢慢吐出，或者将呼吸分成几个部分进行控制，以达到更好的呼吸控制效果。
2.唱腔的设计唱腔的设计也是创造出张力效果的关键。
要注意一些音乐特效的设计，例如断句、急促的音符等等。
这些元素都能够帮助我们在演唱时表现出更加紧张激烈的情感。
3.发音的控制发音的控制也非常关键。
在演唱时，我们需要注意发音的准确性和清晰度。
通过掌握不同的发音技巧，例如卷舌音、滑音等等，能够在演唱中更好地表现情感，增加音乐的张力。
4.节奏感的把握节奏感也是创造出张力效果的重要一环。
在演唱时，需要准确把握每个音符的时长和节奏，尤其要注意一些细微的音乐变化，例如加速或减速等等。
这些变化将帮助我们在演唱中创造出更加紧张的情感。
5.充满表现力的演唱最后，充满表现力的演唱也非常重要。
唱腔设计、发音控制、节奏感的运用只是演唱的基础，并不足以使音乐充满张力。
我们还需要表现出情感，让观众感受到音乐所要表达的情感。
在演唱时，可以尝试通过声音的转换、音量的变化等方式将情感淋漓尽致地表现出来。
总之，要创造出极具张力的音乐效果，需要我们掌握许多声乐技巧。
从呼吸控制、唱腔设计到发音控制、节奏感的把握，再与充满表现力的演唱相结合，才能够打造出非常出色的演出效果。
浅析门德尔松《e小调小提琴协奏曲》的和声张力【摘要】门德尔松的《e小调小提琴协奏曲》是一部充满和声张力的作品，其中和声的运用既丰富又精妙。
本文首先介绍了这首协奏曲的背景和重要性，探讨了和声在音乐中的作用。
接着分析了作品中和声张力的概念及其体现，以及和声张力对音乐表现力的影响。
讨论了和声张力与情绪表达之间的关系，以及和声张力在音乐发展中起到的作用。
总结指出，和声张力是这首协奏曲的重要特点，对音乐情感的丰富和表现力的增强起到了重要作用。
展望了和声张力在音乐创作中的发展趋势，为音乐界带来新的可能性和创作灵感。
【关键词】门德尔松，e小调小提琴协奏曲，和声，张力，音乐表现力，情绪表达，音乐发展，重要特点，音乐情感，表现力增强，音乐创作，发展展望1. 引言1.1 对门德尔松《e小调小提琴协奏曲》进行简要介绍门德尔松《e小调小提琴协奏曲》是德国作曲家门德尔松·巴托尔迪·费利克斯·门德尔松于1844年创作的小提琴协奏曲之一，是他作品中最具代表性的作品之一。
这部协奏曲被人们称为小提琴协奏曲中的经典之作，具有深厚的音乐底蕴和丰富的表现力。
门德尔松在这首协奏曲中运用了丰富多彩的和声技巧，将和声元素巧妙地融入到乐曲中，形成了独特的音乐风格。
他在协奏曲中创造了丰富多样的和声张力，通过和声的变化和冲突，营造出紧张激烈的音乐氛围，使整个乐曲充满了活力和动感。
这首协奏曲中的和声张力不仅体现在旋律和和声的对话中，还通过和声的层叠和发展展现出来。
门德尔松通过巧妙地运用和声张力，使乐曲表现出丰富的情感和鲜明的音乐形象，给人留下了深刻的印象。
门德尔松《e小调小提琴协奏曲》中的和声张力是其音乐中的重要特点之一，为乐曲增添了生动的色彩和动听的韵味。
通过对这部协奏曲的分析和理解，可以更好地感受到和声对音乐情感的丰富表达和增强表现力的重要作用。
1.2 探讨和声在音乐中的重要性和声在音乐中的重要性可以说是至关重要的，它是构建音乐结构和增强音乐表现力的重要手段之一。
高级演奏中的音乐张力释放音乐，这一无形的艺术语言，拥有着触动人心的力量。
在高级演奏中，音乐张力的释放就如同一场精心编排的戏剧，引领着听众在情感的海洋中起伏遨游。
要理解音乐张力的释放，首先得明白什么是音乐张力。
简单来说，它是音乐中那种内在的紧张感与舒缓感之间的对比和变化，是音符背后所蕴含的能量与情感的蓄积和爆发。
想象一下，一首乐曲如同一条流淌的河流，时而平缓宁静，时而湍急奔腾，这种起伏变化所带来的感受就是音乐张力。
在高级演奏中，演奏者对于节奏的把握是释放音乐张力的关键之一。
节奏就像是音乐的骨架，支撑着整个作品的结构。
演奏者通过巧妙地控制节奏的快慢、强弱，营造出不同的氛围和情绪。
比如，在一段激烈的快板中，快速而稳定的节奏能够带来强烈的冲击感，让听众的心跳也随之加快；而在一段抒情的慢板中，节奏的舒缓则仿佛让人沉浸在温暖的怀抱中，感受着内心的宁静与平和。
节奏的变化不仅能够展现出音乐的多样性，更能够在瞬间抓住听众的注意力，引导他们进入音乐所描绘的世界。
音色的运用同样在音乐张力的释放中起着重要作用。
不同的乐器有着各自独特的音色，而同一乐器在不同的演奏技巧下也能产生丰富多样的音色变化。
演奏者就像是一位调色大师，通过手指的灵动、气息的控制以及对乐器的深入理解，调配出色彩斑斓的音乐画卷。
比如，在弦乐演奏中，揉弦、滑音等技巧能够使音符变得更加细腻、富有情感，从而增强音乐的感染力；在管乐演奏中，通过控制吹气的力度和口型，能够产生从明亮到柔和的各种音色，为音乐增添层次和立体感。
音色的巧妙变化不仅丰富了音乐的表现力，也使得音乐张力在细腻与豪放之间自由转换。
力度的掌控也是释放音乐张力不可或缺的因素。
从轻柔的触键到强有力的敲击，从微弱的吹气到饱满的吹奏，力度的变化如同音乐中的音量调节器。
在演奏中，强弱对比鲜明的段落能够营造出强烈的戏剧性效果，让听众感受到音乐中的冲突与和解。
比如，在一首交响曲中，当全体乐器在高潮部分以最强的力度齐奏时，那种磅礴的气势仿佛能够冲破一切障碍，让人感受到无比的震撼；而在随后的段落中，突然转为轻柔的演奏，又会给人一种如释重负的感觉，这种强烈的对比使得音乐张力得到了极大的释放。
作曲中如何运用音乐的张力和解决音乐是一门艺术，作曲家通过创作音乐来表达自己的情感和思想。
在作曲的过程中，如何运用音乐的张力和解决，是一个非常重要的问题。
本文将从不同的角度来探讨这个问题。
首先，我们来看看什么是音乐的张力。
音乐的张力是指音乐中的紧张感和冲突感，是指音乐中的各种音符、旋律和和声之间的关系。
作曲家可以通过运用不同的音符和和声，来创造出不同的张力。
例如，高音和音符和低音和音符之间的对比，可以产生高低音的张力；和声中的不和谐音符和和谐音符之间的对比，可以产生和声的张力。
作曲家可以根据自己的需要，来运用不同的音符和和声，来创造出不同的张力。
其次，我们来看看如何解决音乐中的张力。
解决音乐中的张力，是指通过一系列的音符和和声，来达到音乐的和谐和平衡。
作曲家可以通过一些技巧和手法，来解决音乐中的张力。
例如，通过音符的重复和变化，可以达到音乐的平衡和和谐；通过和声的转变和变化，可以达到音乐的统一和和谐。
作曲家可以根据自己的需要，来运用不同的技巧和手法，来解决音乐中的张力。
然后，我们来看看作曲中如何运用音乐的张力和解决。
在作曲中，作曲家可以通过创造音乐的张力和解决，来表达自己的情感和思想。
通过创造音乐的张力，作曲家可以表达自己的内心世界和情感；通过解决音乐的张力，作曲家可以表达自己的思考和观点。
作曲家可以根据自己的需要，来运用不同的音符和和声，来创造出不同的张力和解决。
通过运用音乐的张力和解决，作曲家可以创造出独特而丰富的音乐作品。
最后，我们来看看作曲中如何运用音乐的张力和解决的一些实例。
在古典音乐中，贝多芬的《命运交响曲》就是一个很好的例子。
这首交响曲通过创造音乐的张力和解决，来表达人生的起伏和命运的无常。
通过运用不同的音符和和声，贝多芬创造出了强烈的张力和解决，使整个交响曲充满了激情和动力。
在流行音乐中，抒情歌曲《春天里》也是一个很好的例子。
这首歌曲通过创造音乐的张力和解决，来表达爱情的甜蜜和忧伤。
音乐如何增强电影情节的张力电影作为一种综合艺术形式，不仅需要有生动有趣的故事情节和出色的演员表演，还需要有恰当的音乐配合来增强情节的张力，使观众更加沉浸于电影的氛围中。
本文将探讨音乐如何增强电影情节的张力，并分析其中的原因。
一、音乐的氛围营造音乐可以通过营造特定的氛围为电影情节提供支持。
通过选用不同的音乐风格，如紧张的快节奏音乐、悲伤的慢节奏音乐或者神秘的环境音乐，电影制片人可以在观众的情感上产生强烈的共鸣。
以《星球大战》系列电影为例，开头的经典配乐以其庄严肃穆的氛围让观众沉浸在宇宙冒险的氛围中，强化了电影中战争的紧张感。
二、音乐的情感表达音乐能够通过表达情感来增强电影情节的张力。
当观众在观影过程中，电影中的情节和角色所经历的情感无法用语言直接传达时，音乐能够填补这种沟通的空白。
以《心灵捕手》这部电影为例，其中的配乐在悲伤和温情的场景中通过音乐的节奏、乐器的演奏和音调的变化来表达角色内心的情感，使观众深刻体会到角色的忧伤和喜悦。
三、音乐的节奏控制音乐的节奏对电影情节的张力起着至关重要的作用。
在电影中的紧张镜头或者高潮部分，通过选用快节奏、高音量的音乐配乐能够在情节上进一步营造紧张氛围，增强观众的紧迫感和焦虑感。
比如，在《速度与激情》系列电影中，加快的音乐节奏配合疯狂的车辆追逐场景，使观众身临其境地感受到了动感和刺激。
四、音乐的音响效果音乐的音响效果是增强电影情节张力的重要因素之一。
适当的音量、音色、音调和环绕声效能够使观众更好地融入电影中，增强电影情节的真实感和沉浸感。
举个例子，《侏罗纪公园》系列电影中的恐龙出现场景，配以震撼的音响效果，使得观众在电影中能够感受到恐龙的威胁和真实存在感。
综上所述，音乐作为电影艺术中的重要一环，对于增强电影情节的张力起着不可忽视的作用。
通过营造特定的氛围、表达情感、控制节奏和运用音响效果，音乐可以与电影情节紧密结合，在观众的情感世界中引发共鸣。
当观众在电影中通过音乐感受到紧张、喜悦、悲伤等情感时，电影情节的张力也得到了进一步的提升。
古代琴乐演奏论中的声音张力形态探讨作者：李明来源：《北方音乐》2018年第15期【摘要】张力作为物理学名词之一，后来发展并被引入文学艺术领域中，又因此进入音乐领域，由此产生了音乐领域中声音张力的说法，这一概念也因此被应用于音乐理论中来。
本文概述声音张力的具体概念及相关内容，并根据声音张力的体现方式研究古琴演奏中的形态。
【关键词】古琴；声音张力；演奏【中图分类号】J632 【文献标识码】A引言声音张力主要是指作品自身所具有的张力，或作品在表演时声音方面所体现的张力。
我们从文学领域的张力概念入手，通过对音乐领域的张力研究之后得出古代琴乐演奏中声音张力的概念，要想了解古代琴乐演奏中的声音形态，则需要对其声音张力的体现方式进行分析，探讨古代声乐演奏论中的声音张力形态。
一、声音张力的概况（一）张力的概念在物理学理论中，张力主要是指受到拉力作用时，物体内部任一截面两侧存在的相互牵引力，它是与拉力相互作用的力。
例如弹簧，在受压缩的时候，它自己会有张开的趋势，就叫做张力，张开的力大就说明该物体的张力大，反之亦然。
例如一根由AC和CB两段组成的琴弦AB，C是琴弦上的任一横截面，AC段和BC段的相互作用力就是张力。
（二）音乐领域张力的概念最先将张力理论应用于文学艺术领域的是美国某诗人，后来又被其他人发扬发展至今。
其在文学艺术领域主要体现在两个方面：其一，张力在一个整体保持相对静止的内部，它是一个统一的整体；其二，它是不同因素间互相影响作用的整体组合。
而“音乐张力”这一概念则是由一美国教授提出的。
他将其与音乐表达的感情和音乐自身的结构相结合，主要是指对感情的表达。
国内最早提出这一概念的是钢琴家陈丹，他将其与钢琴演奏相融合，分为内在张力和演奏张力，其中的演奏张力就是指音乐中张力的体现方式。
所以，国内外各界对张力这一概念的研究各不相同，我们将其归纳总结，可以将音乐领域的张力概念定义为：一是指作品自身所具有的张力；二是作品在表演时在声音方面所体现的张力。
浅析门德尔松《e小调小提琴协奏曲》的和声张力门德尔松的作品一直以其丰富的和声与音乐张力而闻名，而其《e小调小提琴协奏曲》更是充分展示了他在和声上的才华和创造力。
这部作品不仅在演奏中给予听者无尽的音乐享受，更在和声方面有着丰富多样的变化和张力，在此谈论门德尔松《e小调小提琴协奏曲》的和声张力将是一次美妙的音乐之旅。
首先我们来谈谈门德尔松在这部小提琴协奏曲中所展现出的和声丰富性。
在协奏曲的开头，门德尔松运用了宏大的和声进行开篇，通过交响乐队的序奏部分来营造出紧张感和戏剧性，为小提琴的独奏引入了一个丰富多彩的音响背景。
这种通过交响乐队和声来提升整个音乐氛围的手法，正是门德尔松的特色之一。
而在协奏曲的演奏中段，门德尔松又以不同的和声变化进行了充分的展示。
他巧妙地运用了和声交替和音乐对位等手法，使整个音乐更加富有层次感，同时也增加了听者的音乐体验。
特别是在小提琴独奏和交响乐队的和声对位部分，门德尔松的和声处理极富张力，瞬间将音乐推向高潮，令人震撼。
门德尔松在协奏曲的尾声部分也有着精彩的和声呈现。
他通过富有变化的和声进行了巧妙的构思和设计，在音乐的高潮部分使用了较为复杂的和声进行呈现，直接营造出了音乐张力的高潮。
而在音乐的尾声部分，门德尔松则运用了简洁明了的和声进行收尾，使整个音乐更具有完整性和连贯性。
门德尔松在《e小调小提琴协奏曲》中的和声设计极富张力，其丰富的和声变化使得整个音乐更加丰富多彩，同时也使得其音乐张力得以更好地展现。
通过对和声的运用，门德尔松不仅在音乐的语言上更加生动丰富，更使得音乐与听者之间的情感交流更加丰富多样，堪称音乐艺术中的一大奇迹。
要对门德尔松《e小调小提琴协奏曲》的和声张力进行全面的分析和研究，还需从和声的理论基础出发，深入解剖门德尔松所运用的和声技巧，以及其如何营造音乐张力的内在机制。
我们可以从和声中的音程、和弦进行等基本理论出发，深入探讨门德尔松在协奏曲中的和声运用，以及其与音乐张力之间的联系。
浅谈音乐演奏的张力
作者：李政华| 来源：中国民族管弦乐学会
引言音乐演奏的张力是在对一部音乐作品的二度创作时的重要表现形式，它所表现出来的深度、强度、速度，以及它负载的思想，情感的程度，对于音乐作品所要传达的内容是至关重要的。
音乐本身所具有的张力是作曲家以符号的方式所记录的，这里只从演奏的角度作如下简单的分析。
“张力”是个自然科学概念，是指“物体受到拉力作用时，存在于其内部而垂直于两相邻部分接触面上的相互牵引力”（《辞海》），“张力同拉力，是物体所承受的拉拽的力。
”（《现代汉语词典》）。
张力与强弱强弱是声音由耳神经处传输到大脑中枢神经中心，从而让人感受到的声音的大小。
强弱变化交替的幅度和频率会让人处于完全不同的接受状态，比如平滑的音乐可以让人入睡，可以在一般的环境下欣赏，而强弱变化的幅度很大，交替的频率频繁，就必须让人用特殊的环境，特殊的心理准备来接受。
强弱之间的变化是对于音乐张力的一般认识，也是最初的认识，最直观的认识，强就像张开胸怀迎接大海的拥抱，就像千军万马在面前驰骋，弱就像泉流的滴滴轻响，就像爱人在耳畔的句句倾诉，使人在强的激动后，通过弱的舒缓再一次迎接下一个激动，从而一直处在期待的过程中。
在对乐曲实际演奏的过程中，强弱之间的交替进行是能够互为参照，互为铺垫的，常常人们认为弱——强的进行时动力的，强——弱的进行是收缩于静止的。
事实上，强弱之间无论怎样变化，蕴涵在其中的动力性是一直存在的。
中国人常说“物极必反”，是说事物发展到极点，会向反方向转化。
强和弱之间的关系也正如此，弱孕育着强的出现，而强则昭示着弱的来临，两者相互转换，其转换过程又纷繁复杂，弱——渐强——强——渐弱——弱，强——渐弱，弱——渐强——弱等等，循环往复，形成严肃音乐的独特魅力。
张力与快慢快和慢在小的作品中常常是单独存在的，快速的作品让人感到兴奋，通常表现出活跃的气氛，慢的作品表现为深沉或有抒情性的。
但两者在大的作品中总是兼而有之，无论小的还是大的作品，内在的连接充分与否即表现为张力。
由于快速的进行中并不是每个音都是建构音乐旋律的主体，其进行总在骨干音中加插了大量的外音、衬音，因而快速的张力表现通常是线条式的，把个体快速连接的音符通过线条有机地贯穿，形成以乐句相互衔接构成音乐的整体。
也就是我们在聆听一部音乐作品时所感到的一气呵成。
无张力的表现为音符与音符或是节拍与节拍的连接，把最小的音乐元素没有主次意识的连接起来，使人感到繁杂且无条理，这是实际演奏中很大的弊端。
慢的作品由于音符相对较少，音的运动方向则成为张力的主要表现，渐强、渐弱，平直的进行都会产生音乐的发展运动，如何把这些手段合理地安排到音乐的进行中，使音乐始终保持充分的行进动力则成为音乐张力表现的关键。
在大的作品中由于快慢是交替出现的，除了把快和慢本身所要表现的张力表现充分，它们之间的衔接和相互铺垫也是非常重要的。
充满张力的慢和充满张力的快共同构成充满动力的音乐整体。
再说快慢快和慢本身是乐谱所给予的，也就是通常所说的速度，这是演奏者需要去遵从的，无根据地改变速度是音乐法则所不能允许的。
对音乐快与慢的把握是二度创作中分析到实践的过程，我们常常说意识，从心理学上讲，意识一般是指自觉的心理活动，也就是人对客观世界的自觉反映，当我们演奏快速的乐段时，在节奏准确的前提下，应该视作品所要表达的情感内容来调整自己的演奏意识，例如在表现紧张的情绪时，我们应该把意识放在音乐行进速度的前面，使音乐的进行始终处于一种被掌控的状态，表现为一种收束感；而在表现愉快的情绪时，我们应该把意识放在音乐行进速度的后面，表现为开放感。
当演奏慢速的乐段时，同样在节奏准确的前提下，我们也要视作品所要表达的情感内容来调整自己的演奏意识，例如在表现较为抒情的情绪时，我们应该把意识放在音乐行进速度的后面，使音乐的
进行舒缓、从容；在表现激动的情绪时，我们则应该把意识放在音乐行进速度的前面，使意识拖拽音乐，从而产生更加充分的发展动力。
物质在意识的辩证关系这样说：“物质决定意识，意识对物质具有能动作用”。
乐谱本身作为物质的存在是演奏者所无法改变的，但是演奏者的主观能动性却能够赋予音乐作品以灵魂。
张力与刚柔刚柔的概念好像是东方人所特有的，被广泛应用在武术、舞蹈、美术、棋类以及商业活动等方方面面。
刚和柔的概念来自《周易》“刚柔相摩，八卦相荡”，又说“刚柔相推而生变化”，指占卦中的柔爻与刚爻，我们借用刚柔在音乐中是自古就有的，现在在诠释音乐时我们理解为柔和与刚强。
在西方音乐中，常常用“Adagio柔板，conforza有力地”这样一些很具体的词语来说明所要表达的音乐内容，但在欣赏西方音乐时我们却能够感受到与表面化的说明有着丝丝联系的复杂的内在因素，然而在中国传统音乐中这种相通的感受我们却运用得更加复杂。
西方音乐能够用类似的感受来诠释乐段，而中国音乐则能用它来诠释乐汇甚至于个体音符。
应该说，音乐中的刚柔是建立在精神层面上的，与前面谈到的意识是分不开的。
它不单纯的等同于强弱和力度的大小，它就像一张无边无际的网把音乐的各种元素包容其中。
弱时坚定有力，强时饱含深情，这是强弱和力度的大小所无法简单的表现出来的。
“刚柔并济”的表现方式则是更加复杂，可以作为单独的课题来研究，这里略去。
柔和与刚强的理解也只能解释字面的意思，却不能道出这其中的深层含义，见仁见智，把握刚柔在演奏中的合理运用将使音乐这一人类惟一共通的情感语言更加丰富。
张力与动静音乐的风格多样，所表现音乐内容更是千差万别。
何为动静，“静若处子，动若脱兔”（出自《孙子兵法》），比如在演奏快速乐段的伴奏支体时，后半拍是经常碰到的，我们常感到准确的后半拍缺乏动感，正确的方式是向后移动1／7~1／8拍的时值，这样与旋律形成既相容又不同的交错叠置的状态下，使听到的效果更加活跃；又比如在演奏慢速乐段的大三连音时，光有准确也是不够的，随着旋律的上下起伏，前舍后延，三连音也应该随着律动加以变化。
使旋律好像行走在鹅卵石的上面，无拘无束，尽情抒发。
音乐的静态表现也同样重要。
当聆听一段悠远且富于歌唱性的旋律时，是有可能把每一个听者的神经都汇集到音乐中来，让其走入音乐所描绘的意境，甚至气息都会与音乐的律动相和。
动和静不能单纯地理解为快和慢，其两者之间可以相互转化，也会共同存在。
比如慢板的连续六连音所表现的奔流的河水；快板的连续同音组重复所表现出的雕塑式的造型，都可以说明两者的内在联系。
动静相宜，如何把两者有机结合，使其更能充分展示音乐所要表达的内容，是每个演奏者都应该用心理解的。
张力与认知水平对于张力的理解，由于个体的差异，每一个演奏者的认识不尽相同，但是如果把个体的理解汇集在一起是能够划分出层面的。
而每一个层面的个体对于相同问题的认识又会有相对的认同感。
努力加强个人的认知能力，提高个人的认知水平，对于理解音乐各个元素的功能作用和内在联系，把握演奏过程中对音乐形象的刻画和描述是具有很实际的意义。
张力借用在音乐里由来已久，它既能够宏观概括，也能够细致描绘，从音乐作品的全部到每一个小节，每一个乐句，让人感到张力无处不在。
它可能等同于大气、宽广、强烈、甚至夸张，但又与他们出入很大，很有点看不见抓不着的意味。
张力能够把人的思想带入它所设计好的轨迹，进而驾驭人的情感。
张力首先是乐曲所给予的，作曲者通过对旋律的设计，对和声的构建，对乐器的配置到对音乐表现符号的安排形成张力的基础。
演奏者则是要对乐曲认真的分析，深刻的理解到准确的把握，从而把音乐作品真实而生动的再现。
在对待张力这一问题时，强弱、快慢、刚柔、动静以上我们试分析的几个因素常常是交织共存的，比如一般旋律可能一个整体来进行分析，决不能把它们割裂开来。
哲学上的观点要求我们要用联系的观点来看待问题，对解决音乐张力这一问题我们也应以此为出发点，这样才能够全面而准确地诠释音乐作品。
强弱有度，快慢和谐，刚柔并济，动静相宜，从而形成音乐的一种特
殊的美。
