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莫扎特钢琴奏鸣曲艺术特色分析摘要：在莫扎特的作品中，钢琴奏鸣曲占据相当重的分量，演奏价值极高，是不朽的传世佳作。
本文主要从主部副部完整的音乐结构、音乐多音符少的乐曲风格、追求融合流畅的处理技巧这三个方面探究莫扎特钢琴奏鸣曲的艺术特色，加深对莫扎特音乐艺术的了解与认识。
生命之火只在莫扎特身上燃烧了36年，过早离世的他却为后人留下大量宝贵的音乐财富，一共75卷600多首作品，涉及交响曲、歌剧、钢琴奏鸣曲、小提琴奏鸣曲、器乐协奏曲、重奏与室内乐等音乐体裁，而钢琴音乐是其重要的创作领域。
他的17首钢琴奏鸣曲是世界音乐宝库的经典。
探究钢琴奏鸣曲的艺术特色有助于进一步接近莫扎特，接受音乐文化的熏陶。
一、艺术结构――主部副部完整从莫扎特的17首钢琴奏鸣曲中可以发现，其曲式结构很完整，均是基于主部与副部这两个对立部分建立的。
莫扎特的曲式结构一般有三个乐章，速度上快板、慢板、快板，旋律上明快、安静、明快，每一个乐章都由呈示部分以及展开部分、再现部分构成。
在呈示部里，主部与副部的主题均通过不同的调形成对比；在再现部里，它们则通过同一调形成统一；在展开部里，作曲家则用多变的、丰富的手法对音乐素材进行处理，所以展开部是最能将作曲家的个性、技巧与灵感体现出来的部分。
另外，每一个乐章的发展部也注重主题的连接，充分发挥演奏钢琴的技巧。
对于海顿奏鸣曲而言，第一个主题与第二个主题通常都是类似的，但莫扎特不一样，他的钢琴奏鸣曲不仅有调的变化，性质也不一样，第一个主题往往存在两个动机，并通过第二乐章表现内心，第三乐章则有温暖、光明、纯朴以及开朗活泼、生机勃勃等特色。
虽然莫扎特一生贫困，经常承受无穷烦恼，但莫扎特通过第三乐章将纯真、欢快、明朗与安慰展示给人们。
在音乐中，结构是骨骼，是框架，更是内在动力，不具备结构意识的音乐演奏必然是松散无力的[1]。
莫扎特正是利用充满灵感的音乐旋律装饰把最普遍的、最常见的音阶、琶音点化成动人的、神奇的音乐。
海顿、莫扎特、贝多芬钢琴奏鸣曲风格比较作者：杨云来源：《广西教育·C版》2017年第06期【摘要】本文以海顿、莫扎特、贝多芬三位作曲家的钢琴奏鸣曲为对象进行分析比较，分别从快板乐章的主副部主题、对奏鸣曲典型结构的突破、调性和声特点比较等方面分析他们在风格上的个人特点，并对奏鸣曲和奏鸣曲式的历史发展进行梳理，从而更加客观地看待作品的风格特征。
【关键词】海顿莫扎特贝多芬风格主题结构调性和声【中图分类号】G 【文献标识码】A【文章编号】0450-9889（2017）06C-0172-03在不同历史时期，“奏鸣曲”的内涵和外延是不同的。
“奏鸣曲（sonata）源自意大利语suonare（意即发响）。
13世纪始见于音乐用语中，16世纪初泛指各种器乐曲，以于声乐曲的泛称康塔塔相对。
”17世纪的奏鸣曲主要指室内奏鸣曲和教堂奏鸣曲。
室内奏鸣曲由几首风格化了的舞曲组成，后演变成今天的组曲；教堂奏鸣曲在乐谱上表现为三行谱的室内乐形式，因而称其为三重奏鸣曲，后来发展为两个分支分别为近代奏鸣曲和大协奏曲。
奏鸣交响套曲的形式结构在海顿的音乐创作中得到确立，后经过贝多芬达到成熟。
奏鸣曲在1840年以后虽然有一些浪漫主义时期的作曲家仍然遵守其规则模式进行创作，但其意义已同古典奏鸣曲有着较大的区别。
“奏鸣曲式”的含义不等同于奏鸣曲。
现代音乐理论对奏鸣曲式有着明确的结构意义上的界定，认为奏鸣曲式最重要的两个原则是：双主题原则和换调再现原则。
作为奏鸣曲式的判断，则需要满足上述两个原则。
双主题原则指的是作品必须包含两个性格、材料、调性不同的主题，通常称其为主部主题和副部主题（对于这一称谓，有教材称其为第一主题和第二主题，二者只是表述方式的不同，其指向意义则完全相同）。
换调再现原则指的是副部主题经过展开部的发展之后，再现部中的副部主题必须回到原调，和主部主题的调性达到一致。
也有称这一原则为副部主题调性服从原则。
这是现在对古典奏鸣曲式作为曲式结构的基本界定。
阐述古典音乐奏鸣曲发展演变历程摘要：西方艺术具有漫长的发展史，从巴洛克时代起，音乐艺术尤其是健盘音乐进入了全盛发展时期。
海顿、莫扎特开创了古典时期，这也是后人划分古典主义的标志，我们通常把1750年一1830年定义为古典主义时期。
本文阐述了古典音乐艺术奏鸣曲理论，在古典奏鸣曲发展的脉络、乐谱版本、曲式结构、触健、装饰音的弹奏及踏板等几个方面作了较为详尽地研究，旨在培养音乐人的弹奏技巧、文化修养和音乐内涵。
关键词：古典奏鸣曲钢琴音乐理论一、古典奏鸣曲发展的脉络1.巴洛克及古典前期的键盘奏鸣曲。
在音乐史上，最早被称作“奏鸣曲”的钢琴作品应该是巴洛克时期伟大的古钢琴家DemenicoScarlatti，他的作品多半是为古钢琴教学而写作，却为古典奏鸣曲形式的形成，尤其是对后来钢琴演奏技巧的发展起到了巨大作用。
其实他的奏鸣曲原来并不称为奏鸣曲，但因它具备了早期古奏鸣曲式的某些特点，故被称为“奏鸣曲”；至1750年，J-S-Bach离开人世，巴洛克时代结束，音乐创作风格便开始由严肃复杂、深奥理性的复调音乐转向清新精致、典雅愉悦的主调音乐过渡时期，钢琴音乐也开始从严格的多声部复调对位向主调旋律和声转变。
这一时期是辉煌的维也纳古典时期的前奏，众多音乐家为古典奏鸣曲的发展和完善做出了突出的贡献，其中最重要的就是J”S-Bach 的后代子孙，其中又以其次子C”P-E-Bach在钢琴奏鸣曲方面取得的成就最高，他对古典奏鸣曲式的形成起到了重要的作用，首次证实了奏鸣曲式表现性格发展和情绪变化的可能性，他将Scarlatti的古奏鸣曲式加以发展丰富，在18世纪中叶的作曲家中，C-P-E-Bach被公认为古典奏鸣曲的真正奠基者。
2.海顿的古钢琴奏鸣曲创作。
(JosephHaydn)，1732年一1809年，维也纳古典乐派的第一位代表人物，是C-P-E-Bach 的直接继承者，他开创和发展了奏鸣曲式，创作了62首古钢琴奏鸣曲。
巴洛克时期（1600-1750）一、巴洛克时期音乐特征1.音乐富于戏剧性和动力感，夸张和充满激情。
2.和声意义增强，复调音乐向主调音乐过度。
3.器乐逐渐取得了与声乐平等的地位，并得到的空前的发展。
二、蒙特威尔第是介于文艺复兴时期和巴罗克时期之间的人物，是意大利牧歌的奠基人，牧歌领域的集大成者。
提出了“两种常规”的思想。
创立“激情风格”。
代表作品《奥菲欧》《波佩亚的加冕》三、维瓦尔第巴罗克末期重要的作曲家，小提琴家，对协奏曲的发展有巨大的推动，代表作品大协奏曲《四季》。
四、拉莫巴洛克时期法国著名的作曲家和音乐理论家。
他50岁以后才开始创作歌剧，主要作品有《希波利特与阿丽西亚》等，著有《和声学》。
五、D·斯科拉蒂意大利作曲家、演奏家。
奏鸣曲式的奠基人。
代表作品《D大调奏鸣曲》六、康塔塔1600年前后诞生于意大利，规模比清唱剧小，是室内音乐，有对唱、合唱，分宣叙调和咏叹调，最后逐步变为一种大型的声乐体裁。
七、（古）组曲17世纪末18世纪初古钢琴的主要体裁，通常由德国的阿勒曼德(中速二拍子)，法国的库朗特(中速三拍子)，西班牙的萨拉班德(慢速三拍子)，英国的基格(快速6/8和12/8拍)四种舞曲组成。
著名的古组曲有巴赫的《法国组曲》、《英国组曲》和《德国组曲》。
八、通奏低音又称数字低音，主调和声织体，强调两端声部旋律线条，中间和声不写出，用相应数字标示和弦九、巴洛克时期的复调写作与文艺复兴时期的复调创作有什么区别？随着巴洛克时期“现代风格”，“情感论”“通奏低音”、以及新的和声对位规则的发展和使用，巴罗克时期的复调音乐创作也体现出与文艺复兴时期的创作的不同。
1.作曲风格的使用以及“情感论”的提出，原来在文艺复兴时期被限制使用的音程，及作曲规则取得了突破。
2.巴洛克时期的复调对位传统并没有完全消失，伴随着通奏低音的运用，这些对位手法逐渐被纳入了功能和声进行的框架中，出现了一种新的对位方式，与文艺复兴时期的调式对位相对而言，这可以称之为调性对位。
比较海顿与莫扎特，并浅析古典主义时期音乐风格海顿和莫扎特同是维也纳古典乐派杰出的作曲家，虽然两人年龄相差24岁（海顿生于1732年，莫扎特生于1756年），但两人之间却有着深厚的友谊，这两位伟大音乐家的友谊被传为佳话。
作为同时代的作曲家，他们的音乐在织体、和声、曲式以及作品所反映的明朗乐观的情绪上都具有属于那个时代的共同特点（这一点我们从两位作曲家大调作品占绝对主导这一特点终究不难看出）。
但是，由于他们的生活环境、成长经历以及个人天性的不同，使他们的音乐风格也存在着很大的差异。
海顿自小几乎遭到遗弃，未经良好教育，不得不在拼搏中长大成人。
他的父亲是马车工匠，母亲是厨师。
海顿的童年是在农村度过的，当地的民间歌舞给他留下了深刻的印象。
海顿的创作得以同多民族的奥地利民间音乐保持密切的联系，与他的童年经历密不可分。
海顿虽然学习过键盘乐器和小提琴的演奏，却没有机会接受系统的音乐教育。
他真正的学校就是生活本身和工作实践。
1761年，当海顿29岁时，开始为保尔·安东·艾斯特哈齐亲王工作，此人是财势最大的匈牙利王族之长，热爱音乐，慷慨资助各项艺术。
保尔·安东之兄尼古拉斯于1762年承袭亲王王位，海顿在这兄弟二人手下工作近30年。
海顿的任务是创作亲王点写的任何品种的音乐、指挥演出、训练管理所有的音乐人员、保持乐器完好。
亲王拥有一支25人左右的乐队，演奏人员都是从奥地利、意大利或别处招来的最优秀的音乐家。
这样的条件对于海顿的创作可谓是理想之至。
在他的整个音乐创作中，键盘作品并不是他创作的主体。
海顿把主要精力放在了交响乐及弦乐四重奏的创作上。
因此，海顿以他的104首交响曲和36首弦乐四重奏的创作及贡献，被人们称为“交响乐之父”。
故而，海顿惯用的管弦乐创作思维，会自然而然地运用在他键盘音乐的创作中。
可以说，他的钢琴作品都具有乐队效果。
他在钢琴上模仿各种乐器，几乎将交响乐中的音响特点都移植到钢琴上了。
古典三巨头：海顿、莫扎特和贝多芬的异同海顿、莫扎特和贝多芬被认为是古典风格作曲家中的三巨头。
的确，他们三位带给了我们那个年月最伟大的音乐。
舒伯特的名字有时会参加此中，可是鉴于以下原因笔者在这里就不对他睁开议论了：舒伯特创作的几乎都是新的浪漫主义风格的作品，而非古典风格，直到他短暂人生中的最后几年。
他留下了一些优异的大型作品，但数目上远不及上述三位。
在要点指出三位作曲家的差别以前，但笔者想第一简言他们之间的共性。
与过去或以后的音乐风格对比，曲式在古典风格的音乐作品中发挥了更加重要的作用。
运用奏鸣曲式是这类风格的典型特点。
奏鸣曲式在当时十分普及，它浸透进了每种体裁的音乐中，甚至包含歌剧和宗教音乐。
这三位作曲家各开创作了一些奏鸣曲式同其余曲式杂糅的作品。
回旋曲式和变奏曲式就常常与奏鸣曲式混搭。
简言之，奏鸣曲式的开头简单而调性稳固，越超中段睁开那么越为紧张，而在结束局部，乐曲会回归简单和舒缓。
热潮老是出此刻中间段落。
你往常在这个局部发现乐曲最为复杂的构造、跨度最大的音调变换和最激越的节奏。
海顿其实不是奏鸣曲式的首创人，倒是此中的专家里手。
他对曲式的掌握十分精确，同时又依据自己的想法自由发挥。
在奏鸣曲式的乐章中，他将假再现应用在睁开部邻近结尾的地方。
这类方法能够愚弄听众，让他们误认为再现部已经开始了，而事实上并不是这样，乐曲依旧在睁开部不稳固的和声中持续推动。
自然，像假再现部这样的桥段要发挥应有的作用就一定简洁简要。
在短暂愚弄听众以后，音乐将进入真实的再现部。
除了假再现部以外，海顿还喜爱利用出乎意外的急转给听众带来欣喜。
忽如其来的曲调变化，始料未及的节奏及和声变换，一段将乐曲引向与预期完好不一样的乐句 ,, 海顿的袖子里藏着好些逗人的包袱。
他是一个能给听众带来欣喜天才，即便依旧是在奏鸣曲式的范围内。
他的音乐充满了个人气质和异乎平常的想法。
他不停试试令听众惊讶的新方法。
他喜爱用突但是始料未及的停留或延伸音毫无征兆的打破乐曲原有的进度，使听众惊讶。
2017年第11期（总第323期）北 方 音 乐Northern MusicNO．11，2017（CumulativelyNO．323）海顿《降E大调钢琴奏鸣曲》曲式结构分析刘玉洁（重庆师范大学音乐学院，重庆 401331）【摘要】海顿除了创作了大量的交响曲与弦乐作品外，他的钢琴作品也备受瞩目，《降Ｅ大调钢琴奏鸣曲》被誉为海顿最具古典特征的钢琴奏鸣曲。
本文详细分析了这首 奏鸣曲的曲式结构，以此来研究海顿的创作特点及风格。
【关键词】奏鸣曲；复三部；回旋曲【中图分类号】J624.1 【文献标识码】A一、创作背景海顿有大量的交响乐作品和室内乐作品，有着“交响乐之父”、“弦乐四重奏之父”等美誉。
然而在海顿的创作中，钢琴作品的数量并不算多，其独具特色的音乐个性、丰富的音乐内涵和创作技巧，值得我们深入的学习和研究。
《降E大调奏鸣曲》创作于1790年，是海顿第一次访问英国时为玛丽安娜·冯·根青格夫人而作，较海顿以往的钢琴奏鸣曲来说，这首奏鸣曲在曲调、技巧等方面都有所创新，因此具有很高的艺术价值和研究价值。
二、曲式结构分析（一）第一乐章第一乐章快板乐章，采用奏鸣曲式，曲式结构如下：呈示部中主部主题由三个乐句构成，每个乐句四小节，形成a ,a’,b的结构。
第一乐句分成两小句，音乐语言活泼、明朗，像是一问一答，第二乐句是对第一乐句的变化模进。
第三句与前两句形成对比。
主部主题动机短小精炼，使人印象深刻。
连接部12小节，引入了新的音乐材料，进行调性上的转换。
从原调降E大调转到了属方向降B大调并形成完全终止式，确立新调性。
副部主题在新调性降B大调上展开。
副部主题音乐材料来自于主部主题，把音乐材料进一步发展。
结束部共22小节，在降B大调上结束。
副部主题和结束部运用了阿尔贝蒂低音，是典型的古典式主义时期作品特征。
展开部的开始引入新的音乐材料，采用复调手法写作，调性不断转换，从一开始的降B转到降E，又转到降A，音乐具有很强的动力性，不断地向前发展，随后低声部连续四小节的G音保持，预示着调性转到了原调降E大调的平行小调C小调。
2010［摘要］维也纳古典乐派时期是一个思想变革和社会发展的重要历史阶段。
海顿和莫扎特同是维也纳古典乐派杰出的作曲家，钢琴奏鸣曲的创作在海顿和莫扎特的作品中占有重要地位，正是两位大师在音乐上的不断探索，得以使钢琴奏鸣曲套曲形成，他们也成为音乐史上十分重要的创造家和奠基者。
对海顿、莫扎特钢琴奏鸣曲在时代背景、音乐创作风格、曲式结构等方面进行分析和比较，能从根本上掌握海顿、莫扎特的奏鸣曲。
［关键词］海顿；莫扎特；奏鸣曲；风格海顿与莫扎特钢琴奏鸣曲风格之比较●刘莉梅约瑟夫·海顿（1732－1809），维也纳古典乐派的最早期代表。
海顿自小几乎遭到遗弃，未经良好教育，不得不在拼搏中长大成人，他的父亲是马车工匠，母亲是厨师。
海顿的童年是在农村度过的，当地的民间歌舞给他留下了深刻的印象。
他在艰苦的环境中创作了大量作品，作品涉及面很广，其中以交响乐和弦乐四重奏最为杰出。
他把交响乐固定为四个乐章的形式，并在配器上形成一套完整的交响乐队编制，为现代交响乐的发展奠定了基础。
海顿以他的104首交响曲和36首弦乐四重奏的创作及贡献，被人们称为“交响乐之父”。
沃尔夫冈·阿玛迪乌斯·莫扎特（1756－1791）出生在萨尔茨堡市中心。
1762年，年仅6岁的“神童”就被带进维也纳的美泉宫，为玛丽亚·特蕾西亚女皇演奏钢琴。
莫扎特小小的年纪，就随父亲跑遍了欧洲。
后来莫扎特就在萨尔茨堡主教的手下担任乐师，期间他多次造访意大利。
意大利之行对他的创作产生了深远的影响。
1781年，莫扎特和主教决裂，只身来到维也纳，开始了自由艺术家的生活。
莫扎特在他短短的一生中留下了数百部作品，其中有41部交响曲、《费加罗的婚礼》、《魔笛》等脍炙人口的歌剧和众多的小夜曲、室内乐曲、教堂乐曲、钢琴和小提琴协奏曲。
一、表达方式与曲式创作的不同1761年，当海顿29岁时，开始为保尔·安东·艾斯特哈齐亲王工作，海顿的任务是创作亲王点写的任何品种的音乐、指挥演出、训练管理所有的音乐人员、保持乐器完好。
亲王拥有一支25人左右的乐队，演奏人员都是从奥地利、意大利或别处招来的最优秀的音乐家。
这样的条件对于海顿的创作可谓是理想之至。
海顿惯用的管弦乐创作思维，会自然地运用在他钢琴音乐的创作中。
可以说，他的钢琴作品都具有乐队效果。
他在钢琴上模仿各种乐器，几乎将交响乐中的音响特点都移植到钢琴上了。
在他的奏鸣曲中，时而有乐队的全奏，时而有乐器之间的对话，这些都需要我们用较为饱满的声音、丰富的共鸣以及细腻的音色变化将其表现清楚。
海顿在钢琴奏鸣曲创作方面深受C ·P ·E ·巴赫的影响，他潜心研究C ·P ·E ·巴赫的奏鸣曲，热衷于奏鸣曲快板乐章中主、副部主题统一的处理手法，在音乐形象上的对比性质还不强烈，只是在调性上进行对比。
海顿奏鸣曲式的连接部与展开部的规模增大，而这两部分含量的增加，体现出奏鸣曲式的乐思发展的原则，它以小动机作为核心，活跃于移动的调性与和声变化之中并推动音乐向前发展。
在海顿的奏鸣曲中，音乐形象的统一、一致是至关重要的。
他的音乐形象大多是充满朝气、富有幽默感的，要抓住和理解其内在的音乐气质，才能在弹奏中保持音乐形象的统一。
由于调性上的对比，应当弹奏出声音色彩上的变化，要注意指尖上的控制以及听觉对色彩的追求，在海顿的音乐中是一个五彩斑斓的缤纷世界。
而莫扎特家教有方、见多识广。
在父亲的培养下，莫扎特3岁学习钢琴，5岁开始作曲，6岁即以“神童”的身份在维也纳、慕尼黑以及法国、英国、荷兰、意大利各国旅行演奏。
通过这些旅行，莫扎特有机会直接了解当时欧洲各国最优秀的音乐成就，艺术视野大为开阔。
与著名歌手的频繁接触使莫扎特意识到，成为自己信条的那种音乐美感尚未在器乐中体现，他觉得应该在器乐中造访人声。
从此歌声支配他的全部音乐想象。
莫扎特的器乐作品中一切都在歌唱，甚至包括音乐探索762010３他的快板。
他的音乐语言来自歌剧，每一首作品都仿佛是莫扎特的一部歌剧，每一句、每一小节都有很细腻的人物刻画，并在键盘上栩栩如生地表现出来，令人陶醉。
莫扎特的旋律大多在右手，所以力度的对比、变化都要靠右手来控制，在注意音色的同时还要注重乐句的呼吸，每个乐句都要交待清楚，要弹奏得圆滑，乐句中不要出现重音，句尾的处理要自然。
而左手常常是带有韵律的伴奏音型。
正如法国钢琴家吉泽金所说：“弹奏莫扎特，左手伴奏永远是轻轻的。
”莫扎特在钢琴奏鸣曲曲式上的发展比海顿又前进了一步，无论在乐曲的结构规模、形式的均衡统一，还是在主题性格的对比、和声的应用方面都达到更为纯熟的地步。
与海顿相比，莫扎特在奏鸣曲呈示部中奠定了更有独立性的第二主题，并且往往通过连接部的准备才导入，从而更强调了它的意义。
莫扎特对奏鸣曲式的发展使他的作品中有了更为丰富的音乐形象。
在一首奏鸣曲中往往有多个角色，因此在弹奏中要注意角色的转变，所有的角色的独白、对白都要有分寸，都要有细腻的刻画。
莫扎特的慢板乐章常常用咏叹调来表现他的旋律天赋。
在他的音乐中，旋律始终是第一位的。
二、海顿、莫扎特的钢琴奏鸣曲及其作品风格在西方音乐中，奏鸣曲通常指的是为一两件乐器所作的一种多乐章的套曲。
大多数奏鸣曲中至少有一个乐章是用奏鸣曲式写成的。
所谓奏鸣曲式，乃是西方音乐中最常见也是最重要的一种曲式。
它的构成是基于两个互相对立的部分，也即主部和副部。
典型的奏鸣曲式由呈示部、展开部和再现部组成。
在呈示部中主部主题和副部主题在不同的调上出现以形成对比；在再现部中它们则在同一调上出现以形成统一；在展开部中作曲家则会用丰富多变的手法处理自己的音乐素材，因此展开部也就成为最能体现作曲家个性、灵感和技巧的部分。
海顿和莫扎特的大部分键盘作品被认为是为钢琴而非羽管键琴而写的。
虽然当时的钢琴声音音质比现代钢琴更加轻薄，但它的延音踏板以及强弱方面细微的变化对古典风格的形成是必不可少的因素。
海顿一生创作了62首钢琴奏鸣曲，海顿已出版的所有奏鸣曲中有18首是完整的早期作品，另外7首仅仅是主题部分。
海顿钢琴音乐的创作贯穿了他的整个音乐生涯过程。
他发展了前古典主义时期流传下来的奏鸣曲式，对其进行细加工并形成了成熟的曲式结构。
为了将奏鸣曲式用于钢琴作品，海顿还编写了大量的键盘奏鸣曲，这对后来的莫扎特和贝多芬等人产生了深远的影响。
在海顿的整个音乐创作中，键盘作品并不是他创作的主体。
海顿把主要精力放在了交响乐及弦乐四重奏的创作上。
但不管怎么说，海顿却预示着莫扎特风格的成熟。
海顿的钢琴作品初听时并不像莫扎特作品那样迷人，反而有些冗长、粗暴，有时甚至有些野性。
莫扎特钢琴作品中的声音因素在海顿作品中几乎找不到。
海顿的钢琴作品中有一种朴实的热情，并有着无比的幽默感。
他并不热衷于炫技。
和莫扎特相比，莫扎特用很多的“allegro ”，而海顿更愿意选择“allegro moderato ”，甚至“moderato ”。
从海顿生活的社会背景来看，其创作过程大致可划分为三个不同历史时期：早期（1767年以前），中期（1768－1780年）和晚期（1780年以后）。
早期的作品集中创作于维也纳，其中大部分是三个乐章，带有组曲的特征，风格也欠成熟，嬉游曲的味道较浓。
所谓嬉游曲是“一种总的名称，指包括夜曲、遣兴曲、小夜曲等一类作品———正是由其无数变体所表明的，即是‘让人欢娱’的娱乐音乐”。
本阶段，作品篇幅小，结构简单，音乐质朴、幽默、轻快，创作目的主要是为奥地利无数贵族之家欢乐的聚会增加娱乐气氛。
海顿这一时期的作品在有些乐章中可以看到奏鸣曲快板曲式的胚胎状态。
海顿中期的钢琴奏鸣曲，其主题常具有当时各种民族音乐的音调，如德国的阿列曼德舞曲、奥地利的连德勒舞曲、匈牙利舞曲等民间音乐的音调。
1767至1771年间，海顿的音乐技巧逐渐深化，他敏锐地感觉到了每一调式的表情特性和调性中心，深深浸染于精湛的键盘语言技巧，使织体通体透明，形式也相对清新。
同时，他这一时期的钢琴奏鸣曲也明显地更为热情。
海顿晚期的奏鸣曲已经建立了他成熟的古典主义风格。
其奏鸣曲的创作在和声表现得复杂起来，主题往往在两个或几个调性上发展成鲜明的对比及矛盾冲突，乐曲的演奏技巧明显变得充实多样，绚丽多彩。
创作于1789年至1794年之间的最后五首奏鸣曲，代表着海顿本人键盘风格的巅峰水平。
莫扎特的钢琴奏鸣曲比海顿的奏鸣曲更充实、音乐探索772010更杰出。
莫扎特的音乐是很清纯的，就像山涧的泉水、阳光和空气一样自然优美，作品中充满了细腻的表情和多变的戏剧性。
莫扎特的音乐，与其说是“歌唱性”的，不如说是“歌剧性”的，聆听他的奏鸣曲，你可以从中感受到性格各异、无限丰富的主题完美地融为一体，这也正是歌剧音乐的魅力所在。
在他的奏鸣曲中，往往在呈示部就出现三、四个主题，在展开部时又常常引入新的主题，这在奏鸣曲中是罕见的。
莫扎特的奏鸣曲大致分为早、中、晚3个时期。
1777年以前的8首属早期作品，略显稚气；1778年至1785年的6首属中期作品，风格趋于成熟，表现手法更为丰富；1788年以后的晚期作品形式格外紧凑，并且应用了主调和复调结合的手法，具有高度的艺术性。
莫扎特在18世纪70年代紧紧追随海顿，1779年前后在钢琴奏鸣曲的写作风格上，取悦于公众，使之易于理解，在大众与通俗化上勤于思索，顺从了社会的形势。
莫扎特的钢琴音乐以优美、流畅、明朗、乐观为主要特征。
莫扎特在歌剧中表现的非凡旋律天才，也充分显示在钢琴音乐中，如钢琴乐曲中不仅慢板主题气息宽广、悠扬、婉转，恰似歌剧中的咏叹调，甚至那些轻捷绮丽的华彩经过句，也都是发自心底的歌唱。
莫扎特钢琴演奏风格，以典雅、精致、纤巧、细腻而著称于世。
他的形式感和对称感与生俱来，而且那种适度的均衡与他来自直觉和灵感的技艺紧密结合在一起。
他的钢琴作品很少追求激情表现或炫技因素，而是忠实于更为亲切和家庭式的奏鸣曲。
除去个别较简易的乐曲外，莫扎特的作品几乎无难易可言，每一首都需要极透明的音质、典雅的情趣、准确的分寸、严密的控制、敏感的指触、均匀的走动等，因而都很难演奏得天衣无缝、完美无缺。
莫扎特创造性继承、发展了阿尔贝蒂低音写作手法，增强了低音的旋律性，既吸取了法国库泊兰古钢琴音乐中装饰音的曲雅趣味，又大大地改变了装饰音的形式，使装饰音不再仅为装饰作用而使之为旋律的组成部分。
这种新的钢琴语汇创造，不仅形成了莫扎特钢琴音乐所特有的纤巧、优雅的风格，而且对19世纪波兰钢琴家肖邦也有很大影响。
莫扎特的音乐自然流畅，尽管力度变化不大，却有极其丰富的力度层次，无数的音色变化。
在他的作品中蕴藏着一种复杂的情感，人们常说莫扎特的音乐是笑里带着眼泪，眼泪中又含着微笑，他把这种欢乐与哭泣极有节制地在作品中表现出来。
