论古典绘画技巧在现当代绘画中的意义

从文艺复兴到现代具象：架上绘画的价值探析法国文艺理论家瓦莱利曾记载了这样一件事：有一天画家德加对诗人马拉美说：“你的行业是恶魔似的行业。

我没有法子说出我所要说的话，然而我有丰富的思想。

”马拉美回答说：“我亲爱的德加，人们并不是用思想来写诗的，而是用词语来写的。

”这说明诗人用文字来叙述思想，同样，艺术家也是如此，通过绘画来传递思想。

纵观美术史，绘画曾为政治、宗教宣传服务。

在19世纪之前，没有相机，只能依靠文字、绘画、口述，向人们讲述圣经故事，讲述战争的场景，讲述生活的五味杂陈。

自从1826年尼埃普斯使用他的相机拍摄了历史上第一张照片，摄影开始记录历史。

摄影的产生对架上绘画造成了极大的冲击，绘画是否还有存在的价值？100多年前这个问题就已经出现了，引起不少争论。

可100多年过去了，绘画依然绽放着光芒。

绘画作为一个历史悠久的艺术门类，有其自身的发展历史。

随着时代的发展，绘画的价值也变得越来越多元，架上绘画作品的绘画性也是任何艺术门类都不可替代的，不同时代的绘画作品也有其特有的时代性。

下面笔者对皮耶尔·拉·佛朗切斯卡和巴尔蒂斯以及韦托列·卡巴乔和安东尼奥·洛佩兹·加西亚的作品进行比较分析来论证此观点。

一、《鞭打基督》与《圣安德烈商业街》尽管文艺复兴时期绘画的题材主要来源于圣经故事，但是人们的世界观开始转变，艺术家们不仅仅是关注神，而是把更多的精力放在人类和自然本身的思考上。

我们可以从艺术家们所描绘的人物形体、服饰、表情等看到艺术家向我们叙述的思想和内容。

皮耶尔·德拉·佛朗切斯卡的作品《鞭打基督》（图1）描绘的是耶稣被鞭打的情景。

画家通过厚涂色层、透视线和呈现光照的运用，表现了物质的属性，并将两组人物分别放置在不同的场面中，两组画面虽然被华丽的立柱中线所分割，但是两组人物没有轻重不一的现象。

这主要取决于作者对画面的布局和透视的把握。

而且每一个场面都有自己的光源，一方面照亮了空间，另一方面又衬托出人物的立体形象，并且将整幅画面的气氛也渲染得宁静而庄严。

绘画艺术创作中民族性、古典精神的再认识作者：曹庆梅来源：《现代装饰·理论》2013年第07期在当今文化多元、媒介多变、观念多样的后现代语境下，绘画艺术受到了巨大的冲击。

面对众多的迷失和错位，应怎样回归艺术的本体，重提绘画艺术的“民族性”和“古典精神”，寻找艺术中最感人的东西，引导人们关注艺术本体的美，彰显他们，以求在现当代对绘画艺术创作有所分析、感悟。

在当前后现代语境下，对绘画艺术创作中民族性、古典精神的再认识是现当代许多艺术家，特别是青年艺术家有意无意回避的一个问题。

这种不够“前卫”、不够“后现代”的研究使得它看起来在热闹非凡的艺术界“落落寡欢”。

但从“民族性”、“古典精神”这一角度出发，寻根索源，却能发现艺术的本来面目，给某些所谓的“后现代”以警醒。

从这一点出发，研究探索的意义不言自明。

艺术的源泉中寻找艺术的本质在日常的生活中，我们每时每刻都能感受到各式各样的情态生活场景。

然而，对于一颗真诚的心灵来说，并非周围的一切都是美好的，只有令人有所感悟的存在，才能闪现出鲜活的美的特质。

在我看来，古典主义的美学原则从根本上来说并不在于它特有的一些形式、技艺和方法，而是一种古典主义的艺术精神，这种源于生命感动的内在精神构成了中国艺术、希腊艺术，特别是文艺复兴以来西方古典艺术的精髓之所在。

古典精神中的西方艺术西方艺术经历了一个漫长的旅程，在这个旅程的各个时期，艺术的精神是非常不同的。

具体而言，就是其所表现出的特征是非常不同的。

古典时期的艺术，其第一个特征是人与神的共存和互拟。

无论是古代希腊的艺术，还是文艺复兴时期的艺术，我们看到人神都是合一的，一个美的精神便寄寓在一个美的肉体之中。

古典艺术的第二个重要特征是注重客观性，不过，古典主义的客观性有别于以后浪漫主义和现实主义的客观性。

其最大的特点在于理想化。

也即是说，这一客观性是理想化了的客观性。

从审美角度而言，这种理想性究竟显现为什么呢？按照经典作家黑格尔、丹纳等的普遍看法，它具有如下这样一些特征：静穆、平静或恬静，庄严、庄重或崇高，还有平衡、和谐。

古典与现代的艺术交融在古典与现代艺术的交融中，我们可以看到传统和创新的碰撞，历史与现实的融合，给艺术注入了新的活力和灵感。

古典艺术是我们文化遗产的瑰宝，而现代艺术则是当代社会的一面镜子。

它们的交融既是传统延续的表现形式，也是当代文化的创新。

古典艺术是一种经过历史积淀和沉淀的艺术形式，具有丰富的传承和深厚的内涵。

无论是绘画、音乐还是舞蹈，都有着悠久的历史渊源。

古代中国的绘画作品以山水、花鸟、人物为主题，注重表现天人合一的哲学观念，追求自然、恬淡的意境。

中国古典音乐受孔子思想的影响，追求协调的音律和和谐的乐感，以及道家浑然天成的精神追求。

舞蹈更是通过优美的身姿和独特的意境，展现出古代文化的魅力。

然而，随着时代的变迁和社会的进步，现代艺术应运而生。

它突破了古典艺术的约束，受到当代社会的影响，表达了更多个人和社会的情感。

现代绘画在表现形式上丰富多样，不再局限于具象或写实，而是更注重艺术家个人的创造力和情感表达。

音乐也在吸纳了跨文化的元素后变得更加多样化，有时甚至突破了传统音乐的界限，形成了新的音乐风格。

现代舞蹈则在肢体表达上更加自由、大胆，舞者通过身体的流动和肢体的张力，剧烈地传递情感和能量。

在古典与现代艺术的交融中，我们可以看到两者相互影响、相互融合的痕迹。

现代艺术不仅吸收了古典艺术的技巧和美学观念，还通过现代科技的发展，使得艺术表现更加多元化和丰富。

古典音乐的旋律可以通过电子乐器和合成器得到重塑，舞蹈可以融入影像技术和舞台效果，绘画创作也可以通过计算机制造出更为逼真的效果。

这些技术手段的运用，不仅丰富了艺术的表现形式，同时也使得艺术更接近当代社会的需求。

然而，尽管现代艺术在技术上取得了长足的进步，但依然不能忽视古典艺术的价值和魅力。

古典艺术的内涵是历史的积淀和经验的总结，是对人类智慧的传承和发扬。

通过艺术家的创造力和表达方式，古典艺术能够触动观众内心深处的共鸣，激发起对人生意义和哲学思考的思绪。

古典艺术的价值在于其永恒的精神和文化传承，它是我们历史和文化瑰宝的重要组成部分。

艺术史研究的三重维度——风格、时间和空间摘要：艺术史研究的方法之一即是通过阐释艺术风格的变化理清艺术发展的脉络，而艺术风格的变化会受到时间和空间因素的影响，因此风格、时间和空间三个维度的有机结合能够让阐释更加全面。

同时，风格、时间和空间因素的有机结合也有助于艺术史的研究透过现象看本质，进而找到艺术发展的规律。

关键词：艺术史研究；风格；时间；空间艺术史的研究是通过阐释艺术发展的脉络来揭示艺术发展的规律，其中的一个重要问题是如何阐释艺术发展的脉络。

从瓦萨利的《大艺术家传记》开始，艺术史的研究者们采用了各种阐释方式，有学者对其进行了总结：线性演化论，如李格尔的艺术演化论；螺旋式进化论，如黑格尔的艺术史三段论；形式变化论，如沃尔夫林的风格进化论，等等[1]。

然而，这些理论仍然存在着局限和不足：问题的存在并不影响先贤大师们的理论对艺术史研究的贡献，无论风格、时间还是空间，都是艺术史研究的重要维度。

对艺术发展的阐释似需要综合考虑风格、时间和空间，将三者有机结合。

一、中国文人画文人画是中国传统绘画的重要风格流派，作者多为文人、士大夫。

从时间上的纵向发展来看，文人画的时间跨度较长，以“文人画”称谓的提出者董其昌来看，“文人画”起自唐代的王维。

这种风格在历代的发展中存在变化，如有的研究者认为中国传统文人画的发展过程中有过两次转折：“一次是赵孟頫以唐代的‘笔迹工致，意韵幽微”的绘画风格来阻止南宋已开始趋于粗率放纵的水墨写意画的势头。

第二次为董其昌反对重笔法而忽视墨法的思想转变，反对画家在用笔上太硬太强的习气，从而更注重讲究墨的用法[3]。

不同时期政治、文化等因素也对文人画的风格产生了影响。

以元代为例，元代汉人社会地位低下，统治者曾一度中断科举考试，文人无用武之地，疏于人事，因此他们的画更加寄情于山水，同时也多了些无可奈何的萧条淡泊之意。

随着元统治者吸收亡宋遗民参加政权和文化建设，南北艺术交流逐渐增多，也出现了赵孟頫提倡的绘画风格的变革。

西方绘画分类1. 古典主义绘画：古典主义绘画起源于古希腊和古罗马的艺术风格，强调对称、比例和和谐。

古典主义绘画通常描绘神话和历史题材，表现出理性和秩序。

2. 文艺复兴绘画：文艺复兴时期是西方绘画的黄金时代，艺术家们追求逼真的人物形象和透视效果。

达·芬奇、拉斐尔和米开朗基罗是这一时期最杰出的艺术家。

3. 巴洛克绘画：巴洛克绘画注重戏剧性和夸张，强调光影效果和运动感。

其作品常常富有宗教和历史主题，透露出强烈的情感和表现力。

著名的巴洛克画家有卡拉瓦乔和伦勃朗。

4. 印象派绘画：印象派绘画是19世纪末到20世纪初的一种艺术运动。

印象派画家试图捕捉自然光线和色彩的瞬间变化，以短而快的笔触和明亮的色彩来表现景物。

莫奈、马奈和德加是著名的印象派画家。

5. 表现主义绘画：表现主义绘画是20世纪初期的一种艺术运动，强调表达内心情感和主观体验。

表现主义绘画常常具有扭曲的形象、鲜明的对比和夸张的笔触。

艾克斯普雷斯尼、委拉斯奎兹和莫迪利亚尼是著名的表现主义画家。

6. 榜样主义绘画：榜样主义绘画是20世纪初的一种艺术运动，强调对真实和客观现实的描绘。

榜样主义画家致力于揭示社会问题和不公正，并通过艺术表达对社会现实的批判。

卡维尔、霍普和霍金斯是著名的榜样主义画家。

7. 立体主义绘画：立体主义绘画是20世纪初的一种艺术运动，以几何形状和多角度的观点来表现物体。

立体主义画家试图将物体的不同面和角度呈现在画布上，以创造出更多元的视觉体验。

毕加索、勃拉克和格里斯是著名的立体主义画家。

8. 超现实主义绘画：超现实主义绘画是20世纪中期的一种艺术运动，强调梦境和幻想的元素。

超现实主义画家试图创造出超越现实的幻觉和奇异的画面，探索潜意识和梦境的世界。

达利、马格利特和埃尔·格雷科是著名的超现实主义画家。

9. 抽象表现主义绘画：抽象表现主义绘画是20世纪中期的一种艺术运动，强调情感和个人表达。

抽象表现主义画家通过自由而激烈的笔触和色彩来表现内心情感和精神状态。

中国当代绘画之我见发布时间：2021-09-20T09:30:38.931Z 来源：《教学与研究》2021年9月中作者：李文雅[导读] 20世纪以来，在中国传统绘画的基础上，随着中国经济体制改革的发展，中国绘画也逐渐发展起来，相对于传统绘画，当代绘画在价值取向发生了一些改变，艺术家的创作不再以艺术的观念为主要动力，而是转变为从社会和文学的角度切入现实。

利用对于自然、社会、人生的感悟、别树一帜的风格为主要动力来对社会问题和人性问题进行隐喻表达。

结合中国现今当代绘画所面临的形势和存在的问题，提出自己的想法和决策。

河南师范大学李文雅河南濮阳 457100摘要：20世纪以来，在中国传统绘画的基础上，随着中国经济体制改革的发展，中国绘画也逐渐发展起来，相对于传统绘画，当代绘画在价值取向发生了一些改变，艺术家的创作不再以艺术的观念为主要动力，而是转变为从社会和文学的角度切入现实。

利用对于自然、社会、人生的感悟、别树一帜的风格为主要动力来对社会问题和人性问题进行隐喻表达。

结合中国现今当代绘画所面临的形势和存在的问题，提出自己的想法和决策。

关键词：中国当代绘画、价值取向、艺术环境1980年中国正式开始实行对外开放，无论是整个艺术环境还是艺术家都出现了对历史和艺术本身的反省和批判思潮。

不同于中国传统绘画的历史发展时间之长久，中国现当代绘画发展的时间比较短，而且不同于以往，当代艺术家在创作的过程中不再拘泥于客观事实的再现，转而更加强调个人意识形态，也不再受创作工具媒介的限制。

随着中西方文化的交流与传播，一些艺术家将西方前卫的艺术思想和艺术表现语言运用到绘画中，给观者带来了全新的视觉体验。

于是中国当代绘画在新的时代背景下开启了新艺术表现形式的探索之路。

这些新出现的绘画艺术表现形式反映着中国当代绘画的整体精神风貌，其中一部分艺术作品借鉴其他国家的艺术风格的表现方式，为中国当代绘画艺术增添了更丰富的艺术表现形式。

中国当代绘画与中国传统绘画有着紧密的联系，它们都是在中国文化土壤中应运而生的，无论全球艺术怎样发展与变化，优秀的中国当代绘画都应当能准确反映出现阶段中国绘画的时代面貌与文化内涵，也只有在“吸收与融合”的艺术发展模式下不断实践与探索，才能让中国绘画在百花齐放的世界文化艺术中中永恒绽放。

古典油画到现代油画的发展概述的论文美术论文摘要古典油画到现代油画的发展过程中，经历了很多的流派，也各自有不同的特色，在我看来，古典油画在发展过程中吸收和借鉴，演化到现在，当代油画汲取了古典绘画中的精华，抛开了很多技术上的束缚，更加适应现代社会全民接触艺术的要求，本文就此展开了分析。

关键词古典油画；现代油画；发展进步一、古典油画到现代油画的发展油画经过西方特有的艺术发展成为世界艺术宝库的组成部分，经历了漫长的吸收和借鉴以及成长过程。

古典油画迅速发展是在17世纪，当时油画的种类按题材划分为历史画、宗教故事画、团体肖像、个人肖像、风景画、静物画、风俗画等。

可以说题材方面已经有很大的规模了。

在技法上各个流派的画家们也形成了各自微妙的不同，在大方向上这个时代的画家都比较注重整体的颜色，而对笔触的细腻没有那么的关注。

那个时代的油画强调了油画的光感，所谓光感是运用色彩的对比来创造出不同画面的意境，比如冷暖色调在油画风景名著上的广泛运用，风景画中经常会用到橙色和蓝灰色的大量运用，虽然这两种颜色似乎没有统一性，但是在他的画作中却能很和谐的共存，并且给了人很大的视觉冲击；另外厚薄层次的运用对光感的创造形成了很大的作用，对于画作上的厚薄层次，大多数文艺复兴前后的画家都运用的恰到好处，比如蒙娜丽莎的绘画技法上，就用层次感塑造出了立体的效果。

到了18世纪，油画的风格在前人的基础上更加注重生动感，画家在用笔的时候更加的注意笔触的轻重缓急，所以18世纪的人物油画比起前一阶段更加的深刻而缺乏圆润；到了19世纪，应该说这个世纪油画的发展是起着承上启下的作用的。

油画的色彩开始发生很大的变化，很多画家开始对局部着色的关注。

色块很鲜艳，比起17世纪的橙蓝色块融合成的褐色，19世纪的油画色块大多用红色和米白等颜色来突出色块的层次；这个时期的画家对于环境的描绘出现在了画作中，使得画更加的和谐和融洽，而且自然主义风格日盛，对于自然风景的描绘这个时期较以往的时期都要多很多；20世纪欧洲油画出现了特别而且富于自由精神的流派，开始不拘一格的创作，这对于画坛的面貌改变起了很大的作用。

古典主义对现代绘画的影响【摘要】时代的发展对绘画艺术语言的影响是巨大的。

现代绘画注重抽象逻辑，在很多方面摒弃了古典主义的写实传统。

尽管如此，古典主义在长期的艺术实践中形成的写实、唯美、匀称的风格却无时无刻不在影响着现代主义创作风格。

本文从现代绘画对古典主义的继承出发，论述了古典主义的风格对现代绘画创作的影响。

【关键词】古典主义绘画表现符号现代风格写实主义一、前言讨论绘画中的古典主义要从两个角度入手，一是作为历史流派的古典主义，二是作为创作风格的古典主义。

前者指的是狭义上的、受历史条件影响的艺术创作技巧的总称，而后者是超越了时代限制的、广义上的风格范畴。

从某种程度上讲，艺术语言的变迁也是在跳跃中不断回归的，我们在现代主义以及后现代主义作品中经常见到古典主义的影子，正说明这种回归是经常性的，也说明艺术的发展是带有继承性的。

尽管现代风格和后现代风格从表现技法带有多元化的、反传统的因素，强烈地标榜自己的创新性，但事实上它们与传统绘画的存在着千丝万缕的联系，这种联系尤其体现在创作语言的回归上。

新绘画艺术的这种再生，其实是建立在传统古典艺术与现代主义艺术的基础之上的，只是这种继承与复归以反叛的姿态出现，但是这种反叛也是批判中有继承、发展中有联系。

对一切传统艺术的回归从现代主义诞生的那一刻起就注定了。

二、现代绘画对古典主义的继承毫无疑问，古典主义特别注重绘画作品的形式美，力图体现美的自然法则，是对自然中存在的平衡、秩序、和谐等现象的自然体验和追求，是人类最率真的审美本能的体现。

在古典主义绘画中，各种形态的线通过疏、密、繁、简变化表现节奏和韵律，画家利用各种几何形体在人物、动物、植物上自由而又符合自然逻辑的组合，体现了古典主义绘画的基本特征。

而这种特征可以说是贯穿了整个绘画史的，现代绘画当然也不例外。

总体说来，这种继承性表现在如下几个方面：1.表现符号的继承性众所周知，包括现代绘画在内的一切风格的绘画中，在画面上起真正作用的其实是表现点、线、面、色彩等表现符号，而绘画作品的综合审美就体现在这些表现符号所具有的特定的表现性。

装饰艺术语言及特点在绘画中的借鉴与应用摘要：论述装饰艺术语言及特点在油画创作中的借鉴与应用，以此作为我们认识学习油画装饰艺术的依据。

通过对其深入探讨研究，总结出。

对装饰性语言及表现手法的研究也有利于我们提高绘画创作。

关键词：装饰艺术架上绘画装饰性绘画借鉴与应用目录：引言：艺术本没有界限，但随着时间的前进艺术的发展，艺术慢慢被细化成了很多相似、相通的门类。

架上绘画和装饰艺术也不例外，两者是密不可分的。

伴随着各个门类的细化，每个门类也都相应的出现了自己独特的艺术形式和艺术语言。

本文讨论的绘画是个相对狭隘的概念--仅只架上绘画。

装饰这个词在17-18世纪出现于西方，泛指艺术修饰；在中国出现的时间稍早，大概是公元5-6世纪，指修饰、打扮。

虽然装饰艺术的概念在东西方出现时间不同，但两者对装饰的认识还是有很多相同的地方的。

“女求作布衣麻履，织作筐绩之具。

乃嫁，始装饰入门。

“（《后汉书·梁鸿传》）这个典故就是装饰在中国出现的很好例证。

现在的装饰艺术更多的被划分在工艺美术和艺术设计的领域，与传统的装饰艺术概念还是有区别的。

纵观世界绘画史，从装饰角度上讲，可以看成一部装饰风格的发展史和演变史。

翻开世界绘画史，便可以发现这种现象：原始绘画是装饰风格，古典绘画一直延续装饰风格，中世纪绘画依旧是装饰风格的，仅仅是从文艺复兴时期开始，随着人类对自身的认识和了解，科学技术的进步，写实绘画逐渐占为上风，装饰绘画虽暂不为人关注，但依旧存在和发展。

直到19世纪末，装饰风卷土重来，又回到欧洲艺术上。

现当代的架上绘画在流派、绘画题材也经历的多种风格样式间的变化转化，但是其装饰性的特点并没有因为流派和题材改变而改变。

装饰性绘画是一种富有想象和意境风格化的美，带有程式化的美，是最有特色、最典型的艺术表现形式。

装饰风格在绘画长期的历史演变中集聚，浓缩着艺术家的主观情感和审美情趣。

有装饰性意味的绘画绝不能等同于装饰画和图案画，否则就会变味跑调，不利于装饰性绘画的继承与发展。