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《爱德华·蒙克（Edvard Munch）绘画作品中黑色的形式与象征》爱德华·蒙克绘画作品中黑色的形式与象征一、引言爱德华·蒙克（Edvard Munch）是挪威最著名的画家之一，他的作品以其独特的黑色形式和深邃的象征意义而闻名。
本文将探讨蒙克绘画作品中黑色的形式与象征，分析其独特的艺术手法以及背后的文化内涵。
二、黑色的形式1. 画面的构图与色调蒙克的绘画作品往往以深黑色调为主，画面中充满了浓重的阴影和暗淡的光线。
他善于运用黑色来构建画面的构图，使画面呈现出一种沉郁、神秘的气氛。
在蒙克的画作中，黑色往往不是简单的背景色，而是与其它色彩交织在一起，形成独特的视觉效果。
2. 线条与形状的表现蒙克的绘画作品中，线条和形状的运用也是其独特的艺术手法。
他善于运用粗犷、有力的线条来表现人物的轮廓和表情，使画面更加生动。
同时，他善于运用各种形状来构建画面，使画面呈现出一种动态的、流动的感觉。
在黑色的背景下，这些线条和形状更加突出，形成了强烈的视觉冲击力。
三、黑色的象征1. 死亡的象征在蒙克的绘画作品中，黑色常常被用来象征死亡。
他的许多作品都以死亡为主题，如《死神与少女》等。
在这些作品中，黑色被用来表现死亡的阴森、恐怖，使观众产生强烈的心理共鸣。
2. 内心的象征除了死亡的象征外，黑色在蒙克的绘画作品中还常常被用来表现人物内心的情感。
黑色被用来表现人物的忧郁、孤独、痛苦等情感，使观众更加深入地了解人物的内心世界。
四、文化内涵与艺术价值蒙克的作品以其独特的黑色形式和深邃的象征意义而具有独特的文化内涵和艺术价值。
他的作品不仅反映了当时社会的心理状态和人们的内心世界，还以其独特的艺术手法为后来的艺术家提供了启示和借鉴。
同时，他的作品也成为了世界艺术史上的经典之作，为后人留下了宝贵的艺术遗产。
五、结论总之，爱德华·蒙克的绘画作品以其独特的黑色形式和深邃的象征意义而备受关注。
他的作品不仅具有独特的艺术价值和文化内涵，还为后来的艺术家提供了启示和借鉴。
对蒙克油画《呐喊》的赏析对蒙克油画《呐喊》的赏析一、蒙克的个人经历和时代背景挪威画家爱德华?蒙克(1863—1944)是二十世纪表现主义艺术先驱。
童年父母双亡心理阴郁，使他早年作品多疾病与死亡主题。
1892年起定居德国16年。
他在忧郁、惊恐的精神控制下，以扭曲的线型图式表现他眼中的悲惨人生，对德国表现主义艺术产生了决定性的影响，成为“桥派”画家领袖。
蒙克多以生命、死亡、恋爱、恐怖和寂寞等为题材，用对比强烈的线条、色块、简洁概括夸张的造型，抒发自己的感受和情绪；他的画风是德国和中欧的表现主义形成的前奏。
蒙克一直想表现人物的内心的心理状态，出现在他画中的人物呈现了最能表现这种状态的姿势，这种安排让蒙克的画带来一种好像人物、空气、记忆、动作和时间在一霎刹那间凝固的感觉，那也许正是人物内心活动达到顶峰的一瞬间。
1890年，他开始创作他一生中最重要的系列油画作品“生命组画”。
基本主题为讴歌“生命、爱情和死亡”，采用象征和隐喻的手法，揭示了人类“世纪末”的忧虑与恐惧。
蒙克的母亲在1868年死于肺结核，母亲过世后年幼的蒙克由父亲单独抚养。
其父患有精神疾病，他向孩子们灌输了对地狱根深蒂固的恐惧观念，他一再告诉孩子，如果他们在任何情况下以任何方式犯罪，就会注定被投入地狱，没有任何宽恕的机会。
父亲在蒙克青年期去世（1889年），另一个兄弟和蒙克最喜欢的姐姐苏菲在1877年也死了。
蒙克的一个妹妹在小时候就被诊断出患有精神病，蒙克自己也是体弱多病。
在五个兄弟姐妹中，只有兄弟安德烈结过婚，但婚后不过数月也过世了。
眼见双亲和手足接二连三地死去，严重打击了蒙克的精神与情绪，接踵而至的悲伤对其是深度的精神折磨。
因此，死亡烙印在他年轻而敏感的心灵深处，这大概就是为什么蒙克的作品呈现压抑且悲观的原因。
蒙克在晚年说到：“病魔、疯狂和死亡是围绕我摇篮的天使，且持续的伴随我一生。
”二、对《呐喊》的解读蒙克1893年所作的油画《呐喊》，是这套组画中最为强烈和最富刺激性的一幅，也是他重要代表作品之一。
蒙克《呐喊》之我见
蒙克的《呐喊》是一幅被全世界广泛传颂的经典之作，它是表现主义艺术的代表作品之一，也是表现主义运动的发源地之一。
作品中展现出人类所面临的孤独、困境、挣扎和无能为力，表达出作者对于世界的不满和对于自我的质疑。
本文将从三个方面探讨蒙克的《呐喊》。
首先，蒙克的《呐喊》呈现出了人类所面临的孤独感。
作品中的“呐喊者”独自站在桥边，他的身体被红色的光芒所笼罩，而周围却是一片黑暗和寂静。
他的脸被扭曲成了一种奇特的形态，似乎在向世界发出一个无声的呐喊。
这幅画让人们看到了一个人与世界相互隔离的状态，表现出他面对世界的无力感和困惑。
其次，蒙克的《呐喊》中也表达出人类所面临的困境和挣扎。
“呐喊者”在作品中被呈现成一个扭曲的形状，就像是正在经历一种折磨或者痛苦，让人不由得联想到生活中的许多时刻：犹豫不决，举棋不定，面临选择的困境时，我们也经常会产生类似的感觉。
蒙克在这幅画中抓住了人类生活中的这一瞬间，将之从内心深处揭示了出来。
最后，蒙克的《呐喊》也表达了一个对于自我价值的质疑。
在作品中“呐喊者”并没有明确的面部特征，这意味着呐喊者不仅代表着一个个体，更代表着人类的整体。
呐喊者的存在就像是一个弱小无力的人类面临着世界的摧残和侵蚀，也如同自己的希望和追求被社会无情地摧残和打击，他的呐喊是在寻求人类的自我价值和意义。
因此，蒙克的《呐喊》作为表现主义艺术的代表作之一，在表现人类的孤独、困境、挣扎和对于自我价值的质疑上，展现出了其深刻的思考和对于人类生命意义的关怀。
而《呐喊》现在已然成为一个哲学、文学甚至是社会学领域的经典之一，它唤起了人们对生命、意义的思考和探究。
作为艺术爱好者，你如何评价挪威画家蒙克的油画风格？蒙克：西方艺术史上表现主义绘画之父——生存｀死亡与压抑的代名词。
爱德华·蒙克（1863-1944年），具有世界影响的挪威艺术大家，西方现代表现主义绘画艺术的先驱。
他的绘画带有强烈的主观性和悲伤压抑的情调。
毕加索、马蒂斯和其他欧洲一些艺术家，都从他的作品中得到营养。
他对心理苦闷、而强烈呼唤式的处理手法，对20世纪初德国表现主义绘画的兴起起了决定性的影响。
你会发现在世界绘画艺术中，精神分裂症能激发，没有艺术素养的人的艺术活力，有时还能增加已成名的艺术家好多的创造力。
也许像心理学家们所表明的那样，艺术家确实存在潜在的精神病的倾向，而艺术创作则有助于防止潜在的精神错乱表现化。
记得有位作家说过：“有时我奇怪,所有那些不写作、谱曲或画画的人是怎样做到得以逃避发疯、忧郁、惊恐这些人类境遇中总是存在的东西”。
这种绘画的治疗作用在表现主义绘画之父蒙克身上，表现得犹为明显、突出。
5岁那年,他母亲因患肺结核而去世,父亲难过得好几天没有走出家门,他抑郁的神经质，强烈地感染了失去母亲的蒙克,这是他一生中第一次感受到死亡的恐怖。
13岁那年,年长他的姐姐也因肺结核病去世,她的死再次刺激了蒙克的神经。
接下来他的妹妹也患了精神分裂症。
这一系列的打击所引发的伤痛,深深地烙印在了蒙克的心里,决定了蒙克的性格和他前半生创作的基调。
他的《病孩》《在灵床旁》和《母亲之死》等作品中能很清楚地看到这一点。
《病孩》《病中的孩子》《病中的女孩》，都是蒙克去世的姐姐苏菲的肖像画。
他把痛苦的、个人化的经验以绘画的艺术形式表现出来，蒙克在构思上经历了巨大的思想痛苦。
《病中的女孩》成了他一生的创作主题，每隔十年左右就重复画一幅。
他说：“这可能是我最重要的一幅画，这是我艺术创作的一项突破，我在其后的作品，都应该归功于这幅画的诞生”。
在画中，蒙克使用了一种近乎疯狂的'创作——毁坏——再创作——再毁坏’的循环方式。
对蒙克油画《呐喊》的赏析一、蒙克的个人经历和时代背景挪威画家爱德华•蒙克(1863—1944)是二十世纪表现主义艺术先驱。
童年父母双亡心理阴郁，使他早年作品多疾病与死亡主题。
1892年起定居德国16年。
他在忧郁、惊恐的精神控制下，以扭曲的线型图式表现他眼中的悲惨人生，对德国表现主义艺术产生了决定性的影响，成为“桥派”画家领袖。
蒙克多以生命、死亡、恋爱、恐怖和寂寞等为题材，用对比强烈的线条、色块、简洁概括夸张的造型，抒发自己的感受和情绪；他的画风是德国和中欧的表现主义形成的前奏。
蒙克一直想表现人物的内心的心理状态，出现在他画中的人物呈现了最能表现这种状态的姿势，这种安排让蒙克的画带来一种好像人物、空气、记忆、动作和时间在一霎刹那间凝固的感觉，那也许正是人物内心活动达到顶峰的一瞬间。
1890年，他开始创作他一生中最重要的系列油画作品“生命组画”。
基本主题为讴歌“生命、爱情和死亡”，采用象征和隐喻的手法，揭示了人类“世纪末”的忧虑与恐惧。
蒙克的母亲在1868年死于肺结核，母亲过世后年幼的蒙克由父亲单独抚养。
其父患有精神疾病，他向孩子们灌输了对地狱根深蒂固的恐惧观念，他一再告诉孩子，如果他们在任何情况下以任何方式犯罪，就会注定被投入地狱，没有任何宽恕的机会。
父亲在蒙克青年期去世（1889年），另一个兄弟和蒙克最喜欢的姐姐苏菲在1877年也死了。
蒙克的一个妹妹在小时候就被诊断出患有精神病，蒙克自己也是体弱多病。
在五个兄弟姐妹中，只有兄弟安德烈结过婚，但婚后不过数月也过世了。
眼见双亲和手足接二连三地死去，严重打击了蒙克的精神与情绪，接踵而至的悲伤对其是深度的精神折磨。
因此，死亡烙印在他年轻而敏感的心灵深处，这大概就是为什么蒙克的作品呈现压抑且悲观的原因。
蒙克在晚年说到：“病魔、疯狂和死亡是围绕我摇篮的天使，且持续的伴随我一生。
”二、对《呐喊》的解读蒙克1893年所作的油画《呐喊》，是这套组画中最为强烈和最富刺激性的一幅，也是他重要代表作品之一。
艺术批评学——《呐喊》
作品基本信息：
挪威表现主义画家蒙克所作，是表现主义绘画的代表作。
作品鉴赏：
第一次看到它，扭曲的人物形象，浓厚的色彩让我感觉十分压抑，画中人物痛苦抱头呐喊，看似无神的双眼仿佛能看透人心，激发观者内心的痛苦压抑的负面情绪，让人不禁想是什么样的人创作出了这样一幅作品？
艺术创作与艺术家本身的经历是分不开的，蒙克幼年丧母，由患有精神疾病的父亲抚养，不行的成长经历，使得蒙克将压抑悲观的生活态度与情绪带入到了他的作品中，造成了蒙克艺术创作的“极端”的特征。
《呐喊》被称为现代人类充满焦虑的现实象征，扭曲尖叫的人物形象，极为夸张的笔法，强烈的笔触和色彩，让人看到蒙克心中的痛苦、恐惧、孤独与悲哀，也让我仿佛看到了自己，在日益发展的社会大潮中，未来将何去何从，面对快节奏的社会生活，我是不是追备好了呢？我会不会被社会所淘汰？对未来的不确定充斥脑海，不安、恐惧，孤独，无措充斥着我内心，虽不是同一时代的作品，却让诸多现代人产生了心理共鸣……
艺术创作的背后是引人思考的现实意义，是启迪心灵的教化，是情感的共鸣，艺术品是传递思想的载体，《呐喊》
虽然传达的是一种消极情绪，但在物质富足，精神饱满的今天引发不一样的思考与讨论，是一个具有现实意义的作品。
作品：《呐喊》作者：爱德华·蒙克作者简介：爱德华·蒙克（Edvard Munch，1863年12月12日- 1944年1月23日）是挪威表现主义画家和版画复制匠。
他对心理苦闷的强烈的，呼唤式的处理手法对20世纪初德国表现主义的成长起了主要的影响。
《呐喊》是蒙克最着名的代表作，被认为是存在主义中表现人类苦闷的偶像作品。
画面内容介绍：第一次看这个画面的时候，就给我以这个画面在动的感觉。
这个动还不是像现实生活中较规则有序的运动，而是一切事物都不再有自己的形状，不再有自己的本质的规律，和其他事物融为一体，辨不清你你我我的杂乱不堪的运动。
我看到的其他很多画家画的作品，他们作品里面的景物了，人了都有他们原有的形状，或为了表达自己的某种感情，夸大的将事物变了变形，但不管怎样，事物还是能清楚的辨认出。
这幅画就不同了。
这幅画的名字叫《呐喊》，所以我们就把那个画面中双手捂着耳朵，张着大嘴巴似乎要号叫的人称为呐喊的人。
在他的背后，我们可以很容易的看到和整个画面不相称，很扎眼的一块地方。
看上去是个心的形状，看他的组成，是黑色之中夹着蓝色的土地和被残阳照的发黄的海水嵌合而成。
这个心不是我们平常在电视或杂志上看到的象征爱情、爱心的心，这个心不再完整，他的颜色不在是红色，而是发黑，好像鲜活的心脏停止跳动，被放很长时间了一样，已没有在勃起跳动的希望了。
更甚的是，残酷的海水还不放过他，还在用它的力量拍打着憔悴的海岸，侵蚀跳动的心。
在这个心的周围，除了桥和栏杆外，其他的一切都不在了，就好像桥外那些被夕阳照亮的地方，本来该高楼耸立，树木苍翠的地方被画家拿大刷子蘸着没调匀的颜料在画布上狠狠的一划一样。
高楼、树木、街道、街道上的汽车……都没了，都被这无情的染料给覆盖了。
他们融为一体了。
桥边栏杆的规则有序与桥外事物的混乱无序构成强烈的对比。
桥上还能比较清楚的看到有两个人，但已不再能看清他们的脸。
唯有桥面和栏杆还没混乱的不存形状，但是，他们被残阳照的血红，像鲜血在上面沾附着。
浅析《呐喊》的语言艺术
《呐喊》是著名挪威艺术家爱德华·蒙克的一幅著名画作，也是20世纪画坛上最具震撼力和深刻内涵的作品之一。
作品以其激烈的笔触和独特的色彩引起了广泛的关注，其所传达的强烈情感和抽象的表现方式也使其成为了艺术史上的经典之作。
本文将从语言艺术的角度对《呐喊》进行浅析，探讨作品通过语言艺术手法所表达的内涵和情感。
作品的标题“呐喊”就已经包含了作者内心深处的强烈情感。
这种简单而直接的语言选择，直接将观者引向作品所要传达的情感。
通过“呐喊”这个词，作者将自己内心所感受到的强烈情感直接传递给观者，使观者在第一时间就能感受到作者所想要表达的内心世界。
作品中的线条和构图也是作者运用语言艺术手法的重要表现形式。
作品中所描绘的人物，其扭曲的线条和狂乱的构图，直接表达出了作者内心所感受到的焦虑和绝望。
通过线条和构图的表现方式，作者将内心所承受的情感化为了艺术语言，使观者能够看到作者所经历的内心世界。
作品中运用的色彩也是作者运用语言艺术的重要手法之一。
强烈的红色和黄色充满了整幅画作，这些颜色不仅仅是对于作者内心情感的表达，也是对整个社会环境的一种呐喊和抗议。
作者通过运用鲜艳的色彩，使作品更加具有冲击力和深刻的内涵，引起观者对于社会现实的深刻思考。
爱德华·蒙克的《呐喊》是一幅充满了深刻内涵和强烈情感的艺术作品。
通过语言艺术的运用，作者将自己内心所承受的情感化为了艺术语言，使观者在欣赏作品时能够产生对作者内心世界的共鸣和深刻的情感体验。
作品中运用的标题、线条、构图、色彩和情感都是作者通过语言艺术手法所传达出来的，使作品成为了艺术史上的经典之作。
人生悲剧映射在艺术作品中
-----------绘画天才蒙克的艺术人生
蒙克曾说过：“我要描写的是那种触动我心灵的眼睛的线条和色彩。
我不是画我所见到的东西，而是画我所经历的东西。
”又说：“我决不描绘男人们看书、女人们结毛线之类的室内画。
我一定要描绘有呼吸、有感觉，并在痛苦和爱情中生活的人们。
”“通过人的神经、内心、头脑和眼睛所表现出来的绘画形象就是艺术”。
爱德华•蒙克是现代表现主义绘画的先驱、挪威的表现主义画家。
他的绘画总是带有强烈的主观性和悲伤压抑的情调，绘画内容重在于刻画内心世界而非外在现实，借夸张与扭曲的色彩、线条，丰富画面的表现力，来表达内心深处的情感。
蒙克的人生悲剧体现在不同的时期，绘画的风格以及心理上的变化，以及蒙克的悲剧性的人生经历对他创作的影响。
蒙克的艺术表现，反映了当时欧洲整一代人的精神风貌他对心理苦闷的强烈的，呼唤式的处理手法对20世纪初德国表现主义的成长起了主要的影响。
蒙克一生的绘画作品的主题总是离不开死亡、恐怖、不安、生命，是一个用心灵绘画的天才。
蒙克出生在一个幸福的家庭，他的父亲是一位陆军上尉军衔的军医。
因为母亲在之前就患有当时世界流行的疾病肺结核，在不久就离开了人世。
母亲的离开给5岁的蒙克留下了很大的阴影。
那时候的蒙克是一个神经很敏感的孩子。
在此之后，他开始用笔画画。
蒙克少年时代遗留下来的作品，从对绘画形体的把握上来看，都具有表现鲜明和刻画准确的特点。
然而，在爱德华·蒙克14岁的时候，他的人生体验中，又遭遇了一次痛苦的经历，这就是他姐姐索菲亚因为遗传的肺结核病
而死亡，姐姐的死亡是他的心理蒙上一层痛苦的阴影。
蒙克的一个妹妹在小时候就被诊断为患有精神病。
而他自己也体弱多病。
蒙克的五个兄弟姐妹中只有安德烈结过婚，但在婚礼後不过数月也死了。
眼看着身边的双亲和骨肉兄弟接二连三地不断死去，这对蒙克的精神打击是很厉害的，一个悲痛尚未过去，另一个悲痛接踵而至。
这已经超过了精神打击，而是到了深度精神折磨的程度。
死亡的残酷烙印永远地刻在了蒙克年轻而敏感的心灵深处，当年蒙克的心态不是一般人所能想象的。
这大概就是为什么蒙克的作品压抑又悲观的原因了。
蒙克後年说：“病魔、疯狂和死亡是围绕我摇篮的天使并且他们伴随我一生。
”这些痛苦的经历让他以更大的热情投入到自己热爱的艺术中，不久显示出他的独到之处。
1879年的秋天，蒙克通过技术学校的考试。
但是由于蒙克患有疾病的缘故，他在时断时续的完成学业。
到了1880年蒙克作出了一个决定，他在日记中这样写道：“现在我又从技术大学中退出来了，实际上我已决定成为一名画家。
”蒙克在这个时期，绘画技艺得到了完善。
蒙克画了第一张肖像画，他的父亲坐在沙发上看报，就可以感受到画家当时的艺术水平。
从主题的开掘和构图的安排来看，他无疑受到了挪威近代著名的自然主义画家克里斯蒂安·克鲁斯的影响。
爱德华·蒙克在雕刻家朱利亚·门德森的指导下学习，他画了第一张自画像，这幅作品可以被看做是他艺术进步的一个标志。
画中形象的表现也体现了蒙克作为一个艺术家的自信气质，也体现了他勇于探索精神。
蒙克在这一时期运用着“自然主义”。
《病孩》这幅画，就是这种观念的一个典型代表。
“我一贯认为，这些自然主义花家里没有一个画家在体验他们作品主题的时候，达到我所画的《病孩》这类痛苦主题的程度，这不仅仅是我自己坐在那里，而且有我最亲爱的人。
”1蒙克的这幅画意在超载超出流行的自然意义的表达形式，他要努力体现出一种强烈的十分自我的感情。
而蒙克绘画所切入的角度，是要表现他对病和死的主观感受。
为了真切的表现这一切，蒙克跟随父亲一起出诊去探视病人，从旁仔细观察病人的神态。
蒙克在这一时间画成的作品，足见他这次创作过程的认真程度。
他认为这幅作品
创作经历，为他以后一系列的重要作品的创作，打下了重要的基础。
随后蒙克来到了巴黎求学，但蒙克并不热心，在那里，他不能与艺术的见解相合，产生了抵触情绪。
但是在艺术之都巴黎，蒙克还是学到了很多。
这一时期，蒙克热衷于探讨研究光线在各种条件下，变幻出不同情调，并把他们通过自己的情绪表达出来。
然而，由于霍乱的爆发，蒙克被迫搬到了巴黎城郊，在那里他感到很孤独，与此同时噩耗再次降临，父亲去世了。
之后，蒙克创作了《圣·卢克之夜》，流露出他丧父之后忧郁的情绪，父亲的去世对身在异国他乡的画家，产生了很大的心理影响。
在这幅画画中，我们可以看到孟克在画面上已不满足于单纯的追求光色效果变化的画法，开始有意识的把精神方面的内容糅合到他的创作中去。
1890年，蒙克来到欧洲留学，这里环境优美，不但对虚弱的蒙克有很好的益处。
尼斯的风景是蒙克艺术灵感之一，他着手准备他的主题画《生命》组画所包含的艺术原理的一些东西，这是“未来艺术中的最高境地”的基础。
1891年蒙克回到了祖国挪威，他的几位艺术家朋友之间，发生了感情纠葛，因为恋爱而产生的嫉妒心理，是人的精神经受了极大的痛苦。
据此完成了一幅画《忧郁》。
这幅画杯克里斯蒂安·克鲁格誉为挪威艺术家创作的第一幅象征主义的画作。
蒙克运用不同的表现手法，向观众展示了一个失恋者的痛楚心灵。
蒙克沉浸在极度亢奋的精神世界里，这时他眼中的大自然的风景在变化，在扭曲，并深深感到潜藏在人类心中的不安。
蒙克说：“人类总是在力图探索某种看不到的，摸不到的神秘东西。
而且象征主义可以表达许许多多的预感，思想，体验，以及无解释的事情。
”“我继承了人类两大最可怕的敌人—有遗传性的肺结核和精神错乱症，疾病，疯狂和死亡是自幼就缠绕在我身上的三大恶魔。
”
爱德华·蒙克的一生都被种种磨难困扰着，这样的精神自然渗透到他的艺术创作中，几乎他终生把握的主题就是“人心灵的肖像”。
“我并不是画我现在看到的，而是画我过去看到的。
”画家的回忆式创作，在这时赋予了它以未来更大的意义，这就是《呐喊》的诞生。
《呐喊》通常被认为是第一幅表现主义画作，也是蒙克‘灵魂作画’这一概念最极端的体现。
表现情绪的途径更多依赖了绘画时的力度，颜色与线条大胆的运用令人震撼。
画中强烈失真变形的人物形象，血红的背景、动荡的线条是不可能取自于现实世界的——它来自于蒙克自己的‘心里的地狱’，表达的是人类心灵深处那种无可救赎的绝望和不安，主题的深刻永恒强烈刺激着观众的视觉神经。
更不可思议的是，这幅作品似乎是对当今现代社会中人类的精神信仰状况的一种预言性的描述。
结合蒙克这段时间的经历和情感，我想画中那男孩的恐怖和无助，就是蒙克的心里写照。
作品中的人物是忧郁、惊恐、彷徨状态下丧魂失魄的幽灵，蒙克此段时间过的生活就是忧郁、惊恐和彷徨。
《呐喊》是蒙克以自身体验为前提来画这幅画，这让观众很容易进入画中的世界，因为无助和恐怖的心情人人都有，这种感觉相信人人都不会忘记，特别是看了《呐喊》后。
心中的苦闷和压抑太多了，呐喊出来，是一种减压的方式，也是一种艺术。
于是蒙克通过这幅画把心中的苦闷和对死亡的恐惧及寂寞无助的心情宣泄出来了，是对生命另种方式的呐喊。
1889年蒙克在巴黎观看跳舞的时候，他已感到跳舞的景象酷似促使他去表现生活的本身。
于是就创作了作品《生命之舞》。
这幅画的主题是：渴望、成功和绝望的生命循环。
这幅画象征性地表明充满渴望、成功和绝望的生命循环，以陆地、海洋、天空和午夜太阳为恋爱象征作背景更加强了这幅画的自然性质与所描绘的人物间命中注定的制约关系。
每个人都会经历人生的起与伏。
所以无论在何时，都不要流出失望和绝望的神色，爱情不是全部，我们要好好活，否则生命就如画中的三女子，最后的结局就是从左边变为中间的再停留在右边。
人生就如这场舞，需要好好把握，才能活出精彩。
蒙克艺术中含有浓郁的悲剧色彩，但他却深刻揭示出自己和同时代人隐蔽而又扭曲的心灵，他将人类的美和丑、痛苦和欢乐尽情倾诉于绘画中，充分发挥了绘画语言的表现力，为
西方绘画向写意、象征的方向发展开辟了道路。
他所描绘的世界是，是人类复杂的精神世界，他刻意表现死亡、忧郁和孤独，描写上世纪末的艺术家在充满矛盾与痛苦的现实中，其孤独的心灵对人生产生的怀疑和焦虑。
艺术史家称蒙克为“世纪末”的艺术家，因为他的作品反映了欧洲整整一代人的精神生活面貌。
在蒙克生活的时代，再没有别的艺术能够像他那样深入到人的灵魂之中，把那心灵的美与丑一并展现给世人。
也没有人敢于他那样赤裸裸地描写人类本能的丑恶，使善良与罪恶并存，让美丽与丑陋共生。
