中国花鸟画史

中国古代的绘艺术山水花鸟与人物的发展中国古代绘艺术是中华民族千百年来积累的宝贵遗产，其中山水、花鸟和人物成为了绘画的三大主题。

这些绘画作品在形态上各具特色，在意境上充满了中国传统文化的独特魅力。

本文将会探讨中国古代绘艺术山水、花鸟和人物主题的发展历程以及其在文化演进中的重要作用。

一、山水画在中国绘画史上，山水画被誉为“画之荣宗”，它以山水为主题，通过对山水的描绘来表现出作者的情感和审美观念。

山水画起源于古代中国的图案绘画，逐渐演变成了更具观赏性和艺术性的作品。

山水画的发展可追溯到唐代，那时已经形成了以“千状万态”见长的风格。

著名的画家李思训在他的作品中展现出了大自然的壮丽景色，崇尚景物与人的和谐共生。

到了宋代，山水画经历了一个重要的转变。

以北宋的谢赫为代表的北宗画家，注重以点、线、面的表现手法来描绘大自然的壮丽景色。

而南宋的宋高宗赵构则秉持“泛舟空山”的理念，将人物置于自然之中，同时通过运用淡墨的技法，使山水画表现出悠远宁静的美。

明代的山水画更加注重色彩的运用。

明代画家沈周和文征明等人，开创了“文人画”的风格，强调梦幻与意境，将自然意象与个人情怀巧妙地结合起来。

二、花鸟画花鸟画是中国绘画中又一重要的主题。

它以花卉和鸟类为对象，通过细致入微的描绘表现出大自然的美。

花鸟画起源于宋代，当时的画家主要采用写实的手法，力求形态和色彩的真实性。

明代的董其昌通过对花卉和鸟类的研究，提出了“工于形，变于神”这一观念，强调在真实性的基础上加入感情的表达。

到了清代，花鸟画进一步发展。

清代的齐白石以他独特的创作方式和明快的笔墨，使花鸟画表现出更为生动的气息。

他的作品不拘一格，随心所欲地表达出他对大自然的无尽热爱和赞美。

三、人物画人物画是反映人物形象和情感气氛的一种绘画形式。

它是中国绘画中最具传统色彩的题材之一。

中国古代的人物画特别注重传情达意，力求通过人物的形象、神态和表情来表达作者的情感和态度。

宋代的韩干、赵伯驹等人在人物画的创作上偏重形象的写实与印象的描绘，追求气势恢宏和人物情感的准确表达。

（1）花鸟画的历史进程唐韩干《牧马图》在魏晋南北朝之前，花鸟作为中国艺术的表现对象，一直是以图案纹饰的方式出现在陶器、铜器之上。

那时候的花草、禽鸟和一些动物具有神秘的意义，有着复杂的社会意蕴。

人们图绘它并不是在艺术范围内的表现，而是通过它们传达社会的信仰和君主的意志，艺术的形式只是服从于内容的需要。

人类早期对花鸟的关注，是孕育花鸟画的温床。

史书记载，魏晋南北朝时期已有不少独立的花鸟画作品，其中有顾恺之的《凫雁水鸟图》、史道硕的《鹅图》、陆探微的《半鹅图》、顾景秀的《蝉雀图》、袁倩的《苍梧图》、丁光的《蝉雀图》、萧绎的《鹿图》，如此等等可以说明这一时期的花鸟画已经有了一定的规模。

虽然如今看不到这些原作，但是通过其他人物画的背景可以了解到当时的花鸟画已具有相当高的水平，如顾恺之《洛神赋图》中的飞鸟等。

这一时期的花鸟画较多的是画一些禽鸟和动物，因为它们往往和神话有一定的联系，有的甚至是神话中的主角。

如为王母捣药的玉兔，太阳中的金乌，月宫中的蟾蜍，以及代表四个方位的青龙、白虎、朱雀、玄武等。

一般说花鸟画在唐代独立成科，属于花鸟范畴的鞍马在这一时期已经有了较高的艺术成就，如今所能见到的韩干的《照夜白》、韩滉的《五牛图》以及传为戴嵩的《半牛图》等，都表明了这一题材所具有的较高的艺术水准。

而记载中曹霸、陈闳的鞍马，冯绍正的画鹰，薛稷的画鹤，韦偃的画龙，边鸾、滕昌佑、刁光胤的花鸟，孙位的画松竹，不仅表现了强大的阵容，而且各自都有杰作。

如薛稷画鹤，杜甫有诗赞曰：“ 薛公十一鹤，皆写青田真。

画色久欲尽，苍然犹出尘。

低昂各有意，磊落似长人。

”（2）花鸟画的画法花鸟画的画法大致可分为二类：工笔花鸟；写意花鸟。

昆虫亦有工、写之分。

表现的方法有：白描（又称双勾）、勾勒、勾填、没骨、泼墨等等。

他和山水一样，有悠久的历史。

花鸟画的学习步骤不外乎临摹、写生、创作。

表现的主题有：竹、兰、梅、菊、牡丹、荷花等；禽鸟有：鸡、鹅、鸭、仙鹤、杜鹃、翠鸟、喜鹊、鹰；昆虫有：鹦鹉、蝴蝶、丰、蜻蜓、蝉，杂虫有：蝈蝈、蟋蟀、蚂蚁、蜗牛、蜘蛛等中国古代花鸟画与人物画、山水画，并列为中国绘画的三大画科。

简答王维山水画的艺术特色唐代山水画成为独立画科，王维是唐代著名诗人及画家。

王维受禅宗思想的影响发展了水墨山水画，以水墨代替青绿颜色，用笔随意自然，意境优美。

多以雪景、栈道、农作等具有田园气息的题材为主。

在艺术手法上创“破墨”技法，使用浓淡不同的的墨色相互渗透，大大发展了水墨山水画的意境，被后世称为“文人画之祖”。

王维将诗和画有机的结合在一起，创造了诗情画意的境界。

苏轼称其：“味摩诘之诗，诗中有画，观摩诘之画，画中有诗”，画面具有诗意、抒情恬淡，被董其昌称为“南宗之祖”。

代表作有《江山雪霁图》、《雪溪图》、《辋川图》、《伏生授经图》等。

王维的水墨山水影响了唐代以后中国山水画的发展。

吴镇的艺术特点及成就吴镇是元代文人画家的代表，是元四家之一。

吴镇的修养是多方面的，他在诗歌、书法、篆刻、绘画等方面都取得了一定的成就，单绘画方面，他山水、梅竹、人物俱擅，但奠定他在画史上的地位，使他名列“元四大家”之一的乃是他的山水画。

吴镇与黄、倪、王等许多山水画大家均提倡墨戏、士气、逸气，从而创造了极富特色的文人山水画，使元代画坛大放光彩。

吴镇画山水喜用湿墨，其实吴镇未尝不善用干墨，在吴镇传世几十余幅墨竹中，几乎全是用干墨画的，均取得了良好的效果。

之所以吴镇在山水画中多用湿墨，这与吴镇欲借山水画表达的境界有极大的关系。

北宋山水画追求一种可游、可居之景，用笔用墨都服从于山水真实体感的表达；而元人则以山水为媒，追求一种有我之景，笔墨除用表现形体外，更是充作了情感流露的媒介。

在元四家中吴、倪均以画水著称，倪喜用干墨，吴则喜用湿墨。

倪用干墨草草点染，创造一种荒芜、澹泊之境；吴则用湿墨，渲染出一种凄清、静穆之境。

细观吴镇每一幅山水画，都给人以“水墨淋漓幛犹湿”的感觉。

无论是山、树、水，还是船、渔父、房屋，无论是近景，还是远景，均如淋浴在水中，从而更使远方景物有千里之遥，营造了一种凄清、幽旷、寂寥的艺术氛围。

吴镇画中的水墨效果是与他多种笔法、墨法的灵活运用密切相关的，湿墨决不是简单化的水量的增加。

传统花鸟画始于隋唐时期，自唐代兴起后，在五代时期有了新的发展，出现了黄筌、徐熙二位代表画家，有“黄家富贵，徐家野逸”之说，此两种美学风格分别影响了后世院体画与文人画两大重要流派。

宋代画坛中，一方面，院体花鸟画应皇室的需求延续五代黄筌的富贵之风；另一方面，文人士大夫绘画出现并渐成系统，开创了水墨写意花鸟画的先导。

随着元代画院体制的废除，人们大体崇尚南宋风格，文人画得到进一步发展。

明代社会文化背景的变化，导致追求工丽的院体画派进一步衰落，至明中叶，文人花鸟画崛起达到高峰，形成大写意花鸟画的开端。

在清代守旧与变革的纷争中，花鸟画领域更深层地发展了文人画的美学意向及笔墨精神，将大写意花鸟画推向了中国画艺术价值的高峰。

在北宋，追求笔墨意趣的文人花鸟画兴起，苏轼在《又跋汉杰画山》中推出“士人画”观念，其后明代董其昌在《画禅室随笔》中初次使用“文人画”一词，同时认为“文人之画，自王右丞（王维）始”。

通过考证传世作品及艺术代表性，人们普遍认为北宋是文人画的开端。

北宋的文人士大夫提倡寄情于笔墨，将俗成的绘画语言从描摹物象追求形似及写实赋彩中抽离开来，追求个性及精神的抒写，倡导书画兼备。

“诗画本一律，天工与清新”（北宋·苏轼《书鄢陵王主簿所画折枝二首》）的美学理论，融合了诗歌赋、比、兴的创作手法，以画境显诗境，因此，文人画的创作是属于诗意的创造。

“诗是无形的画，画是有形的诗”（北宋·张舜民《画墁集》）成为文人遣释意兴的方式，创作者开始于“笔意墨趣”中表述个人之心绪。

元代花鸟画总体分为两大范畴，其一是承接宋代院体画并有所发展；其二是延续南宋、金文人士大夫绘画一脉而来，并占据主流地位。

此时宣纸作画的推广，使文人墨客脱开南宋院体画习气，趋向于借笔墨宣泄情愫，墨戏画者空前之多。

同时，绘画题材避开对现实社会生活的关注，以“梅、兰、竹、菊”四君子为主体，水墨花卉、禽鸟、草木窠石等次之，在审美意识、笔墨修养、造型表现技巧、立意章法等方面均有成熟和完善，形成其特有的构图样式，成为传统中国画中独立的艺术形式，更加突出诗、书、画的融合，强调书法、笔法、墨法。

中国古代绘画的演变历程中国古代绘画是中华文化的瑰宝，它承载了中华民族的悠久历史和深厚文化底蕴。

绘画是中华文化的一种重要表达方式，它既有文化内涵，又有艺术美感。

绘画在中国古代的发展历程中，经历了一个漫长而精彩的过程。

一、战国时期的墓葬壁画在中国古代，墓葬壁画是一种比较早期的绘画形式，最早的墓葬壁画可以追溯到商代。

到了战国时期，墓葬壁画已经变得非常精细，艺术水准也逐渐提高。

比如，荆州磨山汉墓中的壁画，画面中人物比例协调，姿态自然，表情生动，色彩绚丽多彩。

这些壁画不仅是古代中国绘画的珍品，也是历史、文化、考古学等多个领域的宝贵遗产。

二、唐宋时期的山水画唐代的山水画，注重表现山水的神韵和气势，有“山水高格”之誉。

唐代著名的山水画家王维，擅长表现深山幽谷、瀑布流泉等自然景观。

宋代的山水画，着重于抒发内心感受和意境，有“山水清气”之称。

宋代著名的山水画家范宽，擅长用无定形的线条描绘山、水、云等自然景象，给人带来心灵上的独特感受。

三、元明清时期的花鸟画元代的花鸟画，以写实和表现动态为主，运用明暗对比和色彩鲜明来表现画面气氛。

明代的花鸟画，注重形态，追求“准、恰、翔、勿”的意境。

明代著名的花鸟画家董其昌，擅长用笔画出花鸟的婉转、灵动和水墨的深浅明暗。

清代的花鸟画，注重意境和表现心境，画面通常以淡雅清幽为主，营造出平和、安宁的气氛。

四、现代的绘画现代中国绘画，已经发展成为一门独立的艺术形式，既有中国传统文化的传承，又有现代艺术的延续。

现代绘画的表现形式和手段，比古代的绘画更加多样化和丰富化，如油画、版画、水彩画、装置艺术等。

同时，现代绘画的艺术风格也更加多元化和个性化，多元文化的交流和互动，促使中国的绘画艺术向更加开放、多元的方向发展。

总之，中国古代绘画的演变历程是一个千姿百态、丰富多彩的过程，反映了中华民族的古代文化和艺术传统，也是中华民族艺术宝库中的重要组成部分。

伴随着中国文化的发展和变迁，未来中国绘画的发展方向和形式也将更加多样化和多元化。

唐代花鸟画特点花鸟画”是中国传统绘画中的一个画科，它是以描绘花卉、竹石、鸟兽和鱼虫为主要内容的绘画形式，具有悠久的历史和文化内涵。

根据描绘的内容，又可细分为花卉、翎毛、蔬果、草虫、畜兽等支科。

其技法多样，曾以描写手法的精工或奔放，分为工笔花鸟画和写意花鸟画又可分为大写意花鸟画和小写意花鸟画;又以使用水墨色彩上的差异,分为水墨花鸟画、泼墨花鸟画、设色花鸟画、白描花鸟画与没骨花鸟画。

作为中国画重要门类之一的花鸟画，自唐代独立成科以来，历代画家“外师造化，中得心源”，关注现实，体悟自然，在生活中不断提取创作素材，涌现出了许多优秀的绘画名家和经典作品，建立了一座座花鸟画史上的不朽丰碑。

五代的黄筌、徐熙，开启了中国写意和工笔花鸟画的先河。

至宋代崔白、赵昌又更提倡以造化为师，写生之风盛极一时。

苏轼、文同等文人墨客以梅、兰、竹、菊等为创作题材，为“文人画”的发展奠定了基础，成为元、明、清文人画发展的先导，一直影响到今天。

明、清两代的徐渭、陈淳、八大山人、扬州八怪、任伯年、吴昌硕、虚谷等一脉相承，各呈千秋。

现代花鸟画大家，如陈师僧、齐白石、潘天寿、李苦禅、王雪涛等在前人基础上，又不断开拓创新，为中国花鸟画的进一步发展贡献了力量，数以万计的优秀作品，充实了中国花鸟画的艺术宝库。

到当代花鸟画正以一个崭新的面貌在表现时代、歌颂生命、保护环境、关爱自然、呼唤和平、提高全民族的文化素养。

花鸟画的主题观念，即现实情况下怎样表现画家的寓意，怎样表现画家的人文关怀和精神内涵。

正是由于传统文化对绘画审美趣味的规范，花鸟画的审美与其他艺术形式一样，“托物言志”也就成为其终极的价值指向。

这也就是中国花鸟画中“一花一世界，一叶一如来”的哲学本原。

在某种意义上，花鸟画作为一种文化形式，是画家参于悟道的载体，把对大自然的生机和灵趣的感悟，变成人造的心灵的真实，即变现为人们创造出来的感性直觉形态。

所以说，画家自己心灵的“宇宙”，是一个理想化，具有浪漫色彩的有别于自然客观的集真、善、美于一体的以另样方式存在的世界。

“授之以渔”的中国花鸟绘画史写作视角——读孔六庆著
《中国画艺术专史花鸟卷》
陈天白
【期刊名称】《书画艺术》
【年(卷),期】2014(000)003
【摘要】自中国绘画有史可依以来，无论从谢赫的《古画品录》，到张彦远的《历代名画记》，还是王伯敏的《中国绘画通史》，画史以鸿篇巨制的面貌频频出现，而绘画界的分科史鲜有问津，特别是中国花鸟画史的研究就深度而较之人物画、山水画，显得风毛麟角。

所以孔六庆著《中国画艺术专史·花鸟卷》就显得尤为举
足轻重。

【总页数】2页(P62-63)
【作者】陈天白
【作者单位】南京艺术学院美术学院
【正文语种】中文
【中图分类】J212.05
【相关文献】
1.架构花鸟画学的新篇章——评孔六庆《中国画艺术专史·花鸟卷》 [J], 黄戈
2.花鸟画中的文人品格——论孔六庆博士工笔花鸟画作品 [J], 李倍雷
3.一花一世界——读孔六庆的工笔花鸟 [J], 黄小我;徐东树
4.一部先验解读的中国花鸟画史——评读孔六庆的《中国画艺术专史·花鸟画卷》
[J], 李倍雷
5.中国画史研究中的若干问题——从《中国画艺术专史丛书》撰写的角度 [J], 周积寅
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xx花鸟画的发展历程中国山水画在漫长的发展过程中，形成了独特的风格和审美情趣以及一套完整的理论体系。

同样，在西方画坛占重要地位的风景画也是如此。

这两种表现相同的对象却采用不同的表现手法的艺术形式在世界艺术宝库中占有极其重要的地位。

它们分别处在两种不同的文明当中，不管是在东方古老璀璨的历史和文化中，还是在古希腊及罗马的巨大艺术成就中，这两种艺术的审美价值都是人类发展的宝贵遗产。

二者之间的异同的比较，有助于两种伟大艺术的交流和发展。

不管那一种艺术只有相互交融和吸收才能获得更强的生命力。

所以，我们就以东方艺术的一个代表——中国山水画，与西方文化的一个支流同样也是影响巨大的——风景画进行比较，看看中西方艺术之间的差异以及各自所取得的巨大成就。

当中国艺术家在儒道的影响下，致力于自身与天道的融合，西方的画家则是在人文主义思想的光环中完成自己理想的嬗变。

我们要比较二者之间的异同，就需要从他们不同的发展历程入手，从他们所处的不同的地域、不同的人文环境出发去分析。

因为艺术的根本区别和差异并不在单纯的技法与材料，它们所赖以发展的思想基础和美学理念才是相互比较的关键。

所以，本文理所当然将双方的美学基础和美学思想放在首要位置，尽管叙述深刻需要较好的美学素养及理论修养，尽管作者的理论水平不能让这段美学思想的异同的语言写的有见地，但是这个中西方艺术——甚至是不管那两种艺术——相互比较的首要前提还是应放在重要的地位。

当然两者之间的表现形式和表现手法也是比较的一个重点，这是直观明了了解两种艺术区别的最有效的方法。

不管那一个民族的艺术，都有本民族特有的表达方式。

譬如当亚洲人在用笔渲染他们对自然的理解和热爱时，非洲的土著却在用刀刻划着自己独特的思想与执著的崇拜。

所以，本文将具体我们分为以下几个方面进行论述：首先是两个画种几乎相近的起源；其次是发展过程中不同的美学思想和审美情趣；最后我们看看中西方风景画的表现形式和表现手法的异同，以及工具材料上的区别。