浅谈关于作曲的一些小技巧之一作曲的技巧，有很多人都在谈，很多人都在和弦上花工夫。
也有一些人完全按照感觉来写。
诚然，按照下行5度和弦圈的经典走位，旋律怎么写都不是很难听，但学一些作曲的另外一些技巧，也许你的旋律会有另外一番天地。
小生在这里抛砖引玉，希望大家都来谈谈自己的看法。
小生写的不当之处，恳请各位高手指正。
流行歌曲创作：1：先有词后有曲。
2：先有曲后有词。
这里我只谈第二种情况，即先曲后词。
一：倒影。
就像你在河上，看到河里自己的影子。
如：33345 33321在五线谱中，以3横线，就会发现，345往下翻180度的话，其旋律线条就会和321吻合。
这样写出来的旋律，不会很散。
二：模进。
模进分严格模进和自由模进。
严格模进要求各旋律音程之间完全一样。
旋律线条也要完全一致。
如：3323 2212自由模进则没有这个限制。
如：1123 3345（1和2之间是全音，3和4之间是半音，音程不同）三：重复。
重复永远是音乐中不二法门，从段重复到小节重复，几乎每个作品中都可以看到他的影子。
（注意，重复也是同度模进）四：对格。
艺术都是相通的。
在文学中某些技巧，放到音乐里也完全适用。
在一些诗联中，第一句的最后一个字，是第二联的第一个字。
放到音乐中的话，就是第一句最后一个音符，是第二句的第一个音符。
然后依次类推。
如：123 312 234 465大家注意，前面的最后一个音符，都是后面的第一个音符。
在李宗盛的鬼迷心窍中，通篇都是使用的对格的技巧。
大家有兴趣的话不妨回家把谱子翻出来看一看。
五：前面说到艺术是相通的，并借用了文学技巧，这里我们借用国画技巧来看看是怎样的。
1：疏密有致。
在国画中，如果中间画了很多的树，在四周一定要留出大量空白的地方。
这样眼睛才不会累。
同样在音乐中，前面几小节如果节奏部分非常密集，后面一定要多写些长音。
如果前面旋律起伏非常大，那么后面一定要把旋律安排地平稳些，而起到一个平衡的作用。
2：有深有浅。
国画中，你不可能一张画全用一种颜色，就算是黑，也分深黑，墨黑，浅黑，灰等等。
同样道理也可以放到音乐中，如果前面两小节你都使用上行的旋律，如：1123 3345，后面你最好使用下行或者平行的旋律，如5442等，这样让人感觉旋律有起伏有变化了，听觉上比较舒服，也符合自然规律。
最极端的例子，就是陈升的把悲伤留给自己，开头第一到第二句，旋律从低音5直线上升且不带拐弯的到高音1，音程跨度纯四度+纯八度。
第三句开始慢慢下降，从高音1下降到底音6，音程跨度8度加小三度。
给人感觉旋律起伏很大，感情全部发挥出来了，然后第四句旋律开始走稳。
六：变音。
变音一般而言就是升降音符。
用一些，会给人非常新鲜的感觉，也容易使情感更加饱满。
一首歌，变音用的好不好，很大程度上看这个人对旋律的把握程度好不好。
一般说，表现明亮色彩的用大调，忧伤或温柔的用小调。
我们也可以把大调的3音降半度，来表达忧伤或温柔。
在小调中，多使用#4和#5，那是绝对不会错的，因为小调的上行音阶中本身就包括#4和#5。
如果你想写一段带有JAZZ风味的旋律，除了节奏上多用切分音符外，用b3和b7是不二法门，其实，这也是JAZZ的特有音阶。
我想举几个例子来说明。
罗大佑在爱的诤言里，A段第三句，用了：#1 2 3的级进，给人一种忧伤的感觉，而且非常新鲜。
李泉的爱的颜色中（好象是这个歌名，记不太清了）用了：5 6 7 #1的旋律级进，四个全音连续上行，把感情发挥到了极至，也给人一种耳目一新的感觉。
橄榄树是一首非常经典的老歌，作者用了#4作为承上启下，收到非常好效果。
七：关于调式的运用。
在古典音乐里，什么调抒发什么情感，是明亮的，是灰暗的，是雄壮的等等，都有严格要求，一般不会变化。
但在流行音乐里，就没有这种限制了，一般定调是根据歌手的音域来的。
男歌手一般最高音定在G上。
(钢琴上叫小字二组G，吉他上是第一弦的第三品)。
如果太高，降一度也够了。
女歌手音域要比男的高八度，所以，一般最高音定在B上(钢琴是小字一组B。
吉他是第二弦空弦)。
太高的话也降一度。
但，这个不是绝对的，只是一个大致的范围，帕瓦罗地这小子，据说可以唱到高音#C。
乖乖，大家可以在琴上感觉一下，钢琴是小字三组的#C，吉他是第一弦第九品。
第九品啊，我到第四品就要用假声了。
呵呵。
好象林志炫，孙楠也都可以唱到HIGH C，也是很厉害的男高音。
呀，我扯到哪去了?不好意思，言归正转。
调性上对比是非常有趣的，也是非常好玩的。
一首歌前面如果是小调，后面改用大调。
前面如果是C调，甚至你可以在后面安排bE大调(就是C小调)，都是可以的。
可以让听众耳朵一亮。
但请不要忘记，调是为歌服务的，转调是为了更好的抒发情感。
所以不管你转成什么怪调，一定不能为了转而转。
举几个例子:齐秦的大约在冬季，他在第一段开头用大调(1开头)，结尾是小调(6结尾)，副歌部分也是小调，就很好的抒发了作者面对离别是的情绪。
还有罗大佑的你的样子，主歌是B小调，副歌转成#C小调(好象是，具体忘记了)我听过最夸张的是罗大佑写的思念，如果主歌部分是天使的话，那么副歌就变成魔鬼了，简直不是一首歌，好象是两首歌拼出来的，但能拼成他那样，也是高手中的高高手了。
张国荣的共同度过，相信大家一定听过，本来旋律并非很出彩，副歌部分也是一般，但作者(是个小日本，名字忘记了)，连续用了四个转调，把感情全部唱出来了。
不敢想象，如果这首歌一个调从头唱到尾的话，5分钟的时间，大家恐怕就要睡着了。
转调在间奏里也用的比较多，还有离调，但这是遍曲的范围，要说的话，一年也说不清楚。
所以这里就不详细说了。
只是一点，如果间奏忽然转调了，那么在结尾的时候，一定要再转回原调，否则歌手不能唱了。
调性也乱了。
还有一个很有趣的现象，在很多书中，几乎99%的音乐书里，都说结尾一定要5级和声转到一级和声，就是C调的话，结尾一定要从G到C才可以。
不然不及格。
但有不少歌曲里面结尾并不到C，而是G到#G(就是#5 1 #2)，在听觉上非常新鲜。
还有G到G增和弦。
就是(5 1 2)也非常新鲜。
有一种意犹未尽的感觉。
大家可以试试。
关于调式还有很多，印度音乐里，把3和4这一对半音兄弟，再切一半，变成12音音阶。
更难唱。
光音阶上的变化就有几十种，还分上行和下行，还不包括临时变音，我本人也不是很懂，所以各位就马马虎虎看看算了，也希望懂的人进来说说。
我就不献丑了。
八:关于段落段落分一段体，两段体，三段体等。
比较常见的是两段体和三段。
段落可以分为对比和类似。
简单地说，对比就是前面比较舒缓，后面比较高昂。
前面比较紧凑，后面比较庸散。
从文学上分析，如果你想用对比来创作的话，前面是叙事的话，后面一定要改成抒情。
从音乐上来的话，前面如果旋律比较平，后面就大胆的多点起伏，前面节奏多用4分音符的话，后面就用8分或16分音符。
从而起到对比的作用。
在编曲上可以更明显的看到。
一般副歌部分总是比较高潮。
而前面总比较缓慢。
但这不是绝对的。
任何艺术创作都不是绝对的。
你也可以安排整首歌都是一个样子，写的好的话，也是可以的。
一段体大多都是小歌，如兰花草，雪绒花等等。
学吉他的人一定知道，是吉他入门的必弹曲。
如果写的好，那也是非常精致的东西。
但一段体对旋律要求非常高，旋律一定要好听，否则不行。
现在三段体的也很多，如陈亦讯的十年(也有人把第二段看作起承转合中的转)，那英大姐的征服(在歌后面有一段把情绪推向高潮的人声部分)等等，大家可以听听看。
在音乐里的作用嘛，括号里都写了)，关于起承转合的东西，下一讲再说把。
这里插一句，有一个很有趣的现象，数学里面有黄金分割点，大概是四分之三左右（０.６１８）。
按照美学里的观念是最完美的点。
同样道理，也可以用到音乐上来。
一首三分钟的歌，在黄金分割点上，大概２分多钟的时候，总是一个歌最最好听的时候，很多高潮部分，也是一首歌最最精华的部分，９０％以上，总是在黄金分割点的时候出现。
在编曲上尤其是这样。
黄金分割点，也是最容易打动听众的点，也是最容易渲染感情的点。
在我们平时聚会时，一半已经过去，再聊一会儿，就是最容易起高潮的时候。
打麻将也是这样，差不多要结束时，往往就是翻翻最多的时候.........天那，我说到哪里了？怎么说到麻将上去了？对不起对不起。
我们重新回来。
九:关于乐句。
乐句，顾名思义，就是句子。
在文学中，有诗词歌赋，规定了字的格式和数量，在音乐里，名字就差了些，没有那么好听。
幸好也没那么多的规定。
一般有aaaa aaba aabc abcd等等比较常用。
还有不规整的三句式的，如张宇的用心良苦就是三句式的。
还有五句的，六句的，七句的，比较少。
四句的我们可以把他看作为诗中的起承转合。
开头就是起，一般都是有音乐动机组成的，是写歌的一个动机所在。
第二句就要发展了，具体发展因人而异，具体手法可以看上篇。
第三句就是转，是主歌部分最精华所在，转的好不好，就是一个歌好不好了。
很多优秀的音乐人都在这里大做文章。
如果前面两句用上行旋律比较多的，第三句一定不要用，改成下行。
前面如果旋律比较平和，到这里，一定要写的凹凸些，就象美女的线条，呵呵。
用一些变音什么的，节奏改一些，也是非常常见的手法。
第四句叫合。
是前三句的总结，有人把第一句照搬，那是最简单的办法。
也有人把前面三句用到的动机，整合在一起作为第四句，也未尝不可。
实际上，创作手法是多样化的，主要看情绪发展，你想表达什么。
十：关于曲和词的结合。
１切忌倒句。
汉字有本身的发音，１２３４声，念的时候，大家都严格按照发声的，上入声，本来也包含了音乐成分在里面。
如果没有按照发声规律念，很容易就变成另外的意思了。
而在音乐创作中，这是最最最最忌讳的，我这里用了四个最，可见非同小可。
怎么说呢，大家可能还是一团雾水。
我举几个例子把。
我以前读书的时候，老师就讲，有一个写词的，写了句：雨天，我把你画在窗上。
本来是很优美的，雨天有雾气，作者用手指把思念的人的样子画在窗上。
很美的感觉。
请注意，窗是第一声。
可后来写曲了，那个作者写成旋律，一唱，大家都听成：雨天，我把你画在床上。
床上？在床上画思念的人，那不变成自慰了？郑秀文有一首歌，名字忘记了，歌词里有句是：你是我的主打歌，写曲的也用了倒音，把原本汉字的发声全部取消掉了，很容易让人听成，你是我的猪大哥。
事实上，我一开始听也以为是猪大哥了。
２：风格一样。
词的感觉明明是摇滚的，曲子却写成民谣的，那听上去感觉一定不行。
曲子是古典风味的，而词的感觉却是很现代的，那感觉多别扭？齐豫以前有盘专集，曲子都是从古典音乐里出的，从新填上词唱，感觉总不好。
因为那是人家为器乐而写的曲子，改成人声了，一定不好。
有倩女幽魂大家一定听过，曲子非常典雅的五声音阶。
如果把词改成ＨＩＰ－ＨＯＰ的说唱，大家可以想象要有多难听就有多难听。
十一，最高境界。
鲁迅先生说过，文学的最高境界就是，添一字嫌太肥，减一字嫌太瘦（大概这个意思），就是说，好的文章，你一个字都不能增减。
