艺术定义的原则的例子

举例说明形式美的原则
形式美的法则包括：变化与统一；对比与和谐；对称与均衡；比例与尺度；节奏与韵律。

其中最高法则便是变化与统一。

审美关系的构成正是体现了这一原则。

过于追求变化就破坏统一关系，使其显得杂乱无章；而过于追求统一就会显得单调、平庸而空洞。

所以形式美的法则就是在统一的前提下尽量制造变化，内容丰富而不失主题。

这一关系用辩证法原理加以理解最合适不过，任何适用于辩证法的实例都可以用来解释形式美的法则。

典型的实例便是道家的黑白阴阳图，外边的圆线及对称式结构体现了统一的秩序感，这是大前提，然后在圆中制造变化---本来黑白是两个不相容的两极，又处于面积等分状态，可谓是追求变化的极致了。

但是阴阳鱼用S型曲线缓冲了黑白等分面积的强烈对比，又用白点和黑点相互渗透到对方，使白中有黑，黑中有白，加强了黑白之间的联系和形式上的统一。

红白美学原则-概述说明以及解释1.引言1.1 概述概述在设计和美学领域中，红白美学原则是一种重要的指导原则，它关注的是色彩的运用和搭配。

红白美学原则的核心概念是通过红色和白色的组合来达到美学上的平衡和和谐。

红色象征着活力、激情和能量，而白色代表纯净、清新和纯洁。

这两种颜色的配合不仅可以给人带来视觉上的愉悦，还可以引发内心情感的共鸣。

红白美学原则在不同领域都有广泛的应用，从建筑设计到艺术创作，从时尚界到室内装饰，红白美学原则的影响都可以被发现。

在建筑设计中，红色和白色的结合可以营造出热情奔放又不失稳重的氛围；在艺术创作中，红色和白色的对比可以突出作品的重点和层次感；在时尚界中，红白搭配的服装总是倍受青睐；在室内装饰中，红白色调的使用可以打造出温馨舒适的空间。

红白美学原则的实际运用也有很多成功的案例。

比如，红白相间的中国皇宫建筑展示了中国古代帝王的威严和权威；红庙白塔的建筑风格在佛教寺庙设计中得到了广泛应用；红白色调的传统茶具设计体现了中国茶文化的独特魅力。

总之，红白美学原则作为一种重要的设计原则，不仅在美学上具有较高的审美价值，还在各个领域中展现了其应用的威力。

通过红色和白色的巧妙组合，我们可以创造出富有活力和和谐感的设计作品，使人们倍感舒适和愉悦。

对于今后的研究和应用，我们有必要进一步探索红白美学原则的潜力，为更多领域的设计和美学创作注入新的灵感和创意。

1.2 文章结构文章结构的目的是为了使读者能够清晰地了解整篇文章的组织和内容安排。

通过恰当的文章结构，读者可以更好地理解和消化文章的主题和观点。

本文的结构主要分为引言、正文和结论三个部分。

引言部分主要包括概述、文章结构和目的。

在概述中，将简要介绍红白美学原则的基本概念和重要性。

文章结构部分将说明整个文章的章节安排和内容分配情况，便于读者对文章的整体架构有个清晰的认识。

目的部分则是具体阐述本文撰写的目的，即探讨红白美学原则在实践中的应用和价值。

正文部分是本文的核心部分，包括红白美学原则的定义、应用领域和实践案例。

野兽派立体派未来派达达派表现派超现实主义抽象主义野兽派(Fauvism)是20世纪最早出现的新艺术象征主义的画派。

特点是狂野的色彩使用和强烈的视觉冲击力，常给人不合常理的感觉。

1905年一群以亨利?马蒂斯为首的年轻画家在巴黎秋季沙龙展出自己的形象简单，色彩鲜艳大胆的作品，震惊了画坛，人们惊呼“这简直是野兽～”从此画坛上出现了一个新的野兽派。

法国象征主义画家居斯塔夫?莫罗在一定程度上成为野兽派的先驱，他鼓励他的学生们不要遵循程式化的画法，要根据自己的想象力去作画，马蒂斯就是他的得意弟子。

野兽派的领袖马蒂斯和安德烈?德朗都是莫罗的学生，他们吸收非洲、玻利尼西亚和中、南美洲的原始艺术表现手段，以横扫千军的笔力和大胆的构图模式，将朱红、翠绿、天蓝和嫩黄等惊人的不和谐颜色糅合起来，使色彩达到一种新的烈度。

野兽派将梵高和高更的画法更推向极端，用生硬的线条和大胆的色彩表达自己强烈的感受，颜色变成画面的主题，不再讲究透视和明暗关系。

野兽派并不是一个正式的画家组织派别，只是一批有同样试验的年轻画家，但野兽派的寿命不长，其他画家有许多放弃了这种画法，但亨利?马蒂斯一直坚持，他活了85岁，将野兽派的画法延续了下来。

他偏爱用二维平涂的方法作画，但由于微妙地运用色彩高光，不管怎样平涂，还是表现出三维的效果来。

他的画受到塞尚很大的影响，对于他来说，主题物体是次要的，线条、色彩和形状都游离到主题之外，这种过度简化的形式使他将他的感受可以表达为一个宁静而超然的形式世界。

表现主义是20世纪初流行于德国、法国、奥地利、北欧和俄罗斯的文学艺术流派。

1901年法国画家朱利安?奥古斯特?埃尔韦为表明自己绘画有别于印象派而首次使用此词。

后德国画家也在章法、技巧、线条、色彩等诸多方面进行了大胆地“创新”，逐渐形成了派别。

后来发展到音乐、电影、建筑、诗歌、小说、戏剧等领域。

表现主义是艺术家通过作品着重表现内心的情感，而忽视对描写对象形式的摹写，因此往往表现为对现实扭曲和抽象化。

中西方艺术的审美差异中西方艺术的审美差异艺术是人类文明的象征，是人们情感和思想的表达方式。

不同文化背景下的艺术自然会有不同的审美取向，中西方艺术的审美差异便是一个典型的例子。

中西方国家的审美差异不仅表现在艺术作品的形式和内容上，也反映在审美观念、价值取向和美学思想上。

本文将从不同的角度探讨中西方艺术的审美差异。

一、审美观念审美观念是对艺术作品的感受和看法，它反映了人们对美的认识和追求。

中西方对于美的理解和欣赏有着不同的观念。

在西方文化中，美往往被定义为对称、和谐、比例等形式美。

希腊古典艺术中的“黄金分割”原则便是这一观念的典型体现，它强调形式的完美和规则的统一。

而在中国的传统审美观念中，美往往更注重“意境”和“气韵”，强调内在的精神境界和情感表达。

中国古代的山水画和写意花鸟画正是这一审美观念的典型体现，它们注重情感的表达和意境的营造。

可见，中西方审美观念的差异在于注重形式美与内在意境的不同取向。

二、价值取向中西方的价值观念在一定程度上影响了审美观念的形成。

在西方文化中，个人主义和自由是主要价值取向，因此西方的审美追求更强调个体的独立性和创造性。

西方的绘画作品中，个体形象往往被强化，个体情感和思想也更加突出。

而在中国传统文化中，儒家的中庸思想和道家的“无为而治”哲学影响了中国人的审美观念，中国的价值取向更偏向于内敛、含蓄和稳重。

在中国的传统绘画中，往往通过自然景物和禽兽花鸟来表达情感和思想，而不直接以个体为中心。

这种价值取向的差异也影响了中西方的审美理念和作品表现。

三、美学思想美学思想是对艺术现象和艺术规律的理论总结和概括。

中西方的美学思想在一定程度上反映了审美差异。

西方美学以古希腊美学为代表，重视逻辑分析和形式美的规范。

西方美学注重作品的理论探讨和规范化，它通过对艺术规律的研究来揭示美的本质和规律。

而中国传统美学则更强调对自然的感悟和对情感的表达。

中国的宋儒学者周敦颐在《爱莲说》中提到“出淤泥而不染，濯清涟而不妖”，他所表达的是中国传统审美思想中的“含蓄之美”和“雅致之美”。

艺术教学原则的概念
艺术教学原则是指在进行艺术教学活动时所遵循的基本原则，包括艺术融合性原则、艺术参与性原则和艺术愉悦性原则。

这些原则是确保艺术教学活动有效进行的重要指导思想。

艺术融合性原则强调将艺术元素融入到教学中，通过艺术活动培养学生的审美意识，提高学生的艺术素养。

它要求教师将艺术内容与其他学科进行有机融合，使学生更好地理解和应用所学知识。

艺术参与性原则是指在教学活动中，教师应鼓励学生积极参与艺术活动，发挥学生的主动性和创造性。

学生通过亲身参与艺术创作、欣赏和表演等活动，能够更好地感受艺术的魅力，提高审美能力。

艺术愉悦性原则是指在艺术教学活动中，教师应关注学生的情感体验，使学生在愉快的氛围中学习艺术。

教师可以通过生动有趣的教学方式、优美的艺术作品等激发学生的兴趣，让学生在艺术学习中感受到快乐。

以上信息仅供参考，如需了解更多信息，建议查阅教育心理学或相关教学资料。

马克思主义对艺术创作的指导原则
马克思主义视艺术为一种与社会生产力和社会关系相互关联的意识形态，并指
导着艺术的创作与发展。

在马克思主义的指导下，艺术创作应当具备以下原则：
首先，艺术创作要服务于人民大众。

马克思主义强调，艺术作为社会意识形态
的一种表达形式，应当服务于广大人民群众，反映他们的利益和情感。

艺术家应当根据人民群众的需求和审美取向进行创作，使作品能够被广泛接受和欣赏。

其次，艺术创作要批判现实，揭示社会矛盾。

马克思主义认为，艺术应当具有
对社会现实的批判性和揭示性，揭露社会存在的不公平和矛盾，引导人们思考社会问题。

艺术家在创作过程中应当关注社会现实，用艺术的形式表达对社会问题的关注和批判。

第三，艺术创作要倡导正能量和社会主义核心价值观。

马克思主义主张，艺术
应当积极向上，传播正能量，推动社会前进。

艺术家应当倡导社会主义核心价值观，弘扬社会正气，引导人们树立正确的世界观、人生观和价值观。

另外，艺术创作要注重艺术与人民群众的联系。

马克思主义认为，艺术是人类
创造的产物，应当与群众生活和情感紧密相连，反映人民的生活体验和情感体验。

艺术家应当关注人民的生活，创作出贴近人心的作品，使艺术作品能够与人民群众产生共鸣。

总之，马克思主义对艺术创作的指导原则是要服务于人民大众，批判现实，传
播正能量，注重与人民群众的联系。

艺术家在创作过程中应当坚持这些原则，不断提高自身的审美素养和创作水平，为社会主义建设和文化繁荣作出积极的贡献。

美育的发展历程美育是研究社会如何推动和参与美的产生，及其在心灵和实践中的影响的学科。

它也可以被定义为一种改变涉及物质和情感的动态的教育理念。

一般来说，美育被认为是一个多维度，多学科的过程，从可持续发展到艺术，都有所参与。

美育始于古希腊和罗马，不同诸侯国家学习着彼此珍视的美德，追求各种艺术形式，将它们用于礼仪教育和公共宣传。

随着文艺复兴兴起，艺术和美育发展出多种做法，在欧洲各国发展出独特的教育理念和理论。

举个例子，巴洛克时期的德国把教育和艺术联系起来，形成了教学的新方式“美化”或“艺术化”教育原则，引导和关注学生的审美发展。

20 世纪美育在西方国家开始大量发展。

先是美国哲学家约翰•肯尼迪发表著作《美育理论》，继而大量学者研究出多种美育思想。

比如，像弗兰克•费雪，他用功课介绍了辅导，运动，肢体和审美活动，以及健谈术等在孩子身上发挥作用，它们进一步激发了人类发明美学理论。

后来，英国国家教育机构积极探索如何以艺术和美育作为子学科改变教育模式。

英国教育厅的《萨默塞特宣言》在研究和理解美育的原则上发挥了重要作用，于1992.1.7发表，宣布让艺术，文学，音乐，历史，宗教及文化改变了学校日常教学规定。

但是，教育机构遇到了一些实践问题，比如因精神和实物资源匮乏仍然存在着挑战。

美育的理论和政策的发展也在不同国家和文化地区出现了不同的特点，在特定文化和宗教背景下，美育可以作为本土文化的载体，以寻求文化多样性的支持。

此外，受新媒体技术的影响，美育的视野逐渐拓宽，如何利用移动互联网和社交网络，增加美学教育者和社会个体之间的联系和交流，已成为国际社会值得关注的话题，而网络艺术教育已经被视为美育及艺术教育中一种重要的手段。

这也对现有的美育理论和实践提出了新的挑战，以满足社会和个体生活中更多变化的需要，美育也充满了无穷的希望和活力。

因此，美育意义重大，可以通过创新的教学理念和活动，使人们更有效地领悟和理解美的含义，从而发展出更多艺术和文学的表达方式，让人们对于艺术的文化价值有更深刻的认识，激发女性艺术家和文学家的创造潜能，以期追求社会美的完美境界。

艺术设计的七大原则
1. 统一性(Unity)
统一性是指设计作品中各个元素之间的协调和谐,使整体看起来连贯一致。

这包括颜色、形状、材质、纹理、比例等方面的统一。

统一性可以通过重复、对比、渐变等手法来实现。

2. 平衡(Balance)
平衡是指视觉上的均衡感,可以分为对称平衡和非对称平衡。

对称平衡给人以稳重庄重的感觉,而非对称平衡则更富有动感和活力。

设计师需要根据作品的主题和风格来选择合适的平衡方式。

3. 比例(Proportion)
比例是指元素之间尺寸大小的关系。

合理的比例关系可以使作品看起来更加协调统一。

设计中常用的比例关系有黄金比例、根式比例等。

4. 节奏(Rhythm)
节奏是指视觉元素在作品中的有规律的重复或变化,给人以动态的感受。

节奏可以通过大小、形状、颜色、纹理等元素的变化来体现。

5. 强调(Emphasis)
强调是指在作品中突出主体或重点部分,使其成为视觉焦点。

常用的强调手法有对比、放大、变形、颜色突出等。

6. 对比(Contrast)
对比是指元素之间的明显差异,如明暗、粗细、冷暖、虚实等,可以使作品富有张力和动感。

适当的对比可以增强作品的视觉冲击力。

7. 变化(Variety)
变化是指在作品中适当地引入新的视觉元素,避免单一乏味。

变化可以体现在颜色、形状、材质、纹理等多个层面,使作品富有层次感和趣味性。

艺术以现实中的例子引入，提出到北京见到了一些“现代艺术”形式，例如，把手放在桌子上，遗留的下自己的体温，带着体温的桌子是否是艺术品？带着这个问题进入第一个大知识点:一、艺术是什么（1）艺术的含义太大，暂把艺术(art)范定在一件件具体的艺术作品（work of art）的含义上，即是说，艺术是什么?艺术是各种艺术作品的总称。

（2）那么，什么是艺术作品呢?一幅画、一曲音乐、一首诗、一个建筑······（3）然而，它们又是在什么时候,或是说,在什么条件下才能成为艺术作品（什么是艺术作品)？（举一个通俗易懂的例子，艺术作品在很多时候不是作为审美对象存在的。

）乔治·迪基的艺术“惯例”论（或制度论,Institutional theory）,认为被一定的“惯例”或“制度”认为是艺术的就是艺术品，因此，什么是艺术得由博物馆的专家来决定了。

（4）艺术与审美、艺术作品与审美对象是不是一回事？（艺术作品究竟存在于哪里？是存在于心灵？存在于人性之中？还是存在于画布，石块,书页，乐谱之中？）从美学看,这两个问题是一个问题,即人工作做的客观物件,包括实用物件和所谓纯艺术创作（fine arts)，究竟如何成为人们的审美对象？提出接受美学，接受美学（The aesthetics of reception）从接受者（读者、观众）的立场来历史具体地探讨作品被接受的各种条件、机缘、心理,实际上是将审美心理学与艺术社会学融合在一起。

得出:从古至今艺术品总与一定时代社会的实用、功利紧密纠缠在一起,总与各种物质的（如居住、使用)或精神的（如政治的、伦理的、宗教的)需求、内容相关联。

（当艺术作品完全失去社会公用,仅供审美观赏,成为“纯粹美”时，它们即将成为完美的装饰而趋向衰亡。

）没有所谓实在的纯粹艺术，只有或多或少地渗透人世情感内容的艺术。

因此，何为艺术品?只有当某种人工制作的物质对象以其形体存在诉诸人的此种情感本体时,亦即此物质形体成为审美对象时,艺术品才现实地出现和存在。

艺术设计十五讲考研核心笔记凌继尧第一讲艺术设计的定义20世纪美国设计师罗维创立艺术设计中的流线型风格。

飞机、汽车、舰艇等美国艺术设计师德雷福斯1937年设计的现代电话机原型环绕我们生活的美也包括造物的美。

造物世界是艺术设计的世界……一、艺术设计观念的历史发展艺术设计（design），并不是对象的全部设计，而只是对象的艺术方面的设计。

艺术设计是现代工业批量生产的条件下，把产品的功能、使用时的舒适和外观的美有机地、和谐的结合起来的设计。

作为一种职业，它在20世纪初期诞生和形成。

其理论的基本问题是生产和艺术、效用和美的关系问题。

（一）中国艺术设计观念的形成1、春秋时代的文献中，有很多记载涉及到艺术设计的观念。

《老子》、《论语》、《大学》2、战国时期的《考工记》是我国第一部论述手工艺技术的著作，是我国古代技术史最重要的文献。

在我国器物制作史上产生了重大影响。

1、它总结了我国古代的器物制作经验，制定了器物制作的基本原则。

2、它包含着丰富的艺术设计观念。

以车为例，它关于车轮、车厢、车盖和其他部件的制作原则都充分体现了形式遵循功能的观念。

车轮的制作要使使用者感到舒适，用现代术语说，要考虑到人体工程学因素。

木车的制作还要考虑到文化象征意义。

3、明朝宋应星《天工开物》集中国传统文化和科学技术于一身，“天工开物”史“天然界靠人工技巧开发出有用之物”这四个字集中体现了中国传统的造物思想。

4清朝康熙年间李渔《闲情偶寄·器玩部》中的艺术设计观念。

他把器物看做感情的寄托。

他善于通过排列布置，使无情之物变为有情之物。

这样看待器物，就是造物在手而臻化境矣。

（二）西方艺术设计观念的1、古希腊人理解的艺术包括音乐、绘画、雕塑、手工业、农业、医药、骑射、烹调等。

艺术和技术是不同的然而相互补充的活动。

2、苏格拉底产生了美和效用的关系问题，苏格拉底把美和效用联系起来，认为没必定是有用的，衡量美的标准就是效用，有用就美。

有害就丑。

苏珊朗格的“现代模仿说”：艺术是人类情感的象形符号黄应全【摘要】关于苏珊·朗格的艺术观,汉语学界虽有无数研究,但多有浮泛不精之嫌.受乔治·迪基把朗格学说称为“现代模仿说”启发,本文试图对其核心主张作一重新解释.本文首先介绍朗格独特的符号理论,然后重新解释朗格的艺术定义,最后介绍一些英美学界对朗格艺术观的理解和批评.本文认为,朗格艺术观表面上看似乎是以符号论为基础对模仿说、表现说、形式说、幻象说、直觉说等已有著名学说的一种杂糅拼凑;但实际上,朗格虽然的确巧妙地调和了诸多既有学说,但其核心观点却是非常明确清晰的,即艺术是人类情感的象形符号.【期刊名称】《首都师范大学学报（社会科学版）》【年(卷),期】2018(000)005【总页数】10页(P101-110)【关键词】话语性符号;呈现性符号;象形符号;形式;表现;生命逻辑【作者】黄应全【作者单位】首都师范大学文学院北京100048【正文语种】中文【中图分类】B83-069苏珊·朗格艺术观是对再现说、表现说、形式说、幻象说、直觉说等著名学说在符号论(以及格式塔心理学)基础上的一种综合。

在朗格那里，说艺术是再现，说艺术是表现，说艺术是形式，说艺术是幻象，说艺术是直觉，彼此没有任何矛盾。

沟通这些学说的基础乃是符号论(以及格式塔心理学)，把艺术(作品)归结为一种与“生命形式”异质同构的特殊符号，即情感象形符号。

一、朗格的符号论众所周知，朗格艺术观的基础是她的符号论，美学只是其符号论哲学的一部分。

因此，我们先来看看朗格的符号论。

1.人的本质在于“符号转化”虽然朗格否认她的哲学是唯心论的[注] 朗格说：“然而，我并不相信一种对实在的唯心论解释是承认艺术为一种符号形式所必需的。

”Susanne nger, Philosophy in a New Key: A Study in the Symbolism of Reason, Rite and Art,Cambridge, Mass.: Harvard University Press, 1942. P.xiv.，但从总体上说，朗格继承的依旧是笛卡尔以来西方现代哲学的基本思路，主张一切皆人类建构，相信不存在离开人的世界，认为人只生活在人自己创造的世界里。

乔布斯创新成功的事例-概述说明以及解释1.引言1.1 概述乔布斯是被公认为在科技创新领域取得巨大成功的杰出人物之一。

从苹果公司的创立到推出一系列具有开创性的产品，乔布斯展示了他独特的创新思维和卓越的产品设计能力。

本文将详细探讨乔布斯在创新方面取得成功的原因，并探讨这些经验对他人的启示和借鉴。

在乔布斯的整个职业生涯中，他始终坚持以创新为导向。

他不仅关注技术的发展，还注重产品与用户之间的无缝结合。

他独特的创新思维使他能够在竞争激烈的市场中脱颖而出。

乔布斯的创新思维深受艺术和设计的影响。

他相信技术和艺术的结合能够创造出令人惊叹的产品。

他倡导“简洁至上”的设计理念，致力于创造优雅、简单而又功能强大的产品。

他的设计哲学贯穿于苹果公司的每个产品，从Macintosh电脑到iPod、iPhone和iPad，都体现了他对用户体验的极致追求。

乔布斯的创新还体现在对市场和用户需求的敏锐洞察力。

他始终保持着对未来科技发展方向的关注，并将其转化为用户真正需要的产品。

他对细节的关注和严格的品质控制，使得苹果的产品能够引领市场潮流，并成为消费者的首选。

乔布斯创新成功的另一个关键要素是他对团队合作和领导力的重视。

他懂得如何发挥每个团队成员的优势，使他们共同朝着一个愿景努力。

他的领导风格激励着团队成员，并促使他们超越自我，取得卓越成果。

乔布斯的创新经验给予了我们许多启示和借鉴。

首先，创新不仅仅依靠技术，还需要结合艺术和设计，关注用户需求。

其次，对市场的敏锐洞察力和对产品细节的追求是创新成功的重要因素。

最后，团队合作和领导力的重要性不可忽视，只有通过协同合作才能实现真正的创新。

通过分析乔布斯的创新思维和产品设计理念，我们可以发现许多成功的秘诀。

不仅对科技行业的从业者有借鉴意义，对于任何一个行业的创新者来说，乔布斯的成功都是一部值得深入研究和借鉴的案例。

接下来，我们将详细探讨乔布斯的创新思维和产品设计，以更好地理解他在创新领域取得成功的关键要素。

收稿日期：２００６－０３－０６作者简介：肖彦，西南民族大学文学院中国现当代文学专业２００４级研究生。

乐山师范学院学报ＪｏｕｒｎａｌｏｆＬｅｓｈａｎＴｅａｃｈｅｒｓＣｏｌｌｅｇｅ第２１卷第１０期２００６年１０月Ｖｏｌ．２１，Ｎｏ．１０Ｏｃｔ．２００６艺术分类问题与莫・卡冈的艺术形态学思想肖彦（西南民族大学文学院，四川成都６１００４１）摘要：在美学思想史上，关于艺术诸形式的分类问题从来是一个纷争不断的话题。

随着艺术本身的发展，各个历史时期的美学家所建立的艺术分类体系似乎都难以经受住时效性的考验。

在２０世纪７０年代，前苏联美学家莫・卡冈尝试着将自然科学的方法如系统论、生物学的分类标准等引入对艺术分类问题的研究当中，并借用了物理学中的“光谱系列”概念。

在新方法的指引下，莫・卡冈顺利建立起了一个极其缜密，涵盖了几乎所有已知艺术形式而又具有开放性的艺术分类体系，有效解决了艺术分类的涵盖面和时效性问题。

关键词：艺术分类；系统论；“光谱系列”；开放性中图分类号：ＪＯ文献标识码：Ａ文章编号：１００９－８６６６（２００６）１０－００７４－０４一、历史上对艺术分类的诸种言说人类过往的生存经验已经证明，我们对于认知对象的真正把握，是从给予该对象一个足以将其与其他事物区分开来的独一无二的名称开始的。

有了这个名称，对象也就摆脱了回复混沌莫辨的状态的危险。

而这个命名的过程，也就是分类的过程———人通过观察与思考，在分类的过程中将对象所具有的本质特征纳入到某个名称所代表的概念之下。

所以，分类也就意味着对对象本质的把握。

正是在这个意义上，恩斯特・卡西尔断言：“分类是人类语言的基本特性之一”［１］，人类则成为“分类的动物”。

当人类面对作为自身创造物的艺术世界，并试图认清这个世界面目的时候，对艺术的分类活动也就无法避免了。

古希腊神话当中那九位各司其职的缪斯女神，便可以看作西方美学史上对艺术分类问题的最早解决方案。

在整个西方美学思想史上，几乎每一位想要对艺术世界做出整体性论述的思想者都必须对这个问题提出自己的答案。

作为手法的艺术维•什克洛夫斯基自《散文理论》,什克洛夫斯基著,百花洲文艺出版社1994年“艺术——这就是形象思维。

”这句话既可出自一个中学生之口，也是一个在文学理论内着手建立某种体系的语文学学者的出发点。

这个想法在许多人头脑里根深蒂固,而波捷勃尼亚①无论如何该称为具有这种想法的先驱者之一。

②他说:“没有形象就没有艺术，具体说来,就没有诗.”③他在另一个地方又说:“诗，散文亦然，首先是，而且也主要是某种思想和认识方式。

"④诗是一种特殊的思维方式，即形象思维方式。

这种方式能在某种程度上节约智力，能产生“过程的相对轻松感。

”审美感就是这种节约的反射。

奥夫相尼科—库里科夫斯基院士的这种理解和归纳大概是正确的，他无疑仔细研读过他的老师的著作。

波捷勃尼亚和他的人数众多的学派认为诗是一种特殊的思维——即用形象进行的思维，而形象的任务则是把各种不同的事物和动作分门别类，并通过已知之物来解释未知之物。

或者，用波捷勃尼亚的话说：“形象与被解释之物的关系是：1)形象是可变主语的固定谓语—-是吸聚多变的统觉经验的固定手段……;2）形象是某种比被解释之物更简单明了得多的事物，”⑤也就是说，“既然形象性的目的是使我们更容易理解形象的意义，既然舍此则形象性失去意义，所以，形象应当比它所解释的事物更为我们所熟悉。

”⑥用这条规律来看丘特切夫将夜晚的闪光比作聋哑的恶魔，或是果戈理把天空比作上帝的法衣是颇为有趣的。

“没有形象就没有艺术。

”“艺术即形象思维。

"人们从这些定义出发生拉硬扯地做出了莫大的荒唐事：竟要把音乐、建筑和抒情诗也理解为形象思维。

奥夫相尼科—库里科夫斯基院士经过四分之一世纪的辛劳之后，终于不得不把抒情诗和音乐划出来，把它们归入一种特殊的新形象艺术——他称它们为直接诉诸情绪的抒情艺术。

⑦结果，存在一个很大的艺术领域并不是一种思维方式，但这一领域中的一种艺术——抒情诗（狭义上的）却又与“形象的”艺术完全相似,因为它同样是运用词语；而且更为重要的是,形象的艺术之转化为非形象艺术竟然全然不露形迹，我们对这二者的感受也相同。

学前儿童艺术教育活动实施的原则重视互动原则结合实际例子
学前儿童艺术教育活动实施的原则重视互动原则，是因为互动可以帮助儿童更好地理解、消化和吸收知识，培养他们的想象力和创造力，增强他们的交际能力和自我表达能力，以及增强他们的合作意识和团队精神，有助于全面发展儿童的智力、身体、情感和社交能力。

以下是一个实际例子：
在幼儿园的艺术课上，老师告诉孩子们今天要画一副农村风景画。

老师先给大家演示一遍，然后让孩子们分组合作。

每个小组有一张大纸和一套颜料。

孩子们在选定颜色和画笔之后，开始了绘画过程。

有的孩子画了田野、有的孩子画了房屋、有的孩子画了小河、还有的孩子画了小动物。

孩子们不仅自己动笔画图，还会相互观察和交流，互相学习，帮助彼此完善自己的画作。

最后每组向大家展示他们的成果，互相欣赏和评价，经验分享。

这个活动不仅让孩子们充分发挥自己的想象力和创造力，提高自我表达和交际能力，还能够增加孩子们的合作意识和团队精神，让孩子们在有趣的环境中获得美的感受和不同的经验。