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西方芭蕾史思考题意大利早期芭蕾的源头是什么？它们各自在哪些方面为雏形期的芭蕾提供了养料？芭蕾，法语Ballet的音译，是诞生于意大利，兴盛于法兰西，鼎盛于俄罗斯的欧洲古典学院派剧场舞蹈体系。
这门艺术已有几百年的发展历史，追溯其起源，大体可分为以下几个方面：古希腊的舞蹈、古罗马的拟剧、中世纪杂耍者的艺术、意大利职业悲喜剧、法国和意大利宫廷舞会上的舞蹈、欧洲各国的民族民间舞。
芭蕾的萌芽阶段上吸收这几个方面的养料，经过在古典主义审美理想的指导下的改造变形，成为了芭蕾艺术的重要组成部分。
一、古希腊的舞蹈：（一）希腊是古代世界的文明中心，西方文明的发祥地以及西方艺术的主要源头，各种艺术形式都很发达。
希腊的地理环境和古代希腊的民主政治制度都为舞蹈这种以人体美为中心的艺术的发展提供了有利条件。
一个结实、健美的人体，在当年的希腊是受人尊敬和称羡的。
古希腊人敢于在庄严的神庙或节庆仪式上展示裸露的身体，显示他们对人体美的追求，那个时代的舞蹈按其主要特征可以分为宗教礼仪舞蹈、战争舞蹈、家庭舞蹈和酒神祭舞蹈。
神话贯穿在古希腊人的整个文学艺术创作中，舞蹈同样也与神话紧密相连。
古希腊舞蹈的最大特点是舞蹈与朗诵、音乐的紧密结合，是综合性演出；往往歌者与舞者由一人兼任，载歌载舞。
其次，这些舞蹈的动作简单，变化不多，主要是组成一些不同的图案；其三，当时以群舞为基本形式，注重共性和协调，而不突出个性，独舞的表演很少见。
因此，古希腊的舞蹈在戏剧结构和演出形式上为雏形期的芭蕾提供了养料。
二、古罗马的拟剧：公元前27年，罗马进入帝国时代，在罗马的奴隶主统治期间，古希腊文化艺术传入罗马，经过当地居民的消化改造，发展成了独特的“拟剧”艺术形式。
在这种“拟剧”表演中，演员用手势和动作表现一定的故事情节，塑造性格，其原意是“用模拟再现一切。
”拟剧盛行于罗马宫廷，发展很快，十分普及。
到了公元1世纪，“拟剧”已用来泛指一切带面具表演故事的戏剧舞蹈形式。
舞蹈表演与编导专业舞蹈表演与编排课程优秀教案范本舞蹈表演与编排的基本技能与创作方法在舞蹈表演与编导专业中，舞蹈表演与编排课程是非常重要的一门课程。
通过此课程的学习，学生能够培养舞蹈表演的基本技能，并了解舞蹈编排的创作方法。
本文将介绍一份优秀的教案范本，帮助学生更好地理解舞蹈表演与编排的基本技能与创作方法。
第一部分：舞蹈表演的基本技能在舞蹈表演与编导专业中，掌握舞蹈表演的基本技能是必不可少的。
本部分将介绍舞蹈表演的基本技能，包括姿势、动作、节奏等方面。
1. 姿势: 学生需要掌握正确的舞蹈姿势，包括脚部姿势、身体姿势、手臂姿势等。
在教学中，教师可以通过示范和指导让学生正确掌握各种姿势。
2. 动作: 学生需要学习各种舞蹈动作，包括跳跃、转身、转体等。
教师可以通过分解动作、反复练习等方式帮助学生掌握舞蹈动作的技巧。
3. 节奏: 学生需要学习舞蹈的节奏感，掌握舞蹈动作与音乐的配合。
教师可以通过节奏训练、音乐分析等方式培养学生对节奏的感知能力。
第二部分：舞蹈编排的创作方法舞蹈编排是舞蹈表演与编导专业中的重要内容，学生需要学习舞蹈编排的创作方法。
本部分将介绍舞蹈编排的创作方法，包括舞蹈题材、舞蹈结构、舞蹈动作编排等方面。
1. 舞蹈题材: 学生需要选择适合的舞蹈题材进行创作，可以是古典舞、现代舞、民族舞等。
在教学中，教师可以引导学生了解不同舞蹈题材的特点，激发学生的创作灵感。
2. 舞蹈结构: 学生需要学习舞蹈的结构组织方式，包括序幕、主题、发展、高潮、结尾等。
教师可以通过分析经典舞蹈作品的结构，帮助学生理解舞蹈结构的重要性。
3. 舞蹈动作编排: 学生需要学习舞蹈动作的编排技巧，包括动作的变化、转换、呼应等。
教师可以通过训练学生的创新思维和观察力，培养学生的动作编排能力。
第三部分：优秀教案范本下面是一份优秀的教案范本，帮助学生更好地学习舞蹈表演与编排课程：教案名称：《舞蹈表演与编排基础训练》教学目标：1. 掌握舞蹈表演的基本姿势和动作。
一、教学大纲概述1. 课程名称：舞蹈教育培训课程2. 课程性质：专业技能培训课程3. 教学对象：舞蹈爱好者、舞蹈学生、舞蹈教师等4. 教学目标：（1）提高学生的舞蹈基础技能和表演能力；（2）培养学生的舞蹈审美能力和创造力；（3）使学生掌握舞蹈教学的基本方法，具备一定的舞蹈教育能力。
二、教学大纲结构1. 教学内容（1）舞蹈基础理论（2）舞蹈基本功训练（3）舞蹈表演技巧（4）舞蹈编导与创作（5）舞蹈教学理论与实践2. 教学进度安排第一阶段：舞蹈基础理论（2周）第二阶段：舞蹈基本功训练（4周）第三阶段：舞蹈表演技巧（3周）第四阶段：舞蹈编导与创作（2周）第五阶段：舞蹈教学理论与实践（3周）3. 教学方法（1）理论讲授：讲解舞蹈基础知识、舞蹈技能要点等；（2）实践操作：进行舞蹈基本功训练、舞蹈表演、舞蹈编导与创作等；（3）案例分析：分析优秀舞蹈作品，探讨舞蹈表演技巧与编导方法；（4）互动交流：学生之间、师生之间进行舞蹈技能、教学方法的讨论与交流。
三、教学大纲内容1. 舞蹈基础理论（1）舞蹈的定义、起源与发展；（2）舞蹈的种类与风格；（3）舞蹈表演的基本要求；（4）舞蹈编导的基本原则与方法。
2. 舞蹈基本功训练（1）舞蹈基本步伐与组合；（2）舞蹈基本手位与动作；（3）舞蹈基本舞姿与造型；（4）舞蹈基本节奏与韵律。
3. 舞蹈表演技巧（1）舞蹈表演的技巧与方法；（2）舞蹈表演的舞台表现力；（3）舞蹈表演的心理素质培养。
4. 舞蹈编导与创作（1）舞蹈编导的基本原则与方法；（2）舞蹈创作的灵感来源与素材积累；（3）舞蹈作品的结构与表现手法。
5. 舞蹈教学理论与实践（1）舞蹈教学的基本方法与技巧；（2）舞蹈教学过程中的组织与管理；（3）舞蹈教学评价与反馈。
四、教学评价1. 期末考核：根据学生舞蹈技能、表演能力、编导与创作能力等方面进行综合评价；2. 平时考核：根据学生课堂表现、作业完成情况等进行评价；3. 学生反馈：收集学生对教学内容的满意度、教学方法的建议等，不断优化教学。
第八章：舞蹈编导的创作方法（1）第一节：舞蹈编导的编舞方法一、“编导的指导原则”当舞蹈编导进入排练厅准备编舞的时候，脑海里涌现出各种各样的舞步和动作，当你考虑和选择被认为是最恰当的舞蹈手段时，你的依据是什么？出发点是什么？这是首先必须弄清楚的。
作为现实主义的创作原则，应该坚持从内容出发、从人物出发、从生活出发。
舞蹈动作本身一下是我们的目的，我们的目的是通过一系列的舞蹈，去表现作品中所反映出的生活事件和人物形象。
假如让我们编一段《雷雨》中繁漪的独舞，我们当然应该把这部剧作的主题、人物所处的时代及其性格和情感作为我们设计动作的出发点，找出最适合的表现手段，绝不是随意取来一个动作就可以的。
西方今日流行的“为舞而舞”的所谓抽象派舞蹈”是不足效法的。
我们认为，没有人物的内在情感做基础或出发点，任何外在的表现形式都是虚假的；反过来讲，任何人物的内在情感必须找到充分的外在形式。
舞蹈编导的任务就是要达到内容和形式的高度统一。
世界著名舞蹈编导福金在论述舞剧创作的基本原则时讲到：1。
应当仅仅用现成舞步的组合，还应当有舞剧的主题、时代相符合的动作的独特的创造。
2.舞蹈和哑剧只能是用来推进戏剧情节的。
3．程式动作只有在舞剧的风格需要的地方才可以采用，否则，舞蹈家必须以自己的形体来体现。
4.群众和集体舞的安排，必须是为了增加舞剧的表现力，而不仅仅是为了装饰。
二、“情感的逻辑决定动作的逻辑”编导的思维要有逻辑性，人物情感和细节发展的逻辑顺序决定着编导的构思．编导不宜总沉醉于盲目的傲情当中，要誉于将自己的天才、灵感、即兴创作，纳人自己的总体构思的轨道中来。
当你在设计舞蹈的时候，时刻都不要忘记人物的情感和行为的逻辑，用它来检验你们编出的每一个动作、一个造型、每一个舞蹈技巧。
舞蹈动作的设计要服从于人物的情感和行为的逻辑，不应该机械地理解为每一个动作都要表达一种意思，舞蹈不可能做到这点，也不应该这样要求。
但是，目前有些作品中乱用舞蹈技巧，不顾人物此时此地的心境比如：一个人正在用缓慢的舞步悲痛地走着，不知为什么在舞台中心连续转补十几个圈，使观众莫明其妙。
舞蹈编导的创作思想及功能探讨舞蹈编导是舞蹈创作的重要环节，他们不仅需要有扎实的舞蹈技巧，还需要具备丰富的舞蹈知识和创作思想。
舞蹈编导不仅要负责舞蹈作品的编排和排练，更要在舞蹈作品中表达出自己的创作理念和艺术追求。
本文将探讨舞蹈编导的创作思想及功能。
一、舞蹈编导的创作思想1.表达情感舞蹈是一种艺术形式，其最基本的作用就是表达情感。
舞蹈编导在创作舞蹈作品时，需要思考如何通过舞蹈的语言来表达出特定的情感，如欢乐、悲伤、愤怒、温柔等。
通过舞蹈的动作、动作的连贯性和节奏感，来传达出作者的情感，观众能够通过观赏舞蹈作品来感受到作者想要表达的情感。
2.探索题材舞蹈编导在创作舞蹈作品时，需要选择一个具有深度和内涵的题材。
这个题材可以是现实生活中的故事，也可以是抽象的概念。
通过对题材的深度挖掘和多角度的思考，舞蹈编导能够创作出更具有思想性和艺术性的作品，让观众在欣赏舞蹈作品的同时能够得到深刻的思考和感悟。
3.突破传统在创作舞蹈作品时，舞蹈编导需要在传统的舞蹈语言之外进行突破，创造出新的舞蹈形式和表现手法。
这种突破可以是舞蹈动作的结构上的改变，也可以是舞蹈的编排手法上的创新。
通过突破传统，舞蹈编导能够创造出更具有现代感和个性化的舞蹈作品，让观众在欣赏舞蹈作品时能够感受到作者对舞蹈艺术的独特理解和创新精神。
二、舞蹈编导的功能探讨1. 提升舞者表演水平舞蹈编导不仅是舞蹈作品的创作者，还是舞者的指导者。
在排练过程中，舞蹈编导需要指导舞者如何把握舞蹈的节奏和情感，如何通过舞蹈动作来表达出作者的意图。
舞蹈编导的指导是提升舞者表演水平以及理解和诠释舞蹈作品的重要手段，通过舞蹈编导的指导，舞者能够更好地理解舞蹈作品的内涵和艺术追求，提高自身的舞蹈技艺和表演水平。
2. 传递创作理念舞蹈编导通过创作舞蹈作品来表达自己的创作理念和艺术追求。
在创作舞蹈作品的过程中，舞蹈编导需要通过对舞蹈的动作、编排和音乐的选择等方面的把控，来传递自己的创作理念。
试述现代舞舞蹈编导中的创作思想及创作结构一、创作思想1. 自由与个性现代舞以其自由、个性的舞蹈风格而著称，而在编导中，自由与个性也贯穿其中。
编导者在创作时会尊重舞者的个性和特长，鼓励舞者在舞蹈中展现自己的风采和特色。
编导者也会注重对舞蹈主题和意境的挖掘，追求自由而有深度的艺术表达。
2. 融合与创新现代舞融合了多种舞蹈形式和元素，如芭蕾舞、民间舞、现代舞等，因此在编导中也需要融合多元的艺术元素。
在创作过程中，编导者会尝试各种可能的舞蹈元素和形式，创新出新的舞蹈语言和表达方式，达到艺术的升华和突破。
3. 表现与探索现代舞舞蹈编导中的创作思想也注重对于生活和情感的表达和探索。
编导者会深入生活，观察人们的情感和行为，将这些情感和行为融入到舞蹈创作中，通过舞蹈来传递和表现情感，探索人生的意义和命运的轨迹。
4. 艺术与社会现代舞融合了对于社会和人们生活的关注，因此在编导中也会融入对社会现实和人文情感的关怀。
编导者会关注社会热点和时事问题，将这些问题融入到舞蹈创作中，通过舞蹈来呈现社会的多样性和人们的生存状态。
二、创作结构1. 主题和情感现代舞舞蹈编导中的创作结构首先需要确定一个清晰的主题和情感。
主题可以是一个故事、一个意象、一个情感或者一个抽象概念，主题的确定对于整个作品的创作起着至关重要的作用。
情感是舞蹈的灵魂，编导者需要通过对于情感的深入挖掘和处理，来提炼出舞蹈的精髓。
2. 节奏和结构现代舞舞蹈编导中的创作结构还需要考虑节奏和结构的安排。
节奏是舞蹈的灵魂，编导者需要通过对音乐和舞蹈节奏的处理，来提升舞蹈的音乐感和动感。
结构是舞蹈的骨架，编导者需要对舞蹈的结构进行规划和安排，使得整个作品的结构紧凑且有张力。
3. 舞蹈语言和动作设计现代舞舞蹈编导中的创作结构还需要考虑舞蹈语言和动作设计。
舞蹈语言是舞蹈的表达方式，编导者需要根据主题和情感来选择适合的舞蹈语言和风格。
动作设计是舞蹈的基本构成，编导者需要设计出具有独特性和表现力的动作，来传递主题和情感。
舞蹈编导的创作思想分析摘要：舞蹈编导是一个多样性和充满挑战性的领域。
本文通过分析舞蹈编导的创作思想，探讨了创作的过程和实践，以及在作品中体现的艺术效果。
本文介绍了舞蹈编导创作思想的基本原则和方法，以及如何在舞蹈表演中实现艺术效果。
关键词：舞蹈编导；创作思想；艺术效果正文：舞蹈编导是舞蹈创作的关键环节，需要综合考虑音乐、造型、意境等方面的因素。
创作思想对舞蹈编导至关重要，它直接影响作品的质量和表现力。
舞蹈编导的创作思想可以从以下几个方面进行分析：一、创作主题：创作主题是舞蹈编导的灵魂所在，它是作品的核心和主旨。
编导必须对主题有深刻的理解，并能将其转化为独具特色的舞蹈语言。
例如，当编导要表现“爱情”这个主题时，需要选择合适的音乐和形式，并且在舞蹈语言中体现出爱情的多样性和深刻性。
二、表现形式：舞蹈表现形式是由编导所选择的音乐、动作、服装、灯光等元素构成。
编导必须对这些元素做出准确的选择，并按照主题要求进行组合使用。
例如，在舞蹈表现中，编导需要使用合适的音乐并加入适当的动作和姿态，来表现人物的情感和氛围。
三、创新精神：创新是舞蹈编导最重要的思想之一。
编导需要勇于尝试新的表现方式，从新的角度来审视和表现主题。
例如，在舞蹈表现中，编导需要使用不同的视角和动作来体现主题的深刻性，并且尝试不同的艺术形式。
四、表达情感：在舞蹈编导创作中，情感表达是非常重要的一个方面。
编导需要通过舞蹈语言来表达主题所蕴含的情感和意境。
例如，在表现愤怒的主题时，编导必须使用快速的动作、强烈的音乐和精彩的舞蹈语言来表现出愤怒的情感。
总之，在舞蹈编导创作中，创作思想是至关重要的。
只有通过深入的思考和在实践中的勇于实践，才能创作出具有高艺术价值和表现力的舞蹈作品。
舞蹈编导创作思想的发展历程非常悠久，从最初的民间舞蹈表演到现在的现代舞蹈，舞蹈编导的创作思想和实践灵活多样，因此，舞蹈编导的创作思想是不断发展和演化的。
舞蹈编导创作思想对于艺术作品的质量和表现力有着直接的影响。
关键词：现代舞蹈；创作思想；创作结构现代舞蹈不同于其他类别的舞蹈，它更加自由、活泼、开放，给观众一种充满活力的视觉感受。
在现代舞蹈的编导过程中，一般包含三个重要的环节：第一是确定主题和题材；第二是对舞蹈的脚本进行构思，对舞曲、动作、表情进行设计和安排；第三是反复排练，在排练中发现错误并及时改正，使整个现代舞蹈作品更完整地展现在观众眼前。
在此过程中，需要注意的是要遵循相应的创作思想，开展多元化的创作，这样才能使整个现代舞蹈作品更具灵动性、创新性及观赏性[1]。
一、现代舞蹈编导中的创作思想（一）追求自然在现代舞蹈编导过程中，编导人员要遵循现代舞蹈更加自由、开放的特点，在此基础上打破传统现代舞蹈创作的思维定式，突破时间和空间的局限和束缚，以此展现作品所具备的自然美特征和生命的张力。
例如，在现代舞蹈作品《小岛》中，就向观众展现了生命与自然的激烈对抗，营造了生命与自然相对抗那种令人窒息的紧张氛围，不仅使观众深深沉浸在舞蹈演员的表演中，感受不一样的现场氛围，还充分表达了无论遇见什么样的困难，心中仍要满怀希望的高尚信念，给予观众鼓舞。
在这样的创作思想指引下呈现出来的现代舞蹈作品，总会在表演过程中紧扣观众的心弦，使观众目不转睛，沉浸其中。
但是随着时代的不断发展和舞蹈的不断变革，现代舞蹈编导中的创作思想要在此基础上更加深入观众的内心，为其展现自然的美感。
（二）回归自然在纷繁复杂的社会关系中，充分发挥主观能动性对自我进行表现和展示，常常使其他人产生厌烦感，这样的思想和状态一直延续到20世纪初期才有所改善。
那时的社会发生变革，逐渐改变了人们的思想，所以人们对于美提出了更高的要求，美的展现形式也越来越多元化。
在这样的思想变革发展下，现代舞蹈中的创作思想开始发生改变，越来越适应时代，积极开拓新的创作思路和目标，不断回归到原始的自由创作风格。
现代舞蹈作品的思想内容中主要展现对自然无尽的追求，体现了回归自然的强烈情感，为观众带来了清新脱俗的视觉感受。
舞蹈编导专业发展现状1. 引言舞蹈编导专业是培养舞蹈编导人才的专业学科，旨在培养具备舞蹈专业技能和编导能力的人才。
随着社会对舞蹈艺术的日益重视，舞蹈编导专业的发展也受到了广泛关注。
本文将探讨当前舞蹈编导专业的发展现状，并对未来的发展提出展望。
2. 专业培养体系舞蹈编导专业的培养体系经历了从单一的技能培养到综合素质培养的转变。
以往，舞蹈编导专业主要侧重舞蹈技巧的培养，使学生成为出色的舞者。
然而，随着社会对舞蹈表演和创作的需求不断增加，舞蹈编导专业也逐渐注重学生的创作能力和舞台管理能力的培养。
现今的舞蹈编导专业培养体系更加注重学生全面发展，鼓励学生在专业知识的基础上培养跨学科的能力。
3. 就业形势在现今的舞蹈市场上，舞蹈编导专业的毕业生有着广阔的就业前景。
一方面，舞台剧、歌舞团等表演团体需要专业的编导人才，他们能够负责舞蹈编排和舞台管理。
另一方面，广告、电视节目等媒体也需要具备编导能力的人才来组织舞蹈表演。
此外，舞蹈编导专业的毕业生还可以选择自主创作并开办舞蹈工作室等。
然而，虽然就业前景广阔，但当前舞蹈编导专业的就业竞争也逐渐加剧。
随着舞蹈专业的普及，毕业生数量逐年增加，导致市场竞争激烈。
因此，舞蹈编导专业的毕业生需要具备较高的综合素质和创新能力，以与其他竞争者区分开来。
4. 学科建设为了适应舞蹈编导行业的发展需求，各高校逐渐增加了舞蹈编导专业的教学科目，完善专业课程体系。
在编导技巧培养方面，学生将接受课程如编舞基础、编导实践、舞蹈创作等；在跨学科培养方面，舞蹈编导专业还注重培养学生的戏剧、音乐、舞台美术等相关知识。
同时，为了提高学生的实践能力，许多学校还为学生提供舞蹈实验室、舞台演出机会等实践平台。
5. 发展趋势舞蹈编导专业目前仍处于发展阶段，有许多潜力可以挖掘和发展。
随着现代科技的发展，舞蹈与科技相结合的舞台作品越来越受到观众的欢迎。
未来，舞蹈编导专业或将与多媒体、虚拟现实等领域合作，创作更具创新性和观赏性的舞蹈作品。
浅析舞蹈编导在舞蹈创编中对作曲技法的借鉴从原始时代开始，人们用击掌、踏地、敲鼓、人声来为舞蹈伴奏。
因此，从人类历史开始，舞蹈和音乐浑然一体。
我们常说音乐是舞蹈的‘灵魂’。
其实不然，舞蹈编导在舞蹈创编中，不仅好的音乐能够淋漓尽致地表现舞蹈作品的主题和气氛，好的舞蹈作品也能够使音乐的内涵和思想更加活跃起来，给人以音乐形象的流动之美感。
法国舞蹈编导家卡琳娜・伐纳认为：“音乐和舞蹈的关系不能简化为仅仅是在时间范畴内的简单的‘粘贴’。
选择运用音乐编舞的做法，就是要在编舞的结构中给音乐一个位置，不能把它看作是附属品，而应把它作为创作的组成部分。
”因此，舞蹈编导在舞蹈创编中只有把握好两者的关系才能使两者“齐心合力”为作品服务，最终使作品能够得到好的呈现效果。
这种方式方法效果显著，使这对复杂的统一体配合得相得益彰。
一、重复技法作曲技法中的重复是一种加深印象的重要手法，结构的多次重复，常会造成一种期待引出新主题或主题再现的效果。
而这种技法也是舞蹈编导在舞蹈编舞中组合舞蹈语言最常用的方法，目的是为了保留视觉的延续性，加深舞蹈语汇的印象和加强力度，构成一种积极的推动作用。
如荣获我国第二届全国”桃李杯”优秀剧目奖的舞蹈作品《一个扭秧歌的人》，舞蹈编导张继刚用一个舞蹈来塑造了一个视舞蹈为自己生命的一个民间艺术家的形象。
该作品之所以能够达到如此强烈的艺术效果，重复技法的运用便是其成功的重要因素之一。
在舞蹈作品的开场第一段：二胡奏出秧歌古调，一位垂暮的老民间艺人斜倚在地用表情动作让人感受到他沉浸在忘我唯舞的意境当中。
中间段落则又回到了青壮年时代，舞起了心爱的红绸。
作品最后一段的场景又回复到了开场的状态，回到了老艺人的现实当中。
虽然最后一段的重复动作与旋律似乎跟开场的编排没有任何的区别，但经过中间段落升华的幻想演绎，最后一段的重复使得整个作品展现了这位老艺人对秧歌舞蹈的生死情结，给人意犹未尽的感觉。
因此，重复技法要用得巧妙，用得有意境，否则就会使舞蹈作品显得枯燥无味，使观众感觉厌倦。
总体发展脉络：现代舞是19世纪末，20世纪初发生于美国和德国的一场舞蹈大革命，它彻底否定的对象是封闭僵化的古典芭蕾。
百年来的舞蹈史上，美国先后出现了自由舞、古典现代舞、后现代舞和后后现代舞共五大时期，德国则出现了新舞蹈、舞蹈剧场共两大时期。
两国现代舞的发生可谓不约而同，但都受到了“现代舞之母”——美国舞蹈家伊莎多拉•邓肯的启迪，并在1936年之后开始相互交流和彼此影响，出现了两国现代舞互动互补、融为一体的新品种。
人物：德尔萨特（1811-1871）【法】他是法国歌唱家和音乐理论家，其率先为人的身体设计了一套完整的动作原理和表情体系，尽管他的初衷是为了提高戏剧和音乐表演者的表现力，但在19世纪末，古典芭蕾日益衰落之际，他的这个表情体系便成了现代舞先驱们别无选择的精神启迪与身体练习。
达尔克罗兹（1865-1950）【瑞士】瑞士音乐教育家和理论家，可能是受德尔萨特的影响，创造了一套“人体律动操”，初衷也是为强化音乐系学生的身体感受力和表现力，不过也成为了早期现代舞者不可多得的身体练习。
鲁道夫•冯•拉班（1879-1958）【匈牙利】欧洲现代舞蹈家、舞蹈理论家。
欧洲现代舞的先驱。
早年先后学习绘画、舞蹈、戏剧。
曾先后在瑞士和德国开办过两家舞蹈学校。
并借助于“二十面体”等几何原理，发现了“人体动律学”这套“人体小宇宙的运动规律”，并以此为基础，创造了拉班舞谱这种舞蹈的记谱体系，以及“动作合唱”这套舞蹈的训练体系。
“人体动律学”又称“空间和声学”，其重大意义被国际学术界认为可与爱因斯坦发现了“自然大宇宙的运动规律”的“相对论”相提并论并被广泛的应用到舞蹈以外的工业生产中。
定义：“现代舞”是英文Modern Dance的意译，分别起源于美国和德国，素有“20世纪舞蹈最高成就”之誉，是迄今为止最具国际性的舞蹈品种之一；它以“现代舞之母”伊莎多拉•邓肯“古典芭蕾一点也不美”那声呐喊为号角，最初彻底否定古典芭蕾的唯美主义理想和程式化语言，主张踏着时代的脉搏而舞，弘扬别出新裁的个性特征，倡导独辟蹊径的原创精神，力求内容与形式的完美统一。
以舞蹈作品《黄河》为例—浅谈不同时期的舞蹈创作摘要21世纪开放的政治社会环境，以及人们自身对精神文明的不断追求，加快了舞蹈文化意识建构的脚步。
大众从对舞蹈单一欢乐情绪的推崇发展到深挖舞蹈背后的文化底蕴，舞蹈在时代的变迁中履历创新，迎合人们在不断发展中的审美新要求。
舞蹈编导们顺应时代的特点不断创新，为舞蹈编创进行了有益的探索。
本文将以钢琴协奏曲“黄河”而创作的一系列舞蹈作品与其所处时期的时代背景、舞蹈异同、舞蹈精神、动作结构等因素相结合，综合分析不同类型的舞蹈蕴含的不同审美思想，对不同风格舞蹈中“黄河”意蕴的延续做出了深层解读与探索，进而从舞蹈本身挖掘时代背景的审美趋势，以及舞蹈创作一般规律，对舞蹈编创进行有益的探索。
关键词：钢琴协奏曲；舞蹈精神；时代传承；舞种风格目录一、艺术经典：《黄河大合唱》 (3)（一）第一乐章：危机与希望 (3)（二）第二乐章：黎明的曙光 (3)（三）第三乐章：磨难与愤怒 (3)（四）第四乐章：奋斗的胜利 (3)二、时代传承：从古典舞到街舞的《黄河》 .................................. 错误！未定义书签。
（一）中国古典舞版之《黄河》：用黄河展现历史 (5)（二）中国民族民间舞版之《东方红》：民间语汇在黄河中嘶吼 (5) (6)（四）现代舞版《我们看见了河岸》：用黄河演绎中国现作舞 (6)（五）街舞版《黄河》：“黄河精神”的传承与创新 (7)三、总结与展望 (8)一、艺术经典：《黄河大合唱》《黄河钢琴协奏曲》取材于抗日战争时期的救亡歌曲《黄河大合唱》，1969年由许斐星、石叔诚、储望华、刘庄、殷承宗、盛礼洪和石叔诚六人改编为钢琴协奏曲。
《黄河钢琴协奏曲》由四个乐章构成。
（一）第一乐章：危机与希望《黄河钢琴协奏曲》第一章是《黄河船夫曲》，全面地描绘了船工们在黄河沿岸的生活。
包括船工如何同黄河上的狂风巨浪进行顽强的抗争和殊死的拼搏的场景。
在音乐创作和元素选择上，通过钢琴的快速敲击突显黄河的汹涌澎湃。
舞蹈编创方案舞蹈是一门富有创造性和表达性的艺术形式。
“舞蹈编创方案”是指舞蹈编创过程中所采用的方法和策略，旨在创作出富有创新和独特魅力的舞蹈作品。
本文将就舞蹈编创方案的重要性、常见的创作方法和步骤以及创作中需注意的细节等方面进行探讨，帮助读者更好地了解舞蹈编创的过程和技巧。
第一部分：舞蹈编创方案的重要性舞蹈编创方案是舞蹈作品成功创作的关键。
一个好的编创方案能够帮助舞蹈编导明确创作目标，合理安排时间和资源，提高创作效率。
同时，编创方案能够给予编导以思路和灵感，引导舞蹈作品的风格和主题的确定。
在编创过程中，编导可以根据方案设定的目标和框架，展开舞蹈的构思和设计，使作品更具有内在的逻辑和完整性。
第二部分：常见的舞蹈编创方法和步骤在舞蹈编创中，常见的方法包括主题导向法、形式导向法和音乐导向法等。
主题导向法是指以某个具体的主题或概念为创作起点，通过舞蹈来阐述和表达这一主题。
形式导向法则是以舞蹈形式和结构为导向，强调舞蹈语言和编舞技巧的运用。
音乐导向法则是将音乐作为舞蹈创作的灵感和基础，通过音乐的节奏、旋律和情绪来塑造舞蹈的表现力。
舞蹈编创的步骤可以分为四个阶段：构思阶段、策划阶段、编排阶段和调试阶段。
在构思阶段，编导需要明确舞蹈作品的主题、风格和表达方式。
在策划阶段，编导制定创作计划，确定编舞团队、排演时间和场地等方面的事宜。
在编排阶段，编导进行具体的编舞工作，包括舞蹈动作的设计和组合，舞蹈结构的构建等。
在调试阶段，编导对舞蹈的细节进行反复修正和完善，直至达到理想的效果。
第三部分：舞蹈编创中需注意的细节在舞蹈编创中，需要注意以下几个方面的细节：首先，舞蹈的动作和技巧应与主题和表达方式相契合，不仅需要美感，还要具备艺术内涵。
其次，舞者的身体素质和训练水平需要与编导的要求相匹配，以保证舞蹈的呈现效果。
此外，舞台布景、灯光和音乐等舞蹈的辅助元素也要与舞蹈的内容和氛围相协调，以营造适宜的舞台氛围。
最后，编导还应结合舞蹈的表演环境和观众的审美喜好，进行创作上的选择和取舍，以达到更好的艺术效果和观众的接受度。
试述现代舞舞蹈编导中的创作思想及创作结构
现代舞舞蹈编导是一种充满创造性和实验性的艺术形式，它包含着复杂的思想和结构。
在现代舞的创作中，编导通常需要清晰地定义舞蹈作品的结构和主题，设计出适合情境和
场景要求的动作和舞台表现。
创作思想方面，现代舞舞蹈编导着重于发掘艺术的自由性和个性化表达。
他们强调舞
蹈作品的独立性，鼓励舞者发挥自己的创意和想象力，并通过针对独特的个体存在感来表
达思想、情感和价值观。
他们注重对现实情境的反应，关注社会、政治、文化和艺术等方
面的话题，以此为灵感来源创作作品。
他们也尝试挑战现代舞的传统表现形式，发掘不同
种类的舞蹈动作和技巧，将它们引入舞台，以强调舞蹈作品的个性和独立性。
创作结构方面，现代舞舞蹈编导在舞蹈结构设计中注重主题的贯穿性和情感表达的连
贯性。
他们强调舞蹈作品的主题为整个作品提供了一个统一的框架，使得作品整体具有清
晰的结构和逻辑关系，并为舞者提供表达情感和意象的方向。
编导同样注重舞蹈动作、音
乐和场景的协调和整合，由此创造出独特的内容和美学效果。
他们通过调整舞者的动作组
合和变化来诠释主题和表达情感，在音乐、灯光和舞台布景方面选用和配合适当的素材和
手段，最终达到舞蹈作品整体的美学与感官的效果。
总之，现代舞舞蹈编导具有很高的创造力，他们通过寻找不同的艺术灵感和创意，挑
战现有的表现形式和结构设计，从而打造出独特且令人难忘的舞蹈作品。
他们注重舞蹈艺
术的自由性、个性化和创意表达，同时也注重创作结构的清晰度和连贯性，在舞蹈作品中
营造出深刻的情感和思想的渗透。
舞蹈编导的创作心得（通用18篇）舞蹈编导精神心得体会舞蹈编导是一门需要深入思考和细致计划的艺术，它要求编导者具备创新意识、艺术感知力和组织能力。
经过长期的学习和实践，我深刻体会到了舞蹈编导精神所蕴含的巨大力量。
在下面的文章中，我将分享我对舞蹈编导精神的理解和体会。
第一段：舞蹈编导的创新意识是成功的关键。
舞蹈编导不只是简单地教授舞蹈动作和排练舞蹈节目，它要求我们具备创新意识并勇于尝试新的艺术形式。
编导者需要不断更新思维，跳出传统的束缚，去探索和发现新的表达方式。
在我编导的舞蹈作品中，我常常通过加入不同的技巧和元素，如舞蹈与影像的结合或是舞蹈与戏剧的融合，来呈现出别具一格的作品。
这种创新意识不仅能够吸引观众的眼球，还能够给人一种耳目一新的视听体验。
第二段：舞蹈编导的艺术感知力是塑造舞蹈形象的灵魂。
舞蹈是一种通过肢体语言表达情感和思想的艺术形式。
作为编导者，我们需要通过敏锐的观察力和敏感的感知力，来捕捉到舞蹈表演者身上的每一个细微的动作和情感变化。
只有真正理解舞者的内心世界，才能够将他们的情感和思想转化为独特而深沉的艺术语言。
在编导的过程中，我努力提升自己的艺术感知力，通过和舞蹈者的沟通和交流，让他们能够全情投入到舞蹈中，将他们自身的个性和特点融入到作品中，创造出真正能够感动观众的舞蹈形象。
舞蹈编导涉及到很多不同角色的合作，如音乐人、灯光师、服装设计师等。
作为编导者，我们需要具备良好的组织能力，将这些不同的元素有机地结合在一起，形成一个和谐的整体。
组织能力涉及到时间安排、资源调配和人员协调等方面，需要编导者具备清晰的思维和灵活的应变能力。
我在编导的过程中，经常面临着协调不同人员合作的困难，但通过持续的努力和沟通，我逐渐培养出了较强的组织能力，将团队的合作效率和舞蹈作品的质量达到了一个较高的水平。
第四段：舞蹈编导的耐心和毅力是成功的基石。
舞蹈编导是一个漫长而繁琐的过程，需要编导者有充分的耐心和毅力。
从创作起初到最终演出，舞蹈编导者需要经历数次修改和调整，以打磨出最满意的作品。
浅谈不同阶段的舞蹈发展与舞蹈编导创作摘要:无论在校园、街头还是剧院以及广场，当我们一起欢歌共舞的时候，体会到只有通过自己身体的舞动，才能把内心激动的情感充分表现出来；舞蹈给自己、他人乃至社会带来的愉悦和审美感受是语言文字难以言状的。
中国的舞蹈经历了各阶段的创造、融合、延续至今，无不为其的发展感慨。
关键词：中国舞蹈；原始时期；汉唐舞蹈；发展；舞蹈编导中图分类号：j722 文献标识码：ａ文章编号：1005-5312（2012）20-0126-02中国是世界四大古文明之一，以历史文化的悠久绵长著称于世，而灿烂的中国艺术多姿多彩的发展，又是这古文明取得辉煌成就的一大标志。
灿烂的中华舞蹈文化，源远流长。
它从源头的点点滴滴，时疾时徐，时溢时缓，终于汇成了今天的汪洋大海。
在漫长的时空历程中，有清波潋滟，也有急流回旋，但它始终奔腾不息，纵横恣肆于神州大地上，奔向前方，奔向未来。
这种原始的艺术形态产生之后，就成为人类在漫长发展道路上的忠实旅伴，陪同人类从幼年到成人，从蒙昧进入文明。
其间，不同的社会文化环境，不同的时间流程，无不或深或浅地在乐舞艺术中留下了痕迹。
因此，不仅是对艺术史的研究，作为对人类生产劳动、生活方式、宗教信仰、民情民风、伦理观念、道德规范、审美情趣，我国古代舞蹈在原始社会中渡过了萌芽、形成期，大致在青铜时代已经成熟，然后在封建社会中进一步发展，历汉至唐，在唐代达到了鼎盛期，自宋以后，随艺术领域的整体变动而进入转型期，到了封建社会后期的元明清时代，舞蹈对戏曲艺术的小发展产生了不可取代的巨大作用。
即使被称为“艺术之母”的舞蹈，尽管古文献中有不少的记载，而真正被人们了解先民的体态鲜活、生机盎然的舞姿，却还是1973年在青海省出土的一只陶彩盆中的刻画出的舞者形象得知。
足以见得作为艺术形态之一的舞蹈形式的发展过程是多么的出彩，也是需要我们慢慢研究其艺术和社会等多方面的价值。
一、祖先之舞奠定舞蹈编导的基础在遥远的年代里，我们的祖先因劳动创造了他们自己的同时也厚育了华夏民族大约170万年前的原始时期。
人类的群体生活需要交流思想和感情，人们用手势及其他形态动作来表达自己的思想，慢慢的孕育了舞蹈的因素。
随之，两万四千多年前的周口店龙骨山山洞里，山顶洞人通过小石珠、砾石、兽牙、贝壳等装饰品来美化自己，产生了美的观念，使人在某种精神上享受的原始舞蹈大约在这个时候产生了。
传说中歌舞的创始人即最早的舞蹈编导，“帝”的八个儿子。
他们敲击石片手舞足蹈，虽然不能直接产生任何物质产品，但是通过舞蹈人们在精神上得到满足的同时感受集体力量，从而猎获更多鸟兽，兴旺氏族，因此，劳动生殖是人类最基本的活动也是舞蹈产生发展的重要因素，原始舞蹈也就不可避免的、必然的反映了这两个方方面的内容——劳动和生殖崇拜。
原始社会时期部落和部落之间经常发生战争，频繁的战争生活造就了习武、模拟战场、庆祝胜利等舞蹈的表现内容，我们习惯性的把此类舞蹈称作“武舞”。
通过各种文献传说、石岩画，甚至民间遗留保存下来的此类舞蹈，让我们真实、生动的亲临了当时宏伟的场面。
原始社会时期由于人们对许多自然现象的无法理解，迷信冥冥之中有万能的神在主宰一切，便产生了宗教的观念，同时也产生了宗教祭祀的舞蹈——巫舞。
巫舞中有高难度的动作和技巧，加上一些装神弄鬼的花招和道具，也增添了它的神秘感和欣赏价值。
原始居民作为最早的舞蹈编导，把和自己生活内容相关的劳作、战争、繁衍后代以及对自然形态的崇拜等内容通过手之舞之足之蹈之的方式表现出来，不仅是单一的生活生产模式变得丰富，同时也对后续舞蹈的发展起到不可取代的作用。
二、舞蹈重大发展中的汉代舞蹈经历了夏商奴隶社会和两周、战国“七雄”各时代的变迁和文化的交流与融合，汉王朝呈现出了中国舞蹈发展阶段的新盛时代。
在秦王朝农民起义的风暴结束后，取而代之的汉王朝是文化大发展、大繁荣的时代，具体表现在舞蹈活动的普遍新盛，乐舞百戏等表演艺术的水平大幅度的提高，许多著名的舞蹈和舞蹈艺人也在这个时期出现了。
“百戏”是杂技、武术、幻术、滑稽表演、音乐、舞蹈等多种民间艺术的综合表演形式，又叫做“角抵奇戏”，出了百戏外，在后宫和贵族之家还有许多专门以表演歌舞娱人的艺人——女乐。
酒宴中，宾主出了欣赏女乐表演外，还有宾客相邀起舞或者即兴舞蹈，抒发舞者内心的喜悦感受。
汉代舞蹈一方面继承前代的精华，一方面结合当时政治需要创作了民间风潮的雅乐舞蹈，雅乐舞蹈的主要内容是“六大舞”，也称“六代舞”，代表六个朝代。
为首的据传是起自黄帝的《云门》、《咸池》和《承云》，依次是尧帝传下的《大章》，舜帝的《大韶》，夏禹的《大夏》，商汤《桑林》，然后是现实题材——反映武王伐纣功绩的《大武》，也就是汉王朝时期通在两周时期创造的雅乐基础上，对其进行深化和发展，加入了更多的民间元素，使其更具生活化更具民族化。
汉代舞蹈水平的不断的提高和我们耳熟能详的赵飞燕、戚夫人等艺人是有着密切联系的，她们通过舞蹈表演时长袖掩面、翘袖折腰等各种带有难度性的舞蹈动作表现了汉王朝时期舞蹈形态的特点以及多对舞蹈发展和演变的过程起到推动和促进的作用。
汉代舞女的舞蹈有两个最重要的特点：一是“舞袖”，古谚“长袖善舞”，可见古人对舞袖的欣赏和喜爱。
运用道具作舞，是我国传统舞蹈的一大特点，汉代舞蹈几乎都以长袖作舞，舞袖凌空飘逸，如行云流水，曼妙灵动，千姿百态。
舞袖技艺的发展提高，大大丰富了我国传统舞蹈的表演功能。
“巾舞”是加长了的舞袖，从而使其更多变化，更具表现力。
除“舞袖”外，另一特点是“舞腰”。
腰是牵动人身的枢纽部位，它的扭动变化，既舞动了上身，又带动了下肢，使动作前俯后仰，左右倾折，丰富善变，绰约多姿。
“舞腰”动作要求舞人练就一身柔功，做到“绕身若环”“柔若无骨”，是很不容易的。
“翘袖”“折腰”是当时舞蹈技巧中具有代表性的尖端技术，二者组成了美妙的舞姿，一直传承至今。
且看画像石的一细腰女子正在做大动作的舞袖扭腰表演，动作夸张，形神兼备。
汉代人的神仙思想,宿命意识不仅形成了汉代舞蹈浓郁的神秘色彩,汉代辞赋中所描写的“其歌舞欣赏风尚是以悲怆为高”都表现了汉代舞蹈呈现出的艺术色彩、气度风范来看,还具有神秘奇谲,以悲为美的特点。
汉代舞蹈所显现出来的情操和艺术品味已达到气若浮云、志若秋霜、令观者叹为观止的境界。
其形神兼备、容以表志、舞以明诗的特征,较完美地实现了舞蹈艺术娱乐与教化的双重功能,对中国传统舞蹈产生了深远的影响。
三、舞蹈发展史中辉煌时期的唐代舞蹈隋朝统一南北结束了三百多年战乱的局面，但是由于隋炀帝的残暴统治被唐王朝取而代之。
唐代舞蹈作为一种独立的表演形式艺术，是我国古代舞蹈艺术的发展高峰，唐代对舞蹈不是鄙视而是珍视，不止是地位低贱的艺人表演，上层社会的人们也以善舞为荣。
踏歌，这一古老的舞蹈形式源自民间，远在两千多年前的汉代就已兴起，到了唐代更是风靡盛行。
从民间到宫廷、从宫廷再踱回到民间，其舞蹈形式一直是踏地为节，边歌边舞，这也是自娱舞蹈的一个主要特征。
舞蹈《踏歌》除了以各种踏足为主流步伐之外，还发展了一部分流动性极强的步伐。
于整体的“顿”中呈现一瞬间的“流”，通过流与顿的对比，形成视觉上的反差。
就这样左右往返，若行云流水，似天马行空，而所有的动作又在一句“但愿与君长相守”的唱词中一气呵成，让观众于踏足的清新、俏丽中又品味出些许的温存、婉约，仿若“我”便是那君愿随这翩翩翠袖尔来尔往。
敛肩、含颏、掩臂、摆背、松膝、拧腰、倾胯是《踏歌》所要求的基本体态。
舞者在动作的流动中，通过左右摆和拧腰、松胯形成二维或三维空间上的“三道弯”体态，尽显少女之婀娜。
松膝、倾胯的体态必然会使重心下降，加之顺拐蹉步的特定步伐，使得整个躯干呈现出“亲地”的势态来。
李白的诗句中提到”李白乘舟将欲行，忽闻岸上踏歌声”，生动的展现了《踏歌》在当时的盛行难以言喻，也写出了《踏歌》一面机型措辞一面踏足舞蹈的场面。
隋唐初年，国家统一，出现了人们渴望已久的国家安定的局面。
歌舞自然成了群众欢庆节日、自我娱乐的重要方式。
唐代曾多次由宫廷组织皇帝“与民同乐”共渡元宵等相应的节日。
据有关的记载描述了当时“踏歌”场面之壮观、奢华，令人惊叹。
这种自娱性的舞蹈不仅展现了唐王朝的强盛和开放豁达的社会风气，同时也表现出了编导在编舞时从生活出发，光广取博采了各民族的艺术精华和融合了前朝历代传下来的优秀作品、审美特点以及艺术规律，加上这种独特的表演方法，就构成了唐代舞蹈明快、绚丽、昂扬的舞蹈风格。
隋唐时期的民间舞蹈编导，也就是一些热爱生活热爱艺术的民间艺人，他们缘物寄情、感物而动、以舞传情，把社会的现状和百姓的生活淋漓尽致的用舞蹈艺术的形式来表达出来，更精明的则是能够将不同阶级和不同意识形态下的人结合在一起，共同分享《踏歌》这种具有代表性的较高欣赏和艺术价值的舞蹈艺术。
《霓裳羽衣舞》的艺术成就堪称唐代宫廷乐舞的顶峰，是我国历史上最有名的乐舞之一。
杨贵妃的舞姿和许多诗人的咏叹，使它更加著名。
据史料考试，敦煌壁画中的飞天用绸子代替羽翼翩翩飞舞就是《霓裳羽衣舞》被神化了的一种艺术形式。
《霓裳羽衣》乐曲传为唐玄宗李隆基部分地吸收西凉节度使杨敬述所献《婆罗门曲》而编创。
相传，李隆基曾经梦见游月宫时，听到天上有仙乐奏曲，身穿霓裳羽衣的仙子翩翩起舞。
仙女的歌声玄妙优美，跳舞的仙女舞姿翩翩。
李隆基醒来后，对梦中的情景还记得清清楚楚。
很想把梦中的乐曲记录下来，让乐工演奏，并和杨贵妃一起将此曲编为舞蹈的人，且又以她的表演为最美。
它之所以成名于世，从编导的角度来说是由于他们成功的表现了仙女美得艺术形象。
其舞、乐和服饰都着力描绘虚无飘渺的仙境和仙女形象。
《霓裳羽衣曲》描写唐玄宗向往神仙而去月宫见到仙女的神话，其舞、其乐、其服饰都着力描绘虚无缥缈的仙境和舞姿婆娑的仙女形象，给人以身临其境的艺术感受舞蹈表达了人们对大自然的热爱，对美好传说的向往，展示了盛唐艺术孕育出的宏博、精深、开朗、勃发的气象，极富感染力。
唐朝大诗人白居易在他的名篇《霓裳羽衣舞歌》中对它进行了详尽的描绘：轻盈的旋转像雪花飘舞，矫健的前行像受惊的游龙。
垂下的双手像柳丝那样娇美无力，舞裙斜着飘起时仿佛白云升起美眉流盼说不尽娇美之态，舞袖迎风飘飞带着万种风情。
通过这些传神的描绘，我们不难想象《霓裳羽衣》高雅脱俗的风姿神韵，以及舞伎们美妙高超的舞姿。
可见唐代乐舞的繁荣、精致和完善。
四、总结中华民族的舞蹈文化历史悠久，我们要十分珍惜宝贵的舞蹈文化传统，一定要保存和发扬民族文化的传统，让中国舞蹈的发展不断进步。
参考文献：[1]王克芬.中国舞蹈发展史[m].上海人民出版社,第1版,2004/01/01.[2]隆荫培，徐尔充.舞蹈艺术概论[m].上海音乐出版社,第2版,2009/06/01.[3]中国汉代舞蹈艺术特征.[4]中国舞蹈奇观.华岳文艺出版社.[5]谭静波.以数百家.。
