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文化艺术鉴赏：名画《蒙娜丽莎》解读1. 引言1.1 概述名画《蒙娜丽莎》是世界历史上最为著名的艺术作品之一，其独特和神秘的魅力吸引了全球观众的目光。
本文将对这幅名画进行解读，揭示其背后的视觉特点和文化意义。
1.2 文章结构本文分为五个主要部分：引言、名画《蒙娜丽莎》的背景介绍、蒙娜丽莎的视觉特点解析、名画《蒙娜丽莎》的文化意义解读以及结论与个人见解。
在第二部分，我们会提供作者简介，并回顾这幅名画的创作历程，同时探讨它作为经典艺术作品而受到欢迎程度和影响力。
第三部分将着重分析蒙娜丽莎这一肖像形象所具有的独特视觉特点，包括她神秘并微笑般模糊不清的表情、背景环境设计以及细节描绘和技法运用等方面。
在第四部分中，我们将深入研究名画《蒙娜丽莎》的文化意义。
这幅画作在文化历史背景下具有重要的象征意义，同时也对后世艺术家产生了深远的影响，并引发了艺术革新思潮。
此外，我们还将探讨它所承载的美学与审美价值。
最后，在第五部分，本文将得出结论并提供个人见解，旨在加深读者对《蒙娜丽莎》这幅名画及其背后故事和意义的理解。
1.3 目的本文旨在通过对名画《蒙娜丽莎》进行详细解读，帮助读者更好地理解这幅经典艺术作品。
通过揭示该画作背后所蕴含的视觉特点和文化意义，我们可以更全面地认识和鉴赏它，并进一步增强我们对艺术欣赏的能力。
同时，通过研究其影响力和美学价值，我们能够深入思考艺术在社会中的角色与地位。
最后，本文也将提供个人见解，以期启发读者对于名画《蒙娜丽莎》独特魅力的思考与感悟。
2. 名画《蒙娜丽莎》的背景介绍2.1 作者简介《蒙娜丽莎》是意大利文艺复兴时期杰出的画家莱昂纳多·达·芬奇创作的一幅肖像画。
莱昂纳多·达·芬奇（Leonardo da Vinci）是15世纪末至16世纪初的一位多才艺术家，他的天赋涵盖了绘画、雕塑、建筑、科学和工程等各个领域。
作为文艺复兴时期最具代表性的艺术家之一，达·芬奇以其卓越的技巧和对人物形象表情的捕捉而受到广泛赞誉。
100幅中国名画赏析（二）11. 《游春图》／展子虔《游春图》是隋朝画家展子虔创作的绘画作品，绢本、青绿设色，画上有宋徽宗题写的“展子虔游春图”六个字，现存北京故宫博物院绘画馆。
图中展现了水天相接的情形，上有青山叠翠，湖水融融，也有士人策马山径或驻足湖边，还有美丽的仕女泛舟水上，熏风和煦，水面上微波粼粼，岸上桃杏绽开，绿草如茵。
画家用青绿重着山水，用泥金描绘山脚，用赭石填染树干，遥摄全景，人物布局得当，开唐代金碧山水之先河，在早期的山水画中非常具有代表性。
该画是展子虔传世的唯一作品，也是迄今为止存世最古的画卷。
12.《历代帝王图》／阎立本《历代帝王图》又名《列帝图》、《十三帝图》、《古列帝图卷》、《古帝王图》，传为唐代阎立本画作，绢本，设色，现存后人摹本。
画面为横卷是一幅历史人物肖像画。
摹本现藏于美国波士顿博物馆。
此图绢本，设色，纵51.3厘米，横531厘米。
画面从右至左画有十三位帝王形象：前汉昭帝、汉光武帝、魏文帝曹丕、吴主孙权、蜀主刘备、晋武帝司马炎、陈宣帝陈顼、陈文帝陈蒨、陈废帝陈伯宗、陈后主陈叔宝、北周武帝宇文邕、隋文帝杨坚、隋炀帝杨广。
从画像来看，虽仍有程式化的倾向，但在人物个性刻画上表现出很大的进步，不落俗套，而显得个性分明。
《历代帝王图》用重色设色和晕染衣纹的方法，有佛教艺术的影响。
13.《步辇图》（局部）／阎立本《步辇图》是唐朝画家阎立本的名作之一，是中国十大传世名画之一，现藏于故宫博物院。
作品设色典雅绚丽，线条流畅圆劲，构图错落富有变化，为唐代绘画的代表性作品。
具有珍贵的历史和艺术价值（现存画作被认为是宋朝摹本。
）。
公元640年（贞观十四年），吐蕃王松赞干布仰慕大唐文明，派使者禄东赞到长安通聘。
《步辇图》所绘的是禄东赞朝见唐太宗时的场景。
图卷右半是在宫女簇拥下坐在步辇中的唐太宗，左侧三人前为典礼官，中为禄东赞，后为通译者。
唐太宗的形象是全图焦点。
阎立本煞费苦心地加以生动细致的刻画，画中的唐太宗面目俊朗，目光深邃，神情庄重，充分展露出盛唐一代明君的风范与威仪。
名画作品赏析一、《蒙娜丽莎》——达·芬奇《蒙娜丽莎》是意大利文艺复兴时期画家达·芬奇创作的一幅作品，也是世界上最为著名的名画之一。
这幅画以油画技法绘制，描绘了一位神秘、微笑的女性形象。
整幅画色调柔和，充满了神秘和浪漫的氛围，给人一种安静、宁静的感觉。
通过赏析《蒙娜丽莎》，我们可以看到达·芬奇精湛的绘画技巧和对细节的极致追求。
画中的蒙娜丽莎眼神深邃，微微带着笑意，给人以亲近、温暖的感觉。
她的头发、皮肤、衣物都被绘制得栩栩如生，给人一种真实存在的感觉。
二、《星夜》——梵高《星夜》是荷兰后印象派画家梵高创作的一幅作品，被认为是他最具代表性的作品之一。
这幅画描绘了一幅星空下的城市风景，画面中充满了独特的扭曲和夸张的笔触，给人一种强烈的视觉冲击力。
通过赏析《星夜》，我们可以感受到梵高对色彩的独特运用。
画中的星空被绘制得五彩斑斓，给人一种梦幻般的感觉。
此外，画中的建筑物和树木都被梵高以独特的形式表现出来，给人一种超现实的感觉。
三、《最后的晚餐》——达·芬奇《最后的晚餐》是达·芬奇创作的一幅壁画，描绘了基督和十二门徒共进晚餐的场景。
这幅画被认为是宗教艺术的杰作之一，也是西方文化中最为著名的作品之一。
通过赏析《最后的晚餐》，我们可以感受到达·芬奇对构图和人物表现的精准把握。
画中的基督和门徒们被绘制得栩栩如生，他们的表情、姿态都表达出了各自的情感。
画面中的光影处理也非常精细，给人一种真实存在的感觉。
四、《荷花》——莫奈《荷花》是法国印象派画家莫奈创作的一系列作品，他在不同的光线和天气条件下绘制了许多关于荷花的画作。
这些画作以其细腻的色彩和光影的变化而闻名，给人一种宁静、舒适的感觉。
通过赏析《荷花》，我们可以感受到莫奈对色彩和光影的敏锐捕捉。
画中的荷花被绘制得栩栩如生，细致入微的笔触给人一种触摸到花瓣的感觉。
画面中的水面和天空都被莫奈以独特的色彩表现出来，给人一种宁静、悠然的感觉。
《夜巡》是17世纪荷兰著名画家伦勃朗的一幅代表作，被誉为世界三大名画之一。
这幅画作为伦勃朗最具争议的作品，在其诞生之初曾受到世人的嘲讽与误解，然而随着时间的推移，其艺术价值逐渐被人们所认可。
本文将从《夜巡》的创作背景、作者介绍、画面技法、主题解析等方面对这幅画作进行赏析。
一、《夜巡》的创作背景《夜巡》的创作背景要追溯到17世纪的荷兰。
当时的荷兰经济实力强大，位居世界领先地位。
资产阶级的高社会地位促使荷兰艺术品市场的繁荣昌盛，涌现出了像伦勃朗、哈尔斯等艺术大师。
17世纪荷兰画坛多受卡拉瓦乔的影响，其明暗对比画法对荷兰绘画产生了深远的影响。
伦勃朗在继承卡拉瓦乔明暗画法的基础上，进一步形成了属于自己的特殊明暗画法。
二、作者介绍伦勃朗·哈尔曼松·凡·莱茵（Rembrandt van Rijn）是17世纪欧洲最伟大的画家之一，其在西方艺术界的地位极高。
伦勃朗的作品风格独具特色，善于运用明暗对比来表现对象的体积、空间关系，以及善于运用图像构图。
他的画作注重细节描绘，色彩丰富且对比鲜明，给人以强烈的视觉冲击。
三、画面技法赏析1. 明暗对比法：伦勃朗在《夜巡》中运用了明暗对比法，通过光线的变化来表现画面的层次感和空间感。
这种技法继承了卡拉瓦乔的特点，但又具有伦勃朗自身的风格。
画面中的光线由中心向四周逐渐减弱，使画面产生了强烈的立体感。
2. 色块运用：伦勃朗巧妙地运用色块构图，将画面分割为多个色块。
这些色块相互呼应、相互衬托，使画面更加丰富多变。
同时，色块的运用也有助于表现画面的空间关系和人物之间的互动。
3. 舞台效果：伦勃朗在《夜巡》中采用了近舞台效果的手法，将人物进行无序布置，主次有别，使整体的布局错落有致。
这种构图方式突破了传统肖像画的束缚，使画面更具生动感和戏剧性。
四、主题解析《夜巡》的全称为《弗兰斯·班尼克·科克上尉领导下的阿姆斯特丹第二区民兵队》，是一幅集体肖像画。
世界名画赏析精选——提高审美情趣，提升艺术修养世界绘画历史悠久，源远流长。
在数千年的发展过程中，许多伟大的画家创造了不胜枚举的传世名画。
这些名画极大地丰富了世界艺术宝库，也是留给人类的宝贵遗产。
一个人在其一生中，应该欣赏、了解一些世界名画，从名画中，我们可以提高审美情趣，进而提升艺术修养；还可以学习到丰富的历史文化知识，从而优化知识结构。
1、暴风雨考特法国 1880年油彩木板234.3×156.8厘米纽约大都会博物馆《暴风雨》的主要欣赏点是：光线和色彩的对比和互相衬托的美感力量，这是19世纪美术美学的一个重要特征。
在作品画面里，背景是暗的，前景是亮的；男角色彩是暗的，女角色彩是亮的。
男体力量的粗旷线条，女体力量的柔细线条，在光线和色彩中得到了鲜明的对比和彼此衬托。
在考特之前，也有不少取材于《达夫尼斯和克洛伊》的美术作品，大都是歌颂爱情性爱的。
而考特的作品《暴风雨》抓住了达夫尼斯和克洛伊在暴风雨中逃跑的一瞬间，表达了男女不同的性感力量之美、歌颂了纯洁的爱情和自由的向往，无论是艺术境界还是艺术手段方面，与前人作品相比，都是更上一层楼。
2、春光考特法国 1873年油画罗斯先生收藏在画面上，一位美丽的少女把胳膊挂在情人的脖子上，投出微笑迷人的明媚眼光，半裸地依隈着情人。
她是在撒娇、还是在倾听甜美的情话？一位俊俏的小伙子，她的情人，雄健有力的双臂紧紧拉着秋千的绳索，好像是在支撑守卫着他们的爱情。
小伙子略向姑娘歪着头，是在享受她的撒娇、还是在告诉她什么秘密？……春天的阳光从树丛里照过来、像舞台聚焦灯光一样照亮了美丽少女，温暖的春风轻轻地掠起了她的纱衣，饱经风霜的千年老树好象是他们的爱情见证人，每一片树叶和每一棵花草都在为他们轻轻吟唱，……看到这个盎然春机和纯美爱情的画面，就是冷酷无比的魔鬼也会酥心醉倒。
3、红磨坊的舞会 1876年雷诺阿法国131cm×175cm 布油彩巴黎奥赛博物馆这幅作品描绘出众多的人物，给人拥挤的感觉，人头攒动，色斑跳跃，热闹非凡，给人以愉快欢乐的强烈印象。
世界名画欣赏与解析
世界名画是艺术史上的珍宝，每一幅画作都有其独特的魅力和意义。
下面我们将通过对几个世界名画的欣赏和解析，来一窥其中的风采。
《蒙娜丽莎》是达·芬奇的代表作之一，也是世界上最知名的艺
术品之一。
这幅画采用了油画技法，展现了一个神秘微笑的女子形象。
她坐在一个山岩背景前，目光直接面对观众。
传统的主题和独特的表
现手法使得《蒙娜丽莎》成为了永恒的经典。
另一幅代表作是梵高的《星夜》。
这幅画作以梵高在圣雷米的医
院窗外所见到的景象为灵感，展现了他独特而夸张的色彩运用。
画作
中的星空充满了冲击力和动感，富有梵高特有的表现主义风格。
这幅
作品展示了梵高内心世界和对自然的独特理解。
苏里雅日的《夏洛特的自画像》也是举世闻名的经典之作。
这幅
画描绘了艺术家自己的形象，以及她内心的复杂情感。
苏里雅日以细
腻的绘画技巧和具有自传性质的作品风格，展现了她对自我和身份的
探索。
这幅画作充满了自信和勇气，也呈现了女性在艺术领域的重要
地位。
除了以上的名画，还有无数作品都值得我们去欣赏和解析。
世界
名画之美不仅在于它们的技巧和艺术价值，更在于它们所传达的情感
和思想。
通过欣赏和解析这些作品，我们能更好地理解艺术和人类文
化的意义，也能找到自己在其中的共鸣和启发。
艺术无国界，它将一
直陪伴着我们，让我们在欣赏中领略它的独特魅力。
北宋时期著名画家范宽高雅精湛十五幅传世经典绘画作品赏析琴棋书画，古代被称作文房四艺，是文人墨客颇为称许的娱乐活动，古人认为，抚琴、弈棋、写字、作画，或者只是听琴、观棋、赏字、阅画，领会诗情画意，能赏心悦目，陶冶情操，有益于健康和长寿。
古画中出现的那些生活用品、山川河流，真实地反映了当时人们的生活方式和科技水平，结合古画年代背景的记载，赏画更是别有一番趣味。
宋代绘画峰峦深厚的气势，气象萧疏的景象，构图大气逼人，用笔自然严谨，气势磅礴，带给人无尽的遐想。
——题记北宋（960年-1127年）是中国历史上继五代十国之后的朝代，共九位皇帝，享国167年，与南宋合称宋朝，又称两宋，因皇室姓赵，也称赵宋，是中国历史上经济文化最繁荣的时代。
公元960年，后周诸将发动陈桥兵变，拥立赵匡胤为帝，柴宗训被逼禅位于赵匡胤，宋朝建立，定都东京开封府（河南开封），1126年靖康之变后，金国军队兵临汴梁，次年灭亡。
北宋建立以后，绘画艺术发展迅速，反映现实生活绘画内容极为突出。
尤其是宋徽宗时期，设立画院，一批批技艺精湛的职业画家应运而生，包括帝王宋徽宗在内的诸多画作，使山水画发展到了一个新的高峰。
这一时期比较有名的山水画家较多，杰出代表有齐鲁画派李成，关陕画派范宽。
宋后期的水墨山水画以米芾最为著名。
还有李公麟、郭熙等人，他们擅长用多层烘染和画点点的排列，使积墨、破墨等技法，达到云山蒙笼，烟雾缭绕的效果。
北宋时期著名画家范宽主要绘画作品有：《雪山萧寺图》《溪山行旅图》《雪景寒林图》《烟岚秋晓图卷》《金碧峰图》《溪山独钓图卷》《江村草阁图》《临流独坐图》《雪山楼观图》《雪山萧寺图》《秋山清穆图》《群峰秀岭图》《秋林飞瀑图》《云山秋霁图》《万山飞雪图》等。
下面我们一起赏析北宋著名画家范宽绘画作品。
范宽（950—1032），宋代绘画大师，又名中正，字中立，汉族，陕西华原（今陕西铜川耀州区）人，性疏野，嗜酒好道。
擅画山水，为山水画“北宋三大家”之一。
世界十大名画之一蒙娜丽莎《蒙娜丽莎》是意大利文艺复兴时期画家列奥纳多·达·芬奇创作的油画，现收藏于法国卢浮宫博物馆。
该画作主要表现了女性的典雅和恬静的典型形象，塑造了资本主义上升时期一位城市有产阶级的妇女形象。
该作品代表了文艺复兴时期的美学方向，作品折射出来的女性的深邃与高尚的思想品质，反映了文艺复兴时期人们对于女性美的审美理念和审美追求。
《蒙娜丽莎》是达·芬奇最喜爱的作品，作者生前一直把它留在自己的身边。
直到达·芬奇去世后，法国国王弗朗西斯一世用了一万二千金币，才从达·芬奇的弟子手中买下。
现藏｜法国罗浮宫世界十大名画之一最后的晚餐《最后的晚餐》是艺术家达·芬奇于文艺复兴时期创作的大型壁画，是达·芬奇代表作之一，世界著名画作，收藏于意大利米兰圣玛利亚感恩教堂。
达·芬奇以《圣经》中耶稣跟十二门徒共进最后一次晚餐为题材，将人物的惊恐、愤怒、怀疑、剖白等神态，以及手势、眼神和行为，都刻画得精细入微，惟妙惟肖。
1980年该画被列为世界文化遗产。
这幅在格雷契寺院食堂墙壁上的宏大画面，严整、均衡，而富于变化，无论从构思的完美、情节的紧凑，人物形象的典型塑造以及表现手法的纯熟上都堪称画家艺术的代表。
它也是人类最优秀的绘画作品之一，由于它的问世而使达·芬奇名扬世界。
现藏｜意大利米兰圣玛利亚德尔格契修道院世界十大名画之一格尔尼卡《格尔尼卡》是西班牙立体主义画家帕勃洛·鲁伊斯·毕加索于20世纪30年创作的一幅巨型油画，长7.76米，高3.49米。
该画是以法西斯纳粹轰炸西班牙北部巴斯克的重镇格尔尼卡、暴杀害无辜的事件创作的一幅画，采用了写实的象征性手法和单纯的黑、白、灰三色营造出低沉悲凉的氛围，渲染了悲剧性色彩，表现了法西斯战争给人类的灾难。
这幅画运用立体主义的绘画形式，以变形、象征和寓意的手法描绘了在法西斯兽行下，人民惊恐、痛苦和死亡的悲惨情景。
世界名画：西方油画的主要风格流派介绍画家：马内﹝Edouard Manet, 1832 ~ 1883﹞马内反对细部绘画的矫柔造作，以强烈、纯真的色彩来替代过于黯淡的表现。
他也唾弃那种根据非感受到的作画方式。
他希望在画布上传达自己深刻的感情，以及反映事物的真相。
他认为，主是次要的。
马内从未与印象派画家共同展出过，但从1870 年代早期开始，他与印象派画家交往，分享他们新，在尝试用光谱色盘作画的同时，他仍维持早期笔触较大、也较平面的坚定结构。
《奥林比亚》﹝Olympia﹞展出时是当年度最重要的艺术大事，明目张胆的主题被大肆批判，画出一种神经质的恐怖气氛，她象征着耻辱和偶像的魅力，这是社会中的可悲现象。
而其完美无缺含着人性中最邪恶的东西。
黑色的绸带，使她与自己的身体分开，并使生理上的邪念，平静、纯地表现出来，完全将该裸体画中的贞女的兽性，让观众自己去想象，并且对大城市中卖淫的风气隐含的最原始的粗野行为提出辩解。
奥林比亚﹝Olympia﹞马内在这幅画中也发展出图像呈现的新方法，他进行了色调上的创新实验，在邻近色快监制造出排除柔和的中间色调。
这项创举对后来的艺术家造成重大影响。
在马内的另一幅代表作《短笛手》﹝The Fifer﹞中，马内共使用了三种基本色调：裤子的红色被所烘托出来，使其更加突出；紧身上衣和帽子的黑色连成一块．而不去讲究手臂的外形；赭石的边缘逐渐加深，形成主角生活和演奏的空闲；红色和黑色这两种基本色调间的主要关系，被衣扣色，以及托住乐器的白色披带所突显出来；最强烈的黑色，是小音乐家的眼睛，眉毛的清晰线条的表情。
这个脸看起来虽然如此简单，却展现了马内高超的绘画手法，以及其全部的经验。
短笛手﹝The Fifer﹞左拉在1867 年写道：「……人们在靠近马内的画时，可以看到他的绘画其实是精细，而不内十分谨慎地使用画笔，那绝非颜料的堆积，而是抹上一层又一层协调的色彩」。
画家：莫内﹝Claude Monet, 1840 ~ 1926﹞莫内是法国画家，也是早期印象派的创立者之一，只有他一人终其一生都坚持印象主义的原则是唯一在生前赢得大众认可的印象主义画家。
他少年时代所画的讽刺漫画就已具备了惊人的形似早期的印象派绘画还保留着这项特质，使他和十九世纪中叶风景画家的朦胧概括迥然不同。
他的主题的视觉经验感知为首要的考虑，忽视传统的概念如构图、题材、润饰等。
莫内晚期的一些作品侧重于同一主题在不同光线和空气下变幻无穷的外观。
因而油彩记录下来的体的本身，而是观照的过程。
水是莫内喜欢的题材，像雾霭一般，它为所见的物象创出现成的视称的倒影成为不断出现的构图手法，强调印象主义技法扁平的表面特质。
莫内身后影响力最大的规模和简略的手法。
《印象：日出》﹝Impression: Sunrise﹞这幅画是印象派运动命名的由来，也是莫内单以色彩来建最佳范例。
所有传统观念中的内容或是主题在这幅画中都已经不复存在，只有光线和空气才是主印象：日出﹝Impression: Sunrise﹞莫内认为即使最暗的阴影也是由几乎难以察觉的不同层次的光和颜色构成的，这种画法向来被沙的、粗俗的。
但莫内不想再去迎合传统，他放弃了大型作品，转而采用小幅的、更便于携带的画以在户外用油彩创造瞬间的印象。
这种技法要求单纯的颜色：如《蛙塘》﹝La Grenouillere﹞这幅用橄榄绿，人物用白色和藏青，他用纤细的笔触简单几笔就可以烂熟地勾出轮廓。
平涂的蓝色和合在一起产生天空；褚色和蓝色，蓝色和黑色则表现水上的倒影。
蛙塘﹝La Grenouillere﹞-莫内善于从色彩和光的角度观照自然，他拋弃了注重色调和形式的传统绘画方法。
他说：「倘若试着忘却跟前的物体，不论它是一株树、或一片田野。
只要想象这儿是小方块的蓝，那儿是长方儿是长条纹的黄，然后照着你认为的颜色和形状去画就是，直到符合你自己对景物本来的印象。
莫内一直持续下去。
他专注于光的变化和气氛的营造，使他的画中景物渐渐丧失实质的主体，只的轮廓依稀可辨，大自然或景物消失在一种颤动的抽象形式之中。
画家：雷诺瓦﹝Pierre-Auguste Renoir, 1841 ~ 1919﹞雷诺瓦对绘画的看法非常明确，曾说：「画是用来装饰墙壁的，因此色调应该尽量丰富多彩。
对画应该显得可爱、欢乐并且美丽。
生活中丑陋的东西已经够多了，我们不该再雪上加霜。
我喜欢步其中去抚摩小猫的画作。
」莫内与雷诺瓦为好友，两人经常一起出外旅游写生，将画架并排架起，对照同样的风景作画。
以和雷诺瓦的《蛙塘》﹝La Grenouillere﹞为例，两画皆作于1868 到1869 年之间，虽然主题雷同中洋溢着温柔诗意的气氛，而莫内的笔触则比较肯定。
雷诺瓦画中景物密集，予人一种亲切之感紫的色调，散发出一种馥郁的女性气息。
蛙塘﹝La Grenouillere﹞1870 年代中期，雷诺瓦已发展出个人独特的风格，这在他《煎饼磨坊的舞会》﹝Le Moulin de l 分明显，画中描绘蒙马特区露天咖啡店中的情景，几对年轻男女正在跳舞作乐，仕女们态度从容雷诺瓦在人物造型上，不用很清楚的轮廓，或粗重的线条表现，而以自然写实的笔调烘托出画中间，使画面有着似梦似幻却又强烈感人的效果。
阴影部分采用柔和的蓝色调，而光亮处则带着温在午后的阳光下，光影斑驳，透着几许陶然的温馨。
煎饼磨坊的舞会﹝Ball at the Moulin de la Galette﹞《蒙娜丽莎》世界上最著名的肖像画——《蒙娜丽莎》佛罗伦萨的人民，确切地说，整个意大利人民都知道列奥纳多.达.芬奇是个天才。
他是画家中能使人的肖像看去既栩栩如生，又美丽漂亮的第一人。
这就是为何一个叫佐贡多的富有商人，请他为他年轻美貌的妻子蒙娜.丽莎，或叫拉.佐贡多绘一幅肖像的缘故。
这幅肖像花了达.芬奇四年的时间，当他完成这幅肖像之后，不愿把它交给佐贡多或其他任何人。
当他受到法国国王的邀请时，便带着这幅肖像离开意大利去了法国。
达.芬奇是在法国去世的，这就是为什么《蒙娜.丽莎》这幅画在法国的缘故，它是法国人民为之骄傲的财富。
为什么《蒙娜.丽莎》如此著名呢？多少世纪来，人们一直在谈论她那神秘的微笑，她的微笑的确神秘：它似乎在变化。
不同的观者或在不同的时间去看，感受似乎都不同。
有时觉得她笑得舒畅温柔，有时又显得严肃，有时象是略含哀伤，有时甚至显出讥嘲和揶揄。
艺术家是如何获得这种效果的呢？比如，在雕塑家普拉克西特利斯的作品《赫耳墨斯》中，我们已见过雕塑中人物脸部的表情是如何变化的。
圆形的表面那样微妙地反射出光线，使雕塑看去似乎在微笑，或者另一种严肃的神情，这完全是根据光线的变化而产生效果。
在一幅画中，光线的变化不能象在雕塑中产生那样大的差别。
但在蒙娜.丽莎的脸上，微暗的阴影时陷时现，为她的双眼与唇部披上了一层面纱。
而人的笑容主要表现在眼角和嘴角上，达.芬奇却偏把这些部位画得若隐若现，没有明确的界线，因此才会有这令人捉摸不定的＂神秘的微笑＂。
关于这幅画有一个故事。
达.芬奇在为蒙娜.丽莎绘画时，请了位乐师在她旁边弹奏，以便她能象个模特儿那样耐心平静地坐着。
她眼中的神情告诉我们她正在倾听。
而现在，如果我们看她那双美丽的手，并把它们与她的脸联在一起考虑，我们会觉得那神情更诚挚。
她的右手轻轻地放在左手上，中指根本没有任何依托，我们感到它正和着音乐的节奏轻轻地打着拍子。
当我们看着这幅如此逼真的肖像画背后的景色，我们会为那不真实的背景吃惊。
山峰、道路、小桥、流水都在一种梦幻般、飘拂不定的气氛里出现，仿佛以此证明蒙娜.丽莎的思绪沉浸在一个梦的世界里。
蒙娜.丽莎梦幻般的肖像与她周围梦的世界，是列奥纳多.达.芬奇的天才创造，这解答了为何《蒙娜.丽莎》这幅肖像会成为世界上最著名、最使人难以忘怀的一幅肖像《最后的晚餐》最伟大的画——《最后的晚餐》在庆祝逾越节的前夜，耶稣和他的十二门徒坐在餐桌旁，共进庆祝逾越节的一顿晚餐。
餐桌旁共十三人，这是他们在一起吃的最后一顿晚餐。
在餐桌上，耶稣突然感到烦恼，他告诉他的门徒，他们其中的一个将出卖他；但耶稣并没说他就是犹大，众门徒也不知道谁将会出卖耶稣。
意大利伟大的艺术家列奥纳多.达.芬奇的《最后的晚餐》，是所有以这个题材创作的作品中最著名的一幅。
这幅画，是他直接画在米兰一座修道院的餐厅墙上的。
沿着餐桌坐着十二个门徒，形成四组，耶稣坐在餐桌的中央。
他在一种悲伤的姿势中摊开了双手，示意门徒中有人出卖了他。
大多数门徒在激动中一跃而起，而耶稣的形象却是那么的平静。
我们可以看到他明晰的轮廓衬托在背景墙的窗子里，通过窗子，我们看见恬静的景色，湛蓝的天空犹如一只光轮环绕在耶稣的头上。
在耶稣右边的一组中，我们看到一个黑暗的面容，他朝后倚着，仿佛从耶稣前往后退缩似的。
他的肘部搁在餐桌上，手里抓着一只钱袋。
我们知道他就是那个叛徒，犹大.伊斯卡里奥特。
犹大手中的钱袋是他的象征，它使我们想起，他就是为耶稣和其他门徒保管钱财的人，钱袋里装着出卖耶稣得来的三十块银币的赏钱。
即使他没有拿着那只钱袋，我们也能通过达.芬奇的绘画方式，辨别出这个罪恶的敌人犹大。
犹大的侧面阴影旁是圣.彼得，我们也可以看见他一头银丝与一副白晰的手，他向年轻的圣.约翰靠去。
彼得垂在臀部的右手握着一把刀，仿佛在偶然中，刀尖对着犹大的背后。
圣.约翰的头朝彼得垂着。
在所有门徒中，他是耶稣最喜爱的一个。
约翰象耶稣那样平静，他已经领悟了他主人的话。
耶稣左边是小雅各，他力图去理解他所听到的可怕的话，他两手摊得大大的惊叫了起来。
从小雅各的肩上望去，我们看到了圣托马斯，疑惑不解的托马斯，他怀疑的神色通过他竖起的手指表现出来。
小雅各的另一边，圣.菲利普往耶稣靠去，双手放在胸前似乎在说：＂你知道我的心，你知道我是永远不会出卖你的。
＂他的脸由于爱和忠诚而显出苦恼的神情。
围着耶稣的这六个门徒，处于故事的发生的中心。
巴塞洛缪与老雅各的身体向他们倾着，而他们身旁的老安德鲁并没有站起来，但他想听听，于是便举起手似乎要求安静。
右边还剩下最后三个门徒，他们正在讨论有关耶稣说的那句话，他们的手指也指向餐桌的中央。
他们所看到的这一切，均发生在这幅伟大的作品之中，但每次当我们欣赏它时，都会从门徒的感情与性格中获得新的含义。
:em19:《维纳斯诞生》从海上诞生的维纳斯——《维纳斯诞生》《维纳斯诞生》是文艺复兴时期画家波堤切利的杰作。
在中世纪严格的思想控制下，希腊、罗马艺术中美丽的维纳斯，被看作＂异教的女妖＂而遭到焚毁。
到了文艺复兴时期，为了冲破思想的禁锢而向往古典文化的意大利市民们，却觉得这个从海里升起来的女神，很象是一个新时代的信使－－她把美带到了人间。
《维纳斯诞生》似乎可以作为体现这样一种＂时代感＂的例子：裸体的维纳斯象一粒珍珠一样，从贝中站起，升上了海面，她的体态显得那么娇柔无力。
