下载文档原格式
浅谈中西美术教育比较研究论文进入21世纪以来,随着国际间经济文化交流的日益频繁,西方的文化、教育、经济、哲学等先进的理论引进中国,这无疑会对中国传统的文化、教育等产生极大地冲击。
下面是店铺为大家整理的浅谈中西美术教育比较研究论文，供大家参考。
浅谈中西美术教育比较研究论文篇一中西“美术”概念及术语比较2006年第3期《读书》杂志上刊登了巫鸿先生撰写的《并不纯粹的“ 美术”》一文。
关于在这篇文章中美术一词为何打上了引号的原因，根据巫鸿先生的解释是：“‘美术’一语是近代的舶来品，有其特殊的历史渊源和含义，是否能够用来概括中国传统艺术实在值得重新考虑”。
[1] 其实，关于“美术”一词，不仅是它能否用来概括中国传统艺术值得重新考虑，而且是它能否用来概括中国当代艺术也许更值得重新考虑。
因为，不管人们是否意识到、也不管人们是否愿意承认，目前“美术”一词在我国视觉艺术领域内外所造成的混乱已是不争的事实。
所谓视觉艺术领域内的“混乱”主要是指我国当代绘画、雕塑、装置等造型艺术创作实践和理论研究或批评而言，所谓视觉艺术领域外的“混乱”主要是指大众对于被称之为“美术”的一些现当代艺术作品和现象的困惑不解和无所适从的现象和局面。
① 为此，本文将对中国“美术”概念的特定含义、中西“美术”概念及术语用法比较等方面展开分析和讨论。
一、“美术”一词在中国的特定含义我们一方面承认，今天所普遍使用的艺术分类体系及其相应的术语和概念例如“ 音乐”(music)、“美术”(fine art)、“戏剧”(theatre)、“艺术”(art)等等，基本上都是在“西学东渐”这一大的历史背景下，于19世纪末、20世纪初陆续传入中国的，可以说是西方的“舶来品”;但我们另一方面也不能否认这一事实，即在西方现代艺术分类体系及其相应概念术语传入之前，我国有着自己的传统艺术分类体系和相应的概念及术语。
② 但在“西学东渐”的大背景下，这一传统的艺术分类被强行中断，尤其是在学术研究中，西方的艺术观念、概念及其术语以一种压倒之势取而代之，而中国传统艺术分类体系、概念及其术语逐渐被人们所忘却和放弃。
中外美术在我认为区别在于中西方的哲学观念不同,艺术的发展是要有哲学做指导的,西方人考虑问题理性的因素比较多,而中国的艺术人在考虑问题中以人的思想指导比较多.你可以看到,西方的美术作品追求的东西,以最为出名的,大家最熟知的文艺复兴时期为例,印象派的画家们是强调光的表现,是画家对光这种因素的主观和客观的科学分析.莫奈到了晚期甚至逐渐抛开对形的把握而疯狂的追求光的表现,比如他创作的以自家花园为题材的<莲花>系列.而反观中国的绘画,在国画中我们是看到的这种对客观事物的分析和解剖是不多的.中国画强调意境,而意境则已经是纯粹的画家意识中的东西了.直到国画大师黄宾弘开始,才逐渐的可以看到他在自己的绘画中开始借鉴西方的一些思想,进行一些方面的结合.但并不是中国的艺术落后于西方的观念,而在于根本的哲学理念不同.不同哲学指导所产生的艺术是不一样的.《中外美术史》这门课程让我了解了有关中西艺术的发展史和很多著名艺术家的背景和艺术成就，结合这门课程我对绘画大师高更作品进行了解析和研究，下面就是我对高更大师和他的绘画作品的具体介绍和分析。
保罗·高更作为后现代印象主义的杰出代表，其绘画作品有很强的个性，这种个性，这种个性来源于高更本人对社会环境所做出的反应，高更富于个性的经历创造了高更对绘画的理解，创造了十九世纪艺术的新声。
高更1848年生于巴黎。
父亲是报社的记者，母亲是家庭主妇，外祖母弗罗拉·特里斯坦曾是著名的女性革命家、航海家、作家，祖父安德烈是一位版画家，具有西班牙血统；外曾祖父是秘鲁人。
人们有时便以这种遗传性以及西班牙和秘鲁血统的混合来解释高更的性格——“一个狂热与恋爱，为了理想而甘愿牺牲自己并且强使人接受这种理想，温柔而无聊，天真而狡黠，犹豫而坚定的艺术家，一个十九世纪未开化的野蛮人”。
高更早期作品追求形式的简化和色彩的装饰效果，但还没有摆脱印象派的手法。
后来多次到法国布列塔尼的古老村庄进行创作，对当地的风土人情、民间版画及东方绘画的风格感到兴趣，逐渐放弃原来的写实画法。
------------------------------------------------------------精品文档--------------------------------------------------------中外美术鉴赏结课论文中外美术鉴赏主要是一门对中外美术作品分析、欣赏与品鉴的课程。
通过本课程的学习，旨在使学生了解中外美术史上的优秀美术家及其代表作品，不仅拓宽知识面，同时获得美的欣赏，陶冶情操，涵养性情，提高人文素养。
以下是的中外美术鉴赏结课论文，欢迎阅读。
也许是冥冥之中自有定数，在大二的尾巴抓住了艺术的犄角，还记得第一次去上《中外美术鉴赏》课程的时候，第一个女老师给我们放映了几百年来外国优秀美术作品中的人物画像，还记得其中的人物画像中的主人公大多数是女性，同时也说明了外方女性人权的发展见证了外方美术史的发展，还有就是老师在课堂上播放了一些满是创意的小视频小发明，其中趣味索然，给人印象深刻，同时也传播了艺术的趣味性，世人离不开艺术，生活离不开艺术，艺术创造美好生活。
外方作品独赏识《日出印象》，1872年克洛德.莫奈的这幅名为《日出印象》的油画首次展出，这幅画描绘了法国勒阿佛尔港口黎明时分的情景，港口作业区的大致轮廓--起重机、吐着烟的烟囱、建筑--透过浓密的晨雾和满画面的匪夷所思的破碎笔触，观者所能辨出的就是这些。
这幅画儿当时在大多数人眼中简直是一团糟。
批评家们更是大为恼怒，他们将这幅画的作者莫奈以及与之画风相近的画家的称为“印象主义”。
指责莫乃画风太幼稚，其画作不过是小儿涂鸦而几年后艺术评论来与勒阿佛尔港日出时的情景何尝有半点相似。
已，了个180度转变，好象莫奈好得不能再好了，仿佛印象派画家不仅长与用笔而且捕捉视觉真实的技巧已臻化境，令当代画家相形见拙。
为何莫奈笔下的勒阿佛尔港先被说成一团糟，后来又被称为对港区日出情景了不起的再现？我们该如何理解此种戏剧化的转变。
中职美术教学的论文中职美术教学的论文中职美术教育中最重要的课程就是色彩教学，除了能够将色彩的知识和技能教授给学生以外，还能够对学生所具备的艺术表现力，下面是小编整理的中职美术教学的论文，欢迎来参考！摘要：随着我国综合国力的不断提高，人们越来越重视学生的艺术教育培养，中职院校中，面向学生开展美术的教学是其根本，指的就是通过对于学生进行系统性审美教育，全面提升学生的长信能力，也能够最大限度的挖掘学生和创作潜能，激发学生创造更多具有价值的艺术作品，下面本文针对中职美术基础教学中学生观察能力培养的现状和具体改进措施进行分析和探讨，以期为我国培养出更多优秀的人才。
关键词：中职美术教学；基础教学；观察能力前言：所谓的观察能力就是对事物了解的能力，通过身边和周围事物的观察，获取有效的信息，进而做出相关的分析和联想，这些就是观察能力的主要表现。
对于中职校园中的学生来说，随着年龄的增长和其了解的知识不断增加，自身的观察能力所占有的重要性也逐渐体现出来。
特别是在中职校园中美术课程的学习，美术的学习需要学生自身的观察能力，还有对艺术的鉴赏能力，学生通过课堂的学习和对艺术的欣赏能力，培养自身的观察能力，这也是中职美术基础教学中非常重要的一个教学内容。
１中职美术基础教学中学生观察能力的体现在中职校园的美术教学过程中，教学内容的不同对于学生的观察能力是否有所提升也存在着很多不同的地方，艺术鉴赏还有美术写生等课程所涉及到的挂差能力培养还存在一定的差异，所以，美术基础教学对于学生观察能力的培养具有一定的针对性和目的性，并不是盲目进行的。
还需要根据学生观察能力的培养目标制定合理的教学内容，以便于提高学生的能力。
１．１学生观察能力培养———艺术鉴赏：艺术鉴赏课程是中职校园美术课程上非常重要的内容，那么在对艺术作品进行欣赏的过程中，如何使学生通过鉴赏提高自身的观察能力，也是需要关注的内容。
在生活中，很多人接触的事物都是动态的，具有规律可循的。
文艺复兴绘画代表作品鉴赏班级：10建工3班学号：1001080310姓名：邓光灿目录目录 (2)内容提要 (3)时代背景 (3)最后的晚餐 (3)蒙娜丽莎 (4)最后的审判 (4)披纱巾的少女 (5)雅典学院 (5)达娜厄 (6)1498年的自画像 (6)【内容提要】通过介绍“文艺复兴三杰”以及其他的大师具有代表性的一些绘画作品，展示西方绘画各阶段的风格、流派、形式特点、美学特征及其卓越的艺术成就。
【关键字】文艺复兴三杰、风格、流派、形式特点、美学特征、艺术成就西方真正意义上的绘画史从14世纪文艺复兴开始，经过巴洛克风格、罗可可风格、新古典主义、浪漫主义、现实主义、印象派、象征主义、现代派，历时六百余年的发展，展示出一条“以人为本”的演进轨迹，并以此为核心，呈现出丰富而又相对复杂的艺术景观。
整体而言，西方绘画作为人类文化的重要部分，它是对世界文明的一种解释，是对社会发展的一种记录，它创造了一个带有意义的、具有审美价值的形式结构。
在此，我带领大家简单了解文艺复兴具有代表性的一些绘画作品，展示了西方绘画各阶段的风格、流派、形式特点、美学特征及其卓越的艺术成就。
文艺复兴时期的绘画，大致可分为早期和兴盛时期两个部分。
早期文艺复兴绘画兴起于意大利。
在13世纪后半期，意大利中部以弗罗伦萨为中心就出现了新的动向，从15世纪开始，意大利文艺复兴进入蓬勃发展阶段，弗罗伦萨仍是最大中心。
以波提切利为代表，人才辈出，从不同角度发扬了现实主义与人文主义相结合的传统，绘画风格雄伟秀丽各有所重，呈现百花齐放、美不胜收的局面。
注重空间透视表现和任务坚实造型，以及善用线条则成为弗罗伦萨花牌代表人物共有的特色。
威尼斯画派在意大利文艺复兴中的地位也是极其独特的。
15世纪末至16世纪初的罗马和弗罗伦萨等城市。
已处于磨难之际，而整个16世纪初的威尼斯，却保持着宗教的自由和社会的祥和，这样的社会环境为绘画创造了明媚的发展空间。
自15世纪至16世纪，文艺复兴兴盛时期绘画的中心已经转移到了尼德兰和德国。
中职美术教育的论文关于中职美术教育的论文中职美术教学中的审美教育，不仅能够帮助学生提高审美能力，还可以提高分辨好坏、黑白的能力，帮助学生在成长过程中形成良好的世界观、人生观、价值观，形成良好的道德品质。
以下是小编整理的关于中职美术教育的论文，欢迎阅读。
中职院校的学生都是直接由初中毕业生组成的，而在小学和初中对美术的教学基本都处于一个放松的状态，系统化的理论和专业化的教学都相对薄弱。
因此，大部分学生对美术教学中的色彩都缺乏认识基础。
如果中职教师继续忽视美术基础的教学，将会对学生以后一系列的美术学习造成极大的困扰。
当下，许多中职教师仅把对学生的知识传输视为一项工作任务，是课堂教学的主体。
美术教师对美术知识的讲解多集中在教科书的原理研究上，缺乏对色彩的感性运用。
而在美术课堂的实践环节中，缺乏与现代多媒体教学方式的融合，严重损害了学生的发散性思维和创新能力。
色彩教学在提高中职生的色彩感知力、艺术表现力方面发挥着非常重要的作用，可以帮助设计类、美术类专业学生掌握最基本的色彩规律，以更加敏锐的视角来看待设计或绘画作品。
由此可见，中职美术色彩教学作为美术教学的不可或缺的部分，是引领中职美术教学走向现代化、系统化、个性化的手段。
只有不断地摸索加强中职美术色彩教学的创新之路，才能提升中职生的审美观念和专业素养，为中职生的未来就业奠定更加良好的基础。
一、提高色彩教学认识的重要性色彩教学作为中职学校很多专业所必须开展的基础课程，其教学主要目标是培养学生对色彩以及对色彩所蕴含的美的认识发现的能力。
这就需要在中职美术色彩教学的开展过程中，将对色彩教学的认识以及培养学生在脑海中形成一个色彩设计的全新理念作为关键点，有针对性地开展教学内容，从而有效地促进中职美术教学朝着全新方向发展，具体表现为以下几个方面。
一是在理论学习中提升对色彩教学的认知度。
中职美术设计专业课堂，离不开理论学习，色彩理论对于学生理解色彩教学、理解色彩在艺术设计中的作用十分重要。
中职美术教育研究论文5篇第一篇：中职美术教育中色彩教学探讨摘要：对色彩教学是中职美术教学过程中的重难点，在此过程中，学生对色彩的掌握度一定程度上决定了学习成绩的好坏。
本文通过对中职美术在色彩教学过程中出现的不足进行分析，从而提出相关的解决方法。
关键词：中职美术；色彩教学；问题；措施美术属于艺术的范畴，且具有极强的个性，在美术学习的过程中能够提高学生的创造力，而在中职美术教育中最重要的课程就是色彩教学，除了能够将色彩的知识和技能教授给学生以外，还能够对学生所具备的艺术表现力、艺术创造力以及艺术感受力等进行培养。
一般情况下，在中职美术教育中，只是单方面的培养学生色彩运用能力，忽略培养学生的艺术张力、创新能力以及艺术感受力，这远不能达到对相关艺术教育机构的教学期望，所以，在实际的教学过程中，相关教育工作者应该充分吸收两者之所长，再进行有针对性的教学，才能培养出符合艺术这一概念所定义的个性化人才。
１现阶段中职美术色彩教学中的普遍不足之处１．１忽略了学生的差异性和个性化发展：瓦萨雷利曾经说过，他所具备的造型能力都是色彩与较为纯粹的形式构成的，和自然的结构没有很大的关系。
这也就能够看出可以通过对色彩的运用和与众不同的绘画构思来提高学生对于绘画学习的积极性，并能够给观赏者视觉上的享受。
但是，在中职美术教育的实际开展中，大多数的老师依然使用程式化的训练手法进行色彩的教学，这就导致色彩课堂的大部分时间都被老师用来讲解和分析色彩的理论知识，完全忽视了从感性上对色彩进行分析。
在中职美术教育的色彩教学中，过于陈旧化、理论化以及规范化的教学方式，对培养学生的创造思维和创造能够造成了严重的阻碍，也限制了学生审美能力的提高，从而大大降低了中职美术教育中色彩教学的效果。
１．２色彩教学的理念相对落后：进入二十一世纪也就标志着我国开始步入互联网的发展轨道，运用多媒体进行教学在我国也充分得到了广大教育工作者的一致好评，其中在没熟美术的教学活动中也应用广泛，比如ＰＳ和ＣＤＲ等等一些美术设计相关的应用软件也都被广泛的运用到中职美术教育中的绘画学习之中，不仅能够使用它进行绘画，而且还需要下载相应的色彩教程，大大提高了中职美术教育中色彩教学的有效性，并将学生的色彩绘画知识与网络知识进行了有机结合，使得学生们对美术色彩的知识掌握和专业的绘画技能在互联网领域得到更高的提升和积累。
美术教育论文15篇中外小学美术教育的管窥美术教育论文摘要：随着素质教育的深化和人才观念的更新,怎样有利于培养学生的创造能力,怎样有利于学生全面发展和优良个性品质的形成,已成为检验教育教学成败的关键。
在这大力倡导创新教育的今天,美术教育教学更应该发挥出它所具有的独特作用。
教学内容的设计,教学方法的实施,以及教学结果的评价,都应该围绕着服务于学生创造力的培养这一重要目标。
关键词美术教育论文美术教育教育论文教育美术教育论文:中外小学美术教育的管窥近十来年,中国美术教育取得了令人瞩目的成绩。
从颁布《中小学美术教学大纲》之日起,以中国特色为前提的基础美术教育体系初步形成,特别是小学美术教育涉及面之广大、体系之完备(大纲、课程、教材等) 让人感到欣慰。
然而,与境外发达国家、地区的美术教育比较起来虽各有优劣,但综合权衡起来,又不得不承认在许多方面还存在一定的差距,本文想就此谈一些粗浅的认识。
一、从美术教育的目的任务来看。
德国巴伐利亚州(1985年颁布)小学美术教育目的任务是,为儿童提供自由绘画的机会,激发他们丰富的想象力;使儿童在自己的艺术创造中得到快乐,发展他们多方面的创造能力;教师应指导儿童有意识地注意和观察,在熟悉制作的工具、材料和技能基础上,发挥他们的表现能力(绘画语言和表达方式);参观教堂和博物馆,使儿童有机会看到真正的艺术品;使儿童在年度的节日庆祝活动中进行装饰布置和多种形式的游戏表演。
日本文部省(1980年实施)新订的小学美术学习指导精神(目的任务):①培养具有完美人性的孩子 ;②培养儿童热爱自然和社会的审美情操;③努力发掘每一个儿童独立思考的创造性智能和技能;④造就轻松、活泼、充实的校园生活气氛;⑤在尊重普遍道德原则的同时、对孩子进行适合其个性和能力的教育;⑥精选教学内容,调整授课时间;⑦各校谋求更加具有弹性的教育,即根据各地区儿童的不同情况,制定贴切可行、各具创意的教育方式。
我国1988年国家教委颁发的小学美术教学大纲中提出美术教育的目的是:①小学美术课应使学生掌握浅显的美术基础知识和简单的造型技能;②在教学中着重培养学生高尚的审美情趣和爱国主义情感,加强品德、意志的培养;③逐步提高学生的观察能力、形象记忆能力、想象能力和创造能力。
职高美术课教学论文职高美术课教学论文的课程改革，对于美术教师而言，意味着专业的同时，要突出自身文化知识技能的综合性。
那么怎么写一篇论文呢？下面请参考吧！职高美术课教学论文【1】摘要：随着社会的不断发展，我国对于职业高中也越来越重视，同时，美术是职业高中的一个重要组成部分，很多学生通过在职业高中进行美术专业的学习，都获得了越来越大的成效，不管是继续深造、还是选择就业，都受益匪浅。
那么，如果提高职业高中的美术教学成为我们的一个教学重点。
本文将就我国现阶段职业高中的学生特质进行简要分析，针对学生，因材施教，进而论述一些提高职业高中美术课的教学策略，提几点可行性的教学方法。
关键词：职业高中美术教学策略引言就我国当前的教育形式来看，职业高中的学生，普遍存在着文化课基础较为薄弱、美术基础也较为薄弱的一些列问题，因此想提高职业高中学生的美术能力，对于课堂中的教学，形成了一个难点，同时也是一大挑战。
如何才能顺利的开展教学，需要我们的老师因地制宜、因材施教，先从提高学生的兴趣着手，培养起学生自主学习的热情，再采取有效的策略办法，引导学生学习，培养技能、提高审美，循序渐进的，带领大家提高美术成绩。
[1]一、现阶段职业高中学生所存在的问题1.文化课、美术基础都较为薄弱就我国现阶段的学校结构设置来看，职业高中学校的学生成绩往往不是很好，文化课成绩往往较为薄弱，除此之外，美术功底也并不是很扎实，很多的同学，可以说美术这一方面，甚至是零基础。
2.缺乏自信和自主学习能力由于职业高中的学生缺乏较强的自我主动学习意识，也会对教学造成一定的困难。
除此之外，很多的职业高中学生对自己缺乏自信心，或自卑、或自尊心非常脆弱，因为曾经的成绩不是很好，一些学生会对学习有些许的抵触情绪，如此一来，在求学过程中，不可避免的就进入了一个恶性循环阶段，不利于学习的顺利进行。
[2]二、提高职业高中美术教学的有效方法1.我们职业高中的美术教师要先从提高自身素养做起不可否认的一点是，我国职业高中的许多美术老师，他们自身的美术素养并不是非常高，尤其是地处在教育落后地区的老师，以及一些年岁较大的老师。
古埃及壁画古希腊陶瓶绘画中世纪绘画作品。
宗教题材意大利文艺复兴，《诽谤》桑德罗·波提切利东汉《戈射·收获图》东汉《宴饮观舞》东汉《泗水取鼎》西汉《扁鹊水榭》中外文化对绘画的影响及空间的差异拿到一幅画我们很容易分辨出是中国画还是西方绘画。
中国画是写意，写的是理想，写的是画境、意境，更加的感性。
而西方的绘画则是写实，更加的理性，利用透视，明暗等手法使画面更加的逼真。
造成这种差异的一个重要原因是中西方文化的不同。
儒道之学是中国千百年来的传统思想，强调的是天人合一，其实在绘画上同样强调着天人合一的美学观念，自然、朴实、返璞归真为美，这个在中国画中表现得十分突出。
另外禅学思想在中国高度发达，形和意之间的关系不是弄得很实实在在。
一开始虽然是从写实、描绘人物出发，但是渐渐地融进了中国人独特的思维方式，天人合一的价值观念、美学观念，和形意之间辨证的这种思维方式。
所以中国画从色彩、构图、黑白、线条，各个方面都表达了这种独特的哲学观念和思维观念，乃至人生的伦理观念。
再看西方，从早期古希腊的人本主义和理性主义到14~16世纪的文艺复兴再到之后的思想启蒙运动，西方资本世界的理性同样出现在西方的绘画之中，这使得越是画的写实越是逼真的作品越是被人们所称赞。
这些写实派认识和把握自然的方式是纯客观的，始终贯穿着以科学精神为基础，要求对象、光源、环境、视点四固定，即创作时对客观景物的位置、视点只能选择，而绝不能在画面上随便移动，以求严格按照物理、光学原理，科学准确地再现三维空间的客观世界，并把运用和体现透视、解剖、光彩原理的准确程度当作衡量艺术质量的重要尺度。
关于有与无的哲学观念，西方以有为本，从有到实体；中国则以无为本，从无到有。
依西方的有无观，无是无论如何也不能生有的。
你看中国写意绘画是如此的虚实相间，往往留下一片空白。
给予观者的感受是虚白上幻现的一花一鸟，一山一水，但却负荷着无限的深意。
这样看来西方画面中的有是有限的，这使得画家需要花费心思使有限的画面更加的精致，而中国画画面之外的意境与想象则是无，无穷无尽的。
中国绘画我国古代绘画史上，第一批有确实的历史记载，以绘画的才能享有声誉的画家，出现在魏晋之际。
他们是东吴的曹不兴，西晋的张墨和卫协。
这一批画家的出现标志着绘画艺术发展进入新的阶段。
顾恺之代表了汉代美术得到迅速发展和成熟的人物画艺术。
顾恺之的作品真迹，今已无传。
只有若干流传已久的摹本。
其中最精美的是《女史箴图》（隋代摹本，现藏英国伦敦不列颠博物馆）和《洛神赋图》（宋代摹本，故宫博物院藏）。
唐代阎立本以人物肖像画最著名。
《历代帝王图卷》代表了初唐{学}人物画的新水平，在古代绘画史的发展上有着重要地位。
《步辇图》是阎立本传世的重要作品，描写了贞观十五年唐太宗李世民会见吐著使臣禄东赞的重大历史事件，对唐太宗、禄东赞等人的形象刻划颇为传神，气氛隆重而融洽。
其后的吴道子是古代画家中最享盛名的一个，被奉为“画圣”，他的画被称为“吴带当风”，他被奉为民间画工的“祖师”。
北宋末画家张择端的《清明上河图》，是人物风俗画代表作品，描写清明佳节汴京城沛河上拥满了游人的热闹风光。
“宋四家”分别指苏轼、黄庭坚、米芾和蔡襄四位书法家。
从书法风格上看，苏武丰腴跌宕；黄庭坚纵横拗崛；米芾俊迈豪放；蔡襄书法浑厚端庄，淳淡婉美，他们书风自成一格。
苏、黄、米都以行草、行楷见长，蔡襄则以楷书见长。
宋代米芾、米友仁父子画史上称“大米”“小米”,或曰“二米”。
中国的传统山水画，用笔多以线条为主，米芾则以卧笔横点成块面，称:“落茄法”，打破了线条成规。
其特点，能表达烟雨云雾、迷茫奇幻的景趣，世称:“米氏云山”。
友仁继承和发燕尾服家传，善画无根树、朦胧云，每喜自题“元晖戏笔”。
因父子均居襄阳和镇江，对潇、湘二水和金、焦二山自然景色特别陶醉，故能画出水气蒸郁、烟雾弥漫的妙趣。
南宋四家：南宋院体册水画家李唐、刘松年、马远、夏圭四人的合称。
属豪纵简略一路画风,初无此称，元代汤后土谓：“南宋画院诸人得名者,若李唐、周曾、马远、夏圭及李迪、李安忠、楼观，梁楷之徒，仆于李唐差加赏识，其余亦不能尽别也。
”倡此说者为明代唐寅题刘松年《春山仙隐图》，有所谓“李、刘、马、夏”之称。
其后屠隆说：“李唐、刘松年、马远、夏圭，此南渡以后四大家也。
”张丑认为：“南宋刘松年为冠，李唐、马远、夏圭次之。
”张泰阶则曰：“刘、李、马、夏，俱负重名，而李、马为[!--empirenews.page--]“元四大家”在明代中叶被认为是：赵孟頫、黄公望（字子久，号大痴道人）、王蒙（字叔明，号黄鹤山樵）、吴镇（字仲圭，号梅花道人），明末董其昌等认为赵孟頫应有更高的位置，而替换上了倪瓒（字元镇，号云林子，其他别号很多）。
他们都是明清以来山水画家心目中的旗帜。
明四家（吴门四家）：指中国画史上沈周、文征明、唐寅、仇英四位明代画家。
他们都在江苏苏州从事绘画活动。
因苏州古为吴地，故又称、沈、文、唐、仇为“吴门四家”。
四人中沈周、文征明都擅长画山水，上承北京山水画的传统；唐寅山水、人物都很擅长，他们南宋院体为法；仇英以人工笔人物、青绿山水见称。
四人各有所长，先后齐名。
但除沈周、文征明有师承关系外，唐寅、仇英各有内格。
因此“吴门四家”（“明四家”）只是明代四位成就很高四位不同风格的大家，而并非一个画派之称。
清六家：清初山水画家王时敏、王鉴、王恽、王原祁、吴历、恽寿平六人的合称。
亦称“四王、吴、恽”。
他们继明代董其昌之后享有盛名，领导画坛，左右时风，当时被目为“正统”。
“清六家”中王时敏、王鉴、王恽、王原祁四人的合称。
他们之间有师友或亲属关系，在绘画风尚和艺术思想上，直接或间接受董其昌影响。
技法功力较深，画风崇尚摹古，不少作品趋于程式化。
王恽、王原祁一度出入宫禁，火亘赫南北。
前者，综合宋元各家各派，缔造一套体例完备的画格；后者把元代黄公望一系，糅和实质，融化精神，亦一成就。
“四王”对清代和近代山水画有深远影响。
清初四高僧：即弘仁（江韬）、髯残（刘介丘）、八大山人〈朱耷〉、石涛（朱若极）。
皆明末遗民，八大山人和石涛，系明宗室，后出家为僧。
均深通禅学，寄情书画，各有独特造诣。
髯残号石奚谷，与石涛并称“二石”。
扬州八怪：清乾隆间寓居江苏扬州的八位代表画家的总称。
一般指汪士慎、黄慎、金农和高翔、李鱼单、郑燮、李方膺、罗聘。
作画多以花卉为题村，亦画山水、人物，主要取法于陈道复、徐渭、朱耷（八大山人）、原济（石涛）等人，能不拘前人陈规，破格创新，抒发真情实感；又都能诗，擅书法或篆刻，讲究诗书画的结合，和当时流行画坛的尚古模拟之风，有所不同，被时人目为“偏师”、“怪物”，遂有“八怪”之称。
[!--empirenews.page--]现代中国画中国画又名国画，是现代人为区别于西洋画而对中国传统绘画的泛称。
它包括水墨画、墨笔画、彩墨画、工笔重彩画、白描画等。
现代中国画是在近百年来引入西方美术潮流的文化环境中发展的，出现了诸多派别、主张和新的探索，名家辈出，在画坛上占有重要的位置。
19世纪末以来，上海、北京、广州成为中国政治、文化的主要凝聚地，加上三地商业发达，便于对内对外交流，因而集中了大批文化人。
尤其在20世纪50年代以前，中国画家主要云集于这 3个地区，形成了以上海为中心的江浙画家群、以北京为中心的北方画家群和以广州为中心的南方画家群。
江浙画家群人数最多，著名画家有任颐、虚谷、蒲华、吴昌硕（海派四杰）、黄宾虹、刘海粟、潘天寿、丰子恺、张大千、傅抱石等。
北方画家群主要云集京津两地，著名画家有齐白石、陈师曾、王雪涛、李苦禅、叶浅予、李可染等。
南方画家群（包括香港、武汉），著名画家有高剑父、高奇峰、何香凝等。
“文房四宝”：中国书法的工具和材料基本上是由笔、墨、纸、砚来构成的，人们通常把它们称为“文房四宝”，大致是说它们是文人书房中必备的四件宝贝。
因为中国古代文人基本上都是或能书，或能画，或既能书又能画的，是离不开笔墨纸砚这四件宝贝的。
中国画特点：相对西洋画来说，中国画有着自己明显的特征。
中国画讲求“以形写神”，追求一种“妙在似与不似之间”的感觉：而西洋画则讲求“以形写形”，当然，创作的过程中，也注重“神”的表现。
但它非常讲究画面的整体、概括。
有人说，西洋画是“再现”的艺术，中国画是“表现”的艺术，这是不无道理的。
中国画与西洋画相比有着自己独特的特征，还表现在其艺术手法、艺术分科、构图、用笔、用墨、敷色等多个方面。
按照艺术的手法来分，中国画可分为工笔、写意和兼工带写三种形式。
工笔就是用画笔工整细致，敷色层层渲染，细节明彻入微，用极其细腻的笔触描绘物象，故称“工笔”。
而写意呢？相对“工笔”而言，用豪放简练的笔墨描绘物象的形神，抒发作者的感情。
它要有高度的概括能力，要有以少胜多的含蓄意境，落笔要准确，运笔要熟练，要能得心应手，意到笔到。
兼工带写的形式则是把工笔和写意这两种方法进行综合的运用。
从艺术的分科来看，中国画可分为人物、山水、花鸟三大画科，它主要是以描绘对象的不同来划分的。
而中国画中的畜兽、鞍马、昆虫、蔬果等画可分别归入此三类。
[!--empirenews.page--]西方绘画大师介绍★莱昂纳多&#8226;达&#8226;芬奇是意大利文艺复兴时期第一位画家，也是整个欧洲文艺复兴时期最杰出的代表人物之一。
他是一位思想深邃、学识渊博、多才多艺的艺术大师、科学巨匠、文艺理论家、大哲学家、诗人、音乐家、工程师和发明家。
他在几乎每个领域都做出了巨大的贡献。
后代的学者称他是“文艺复兴时代最完美的代表”，是“第一流的学者”，是一位“旷世奇才”。
所有的以及更多的赞誉他都当之无愧。
达&#8226;芬奇的艺术作品不仅象镜子似的反映事物，而且还以思考指导创作，从自然界中观察和选择美的部分加以表现。
壁画《最后的晚餐》、祭坛画《岩间圣母》和肖像画《蒙娜丽莎》是他一生的三大杰作。
这三幅作品是达&#8226;芬奇为世界艺术宝库留下的珍品中的珍品，是欧洲艺术的拱顶之石。
★米开朗基罗&#8226;博那罗蒂是意大利文艺复兴时期伟大的绘画家、雕塑家和建筑师，文艺复兴时期雕塑艺术最高峰的代表。
其代表作有《大卫》、《酒神巴库斯》和《哀悼基督》等。
米开朗基罗创作的人物雕像雄伟健壮，气魄宏大，充满了无穷的力量。
他的大量作品显示了写实基础上非同寻常的理想加工，成为整个时代的典型象征。
他的艺术创作受到很深的人文主义思想和宗教改革运动的影响，常常以现实主义的手法和浪漫主义的幻想，表现当时市民阶层的爱国主义和为自由而斗争的精神面貌。
米开朗基罗的艺术不同于达&#8226;芬奇的充满科学的精神和哲理的思考，而是在艺术作品中倾注了自己满腔悲剧性的激情。
这种悲剧性是以宏伟壮丽的形式表现出来的，他所塑造的英雄既是理想的象征又是现实的反应。
这些都使他的艺术创作成为西方美术史上一座难以逾越的高峰。
★伦勃朗（1606～1669）荷兰画家，十七世纪西欧绘画的卓越代表之一。
他在继承尼德兰和意大利传统绘画的基础上形成独特的风格，擅长用概括的构图和凝聚的光线突出表现主题人物，刻画对象的内心世界。
所作多为宗教、神话题材和肖像画。
名作有《杜普教授的解剖学课》、《夜警》、《莎士姬亚》、《戴金盔的人》等，并作有很多铜版画和素描。
[!--empirenews.page--]★文森特&#8226;凡&#8226;高（1853.3.30～1890.7.29）荷兰画家。
主要活跃于法国，继印象主义之后在画坛上产生重要影响的革新者，与高更、塞尚齐名，通常被人们称作后印象主义。
凡&#8226;高作品中所包含着深刻的悲剧意识，强烈的个性和形式上的独特追求，远远走在时代的前面，难以为世人接受。
但是，他对西方二十世纪的艺术具有很大的影响力。
充分认识作者主体在创作过程中的作用，自由地反悔内心的感情，意识和把握形式相对的独立价值，在油画创作中吸收和撷取东方绘画的因素——这是凡&#8226;高的艺术对后人的启示。
法国的野兽主义、德国的表现主义，以至于二十世纪初出现的抒情抽象派，都曾经受益于凡&#8226;高的艺术。
★马蒂斯（1869～1954），二十世纪最伟大的善于运用色彩的艺术家。
他的作品总是色彩鲜艳、随意涂抹。
和其他一些艺术家一起被称之为野兽派。
他一生的艺术，倾向于极端简化和装饰性细节这两个极端之间交替进展。
★毕加索（1881～1973），从十九世纪末从事艺术活动，一直持续到二十世纪七十年代最具有影响力的现代派画家。
一生画法和风格迭变。
早期画近似表现派的主题；后注目于原始艺术，简化形象。
1915～1920年，画风一度转入写实。
1930年又明显的倾向于超现实主义。
晚期制作了大量的雕塑和陶器等，亦有杰出的成就。
