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现代艺术是否失去了原创性和审美价值辩论辩题正方，现代艺术失去了原创性和审美价值。
现代艺术已经失去了原创性和审美价值。
首先，现代艺术作品大多缺乏原创性，很多作品都是在前人的基础上进行模仿和再创作，缺乏新颖性和独特性。
例如，一些当代艺术家的作品在形式和内容上都是在模仿前人的作品，缺乏独特的创意和表现力。
其次，现代艺术作品的审美价值也大大降低。
一些现代艺术作品过于追求“反传统”、“冲击感”和“破坏性”，导致作品失去了观赏性和美感。
例如，一些现代艺术作品过于抽象和难以理解，观众无法从中获得美的享受，甚至会感到困惑和不适。
名人名句，著名艺术家毕加索曾说过，“当代艺术的问题在于，它已经失去了美的意义。
”这句话表达了现代艺术缺乏审美价值的问题。
经典案例，例如，一些当代艺术展览中的作品常常引发争议，观众对作品的理解和接受度都存在较大分歧。
这说明现代艺术作品的审美价值已经受到了质疑。
反方，现代艺术并未失去原创性和审美价值。
现代艺术并未失去原创性和审美价值。
首先，现代艺术作品的创作依然充满了创新和独特性。
许多当代艺术家在艺术创作中融入了新的材料、新的表现方式和新的思想，展现出了丰富多样的艺术风貌。
其次，现代艺术作品的审美价值也是多元而丰富的。
虽然一些现代艺术作品可能具有较强的冲击性和抽象性，但正是这种不同于传统的审美表达方式，让人们在欣赏中感受到了新的美的魅力。
例如，一些当代艺术作品通过对社会现实和人性的深刻思考，展现出了独特的审美魅力，引发了观众的共鸣和思考。
名人名句，著名艺术家安迪·沃霍尔曾说过，“艺术是一种无尽的创新和探索，现代艺术作品的多样性和丰富性正是其审美价值所在。
”。
经典案例，例如，一些当代艺术作品在国际艺术市场上拍卖价格居高不下，艺术家的影响力和作品的价值得到了认可。
这说明现代艺术作品依然具有较高的审美价值和市场价值。
通过以上观点和论据，我们可以看到，现代艺术是否失去了原创性和审美价值是一个复杂而多元的问题，需要全面客观地进行评价和分析。
西方现当代艺术哲学困境及其再思考在哲学发展的过程中，只有将其与人的生活紧密结合，才能够体现出艺术美。
然而当代艺术哲学在走向生活的过程中遭遇了许多的困难，而这无疑增加了当代艺术哲学的发展难度。
就现阶段的实际情况而言，西方现代艺术哲学发展过程中一个十分关键的问题就是在日常生活双重性框架之下，如何更好的处理日常生活与审美之间的关系，本文对这一问题进行简单的探讨分析，希望能够为相关学者的研究工作提供参考、借鉴。
标签：西方现当代艺术哲学；困境；日常生活双重性西方后现代艺术是对传统艺术的反叛，其中最为重要的特点之一是“生活艺术化”以及“艺术生活化”，但在艺术哲学生活化过程中，出现了一些问题，生活的双重性问题被忽视。
这种情况之下，如何更好的界定现代艺术哲学在日常生活中的作用、重新为现当代哲学在生活中定位，已经成为西方现当代艺术哲学发展中需要重点研究的问题。
一、西方現当代艺术哲学的困境西方传统哲学的基础是形而上学的实体论哲学，它的基本特点就是为日常生活设定一种固定的终极价值观念，将经验世界与超验世界、现象世界与本体世界分离，这种思想认为，在日常生活中不可能存在美以及人的真正自由，它们只可能存在着和超现实及超经验的本体世界之中。
这种实体论哲学在把握及认识日常生活本体时主要依靠哲学逻辑理性方式，它将艺术审美与日常生活剥离开来，按照逻辑理性方式将日常生活概念化、抽象化、理性化处理，遗弃了人们日常生活之中的感性思维。
也就是说，实体论哲学将人推向了不可预知的日常生活，而西方现当代艺术哲学则是将日常生活重新拉回到人生活之中。
虽然西方现当代艺术哲学非常重视发现日常生活，但在实际的发展过程中，也还存在着相反的研究倾向，有部分艺术家对日常生活持批判态度，而导致这两种截然不同观点的重要原因在于日常生活本身的双重性质。
日常生活的双重性质主要表现在两个方面。
一方面，日常生活中蕴含了人们的本真体验，从另一个方面来说，日常生活也存在着刻板性、平庸性、非创造性、萎缩性。
海德格尔的存在主义哲学与近现代人的存在之谜在近现代哲学史上，存在主义哲学以其对人类存在的思考和研究而备受瞩目。
而作为存在主义哲学的先驱者之一，德国哲学家马丁·海德格尔（Martin Heidegger）的思想对于探讨近现代人的存在之谜具有重要意义。
他的哲学观点以及对人类存在的思考引发了广泛的讨论与争议。
海德格尔认为，人的存在是一种独特的存在方式，它与其他任何存在不同。
他对人的存在进行了深入思考，并探索了存在的本质与意义。
在他的著作《存在与时间》中，海德格尔提出了“存在性”这一概念，他认为存在性是人类存在的根本特征，它表现在个体对自身存在的思考和对世界的理解中。
根据海德格尔的观点，人的存在是被动的、有限的和有束缚的。
他主张人类存在是一种“被抛掷”的存在，人在出生之前没有选择自己的存在，也不能控制自己的死亡。
在海德格尔看来，人的生命是在时间之中有限地存在，也正是因为有限性，人类才更加关注自己存在的意义和价值。
海德格尔的存在主义哲学对近现代人的存在之谜提出了深刻的挑战。
随着科技的发展和社会的变迁，人们的生活变得更加复杂与快节奏，个体在这个变化的时代中常常感到迷茫和焦虑。
传统的价值和意义观在现代社会中不再适用，人们不再能够找到确切的答案来回答自己存在的意义。
海德格尔的存在主义哲学试图回答人类存在的意义问题，他认为人的存在是一个持续的追问和探索过程。
他强调了个体对自身存在的独立思考和对世界的独特理解。
对于近现代人来说，关注自身的存在意义，思考自身价值和对世界的关系是十分重要的。
然而，海德格尔的思想也引发了一些争议。
有人认为他的存在主义哲学过于抽象和理论化，与实际生活相脱离，无法解决人们真实面临的问题。
另外，海德格尔本人在思想和行为上也受到了批评，他曾公开支持过纳粹党，这也对他的思想产生了一定的负面影响。
总之，海德格尔的存在主义哲学对于近现代人的存在之谜提供了一种重要的思考方式。
他的观点和思想在一定程度上回答了人类存在的问题，同时也引发了更多的讨论和研究。
现代艺术是否失去了原创性和审美价值辩论辩题正方，现代艺术失去了原创性和审美价值。
首先，现代艺术的失去原创性是不可否认的。
随着信息时代的到来，艺术家们容易受到外部信息的影响，导致创作中出现了大量的模仿和抄袭现象。
例如，许多当代艺术作品都是在前人的基础上进行改编或者模仿，缺乏独特的创意和个性。
这种缺乏原创性的现象严重影响了现代艺术的发展，使得作品缺乏新颖性和独特性。
其次，现代艺术的审美价值也受到了质疑。
随着社会的快速发展，人们对审美的追求也发生了变化，传统的审美标准已经不能满足现代人的需求。
然而，一些现代艺术作品却偏离了传统审美标准，过于追求个性和非主流，导致观众对作品的接受度大大降低。
例如，一些现代艺术作品过于抽象或者太过于前卫，使得观众难以理解和接受，从而失去了审美的意义。
名人名句，著名艺术家毕加索曾说过，“艺术不是复制现实，而是使现实更加真实。
”这句话表明了艺术需要有创造性和独特性，而现代艺术的失去原创性使得其难以达到这一目标。
经典案例，近年来，一些现代艺术作品的拍卖价格屡创新高，然而这些作品的价值却受到了质疑。
例如，一些艺术家以简单的线条或者颜料涂抹作为艺术创作，然而这些作品却被高价拍卖，这种现象严重影响了现代艺术的审美价值。
综上所述，现代艺术的失去原创性和审美价值是一个不容忽视的问题，需要引起社会的重视和关注。
只有通过重拾原创性和审美价值，现代艺术才能真正走向繁荣和发展。
反方，现代艺术并未失去原创性和审美价值。
首先，现代艺术的创作并不是缺乏原创性，而是在不断地探索和创新中。
随着社会的发展和变化，艺术家们面临着更多的创作灵感和材料，他们能够通过不同的方式和媒介进行创作，呈现出更加多样化和丰富化的作品。
例如，一些当代艺术家通过结合传统和现代的元素，创作出了独具个性和魅力的作品，展现出了现代艺术的原创性和创新性。
其次，现代艺术的审美价值也是多元化的。
随着社会的多元化和个性化发展，人们对艺术作品的审美需求也在不断地变化。
艺术概论论文艺术设计学院对现代艺术的认识和理解【内容摘要】现代艺术是相对传统的美术而起的一个新名词，它企图摆脱传统绘画的束缚，追求艺术的新观念、新价值，采用新奇的表现形式，十分注重艺术的创新和艺术领域的开拓。
【关键词】现代艺术【正文】一、现代艺术的出现认识现代艺术，要从它如何出现谈起。
从古希腊阿波罗神殿镌刻的“认识你自己”1的箴言开始，艺术始终凝结着时代的文明和人类的文化智慧。
人类社会的历史，每一个文化类型都有着表达自己时代的方法与技巧，如古埃及文化、中国文化、文艺复兴文化等等。
现代艺术也同样表达着我们所处时代的意志，只是时代不同，表达的方法也不同。
现代艺术出现在19世纪末，壮大于20世纪初，正是现代社会形成的重要阶段，工业革命的发展催生了新的科学理论和技术发明，人们的知识体系发生着激烈的变化。
大规模的工业化生产不仅使物质生活的内容和质量都有大飞跃，而且更新着人们的价值观和审美观念。
两次世界大战不仅给世界带来深重的灾难，也以一种无可回避的现实摧毁了一切传统，接着是巨大的空白。
现代艺术首先是从西方的印象派的出现开始的。
从而艺术家们开始反对传统的绘画观念，走向主观的自我表现为中心的现代工绘画艺术开始了。
正如海德格尔认为的那样“艺术是价值空虚的填补者，赋予世界新的意义，并把信念，救恩和爱赋予这个世界，艺术作为抗拒贫乏时代的本真力量，召唤人进入自由的空地”①。
现代艺术在这样的土壤中萌芽，在寻找自己的表达方式，艺术家们发现过往的手法变得难以实现，因为在现代社会中，传统的现实主义已丧失了真实感，所以现代艺术需要以抽象的，变形的方法重新获得激情，需要“荒谬与不和谐”来刺激人心，以达到“召唤人进入自由的空地”的目的。
可以说，现代艺术不是源于艺术而是源于生活，它的形式以及难以理解的内容，都是在一定历史时期内的社会文化的反映，现代艺术也是总文化的一部分。
从这个意义上说，现代艺术的抽象与扭曲就变得容易理解了。
二、现代艺术的发展与成长现代艺术是相对传统的美术而起的一个新名词，它企图摆脱传统绘画的束缚，追求艺术的新观念、新价值，采用新奇的表现形式，十分注重艺术的创新和艺术领域的开拓。
现代艺术是否失去了原创性和审美价值辩论辩题正方观点，现代艺术失去了原创性和审美价值。
现代艺术失去了原创性和审美价值，这一观点可以从多个方面进行论证。
首先，现代艺术作品往往缺乏原创性，大量的作品只是对前人作品的模仿或者是对社会现实的简单反映，缺乏新颖的创意和独特的观点。
例如，现代艺术中出现了大量的“抄袭”现象，一些艺术家为了迎合市场需求或者获取名利，选择模仿他人的作品，这导致了艺术作品的同质化和缺乏个性。
其次，现代艺术往往忽视审美价值，追求炫技和震撼效果。
许多现代艺术作品过分追求“前卫”和“激进”，忽视了观众的审美感受，导致观众对作品产生隔阂。
例如，一些现代艺术作品过于抽象或者过于具象，让观众难以理解和产生共鸣，这种情况下，艺术作品就失去了其本应具有的审美意义。
此外，现代艺术市场的商业化也加剧了艺术作品失去原创性和审美价值的现象。
艺术家受到市场需求的影响，追求商业成功而非艺术创作，这导致了大量的商品化艺术作品的出现，这些作品缺乏深度和内涵，只是为了赚钱而已。
综上所述，现代艺术失去了原创性和审美价值，这一观点得到了许多艺术评论家和观众的认同。
正如著名艺术家毕加索曾经说过，“当代艺术是一种庸俗的艺术，它丧失了审美价值。
”因此，我们有理由相信现代艺术的确存在着失去原创性和审美价值的问题。
反方观点，现代艺术并未失去原创性和审美价值。
相对于正方观点，反方认为现代艺术并未失去原创性和审美价值。
首先，现代艺术作品中仍然存在着大量的原创作品，艺术家们通过自己的思考和创作，呈现出了独特的艺术观点和表现形式。
例如，现代艺术中出现了许多新的艺术流派和风格，如概念艺术、后现代主义等，这些新的艺术形式为艺术创作提供了更多的可能性。
其次，现代艺术作品中依然存在着审美价值，虽然一些作品可能会让观众感到困惑或者反感，但这并不意味着作品本身就缺乏审美意义。
艺术作品的审美价值是因人而异的，不同的观众可能会有不同的审美体验，这并不影响作品本身的价值。
现代艺术是否失去了原创性和审美价值辩论辩题正方观点，现代艺术失去了原创性和审美价值。
现代艺术已经失去了原创性和审美价值。
首先，现代艺术作品的原创性大大降低。
许多现代艺术家只是模仿前人的作品，缺乏创新和独特性。
例如，一些当代艺术家只是在已有的艺术风格上做出微小的改变，甚至直接复制他人的作品，这种行为严重损害了艺术作品的原创性。
其次，现代艺术作品的审美价值也大大减弱。
许多现代艺术作品追求“反传统”、“反美感”，结果导致作品缺乏美感和艺术价值。
例如，一些当代艺术作品只是堆积了一些随机的物品，缺乏美感和内在的审美价值。
因此，可以说现代艺术失去了原创性和审美价值。
为了支持这一观点，可以引用著名艺术评论家罗伯特·休曼的话，“现代艺术已经失去了原创性和审美价值，成为了一种商业化的产品。
”休曼的观点表明，现代艺术已经偏离了原本的创新和审美的方向，而是变成了商业化的产品。
此外，可以引用著名艺术家毕加索的名言，“艺术不是复制现实，而是创造一种新的现实。
”毕加索的观点强调了艺术作品应该具有创新和独特性，而现代艺术作品往往缺乏这种特点。
反方观点，现代艺术并未失去原创性和审美价值。
相比之下，现代艺术并未失去原创性和审美价值。
首先，现代艺术作品的原创性体现在艺术家对于传统艺术形式的突破和创新。
例如，一些当代艺术家通过运用新的材料和技术，创造出了前所未有的艺术形式，展现了原创性和创新精神。
其次，现代艺术作品的审美价值在于其对当代社会和文化的反映和批判。
许多现代艺术作品通过艺术家独特的视角和表达方式，呈现出了深刻的审美和艺术价值。
因此，可以说现代艺术并未失去原创性和审美价值。
为了支持这一观点，可以引用著名艺术评论家克莱门特·格林伯格的话，“艺术是对现实的再创造和再表达，而不是对传统审美标准的奴役。
”格林伯格的观点强调了艺术作品应该具有对现实的独特表达和创造，而不是对传统审美标准的奴役。
此外，可以引用著名艺术家安迪·沃霍尔的名言，“艺术是永远在变化的。
当代艺术作品的哲学思考当代艺术作为一种独特的表达方式，经常引发人们的思考和探索。
在这个快速发展的世界中，当代艺术作品不仅仅是为了观赏，更是为了传达一种哲学思考，通过艺术表达来探索生活、自我和世界的意义。
本文将从几个方面探讨当代艺术作品所带来的哲学思考。
首先，艺术家通过作品探索人类的存在与意义。
在当代社会，人们对于存在的思考日益强烈。
当代艺术家利用各种形式和媒介来表达他们对于人类存在的思考。
他们的作品通过抽象的符号、图像和声音，勾勒出人类存在的复杂性和多样性。
艺术家试图回答一些根本性的问题，例如“人类的存在意义是什么？”、“我们的生活从哪里来，又会去向何方？”这些问题引发了观众对于自身存在和意义的反思。
其次，当代艺术作品引发观众对于时间与空间的思考。
在现代社会，时间与空间的变化速度越来越快，人们对于这两者的感知也在改变。
当代艺术作为一种现实感的表达方式，通过对于时间与空间的呈现，引导观众思考时间的流逝和空间的扩展。
例如，一些装置艺术作品通过对于时间和空间的非线性处理，使观众感受到时间的分裂和空间的变幻。
观众在感受到时间与空间的错乱后，会不自觉地思考时间与空间对于人类生活的影响和意义。
此外，当代艺术作品还通过对于社会和权力的思考，引发人们对于社会秩序和权力结构的反思。
在当代社会中，社会问题和权力关系是人们关注的焦点。
当代艺术家通过他们的作品，对于社会现象和权力结构进行批判和探索。
他们通过对于社会不公、权力滥用和人权问题的揭示，引发观众对于社会秩序和权力合理性的思考。
同时，他们也试图通过艺术的力量改变社会现状，促进社会的进步和公正。
最后，当代艺术作品通过审美的思考，引发观众对于美的价值的思考。
美是艺术的核心，也是人们对于艺术的追求。
当代艺术家通过运用丰富的形式和材料，挑战传统审美观念，重新定义美的概念。
他们试图打破常规，唤起观众对于美的认知的重新思考。
通过对于美的思考，观众不仅能够欣赏作品的审美价值，还能够深入思考美对于个体和社会的重要性。
对现代艺术的一些思考对现代艺术的一些思考艺术一直有其神秘的光环，这我们也无可厚非。
19世纪末即已开始流行的“绘画不做自然的奴仆”、“绘画摆脱对文学、历史的依赖”、“绘画语言自身的独立性”、“为艺术而艺术”等观念，这些都是现代主义美术体系的理论基础，在这一基础上形成了与以往三千年的西方艺术完全不同的艺术观念、思维和形式，艺术发生了翻天覆地的变化，而这一阶段的一个显著的特征就是“反传统”。
然而当代艺术的神秘，已经到了让普罗大众感到无所适从的地步。
凭心而论，对于一般观众而言，某些当代艺术真的是十分晦涩难懂。
许多当代艺术作品，根本无法直接透过作品的呈现来完成沟通，看完了展览，无法理解或体会作品的精髓。
这种需要博览群书之后才能理解的艺术，其实这对于希望接触艺术的群众却是可以说是一堵无法翻越的墙。
这种作品在艺术的演进过程中是必须的，但我们也不能忽略观者的处境，毕竟艺术不是一个人的事，而是为社会服务的。
对于现代艺术，我们应该放下自我保护而去勇敢的面对它，英语俗语有云：“Jokes are not true yet never entirely unt rue.”也就是说，我们是不是应该去深刻的反思一下，这些嘲讽的字里行间是否也蕴涵着社会大众对我们所有的艺术创作者所发出来一种警讯呢？我们必须要谨记，千万不要把大众推向“不了解”、“不认识”而导致“不开心”的“三不政策”的深渊。
一、不要以科技为名而沾沾自喜每一个时代都在运用当时科学研究上的突破或发明来丰富艺术的面貌。
油画、蛋彩、绢印、摄影……都曾经是艺术创作的新媒材、新大陆。
但真正能在世间长存的是创作者所表达出来的东西，而不是创作时所运用的媒材。
艺术教育不应该只是动动手就可以达到目的的，背后有多少的概念和思想在支持艺术家创作这些作品，才是应该我们真正用心去思考的本质问题。
曾经听过这样一句话：“女人不宜太过美丽，太过美丽者易落风尘；男人不宜太过锋芒，太过锋芒者易受挫折。
浅谈当代艺术的存在与发展环境作者：刘敏敏来源：《电影评介》2013年第19期【作者简介】黑白摄影作品随着人类历史的进展，每一种艺术都有一个发生、发展、进化和消亡的过程。
随着时代的发展，艺术形式也在不断地改变，面对今天的当代艺术，如何在这样一个纷繁的社会中蓬勃发展，如何以它自己的形式真正的存活于这个时代，成为当代艺术家们共同探索的一个问题。
现代艺术对社会做出了不朽的贡献，自从1979年北京首届“星星美展”至今，当代艺术在中国的发展历程也已有30年时间。
一、当代艺术的存在1.现代艺术对当代艺术的引领谈及当代艺术，就不得不提到现代艺术，现代艺术的划分更多的成为人们对于现代艺术形式的一种说法。
现代艺术引领了当代艺术的发展，现代艺术的艺术形式发展，使得在当代艺术当中被艺术家们融入自己的理念当中，发展衍生成为各艺术家独立的艺术风格。
从20世纪初开始，随着西方社会进入现代时期，出现了与古典艺术和近代艺术不同面貌的现代艺术，它的突出特征是在艺术形式上不再以写实的风格为主，而是体现艺术家个性的观念和形式语言，并且形成了许多艺术流派，一个时期以某种艺术流派为主导。
现代艺术反映和表现的都是现代社会变化给人们带来的社会心理特征，都是艺术家对艺术表现形式的探索。
在各国的现代化过程中，都出现与自身社会发展特征相关的、具有自己文化内涵的“现代艺术”，在内容上反映了社会现代化的进程，在艺术形式上体现了现代精神。
无可厚非西方艺术真正影响到了我国的现代艺术，但这并不意味着各国的艺术就是西方的翻版。
中国的艺术在20世纪的百年发展中，就有自己文化上的“现代性”。
“当代艺术”在时间上指的是今天的艺术，在内涵上也主要指具有现代精神和具备现代语言的艺术。
当代艺术所体现的不仅有“现代性”，还有艺术家基于今日社会生活感受的“当代性”，艺术家置身的是今天的文化环境，面对的是今天的现实，他们的作品就必然反映出今天的时代特征。
2.当代艺术对社会的影响自1979年开始，中国当代艺术跟随中国社会的发展，开始有了翻天覆地的变化。
现代艺术的法则与个体存在之谜2005年，由查建英采访、编选的《八十年代访谈录》一书由北京三联书店出版后，不但迅速登上各大著名书店的排行榜，还引起了知识界的广泛关注与热议。
此后数年，三联书店又顺势推出了马国川的《我与八十年代》和北岛、李陀主编的《七十年代》等“同类”作品。
这些具有“回望历史”性质的著作，既获得了不少好评，也引来了各种批评与争议。
比如近年来投入了大量时间、精力来研究“八十年代文学”的程光炜教授，就在文章中对《八十年代访谈录》一书提出了批评。
在他看来，这些参与访谈者，大多是小说、诗歌、音乐、美术、电影、哲学及文化研究领域的名人。
他们长期住在欧美和香港，或有“海归”经历，“他们经过欧风美雨和知识洗礼，身份和眼光中无疑有欧美知识界的垄断权和高端想象，再加上国内名校硕士、博士生的热烈围堵，”使得他们的“历史反省”中有一种难以自控的“优越感”。
他们的“‘当事人’身份中既有‘启蒙者’的成分，同样就会包含有‘文学想象’成分，这种‘文学想象’会把‘历史事实’充分地增大、扩展，从而增加神话和诗歌的因素。
”{1}因此，他提醒我们要注意这些当事人的“历史回叙”中的想象成分，以免错以为这就是历史的本来面貌。
中国论文网/5/view-5826525.htm考虑到人性的弱点――自我护短、自我升华等等，还有海登・怀特一再强调的“历史”本身的虚构或叙事成分，程光炜的这种提醒，显然是必要的。
另外，正如“历史”中包含着“虚构因素”一样，小说等“虚构作品”中，也可能包含着“历史因素”。
{2}我最近在阅读马拉的长篇小说《未完成的肖像》时，就一再想到查建英书中那诸多“文化名人”及其生活经历，还有现代以来的艺术实践乃至知识生成的一些重要机制。
不妨先来看看现代艺术的法则这一问题。
虽然《未完成的肖像》并没有明确标明故事时间，但是透过小说的很多细节，我们还是可以确定，它所讲述的是上个世纪八九十年代的事情。
小说里的主要人物，几乎都是艺术家：王树是画家，老那（孟北）是行为艺术家，方静是舞蹈演员，小Q是诗人，方静的女儿艾丽喜欢的陈无衣也是诗人，王树的儿子王约喜欢书法，也具有艺术家的“气质”……这是一个多元的艺术群落。
《未完成的肖像》以“我坐在公园的椅子上回忆旧事”作为开头，这里的“我”这一“当事人”指的是王树，是小说里最重要的人物。
小说的另一些章节，也适当地变换人称，从老那的视角来进行讲述。
王树和老那的“历史回叙”，主要是围绕着他们个人的“成长历程”展开。
他们都在长江边上一个叫“黄城”的小县城长大。
老那在一所师范学校读完专科，又回到当地，从事小学美术教育的工作。
他并不喜欢这一职业，希望成为一个更纯粹的艺术家，于是主动选择失业。
此后，他从事过雕塑、盆景和文化石等行当，却无一不以失败告终。
在这样一个封闭的、传统的小地方从事艺术活动，注定要经受各种磨难。
不单艺术理想难以实现，甚至连相对前卫的生活方式，也可能会成为指责的根由。
后来，老那和王树一起到了北京，“从圆明园一路混到宋庄”。
为了生存，为了出名，老那选择了行为艺术。
因为行为艺术比较简单，容易操作，又容易引起关注。
他曾经做过一个叫《祭奠孔子》的行为艺术：把尿冰冻后雕成孔子像，然后手里拿着一炷香，在冰雕前跪下。
直到冰雕融化，老那才趴在地上，喝一口冰雕融化后的脏水。
按照老那的思路，这一行为艺术具有激烈的反传统的深层含义：用尿来雕，是为了说明有些所谓的传统，其实就和尿一般又臊又臭，是臭狗屎。
之所以用液体来表现，是说明那些腐朽的东西应该解体。
他喝了一口，象征着人民依然愚昧，还在喝老祖宗的脏水……而老那正是凭着这个行为艺术，在中国引起争议，接着又走向德国，走向国际。
以上这些，既是老那的个人成长历程，又隐含着现代艺术的一些生成机制。
西方的现代艺术或现代性，其实就是在反传统的过程中形成的。
卡林奈斯库曾经说过，现代性本身是一个错综复杂的概念，“然而，有一点是清楚的：只有在一种特定时间意识，即线性不可逆的、无法阻止地流逝的历史性时间意识的框架中，现代性这个概念才能被构想出来。
”{3}而这种时间意识当中，其实蕴含着发展主义和进步主义的内在逻辑；发展和进步，则体现在现在与过去、现代与传统的截然断裂之中。
中国现代性的生成，自然也没有脱离这一机制。
从晚清开始，我们的很多知识人和艺术家就一路强调要向西方学习，对于中国自身的文化传统，尤其是对儒家的思想传统，则经常持一种很激烈的批判态度。
我们所认可的许多“现代法则”，则源自西方，甚至最后还需要得到西方的“认可”，相关的意义和合法性，才能真正确立起来。
至于一九八零年代，这种逻辑思维方式的覆盖面也非常广。
杨庆祥在一篇试图对彼时的知识生产方式进行批判性反思的文章中就认为，对于当时的很多知识者而言，“西方始终是一个不用怀疑的真理体系，是一个外在于历史的‘本质化’的实体概念，在处理‘中国’和‘世界’（西方）的关系上，他们天然设定了一种‘附着’和‘追随’的关系。
”{4}这正好暴露了那个时期知识人的“精神内伤”。
老那的成名之路，显然和现代性在彼时的历史进程是暗合的，不啻为这一进程的绝好隐喻。
正如诗人、文学史家米沃什所言，“现代艺术不管是诗歌还是绘画，都有一个逻辑，这就是不断运动的观念。
”{5}运动的或进步的观念，往往是无止境的，因此，未来主义的精神，在现代艺术中也往往大行其道。
持有这一观念的现代艺术家，则往往需要在时间的洪流中不断地进行自我选择，自我断裂。
这些，我们在《未完成的肖像》里也可以找到非常好的例证。
除了老那，小说里还写到一个名字叫小Q的女诗人。
我不确定她的命名和鲁迅的阿Q有没有关系，但她显然值得我们重视。
这是一个外表有些土的女诗人，用王树的话来说，“土得像一个乌龟”。
然而，正是这样一个“土鳖”，热衷于谈论时尚的女权主义，乐于将自己打扮成一个性开放者。
事实上，她远远不是自己所表现的这么开放，这么激进。
她和老那一样，首先是受彼时的激进观念影响，然后付诸行动，借此从落后的状态中抽身而出，获得一个“全新的自我”。
按照卡林内斯库的梳理，“先锋”本是一个军事用语，后来却更多地以隐喻的形式出现在政治、宗教等方面，代表着进步或激进主义的立场，“先锋派是或者说应该是有意识地走在时代前面”，“当它被运用于文学或艺术时，它往往会指向一种献身精神。
”{6}老那和小Q所表现出来的“先锋”，也包含着这种种意味。
他们都是为激进而激进，是为了获得某种“先锋”的姿态，以符合当时的时代潮流。
我们不妨再次回想上个世纪八十年代的那种氛围，那种一切向前看、要求“绝对现代”的冲动，其实是非常明显的。
老那和小Q这两个人物的那种外在姿态和内心的分裂，也不妨看作是当时许多艺术家的真实感受。
他们正处在一种摸着石头过河的探索过程中，情绪是复杂的，也会有许多的茫然，不像那些时隔多年后终于名利双收的成功者那么有先见之明。
也正因如此，我觉得程光炜提醒我们注意那些历史当事人的启蒙者之外的身份是值得重视的。
比如说，他们当时很可能也是被启蒙的对象，甚至成为时代的失败者而被历史所忽略和遗忘。
另外，现代艺术一方面强调要与众不同，却又不能不通过各种方式来得到大众的认可，蕴含着媚俗的诉求。
这也是卡林奈斯库为什么把媚俗看作是“现代性的五副面孔”之一的根由。
为了引起人注意，很多现代艺术家往往会使用很多恶俗的策略和手段，试图借此来达到某种艺术效果。
问题是，一旦有了类似的机心，艺术家们也就往往在不经意间背离艺术的初衷，在非艺术的道路上越走越远。
不管是老那还是小Q，身上其实都汇聚了类似的悖论。
因此，马拉在写作时，对这两个人物，多少抱着一种讽刺的态度。
相比之下，马拉似乎更钟爱王树这个人物，也有意把他作为一个非常正面的艺术家来刻画。
“如果你从表面看，你怎么也不可能想到王树是个艺术家，他跟那个时代艺术家的形象差得太远了，小平头，长裤，球鞋，干干净净的衬衫。
”和老那、小Q相比，王树的艺术家气质是内在的，他的创造力从内散发而出。
虽然王树是一个优秀的画家，但他一直怀才不遇，在黄城度过若干年平庸的生活后，局面才开始有所打破。
他本想实实在在地通过自己的能力来获得大家认可，但他真正获得巨大的名声，还是来自于妻子方静一手策划的炒作，还有老那的推波助澜。
在海城，由于一个偶然的机会，方静认识了著名歌星×先生。
她借助在×先生的宣传，对王树进行形象包装，让王树的画开始热销，王树也由此而进入著名画家的行列。
后来，方静还策划了一个天价骗局，从而使得王树的画，一下子比原来要值钱很多。
这些炒作和诡计，在现代艺术中也所在多有，几乎成了很多现代艺术所固有的法则之一。
自然，这样一些因素，在很多艺术家的自我陈述中，是需要予以过滤的对象。
因为它们对艺术家自身形象的建构非常不利，会因其解构、�魅的功能妨碍艺术家的自我英雄化。
在《未完成的肖像》中，它却是作为人物困境的重要构成因素而得到了突显。
在关于王树的那些段落和心理描述中，我们可以非常清晰地看到他对这种状态的拒绝。
他原本和方静在一起，是出于爱情。
尽管家人和朋友都反对，觉得方静不是什么好女人，王树却义无反顾。
然而，在方静为了帮助王树成名而用上各种诡计时，他对方静的态度也在不知不觉间有所改变。
起码两人在心灵上，已有了距离，不再像从前那样亲密无间。
方静的女儿和王树的儿子甚至觉得，王树并不爱方静。
这多多少少和王树觉得方静成了“面具制造家”，给了他“另一副面孔”有些关系。
小说里对王树在面对艺术的本真需求和适应现代艺术法则之间面临冲突时的真实心理，也有细腻的描写：“回到家，看着我的那些画，我时常有沮丧感。
这些画从来没有发生任何改变，它们一直在那里，但几个月前，它们连五千块钱都卖不到，现在，可能值几万了。
再以后，谁知道得多少钱？这太荒诞了。
我需要的真的是艺术？这是不是一个幌子？我画那些画时干净的心态已经没有了。
喧哗让我产生焦虑，我需要钱，但我不喜欢生活中过快的变化，过快的变化让人产生不真实感，轻浮，像一片树叶，无法控制方向。
”{7}虽然这只是小说中的段落，但我们还是可以得到不少启发，借此丰富我们对某些人物或历史段落的理解、认知和想象。
现代个体的存在之谜，也是《未完成的肖像》的重要主题。
虽然《未完成的肖像》对现代艺术种种法则有诸多的揭示，但它最终的指向，还是在人身上，是为了对现代个体的存在困境进行勘探。
这里所说的人生困境，首先与艺术家群体有关，又以老那和王树最为典型。
老那并非是彻底的艺术投机者。
事实上，他对艺术本身的热爱是发自内心的，起码一度对它非常痴迷。
他原本一直认定，自己生来就是艺术家，应该过艺术家的生活。
悖论的是，他并无足够的机缘和艺术创造力，又不得不经常面对借助媚俗、炒作而成名的诱惑。
最终，他也为现代艺术本身的激进主义和形式主义所劫持。
老那并非如他所表现的那么先锋，但是在生活中，他也不断地自我说服，有意识地让自己变得绝对激进。
