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浅谈西方工艺美术运动的设计思想由于工业革命的影响，设计师尤其是建筑设计师们对于生产线上统一生产的没有外在美感以及设计内涵的工艺品日渐不满并逐步丧失信心，于是一场抵抗这种批量生产的思潮逐渐产生并被艺术家们付诸实际。
英国就此开始了这场力求和自然和谐统一以及以哥特式风格为主流设计特征的运动――史称工艺美术运动。
工艺美术运动正式进入艺术世界的舞台标志性事件是：1888年工艺美术展览协会在英国伦敦成立。
工艺美术展览协会的成立使工艺美术运动在英国掀起了一场艺术设计风潮，同时，这场运动的影响也遍及了整个欧洲，甚至影响到了美洲大陆上的美国。
2工艺美术运动中的设计思想在工艺美术运动中，其理论指导以及主要代表人物都有着各自最为核心的设计思想，这些思想都体现出了工艺美术运动的主要特点。
（1）约翰・拉斯金（John Ruskin）。
约翰・拉斯金（John Ruskin），是“工艺美术”运动最主要的理论指导人物，他的主要思想是：1）艺术要与技术相结合、与生活结合。
2）强调有用主义，反对维多利亚风格的矫揉装饰。
3）设计理念中民主以及社会主义色彩较为浓厚，强调设计应该服务于全体社会成员。
4）提出向自然学习，强调将观察融入设计中去。
（2）威廉・莫里斯。
威廉・莫里斯（Willim Morris），作为“工艺美术”运动的奠基人和主要运动者，一直被视为对工业和资本主义现实无望的梦想着和理想主义者，他一生的理想是通过设计进行社会改革。
他的主要思想是：1）对于生产线似的工艺品产出十分反对，而装饰过度的维多利亚风格也应该遭遇剔除，哥特式的设计风格才是最为贴近生活实际的设计。
2）着重指出设计服务于RM大众的，不只是上层人士。
3）设计必须是集体活动，而不是个体活动。
4）具体设计上强调有用性、美观性相结合。
（3）沃赛。
C ・F・・沃塞（Chrles Frncis nnesley Voysey）是一名建筑师，对室内设计和家具设计都有着很高造诣。
尽管沃塞受莫里斯的思想影响，但是他在设计过程中并没有完全依存于哥特式风格，而是加入了很多自己思想上的元素。
工艺美术运动概述引言工艺美术运动是20世纪初期兴起的一种艺术运动，通过传统手工艺与艺术相结合，倡导美学与实用性的结合，提倡工艺品的设计和制作过程注重细节、材料和手工艺的质感，以及频繁使用自然元素。
本文将对工艺美术运动进行概述，介绍其背景、思想以及影响。
背景工艺美术运动起源于19世纪末期的欧洲工业革命，当时的工厂制品大量涌入市场，机械制造导致了大规模的质量下降。
于是，一些艺术家和设计师开始反对机械化生产，倡导人们重新重视手工艺和美学价值。
在这个背景下，工艺美术运动应运而生。
思想手工艺与艺术的结合工艺美术运动强调手工艺与艺术的结合，认为只有通过人工制作，才能传递给作品真实的情感和独特的质感。
艺术家和设计师开始重视制作过程中的细节和手工艺的表现力，将手工艺品的设计与制作视为一种艺术形式。
工艺美术运动认为，只有通过手工艺，才能创造出具有个性和特点的作品。
自然元素的应用工艺美术运动强调与自然的联系，倡导艺术品中频繁使用自然元素。
设计师们在作品中常常使用植物、动物和其他自然元素，通过这些自然元素的运用，使艺术品更加生动和贴近自然。
这种注重自然元素的设计理念也体现了对自然的崇尚和保护。
实用性与美学的结合工艺美术运动主张实用性与美学的结合。
设计师们注重工艺品的使用功能，并尽可能使艺术品能够适应人们的日常生活。
工艺品不再仅仅追求装饰性，而是更注重实用性和舒适性。
工艺美术运动的设计理念追求实际可行和美学完美的平衡，追求使使用者既能享受艺术品带来的美感，又能获得实用的功能。
影响工艺美术运动对后来的设计思想和艺术风格产生了深远的影响。
一方面，工艺美术运动鼓励了人们重新重视手工艺和传统工艺的价值。
它对当时的现代工业生产提出了批评，引发了人们对工艺品的追求。
随着时间的推移，越来越多的人开始重视手工艺和传统工艺，并在生活中尝试使用手工制品。
另一方面，工艺美术运动的艺术风格影响了后来的设计思想。
工艺美术运动强调自然元素的应用和实用性与美学的结合，这些理念成为了现代设计的重要组成部分。
工艺美术运动代表人物及思想工艺美术运动是20世纪初兴起的一股重要的艺术运动，它在艺术领域掀起了一场新的革命，引领了当时世界艺术的潮流。
在这一运动中，有许多重要的代表人物和他们独特的思想。
威廉·莫里斯威廉·莫里斯是英国工艺美术运动的先驱之一，他是一位设计师、艺术家和作家。
莫里斯强调工艺美术的重要性，他认为设计和艺术应该渗透到人们日常生活的方方面面。
他提倡回归手工制作和传统的工艺技术，反对工业化带来的机械化和大规模生产。
莫里斯的思想对于当代工艺美术的发展产生了深远的影响。
他的设计作品注重细节，强调材料与形式的和谐统一。
他倡导使用自然材料和传统工艺技术，强调人与自然的关系。
莫里斯的思想追求着艺术的终极目标——美的体验。
查尔斯·罗伯特·阿什比查尔斯·罗伯特·阿什比是美国工艺美术运动的代表人物之一。
他是一位艺术家、设计师和艺术教育家。
阿什比主张注重艺术教育和培养人们的审美能力。
他认为艺术不仅仅是为了装饰，更是为了提升人们的生活品质，培养人们对美的感知和欣赏能力。
阿什比的作品注重实用性和美学的结合，他追求简约、纯粹的设计风格。
他崇尚自然和人文的理念，通过作品表达对自然环境的敬畏和对人类情感的关怀。
阿什比的思想引领了美国工艺美术运动的发展方向，对当代设计师和艺术教育产生了深远的影响。
珍·黎瓦拉珍·黎瓦拉是芬兰工艺美术运动的重要代表人物。
她是一位设计师、艺术家和教育家。
黎瓦拉提倡独特而实用的设计风格，注重材料的特性和形式的创新。
她的作品融合了自然和现代的元素，展示了芬兰特有的自然美和民族文化。
黎瓦拉致力于设计教育和培养设计师的才能。
她强调设计的过程和实践的重要性，鼓励学生通过动手实践来培养自己的设计能力。
黎瓦拉的设计理念注重可持续发展和环保，她提倡使用可再生材料和循环利用的设计方法，致力于推动可持续设计的发展。
总结工艺美术运动代表人物的思想和作品对于当代艺术和设计产生了重要的影响。
工艺美术运动的见解一、定义工艺美术运动是20世纪初兴起于欧洲的一场重要的艺术运动，其主要特点是将工艺技术和美术相结合，以手工艺制品为主要表现形式，倡导将美术运用于生活中的各个方面。
工艺美术运动的出现，标志着艺术家们开始注重传统工艺技术的继承与发展，同时也使工艺技术逐渐融入现代设计的潮流之中。
二、发展历程1. 艺术与工艺的结合工艺美术运动的萌芽可以追溯到19世纪末的英国。
在工业革命的影响下，传统手工艺技术逐渐没落，大量商品化的机器制品充斥市场，传统的艺术价值渐渐被忽略。
一些艺术家开始呼吁将艺术与工艺相结合，重新赋予手工艺品以艺术价值。
这种思潮在英国迅速传播，并逐渐演变成为工艺美术运动。
2. 宣扬美术的普及工艺美术运动的兴起，不仅仅是为了推崇工艺技术的价值，更是希望通过美术的推广普及，使广大民众都能够享受到艺术的美好。
一些工艺美术运动的先驱者们纷纷开设学校、工作室，推广手工艺技术，提倡大众美术教育，推动美术在社会生活中的全面运用。
三、理念与影响1. 手工艺的价值工艺美术运动强调手工艺的价值，认为手工艺制品具有独一无二的魅力，它们不同于流水线上的大量机器制品，更具有特殊的审美和情感价值。
这种理念影响了整个社会，使人们重新认识到手工艺的独特价值，助推了手工艺技术的传承与发展。
2. 美术融入生活工艺美术运动倡导将美术运用于日常生活中，通过美术的装饰和设计，使生活变得更加美好。
这种理念影响了当时的建筑、家居、服饰等领域，推动了现代设计理念的形成，丰富了人们的日常生活。
四、现代发展工艺美术运动的理念和精神一直影响着当代艺术和设计领域。
在当今社会，人们日益重视手工艺制品的价值，越来越多的艺术家和设计师致力于将传统工艺技术与现代审美相结合，创作出一系列兼具美感与实用性的作品。
工艺美术运动所倡导的将美术融入生活的理念也得到了广泛的认同，现代设计更加注重人文关怀、环境友好、文化传承等方面，为人们创造了更加美好的生活空间。
1埃及1陶工艺：代表，黑陶陶器——在整个土红色器物上部或顶部施以黑色釉泥，形成黑红两色对比的陶制品。
特点：造型单纯，器形外部线条自然流畅。
2化妆石板——装饰纹样以动物纹和人物居多，特点：美观实用，易长期保存。
功能新变为奉献用品或纪念品。
3玻璃工艺“沙芯法”先有混粘土及多量沙质粗糙物资做成容器内部形态，由金属棒的一端撑起，再渗入装有底色用的玻璃溶液的“坩埚”中旋转使之附上一层厚度相同的玻璃层，在其尚未冷却之际，贴上保持半流动状态，拉长的各色长调形玻璃层，用尖形工具在表面刻画，形成波状纹样，待冷却后，再把沙土从内部掏出。
4古埃及的造型艺术法则：古代埃及艺术中人物形象的造型法则，通常人物的身体呈正面头部呈侧面。
多见于壁画浮雕和器物的装饰中。
5黄金工艺代表作—黄金王棺 是图坦卡蒙王木乃伊的一层棺材。
6古代埃及工艺美术的基本特征：1概貌：古埃及工艺充满着静穆，庄重，浑厚和遒劲的风韵，同时-有洋溢着浓郁的神秘主义色彩和宗教气息.2目的：它的实用性并非根本目的，而是为死者能在来世“享用”而存在，强调精神作用。
3特点：例如几何形体和恒定的理论形成独特的埃及风格。
4材质使用广泛6地位：古埃及工艺美术是世界文明的重要组成部分。
掀起了人类工美发展的第一个高潮。
两河流域1两河流域的造型：离不开以动物形态为主要内容的基本创作方法。
2泥板文书：古代西亚地区一种文字记录，以契形文字刻写在粘土板上，晒干或烘干而成。
亦称“亚述版”3金属（青铜）工艺代表“翼狮与牡鹿”（左右对称状）4《汉谟拉比法典碑》5双翅神牛6伊什塔尔门4基本特征：1地域额的工艺作品受其多神教的宗教影响，表现形式丰富多样，而且是为生者而作，内容带有世俗。
2形式丰富多彩，品种繁多，风格古朴典雅，善于利用多种材料互相搭配反映了工匠们综合把握材料的能力3与生存环境密切相关，造型和装饰纹样始终离不开以动物形态为主的创作方法，这种方法代表了个整个古代世界，尤其是古代东方工艺美术创作风格特征。
英国工艺美术运动理念导言英国工艺美术运动是19世纪末至20世纪初英国艺术界的一股重要力量。
该运动的成立得益于一群艺术家和设计师对工业化时代威权主义和规模化生产方式的反思，他们致力于恢复手工艺品的价值和传统工艺的精神。
运动的背景19世纪末的英国正处于工业革命的浪潮中，由于机器生产的迅猛发展，传统手工艺品逐渐被机械制造所替代，人们开始怀念早期手工艺品所带来的个性化、精细和独一无二的特点。
这种对于工艺品的亲近感催生了英国工艺美术运动的诞生。
运动的理念与目标英国工艺美术运动的主要理念是将工艺品的制作过程重新置于人工、手工的地位，强调艺术家和设计师个体的创作力和独特性。
他们认为艺术品应该融合美学和实用性，通过手工制作的工艺品能够更好地体现出这种融合。
同时，该运动也反对过分追求机械化和规模化生产所带来的低质量产品。
他们主张回归传统的、手工制作的工艺技术，注重表现材料的本质特点和纹理，使制作出的工艺品明显区别于机器生产的产品。
运动的目标是唤起公众对于手工艺品的关注和欣赏，推动艺术与工艺的结合，改善生活品质。
运动的重要人物威廉·莫里斯（William Morris）威廉·莫里斯是英国工艺美术运动的先驱者之一，也是该运动最重要的代表。
他是一位作家、设计师和社会主义者，对于工业化所带来的社会问题非常关注。
他提倡以手工制作的工艺品替代机械化生产的产物，并且鼓励艺术家在设计中融入自然的元素，强调材料和纹理的重要性。
他的设计作品经久不衰，对后世影响深远。
查尔斯·罗伯特·阿什比·克劳德·孟德尔逊（Charles Robert Ashbee）孟德尔逊是英国工艺美术运动的另一位重要人物。
他是一位才华横溢的设计师、作家、建筑师和商人。
他创立了格林威治的工艺美术学校，培养了一批杰出的工艺美术家。
他的领导和才能对英国工艺美术运动的繁荣做出了巨大贡献。
运动的影响与传承英国工艺美术运动对英国艺术界的影响深远。
古代希腊奴隶制的民主制度是产生工艺美术繁荣的社会基础2.富于3.古希腊的陶器在制作工艺和装饰效果上都达到了极其完美的程度。
4.古希腊工艺美术在其发达的美学思想指导下，创造出优美，典押，和谐的古典美的标准，并将这一标准体现在陶工艺，金属工艺等作品的造型比例，装饰构成的诸要素之中。
从而获得了美的形不论在形式上，还是在制作上把欧洲古代工发展与创作。
可以概括几个特征：1在材质应用，造型设计和装饰纹样及制作技术方面，有了极大的改进与发展，他们将欧洲古代工艺美术更为全面，完整地推向一个新台阶，并对其后欧洲地区工艺美术的迅速发展产生了深远影响。
2洋溢着浓郁的人文主义色彩，神话，文学主题和风俗人物形象作为装饰的主体，充满了人间情调，通过人像的表现，为工艺美术注入了浪漫的情趣和文化的内涵。
3充满了享乐主义气质，工艺美术作品的材质选择，造型设计和装饰内容，皆以体现宫廷贵族的审美意识为最高准则。
4具备了显著的世俗特征，在大量工艺美术作品中反映了埃特鲁里亚和罗马人的现世观念和积极乐观的生活态度。
5古罗马工艺美术既表现了强烈奔放，豪华奢丽的风貌，有体现出和谐典雅的美感，进一步发展和巩固了埃特鲁里亚和古希腊工艺美术所确立的古典美的标准，为其后欧洲工艺美术的审美准则构筑了坚实的基础。
6强调立体性的表现，善于在作品上进行附加的装饰是埃特鲁里亚欧洲中世纪工艺美术可以说是宗教的产物。
2基督教的传播与发展3在神学思想的影响下，在教权的统治下，欧洲中世纪的工艺美术反映了当时特有的审美观念，强调神圣和威严，其基调是低沉而凝重的，表现出冷峻而肃穆，庄严而压抑的气息。
4中世纪工艺美文艺复兴时期的工艺美术在人文主义思想影响下，在很大程度上2文艺复兴时期工艺美术呈现出庄重典雅，和谐含蓄，充满古典意蕴和世俗情调的风格特征3文艺复兴时期工艺美术在欧洲工艺美术发展史中占有重要篇章。
4文艺复兴时期工艺美术在材料运用，制作工艺，表现题材等方面有了显著的提高和突破。
康德的手工艺美学观新解
康德的手工艺美学观提倡以可靠的技艺制作出的理想的物件，以及能把古典美和技艺集合在一起的艺术精神。
如同康德本人所言，“在简洁的技艺之堆砌，散发着无与伦比的美，这就是美的原貌。
”他的观点受到诸多新兴艺术发展的荣誉，它不仅定义了美观，而且为当代创意手工艺定位。
康德的美学唤醒了人们对艺术品欣赏的新视角，推进了多种艺术潮流的发展。
它以可信赖的技术打造理想的工艺品，从而带来美丽无比的视觉效果，极大地满足了人们想要具有独特个性的艺术作品的愿望。
例如手工刺绣、制作陶瓷、陶器烧制等等，也成为越来越多艺术家的惊艳之作。
康德的美学观说明，艺术工艺不仅弘扬古典美学，而且是为了让物件有完美的外观，同时又能兼顾雕琢的优雅。
因此，真正的完美的艺术品传达的不仅仅是审美的精神，更是一种思想趣味，一种技艺的变幻。
而手工艺家也使用精湛的技艺，重新感受美学，赋予个性化独特的艺术作品，让人们深刻体会古典美学中的精髓焕发出更加迷人的力量。
总之，康德的手工艺美学观可以被视作是当代手工艺新一代的金字塔，可以为创造雅趣的艺术品提供强力的支持，归结为一句话：用新的技术实现旧的理念，用古典和现代艺术融合就出现了艺术之美，这种美是可以传承和发展的。
西方手工业时期美学思想汇整古希腊罗马美学思想公元前6～前5世纪之间，希腊进入奴隶社会的全盛时期。
工商业奴隶主掀起的民主运动，促进了文学艺术的发展，悲剧、喜剧、音乐、雕刻等，都达到了高度的繁荣，同时又推动了自由辩论和对于知识的重视，与自然科学结合在一起的哲学取得了空前的发展。
对美和艺术进行哲学思辨性的反省和思考，产生和形成了希腊最早的美学思想。
它支配了以后西方美学思想的发展。
最早提出较有系统的美学思想的，是一些研究宇宙构成的哲学家。
他们认为宇宙是由某种或某些元素，按照一定的“秩序”构成的；人的心灵也是由同样的元素构成的，因之人能够认识世界。
公元前6世纪的毕达哥拉斯学派认为，数的秩序、比例和尺度，不仅构成了宇宙万物，而且构成了宇宙的和谐。
美，就是从和谐中产生的。
例如音乐的美，就是由不同长短高低的声音，按照数的比例关系所形成的和谐。
整个宇宙是一曲和谐的音乐。
他们有“天体音乐”的讲法，其他如“黄金分割”、“多样统一”等美学上的形式观念，也是根据数的秩序提出来的。
节奏、对称、和谐等形式观念，是希腊美学思想的理论基础。
赫拉克利特继承了毕达哥拉斯关于和谐的观点，不过他认为和谐不是由"联合同类的东西"造成，而是由“互相排斥的东西结合在一起”，从而“造成最美的和谐”，和谐是从斗争中产生的。
德谟克利特则提出文艺创作中灵感与模仿两个重要的美学观念。
到了苏格拉底，希腊哲学的重点从宇宙论转到政治伦理方面，美学思想也强调对于人类社会的效用。
苏格拉底认为同样的东西，当它适合目的，对人有用的时候，是美的；反之，当它不适合目的，对人无用的时候，就是丑的。
柏拉图和亚里士多德对美和艺术进行了真正的系统的哲学思考，建立起完整的体系，从而成为以后西方美学思想的奠基者。
柏拉图在《理想国》、《会饮篇》、《伊安篇》、《大希庇阿斯篇》、《法篇》等对话中，把美学思想融贯在哲学思想中，广泛地探讨了美与艺术的问题。
他认为，世界的根本是“理念”，现实世界是从理念世界派生出来的，事物的美也是从美的理念派生出来的，美的理念是“美本身”。
现实事物之所以美，是由于分享了“美本身”。
他离开美的事物，认为另外还有一个高高在上的美的理念存在，这是客观唯心主义。
但是，他把美学研究从现象引向美的本质，从个别事物的美引向美的普遍规律，则是一个历史的贡献。
西方美学史关于美的本质问题的争论，是从柏拉图开始的。
柏拉图比较系统地提出了“艺术是模仿”的理论。
他认为现实世界是理念世界的模仿，而艺术又是现实世界的模仿，因此，艺术是“模仿的模仿”，是“影子的影子”。
从而否定了艺术能够认识真理的价值和意义。
他认为诗往往挑动感情，败坏人性，亵渎神圣，因而要把诗人从他的“理想国”中赶出去。
不过，他并不完全否定艺术。
亚里士多德是柏拉图的学生。
传说他写过许多有关美学和艺术的论著，但只有《诗学》和《修辞学》两部流传下来。
他在哲学上批判了柏拉图的“理念论”，提出“四因论”。
例如就建筑而言，建筑材料是质料因，建筑设计是形式因，建筑师是动力因，建筑物本身则是目的因。
四因统一起来，方才构成宇宙万物。
他认为，不存在脱离现实世界的理念世界，艺术也不是“影子的影子”，而是通过现象反映本质，通过个别反映一般。
由于艺术通过现象所反映的是本质，所以艺术比历史更真实，更带普遍性。
艺术的模仿本身就是“求知”。
丑的事物经过惟妙惟肖的模仿，也能引起人们的愉快。
亚里士多德也不同意柏拉图关于艺术挑动情欲、败坏品德的观点。
他认为悲剧的作用，能够把人们最根本的两种感情“怜悯”和“恐惧”加以净化，从而达到心境的平静，恢复心理的健康。
亚里士多德不仅探讨了艺术中的哲学问题，而且探讨了艺术中的心理学问题。
他经常联系政治和道德来探讨艺术对心理的影响。
在《诗学》中，他从形式的安排上，谈体积不能太大、太小，在结构上要显出是一个有机的整体等等。
在《修辞学》中，他从事物本身的价值以及它们所产生的快感来谈美。
在《伦理学》中，他对美感经验作了更为具体的描述。
古希腊建筑古希腊建筑风格的特点主要是和谐、完美、崇高。
而古希腊的神庙建筑则是这些风格特点的集中体现者，也是古希腊，乃至整个欧洲最伟大、最辉煌、影响最深远的建筑。
这些风格特点，在古希腊神庙的各个方面都有鲜明的表现。
首先是柱式。
古希腊的“柱式”，不仅仅是一种建筑部件的形式，而且更准确地说，它是一种建筑规范的风格，这种规范和风格的特点是，追求建筑的檐部（包括额枋、檐壁、檐口）及柱子（柱础、柱身、柱头）的严格和谐的比例和以人为尺度的造型格式。
古希腊最典型、最辉煌，也是意味最深长的柱式主要有三种，即多立克柱式(Doric Order)、爱奥尼柱式(Ionic Order)和科林斯柱式(Corinthian Order)。
这些柱式，不仅外在形体直观地显示出和谐、完美、崇高的风格，而且其比例规范也无不显出和谐与完美的风格。
古罗马建筑古罗马的建筑艺术是古希腊建筑艺术的继承和发展。
古罗马的建筑不仅借助更为先进的技术手段，发展了古希腊艺术的辉煌成就，而且也将古希腊建筑艺术风格的和谐、完美、崇高的特点，在新的社会、文化背景下，从“神殿”转入世俗，赋予这种风格以崭新的美学趣味和相应的形式特点。
建筑的基本原则应当是“须讲求规例、配置、匀称、均衡、合宜以及经济”。
这可以说是对古罗马建筑特点及其艺术风格的一种理论总结。
在这些特点中，显然仍有着古希腊建筑的和谐、完美、崇高的风格内容，但是“合宜以及经济”的杠杆，又显然将古希腊建筑风格的“神”意，转变为了世俗的人意。
这一点，可以直接地从建筑类型、建筑外观的设计方面看出。
哥特式建筑主要由石头的骨架券和飞扶壁组成。
其基本单元是在一个正方形或矩形平面四角的柱子上作双圆心骨架尖券，四边和对角线上各一道，屋面石板架在券上，形成拱顶。
采用这种方式，可以在不同跨度上作出矢高相同的券，拱顶重量轻，交线分明，减少了券脚的推力，简化了施工。
由于采用了尖券、尖拱和飞扶壁等建筑形式，哥特式教堂的内部空间高旷、单纯、统一。
装饰细部也都用尖券作主题，使建筑风格与结构手法形成有机整体。
在设计史上，文艺复兴时期的设计摒弃中世纪的刻板作风，从古希腊、罗马的设计中吸收营养，并借助这个时期科学技术的大发展，追求具有人情味的曲线和优美的层次，在设计上提倡个性的解放和自由，面向现实，面向人生，推出了大量新的、对后来工业时代的设计产生重大影响的优秀设计。
从设计的具体实践上看，文艺复兴时代的建筑、家具、绘画、雕刻等文化艺术领域都进入了一个崭新的阶段，众星灿烂，大师辈出，如建筑大师行维尼奥拉和帕拉第奥文艺复兴盛期三杰是指建筑师米开朗基罗、画家达·芬奇和拉斐尔。
在设计上也具有伟大成就。
16—17世纪交替的时期，巴洛克式设计风格开始流行，其主要流行地区是意大利，经荷兰传遍欧洲。
巴洛克艺术是为教会服务，被宗教利用的，教会是它最强有力的支柱。
这种风格一反文艺复兴时代艺术的庄严、含蓄、均衡而追求豪华、浮夸和矫揉做作的表面效果，它突破了古典艺术的常规。
它既有宗教的特色又有享乐主义的色彩，它是一种激情的艺术，它打破理性的宁静和谐，具有浓郁的浪漫主义色彩，强调艺术家的丰富想象力，它极力强调运动与变化，注重作品的空间感和立体感。
巴洛克建筑的主要特征是：一、炫耀财富。
大量使用贵重的材料，充满了华丽的装饰，色彩鲜丽。
二、追求新奇。
建筑师们标新立异，前所未见的建筑形象和手法层出不穷。
而创新的主要路径是，首先，赋予建筑实体和空间以动态，或者波折流转，或者骚乱冲突；其次，打破建筑、雕刻和绘画的界限，使他们互相渗透；再次，这是不顾结构逻辑，采用非理性的组合，取得反常的幻觉效果。
三、趋向自然。
在郊外兴建了许多别墅，园林艺术有所发展。
在城市里造了一些开敞的广场。
建筑也渐渐开敞，并在装饰中增加了自然题材。
四、城市和建筑，常有一种庄严隆重、刚劲有力却又充满欢乐的兴致勃勃的气氛。
这些特征同时也是文艺复兴晚期手法主义的发展洛可可式建筑风格（Rococo Style）于18世纪20年代产生于法国并流行于欧洲，是在巴洛克式建筑的基础上发展起来的，主要表现在室内装饰上。
洛可可风格的基本特点是纤弱娇媚、华丽精巧、甜腻温柔、纷繁琐细。
洛可可建筑风格的特点是：贝壳和巴洛克风格的趣味性的结合为主轴，以室内应用明快的色彩和纤巧的装饰，家具也非常精致而偏于繁琐，不像巴洛克风格那样色彩强烈，装饰浓艳。
德国南部和奥地利洛可可建筑的内部空间显得非常复杂。
洛可可装饰的特点是：细腻柔媚，常常采用不对称手法，喜欢用弧线和S形线，尤其爱用贝壳、旋涡、山石作为装饰题材，卷草舒花，缠绵盘曲，连成一体。
天花和墙面有时以弧面相连，转角处布置壁画。
为了模仿自然形态，室内建筑部件也往往做成不对称形状，变化万千，但有时流于矫揉造作。
室内墙面粉刷，爱用嫩绿、粉红、玫瑰红等鲜艳的浅色调，线脚大多用金色。
室内护壁板有时用木板，有时作成精致的框格，框内四周有一圈花边，中间常衬以浅色东方织锦。
从发展根源上说，罗可可式风格是巴洛克式风格的延续，同时也是中国清式设计风格严重浸染的结果，所以在法国，洛可可又称为中国装饰。
工业时代的来临改变了传统的手工艺设计方式，带来了标准化、批量化和机械化大生产的方式。
伦敦水晶宫如果我们把科技进步带来的新材料、新工艺和新设计成果，暂时放一放，看一看水晶宫的圆拱式屋盖，虽然没有了歌特式建筑“刺破青天锷未残”的外部造型，但是，人们仍然能够从那罗马式的半圆形拱券上，感受到一切朝向上帝的宗教精神，因为那透明的圆拱式玻璃屋顶，更便于人们与上帝神灵的沟通；看一看空旷直达透明玻璃屋顶的大厅，仍然使人回味起中世纪教堂的祈祷大厅；环绕大厅的柱廊，虽然失去了古希腊柱式和古罗马柱式的风采，但是，人们仍旧能够感受到欧洲古典建筑内部空间的宗教气氛；彩色玻璃幕墙上的多彩图案，虽然没有了欧洲古典主义建筑的浮华雕塑，但是却也能够勾起人们对欧洲古典建筑壁画的遐想……这就是一种文化的精神，它可以在古典主义的砖石艺术中得到展示，也可以在现代工业化材料、工艺和设计中得到体现。
这幢由英国园艺师约瑟夫·帕克斯顿（Joseph Paxton）设计的钢结构装配式建筑。
后来，人们都称它为水晶宫。
水晶宫仅用了八个月即全部竣工，正是因为这幢建筑的几何形状、建筑尺度的模数化、定型化、标准化，以及坚硬晶莹的玻璃墙壁和工厂化生产，使这个商业圣殿，成为世界上第一个体现初期功能主义风格的重要作品，预示了二十世纪设计的三大发展——机器成了风格的塑造者；技术作为新建筑或者新产品材料的直接来源；非建筑师取代建筑师的地位，俨然成为建筑风格的革新者。
