下载文档原格式
外国近现代雕塑艺术以欧洲最为突出。
它曾经产生了一批杰出的雕塑家和优秀作品。
作为欧洲近代雕塑艺术的代表作，可以三位法国雕塑家，即乌东、吕德、罗丹的《伏尔泰坐像》、《马赛曲》、《加莱义民》为例。
它们分别代表了新古典主义、浪漫主义和现实主义三大艺术流派。
现代雕塑可以法籍罗马尼亚裔雕塑家布朗库西的《波嘉尼小姐》、法籍俄裔雕塑家扎特金的《被破坏的鹿特丹市纪念碑》、英国雕塑家亨利•摩尔的《国王与王后》、美国雕塑家里维拉的《无限大》为例，它们从不同方面生动地展示了现代雕塑艺术向多元化发展的趋势。
法国近代著名肖像雕塑家乌东的《伏尔泰坐像》，是为法国杰出的启蒙思想家伏尔泰创作的全身像。
当时伏尔泰已是84岁高龄，且刚结束了长期被放逐国外的流浪生活不久。
所以，雕像自然地流露出伏尔泰明显的老态和瘦弱的身躯。
但是，通过他神采奕奕的脸部表情，特别是他那似能洞察切的敏锐的目光，人们仍能感觉到这位反对封建专制的不屈的斗士的聪明才智。
他身穿的古罗马式的长袍，既自然地掩盖了老年人形体上的缺陷，又使雕像具有雄浑、庄严的风格。
他头上的一条象征不朽的束发带，加强了这位杰出思想家巨大的内在精神力量。
法国近代著名的浪漫主义雕塑家吕德的《马赛曲》，是为巴黎大凯旋门创作的著名浮雕。
它原名《1792年义勇军出征》，表现1792的法国人民在反抗普鲁士和奥地利等封建帝国的战争中，马赛的义勇军开赴巴黎参加保卫祖国的战斗的历史事件。
整个作品分上下两层：上层是象征法兰西和资产阶级民主、自由的女神，她右手执剑、指引着前进的方向，左手高举，大声疾呼号召人们奋起保卫祖国。
她像疾风一般腾空向前的姿态，具有锐不可挡的气势和不可征服的力量。
F层是奔赴疆场的战士的行列。
其中最突出的是卷发蓄须、高举战盔的老战士和他身旁的无所畏惧的少年战士的形象。
他们是男女老少万众一心的法国人民的象征。
整个浮雕的构图复杂而严谨，依靠人物的彼此交错遮掩造成了一种千军万马的宏大气势。
它成功地反映了法国大革命时期广大人民群众昂扬的斗争精神，从而使它成为歌颂法国人民为祖国自由而战的英雄纪念碑，在世界雕塑史上占有重要的地位。
文艺复兴雕塑家多纳太罗与米开朗基罗的《大卫》作者：梁嘉靖来源：《大观》2017年第01期摘要：文艺复兴期间，欧洲雕塑逐渐脱离了建筑的束缚，发展成为一种独立的美术形式。
其创作以“人文主义”思想为基础，表现出与在宗教神学思想笼罩下的中世纪雕塑截然不同的特征。
这种不同不仅体现在雕塑的体积大小、面部表情不同，同时也从深层次体现了文艺复兴后人们的观念发生了巨大的变化，首先是对人体美的歌颂。
从多纳泰罗到米开朗基罗，这些大师们创造了一尊又一尊完美的人体雕像，赞美人的力量，其次是人物形象的世俗化。
尽管这一时期许多作品仍取材于《圣经》，但他们充满了人情味和现实主义色彩，表现出艺术家对生活得热爱。
此外，作者在创作中还融入了自己的思想感情和个性，使作品饱含生命的激情。
在艺术处理上，雕塑家们以古希腊罗马雕塑的表现形式为基础，用文艺复兴时期特有的求实精神，开创了基于科学理论和实际观察的写实技法，如人体解剖和透视法则等等。
使雕塑艺术无论在圆雕还是浮雕方面都达到古典艺术之后的一个新的高峰。
关键词：雕塑；多纳泰罗与米开朗基罗；大卫一、文艺复兴时期的雕塑文艺复兴时期，欧洲的文化在绘画、建筑、雕塑等多个方面都有突破。
尤其在雕塑方面，文艺复兴时期的雕塑以完美和规范化为原则，追求对称、协调、均衡、稳重。
它的基本风格和表现技法，构成了西方近代雕塑的主要传统，对后世的影响极其深远。
文艺复兴时期的雕塑，继承并发展了希腊、罗马雕塑艺术的传统，经过将近两个世纪的不断努力，使雕塑艺术达到了高度繁荣，文艺复兴时期的著名雕塑家，差不多都集中在佛罗伦萨。
最先出现的雕塑大师是吉贝尔蒂，佛罗伦萨洗礼堂的两扇青铜大门上的装饰浮雕是他的代表作。
同一个时期的伟大雕塑家还有多那泰罗、委罗基奥等。
而“雕塑奇才”米开朗基罗的出现，及其艺术作品的出现，则标志着文艺复兴时期的雕塑艺术发展到了最高峰。
同时文艺复兴时期的雕塑艺术对后期的雕塑家有着极大的影响。
二、雕塑家多纳太罗的《大卫》比起文艺复兴后期的代表画家“美术三杰”（文艺复兴后三杰）列奥纳多·达·芬奇、米开朗基罗和拉斐尔来说，文艺复兴前期的雕塑家多纳太罗也同样令人震惊，不是因为他的影响大，而是因为他的作品的震撼力，最具代表性的是他的作品《大卫》，当我第一次看到多纳太罗创作的《大卫》时，感觉到的只有震撼，他的《大卫》打破了人们印象中，那如巨人般体格雄伟、坚强勇猛的大卫的形象，反而给人一种未经世事、充满活力的视觉感触。
世界著名雕塑欣赏1、《掷铁饼者(Discobolos)》，大理石雕复制品，高约152厘米，罗马国立博物馆、梵蒂冈博物馆、特尔梅博物馆均有收藏，原作为青铜，希腊雕刻家米隆(Myron)作于约公元前450年。
这个作品是古希腊雕塑艺术的里程碑，显示出希腊雕刻艺术已经完全成熟。
雕塑刻划的是一名强健的男子在掷铁饼过程中最具有表现力的瞬间，赞美了人体的美和运动所饱含的生命力，体现了古希腊的艺术家们不仅在艺术技巧上，同时也在艺术思想和表现力上有了一个质的飞跃。
这尊雕像被认为是“空间中凝固的永恒”，直到今天仍然是代表体育运动的最佳标志。
2、《大卫雕像》米开朗基罗26岁受委托雕塑30岁时完成，雕像由一整块纯白大理石雕成，据传大卫像原石来自阿尔卑斯山卡拉拉山开采而成，曾交予另一位雕刻家，但雕刻家发现石材硬度密度光滑，恐自己造诣不足，糟蹋瑰宝，后来才交予米开朗基罗。
早期大卫像的裸露曾引起争议，被强行穿上28片铜制无花果树叶来遮羞。
1527年佛罗伦萨暴动中被敲断左前臂，也曾经遭受雷击，1991年还有疯狂艺术家拿锤子敲伤他的脚趾，都经细心修护复原。
1873年原尊被迁移到艺术学院画廊迄今，在佛罗伦萨，后继者共复制有二尊大卫像拜访在公众场所展出，一尊是在米开朗基罗广场中央，另一尊在市政广场的大门前。
3、《雅典娜神像》作者：菲狄亚斯雅典娜希腊神话中的智慧女神，也是雅典城的守护神。
原作为巴特农神庙大殿的主像，全身高达13米，用银白色大理石雕成，局部镶嵌着象牙与黄金，可惜已在拜占庭帝国时代被毁坏。
这里介绍的是大理石小型摹制品。
在这件女神雕像中，她头戴战盔，身着希腊式连衣长裙，护胸和甲胄上装饰有蛇形饰边和人头像；她裸露双臂，透过薄衣裙可隐见丰艳健美而有力量的身体；衣裙褶纹和饰物造成横竖线条的疏密变化美；她的手势动作可能是执长矛和托物，整个形象富有女性的温柔和充满生命，更多的是人性，绝少神性，这表明希腊化时期艺术已走向世俗化。
4、《米洛斯的维纳斯》大理石高204厘希腊时期（公元前1世纪）作者米亚历山德罗斯。
文图 沈黎明. All Rights Reserved.去意大利旅行，游览首都罗马期间，自然忘不了到位于罗马城中的“国中国”梵蒂冈看一看。
梵蒂冈全称“梵蒂冈城国”，位于罗马西北角的梵蒂冈高地上，面积约0.44平方公里，仅相当于我国天安门广场大小，常住人口不足千人，其西、南、北三面建有高墙，与罗马城隔开，东面宽敞的圣彼得广场，与罗马市政道路相连，通行无阻，因此梵蒂冈被称为没有国门的城中之国，也有袖珍之国的美誉，1984年被联合国教科文组织列入“世界文化与自然遗产保护名录”。
. All Rights Reserved.圣彼得广场：一国之门恢宏壮阔圣彼得大教堂：建造精美富丽堂皇圣彼得广场是参观梵蒂冈的第一站，也是进入梵蒂冈的入口，可谓一国之门，它是17世纪意大利著名建筑大师乔凡尼·洛伦佐·贝尼尼设计建造的。
整座广场为椭圆形，长340米，宽240米，地面由黑色小方石块铺砌而成，古韵悠悠，散发着浓郁的历史气息。
广场两侧是284根圆柱和88根方柱组成的柱廊，每根柱子高18米，3至4个大人才能合抱过，远远望去，排列有序，气势恢宏，犹如一队队威武的士兵守卫着广场。
这些石柱朝向广场的一面，每根柱子顶端各矗立着一尊高3.2米的罗马天主教会历史上圣男圣女的大理石雕像，它们虽然神态各异，但每一尊都端庄肃穆，栩栩如生，彰显出雕塑家的精湛技艺。
这柱廊共耗时11年才建造完成，仅此便可见其精美程度，堪称文艺复兴时期以华丽、夸张为主要特征的巴罗克式建筑与装饰风格的代表作。
广场中央矗立着一座25米高的方形石碑，碑顶一个高达5.75米的十字架，直指苍穹，宗教意味十足。
石碑基座上伏卧着4只体型健硕的铜狮，铜狮之间镶嵌着展翅欲飞的雄鹰，这天地间的猛兽、猛禽巧妙的融合在一起，无形间为石碑增添了一份神圣庄严不可侵犯之感。
广场两侧各建有一个喷泉，泉台高14米，10余个喷泉口同时向上喷水，中心喷泉口喷射的水柱高达4米，股股泉水划着优美的弧线一起喷射而出时，犹如玉柱冲天，极为壮观，而当喷泉冲到顶端回转身下落时，则像梨花飞泻，飘飘洒洒，四处散去，别有一番意境。
文艺复兴时期的艺术家与作品文艺复兴时期（约14世纪至17世纪）是欧洲艺术史上一个具有重要意义的时期，以其独特的艺术风格和伟大的艺术家而闻名于世。
在这个时代，许多杰出的艺术家通过他们的作品展示了无比的创造力和艺术才华。
在本文中，我们将聚焦于文艺复兴时期一些杰出的艺术家及其作品，了解他们的贡献和影响。
一、达·芬奇（Leonardo da Vinci）达·芬奇是文艺复兴时期最重要的艺术家之一，也是历史上最具多才多艺的人之一。
他的作品跨越了绘画、雕塑、建筑、解剖学等多个领域，充分展示了他的天才和创造力。
他最著名的绘画作品之一是《蒙娜丽莎》，这幅作品以她神秘的微笑和逼真的细节而闻名于世。
达·芬奇的作品不仅在艺术上具有突破性，而且在科学上也有很大的贡献，他的研究对数学、物理学和生物学等领域产生了广泛影响。
二、米开朗基罗（Michelangelo）米开朗基罗是文艺复兴时期最杰出的雕塑家和画家之一。
他的作品以其宏伟的规模和表现力而著名。
他最知名的雕塑作品之一是位于梵蒂冈的《圣彼得大教堂》的顶部的壁画《创世记》。
这幅壁画以其雄壮的构图和精湛的细节描绘了上帝创造亚当的场景。
米开朗基罗的作品还包括了许多优秀的雕塑作品，如《大卫像》和《圣母像》。
他的作品不仅体现了他的巧思和技巧，也传达了深刻的人文主义观念。
三、拉斐尔（Raphael）拉斐尔是文艺复兴时期最杰出的画家之一，被誉为“至善的画家”。
他的作品以其优雅、平衡和和谐而著称。
他最著名的作品之一是梵蒂冈宫的斯坦西纳小厅的壁画《雅典学院》。
这幅作品描绘了古希腊的哲学家和学者，其中包括亚里士多德、苏格拉底和柏拉图等。
拉斐尔的作品体现了文艺复兴时期的理想和美学，他对形式和表达的熟练掌握极大地影响了后来的艺术家。
四、提香（Titian）提香是文艺复兴时期最重要的油画家之一。
他的作品以其鲜艳的色彩和独特的光影效果而著名。
提香擅长绘制肖像和宗教题材的作品，他的肖像画精准地捕捉到人物的特征和情感。
“无秩序的力量”：马修巴尼的实验影像中的观念性与视觉性发布时间：2022-11-10T05:02:25.968Z 来源：《科学与技术》2022年第14期作者：赵宸[导读] 马修·巴尼的作品被称作象征着“整体艺术”的延展，在他的影像作品中绝不会只局限于影像，而是包含了绘画、雕塑、装置、等综合媒介赵宸湖北工业大学工程技术学院，湖北武汉，430000摘要：马修·巴尼的作品被称作象征着“整体艺术”的延展，在他的影像作品中绝不会只局限于影像，而是包含了绘画、雕塑、装置、等综合媒介。
马修巴尼在对不同媒介的探索中，对于多种元素进行交互运用，作品蕴含着他对神话、宗教、历史、社会与艺术本体的探索，创造了其独有的美学特征。
本文将通过他作品中的观念性与视觉性进行分析，试图解读其影像作品背后蕴含的意义。
关键词：无秩序整体艺术动态美术观念性视觉性一、物象·意象·影像——实验影像语言的发展历程1920年左右实验影像才开始进入大众视野，但其萌芽期确实诞生于1910年左右，由[1]意大利未来主义艺术家布鲁诺·科拉、阿纳尔多·金纳所共同创作。
他们将抽象的光影与色彩转换为“色彩音乐”，强调“运动的画意”，而不是依靠规律而成的无趣的规律运动。
随着“色彩音乐”的发展，[2]奥斯卡·费钦格提出了“视觉音乐”的理论，即用运动的美术形象本身来制造音乐的韵律，这一理论是“动态的美术”艺术表达的精髓。
20世纪50年代至21世纪初，美国“地下电影”先驱斯坦·布拉凯奇对纯粹的色彩和光影进行探索，“视觉音乐”理念的延续下来。
而马修巴尼完美的延展了“动态美术”的概念，他从不将影像局限于视觉艺术，而是以大胆的实验艺术的改造方式，对影像进行“修改”式的创造。
他的作品无疑是绘画在其他艺术方式以元素的方式进行流转，从而冲破对现实的依赖，建构出完全异于传统叙事的表现方式，同时在他的作品中能看出事物存在于意象与物象之间的状态，一种“无秩序状态”，其作品的多义性提供给观赏者极大的探索空间，体现了其作品想要表达的内涵。
文艺复兴时期的艺术家与作品知识点文艺复兴时期是欧洲历史上的一段重要时期，也是艺术史上一个具有特殊意义的时段。
在这个时期，众多杰出的艺术家涌现出来，他们的作品深深地影响了后世的艺术发展。
本文将从艺术家以及其作品两个方面，介绍文艺复兴时期的艺术家与作品的一些知识点。
一、艺术家1. 达·芬奇（Leonardo da Vinci）达·芬奇是文艺复兴时期最具代表性的艺术家之一。
他是一位多才多艺的天才，兼具画家、雕塑家、建筑师、工程师等多重身份。
达·芬奇的作品既有绘画作品，如《蒙娜丽莎》和《最后的晚餐》等，也有雕塑作品、建筑设计等。
他的作品以精准的透视、自然主义的人物形象和细腻的表现力著称。
2. 米开朗基罗（Michelangelo）米开朗基罗是另一位备受瞩目的文艺复兴时期艺术家。
他以其出色的雕塑作品和壮丽的壁画而闻名于世。
米开朗基罗的代表作品包括雕塑作品《大卫》和《悲惨奴隶》等，以及梵蒂冈的圣母院壁画《最后审判》等。
他的作品风格独特，充满力量感和情感表达，对后世艺术家产生深远影响。
3. 桑德罗·波提切利（Sandro Botticelli）桑德罗·波提切利是文艺复兴时期意大利艺术的代表之一。
他的作品以描绘女性形象和神话题材为主要特点，其代表作品有《维纳斯的诞生》和《春天》等。
波提切利的作品富于情感和独具魅力，形象生动而优雅，展现出了文艺复兴时期对人体美和自然的追求。
二、作品知识点1. 《蒙娜丽莎》（Mona Lisa）《蒙娜丽莎》是达·芬奇的代表作品，也是世界上最为著名的绘画作品之一。
这幅画中的女性形象以微笑而闻名，被称为世界上最神秘的微笑。
画面中的使用了柔和的色彩过渡和透视手法，给人以深远的感染力和艺术享受。
2. 《最后的晚餐》（The Last Supper）《最后的晚餐》也是达·芬奇的杰作之一，是一幅壁画作品，描绘的是耶稣和十二门徒共进最后晚餐的场景。
世界上有名的雕塑作品深度解析世界上有名的雕塑作品深度解析1. 引言雕塑作为一种重要的艺术形式，早在古希腊时期就开始出现，并在历史上扮演着重要角色。
世界各地有许多著名的雕塑作品，它们不仅在艺术史上具有重要地位，也承载着丰富的文化内涵和历史故事。
本文将深度解析几件世界上有名的雕塑作品，通过对其历史背景、艺术特点和内涵的剖析，带你领略这些艺术珍品的魅力。
2. 大卫像（David）2.1 背景介绍大卫像是文艺复兴时期意大利艺术家米开朗基罗的代表作品之一。
该雕塑作于1501年至1504年间，采用大理石材质，塑造了圣经中的年轻英雄大卫。
这座雕塑作品不仅在艺术史上具有重要地位，也是米开朗基罗的代表作之一，展现了他惊人的雕塑技艺和艺术理念。
2.2 艺术特点大卫像以完美的身体比例和精湛的雕刻技巧被世人称颂。
雕像的每一处细节都表现出了艺术家对人体结构的深刻理解，使得这尊雕塑仿佛有生命般的立体感。
米开朗基罗在雕塑中巧妙地运用了对称、比例等造型原理，使得大卫像成为了艺术史上的经典之作。
2.3 内涵解析大卫像代表了文艺复兴时期的人文主义思想，展现了人类对美和力量的追求。
雕塑中的大卫，以其挺拔的身姿和坚定的目光，象征着义勇和正义的力量。
米开朗基罗通过这尊雕塑作品，赋予了大卫像无尽的内在力量和永恒的价值，成为了罗马文艺复兴的杰作。
3. 创世纪（The Creation of Adam）3.1 背景介绍创世纪是文艺复兴时期艺术家米开朗基罗在西斯廷教堂天顶上所绘的一幅壁画作品。
这幅壁画以《创世纪》中上帝创造亚当的场景为题材，成为了世界壁画史上的经典之作。
其震撼人心的表现手法和深刻的内涵使其成为了世界艺术宝库中的珍品。
3.2 艺术特点创世纪运用了绘画的形式来呈现人类史上最重要的一幕，凸显了米开朗基罗在绘画领域的独特造诣。
壁画中亚当和上帝的伸手相接场景，充满了力量和生命的张力，呈现出了艺术家对人性和宗教信仰的深刻理解，体现了他对神秘主义和人文主义思想的探索。
意大利文艺复兴雕塑大师的杰作意大利文艺复兴是欧洲历史上一段重要的艺术时期，也是雕塑艺术蓬勃发展的时期。
在其中，许多杰出的大师通过他们的才华和创造力，创作出了许多令人惊叹的雕塑作品。
本文将介绍几位意大利文艺复兴雕塑大师及他们的杰作。
米开朗基罗 (Michelangelo)米开朗基罗被公认为意大利文艺复兴时期最杰出的雕塑家之一。
他的作品充满了力量和动态感。
其中最著名的作品之一是《大卫像》。
这座雕像描绘了圣经故事中的大卫，他准备与巨人歌利亚战斗。
《大卫像》高达5.17米，由一块巨大的大理石雕刻而成。
米开朗基罗的技巧和精湛的细节使得这座雕像栩栩如生，表现出大卫的坚强和勇猛。
蒂臣诺 (Donatello)蒂臣诺是另一位备受推崇的意大利文艺复兴雕塑大师。
他被公认为是新古典主义风格的奠基人之一。
他的作品在表现上更加注重解剖学和逼真性。
其中最有名的作品是《达维德像》。
这座雕像描绘了圣经中的大卫，与米开朗基罗的《大卫像》主题相同。
蒂臣诺的作品更加注重细节的表现，通过巧妙地使用光影和线条，使得雕塑从视觉上更具真实感。
贝尼尼 (Bernini)贝尼尼是17世纪意大利艺术家，以其独特的技巧和创造力而闻名。
他的作品充满了戏剧性和动态感。
其中最著名的作品之一是圣彼得大教堂的巴洛克式雕塑《圣德肋撒像》。
这座雕塑描绘了圣女德肋撒，她迅速飞升至天上。
贝尼尼通过使用流线型的姿势和细致的表情，创造出了一种在石头中表现出灵活性和生动性的令人惊叹的效果。
这些雕塑大师的作品代表了意大利文艺复兴时期雕塑艺术的巅峰。
他们的创作不仅在当时引起了广泛的赞誉，而且对后来的艺术发展产生了深远的影响。
他们的杰作不仅具有艺术上的价值，也代表了当时社会文化的精神风貌。
在总结上述内容之前，我们应该意识到这些大师们通过他们的作品，不仅仅是创作出了惊艳的雕塑作品，更重要的是他们向后世留下了宝贵的艺术遗产。
他们通过他们的艺术表达了当时社会的价值观和审美观，并为后来的艺术家树立了榜样。
文艺复兴雕像故事
文艺复兴时期的雕像故事如下：
1.《摩西像》。
摩西是犹太人伟大先知中的一个，米开朗基罗所创
作的介乎神人之间的青年摩西坐在椅子上，头向左侧倾，目视远方，沉稳严肃、略紧张，似乎在观察着什么。
2.《哀悼基督》。
耶稣乃到人间救世的上帝之子，当时很多人不信。
耶稣手下十二门徒中的犹大出卖耶稣，耶稣被捕，并被钉在十字架上，最后耶稣代替人类承受罪恶，死在了两个囚犯中间。
之后，圣母玛利亚赶到，抱着耶稣的尸体，悲痛不已。
雕塑再现的是耶稣死后，圣母玛利亚抱着耶稣，伤心悲痛的一幕。
3.《大卫像》。
大卫是圣经中的英雄人物，他击败了巨人哥利亚。
多纳泰罗创作的《大卫像》正是表现了大卫击败巨人哥利亚的胜利时刻。
专访意大利雕塑家阿纳尔多·波莫多罗
我喜欢我的作品比树还要高
波莫多罗创作了摆在世博会意大利馆门口的“马可·波罗之门”，他喜欢创作尺寸巨大的作品，人们把自行车靠在他的雕塑边，鸟儿在雕塑上休息，他喜欢看到作品成为人们生活的一部分。
曾路过世博会意大利国家馆的人，大概都很难对此视而不见—外形好似《月光宝盒》里盘丝洞门前的断龙石，高12米，宽10米，与海宝遥相对望。
这块岿然不动、重达31吨的金刚巨石是如何来到此地的，让人浮想联翩。
可惜的是，同魔法无关，这是意大利馆花了九牛二虎之力，将16块青铜铸件运来组合而成的，名为“马可·波罗之门”。
这件“世博会场地内最大的雕塑”，出自84岁的意大利艺术家阿纳尔多·波莫多罗（Arnaldo Pomodoro）之手，门的一面由抽象图形构成，另一面却仍遮盖在幕布下。
波莫多罗告诉本报记者，马可·波罗之门创作于1988年，历经20余年才做到现在这样子。
已经完成的那一面是立方体、三角形的凹陷部分、多边形、球形、半球形、圆孔、楔形物、箭头、弯曲的表面和裂纹的有机组合，16块青铜铸件分别象征着16个西方国家的文化，它们互相交融、启发和燃烧，而在幕布下的另一面则象征着中国几个世纪以来的统一，波莫多罗希望自己能在上海世博会结束前完成它。
这件历久不变的合金制品象征着两大文明的相遇，而它本身既是门（沟通），也是墙（障碍）。
事实上，波莫多罗已经不是第一次用门的题材来表现开放性的探索未知，早在20年前，他就为斯特拉文斯基和让·科克托合作的歌剧《俄狄浦斯王》（Oedipus Rex）创作了一扇道具门，摆放在锡耶纳的教堂门口。
阿纳尔多·波莫多罗与世博会的缘分不仅于此。
1966年的蒙特利尔世博会，阿纳尔多首次受委托设计了直径3.5米、名为“la sfera grande”的大球，安放在意大利国家馆的馆顶，目前这个大球坐落于罗马的意大利外交部门前。
“作品表现了大型物体的基本转动，我原本打算做一个5-7米直径的圆球，因为外交部的预算有限，作品的规格被减小了。
”尽管如此，阿纳尔多和亚历山大·考尔德（Alexander Calder）被《时代杂志》评为那届世博会上最原创的雕塑家。
1989年，阿纳尔多名为“神话的形式”的4件组合雕塑出现在澳大利亚的布里斯班世博会上，如今这件作品被永久安放在布里斯班市政厅对面的城市广场上。
就连阿纳尔多自己都说，世博会给他带去了好运。
把“写作”灌注到雕塑中
阿纳尔多出生于1926年，当同样具有极高艺术天分的弟弟吉奥·波莫多罗（Gio Pomodoro）出生后，举家从乡村搬到佩扎罗。
二战后期，作为一名土木工程兵部队的勘测员，阿纳尔多的工作是重建被战争毁坏的公共建筑。
闲暇时，他将时间都花在了图书馆和书店。
一次，阿纳尔多找到一本珍贵的小册子，内有保罗·克利（Paul Klee）的一些绘画作品。
他说：“克利使我收获了标志的价值，他对我的影响，是让我把某种‘写作’灌注到雕塑之中。
”
随后，他的兴趣转向艺术方面，开始制作铅质、银质的珠宝饰品和小型浮雕。
他的职业生涯转型的关键时期是上世纪60年代。
阿纳尔多在参观纽约现代艺术博物馆（MoMA）内布朗库西（Brancusi）展示厅的作品后，被深深震撼：“端详着这位伟大的罗马尼亚雕塑家创作的完美作品，它们唤起了我内心一种想要毁坏的冲动，于是我联想到一条‘蠕虫’可以侵蚀它们我想到了一个点子，那就是我可以把我的个人标记植入固体几何体（柱子、方块、圆球、锥体）的内部，也就是说，进入一种本质的、纯粹的、抽象的图形中。
”
被公认为20世纪最具原创性的雕塑家之一布兰诺西·康斯坦丁第一个打破传统的现实主义，用金属和石头为材料创作了极为简单明快的几何造型的抽象雕塑。
而阿纳尔多的作品《旋转者》（Rotator），一个有芯的青铜圆球，一直被评论家们和布兰诺西的作品摆在一起比较。
阿纳尔多作品中的腐蚀、切割，被看作是对布兰诺西完全理想化的作品的某种否定。
阿纳尔多自己则表示，他在材质上雕凿的不规则的或规则的痕迹，都起源于某些古代文明。
裂缝、齿和锯条能让人们联想到发动机的齿轮，或是微晶芯片上的纹路，但阿纳尔多将它们与流线型光亮的外部表面组合在一起，这样的矛盾对立带来了全新的“不完整的完整感”。
阿纳尔多的另一个身份是Fondazione Pomodoro基金会的创始人。
1974年，当他准备在米兰的个人展览时，他意识到要说服艺术收藏家借出雕塑作品是何其困难。
“艺术家不可以把自己关在象牙塔内，相反，他必须参与并深入社会。
”之后，阿纳尔多开始尽可能地重新买回自己早期的作品。
效法马克·迪·苏维洛（Mark Di Suvero）等人的经验，阿纳尔多在1995年创立了这个基金会，选址在罗马的一处工业仓库。
基金会除了展出阿纳尔多的作品外，还旨在支持那些年轻的艺术家，尤其是那些专注于对雕塑的表达语言进行研究和实验性探索的艺术家。
它更像是一个思维与新活动的实验室。
已经耄耋之年的阿纳尔多对新一代雕塑家有着极高的期望。
他说，不要有所畏惧，必须开展严肃而又原创的充满实验性的探索，可以天马行空地使用各种各样的表现工具，例如视频甚至表演艺术最重要的是，排斥那些只是为了迎合当代的风潮和品位，纯粹只是展示性的、重复的、商业化的作品。
B=《外滩画报》
A=阿纳尔多·波莫多罗（Arnaldo Pomodoro）
B：“马可·波罗”之门的灵感来自哪里？
A：这扇大门不仅是一扇门，也是通往另一个世界的入口。
我想用我的作品对马可·波罗表达敬意，他是威尼斯伟大的探险家，是意大利和中国、西方和东方联系的象征，代表了
旅行家的原型，代表了发现精神、对新事物的探索以及对自身改变的要求。
我想激发各民族和文化之间的会面与动态联系，创造一个可以代表超越界
限和开启大门的作品，带着雄心探索和跨越未知的前沿。
B：你的作品总是大得出奇，“大”对你来说很重要？
A：从一开始，我就对我作品的比例犯愁。
雕塑的本质在于体积与空间的比
例，它的大小必须视其所活动的空间而定，雕塑的安放地决定了它的内容，雕
塑也丰富了安放地的记忆。
作为一个意大利人，我对文艺复兴时期的公共雕塑有所留意。
如今，我喜
欢我的作品比树还要高，人们把自行车靠在我的雕塑边，鸟儿在雕塑上休息，我喜欢看到作品成为人们生活的一部分。
B：你曾在接受采访时说，你更希望你的作品“出现在公园、广场或大学里”。
A：对我而言，当一件雕塑作品能够转变它所处的环境时，它才具有意义，也就是说，那时候，它会有真正的见证价值，自己创造语境，丰富记忆的层面。
这就是为什么对我而言，最理想的是将雕塑作品置
于开放的空间，呈现在人们中间、房屋之间、道路之间，每天如此。
这样它们可以被所有人拥有，每个人都有机会看到它们，并且给出自己不同的理解。
雕塑应当知道如何表达人与现实之间的复杂关系，让无法触觉的情感成为一种形态，将不可见的事物塑形，变为可见的。
雕塑在与公众对话的时候是有生命的，不是一种庆典性的建筑，而是可以与环境有一种动态的联系。
B：你一直热衷裂纹、咬噬的雕塑效果，从1961年的作品“反向的空间”（negative Spaciality）到“马可·波罗之门”，它们在传达什么？
A：体现在我青铜雕塑作品中的腐蚀、切割、挖凿、磨损的表面都传达着一种意愿，那就是意在解析一种存在于形态内在的能量。
在我的作品中，人们仍能看到技术手法的运用。
不可否认的，裂缝、齿和锯条能让人们联想到发动机的齿轮，或者微晶芯片上的纹路，但是我喜欢将它们与外部的光亮表面组合在一起。
这样，可以与闪亮形成一种反差，一种矛盾对立，一种由不完整带来的完整感。
B：你对雕塑与建筑之间的关系是什么看法？
A：建筑与雕塑的结合是一件复杂而有趣的事情，两者互相促进，经常能产生杰出的作品。
今天，城市的变革，越来越分散和令人叹为观止，相比其他艺术，这点在建筑身上得到更多体现。
许多项目，举例来说，受到了构成主义的启发，20世纪最令人喜闻乐见的时期见证了这两种艺术形式的合并：一座有趣的建筑物往往与雕塑的表达形式有关。
你只要想一想位于西班牙毕尔巴鄂由弗兰克·盖里（Frank Gehry）设计的古根海姆美术馆，或者其他当今最著名的一些建筑师的作品。
他们就好像是新的雕塑艺术家，建造了如同巨型雕塑的建筑。
另外值得一提的是那些巨型规格的雕塑作品，比如，苏维洛（Mark Di Suvero）的钢铁支架作品，或者理查德·塞拉（Richard Serra）运用考登钢板制作的作品。
就个人而言，我经常有机会与建筑师以及景观艺术家在不同的项目中合作，在我的雕塑中经常可以找到一种“建筑的紧急状态”，近乎一种要活在作品中的愿望，但是我相信在不同思想理念之间、不同艺术之间存在着“边界”的关系，而至关重要的一点是，建筑师在其创作过程中要保留自己特有的理念和语言。
