素描大师“安格尔”

大师笔下的人体油画，人体艺术画包含的美一时入眼，不觉入心！美的肉体只是最高美的痕迹、影子和反光。

为要显示这种最高的美，必先使灵魂摆脱肉体的污垢。

——普罗提诺，埃及美学家什么是污垢？换言之就是官能感受。

欣赏人体艺术，绝非单纯的情欲、色情、意淫。

而是欣赏者获得精神洗炼的过程。

人体艺术包含的美、情感、纯真、自由，是一颗虔诚的心才能感受到的。

今天，给大家介绍西方十位大师级的画家，让我们一起解读他们笔下的经典人体，发现人体艺术之美！安格尔（1780-1867）让·奥古斯特·多米尼克·安格尔，出生于法国蒙托邦，是举世闻名的新古典主义绘画大师。

《泉》巴黎奥塞美术馆藏安格尔对表现女性裸体充满了热情，他的自然道路就是爱神的道路。

他对女色的嗜好是一成不变的，当安格尔的天才同青春美丽妖娆的女性结合在一起时，创造力往往也是空前的。

《瓦平松的浴女》美国剑桥哈佛大学费哥美术馆藏《泉》是安格尔的得意之作，把古典美和女性人体的美巧妙地结合在一起。

出色地表现了少女的烂漫天真、青春活力，是他毕生致力于美的结晶，也是西欧美术史上描写女性人体的优秀作品之一。

画作灵透自然，纯真无邪，西方少女的纯美在此一览无余。

她给人以无限的遐想，不尽的怀思，忍不住多看几眼。

《爱与美的女神》安格尔一生中在裸体素描上下过精深的功夫，而且只有当他面对裸体模特儿时，他的现实主义真知灼见才特殊地显现出来。

他曾说：“标准的美——这是对美的模特儿不间断观察的产物”，并认为一幅画的表现力取决于作者的丰富的素描知识；撇开绝对的准确性，就不可能有生动的表现。

《土耳其宫女与女奴》这位古典主义绘画的末代风流画家，吸收文艺复兴时期前辈大师的求实技巧，使自己的素描发挥到炉火纯青的境地，其在裸女上所寄予的理想，更是一种“永恒的美”！《土耳其浴女》《洛哲营救安吉莉卡》《梳妆》安格尔《浴女半身像》1808德加（1834-1917）埃德加·德加，是巴黎一位银行家的儿子，从小受到良好的教育，并有着深厚的古典文化功底。

法国古典主义画派最后的代表：让－奥古斯特?多米尼克?安格尔(Jean-Auguste Dominique Ingres)（1780-1867），生于蒙特庞省。

他曾经向杜尔兹学习绘画17岁时到巴黎，投入达维特门下。

当时，达维特正担任拿破仑的首席画师。

安格尔极受达维特的喜爱，达维特曾为他画过一幅肖像：那微微皱起的眉毛下，有着一双认真思考的眼睛。

1806年，安格尔赴意大利，1824年回到巴黎。

后来，1834―1841年，他再度赴罗马，深刻地研究了文艺复兴时期意大利古典大师们的作品，尤其推祟拉斐尔。

经过达维特和意大利古典传统的教育，安格尔对古典法则的理解更为深刻，?产达维特流亡比利时之后，他便成为法国新古典主义的旗手，与浪漫主义相抗衡。

作为19世纪新古典主义的代表，安格尔并不是生硬地照搬古代大师的样式，他善于把握古典艺术的造型美，把这种古典美融化在自然之中。

他从古典美中得到一种简炼而单纯的风格，始终以温克尔曼的“静穆的伟大，崇高的单纯”作为自己的原则。

在具体技巧上，“务求线条干净和造型平整” (文社里语，见《西欧近代画家》一书)。

因而差不多每一幅画都力求做到构图严谨、色彩单纯、形象典雅，这些特点尤其突出地体现在他的一系列表现人体美的绘画作品中，如《泉》、《大宫女》、《瓦平松的浴女))、《土耳其洛室》等。

1805年，安格尔完成了“里维耶夫人肖像”一画，这幅肖像在色彩方面无疑也是安格尔的杰作之一。

匀整的颜色如同镶嵌一样和谐地结合在一起，色彩显示着形体，带有某些起伏的暗示，但没有求助于阴影。

身体和衣服用象牙白突出出来，组成画面的受光部分，深蓝色的沙发则组成画面的阴影部分。

这两种颜色都被纳入黑色的背景。

红、黄两色的小小变化无害于整体效果。

个性和朴实的表情、明暗和单纯――使这幅肖像别有一种优美滋味的就是这些。

这幅作品于1806年在沙龙中展出，但是它“独特的、革命的、哥特式的”风格特点招来了许多批评家的愤怒。

事后，安格尔去了意大利，在那时奉承研究15世纪的佛罗伦萨绘画，目的是要把自己的风格提高到文艺复兴时期的水平和改造当时的绘画。

安格尔的绘画特点有什么艺术风格安格尔的绘画特点有什么艺术风格让·奥古斯特·多米尼克·安格尔出生于法国蒙托，是一名画家。

下面是店铺给大家整理的安格尔的绘画特点有什么艺术风格，希望能帮到大家！安格尔的绘画特点有什么艺术风格安格尔并不是生硬地照搬古代大师的样式，他善于把握古典艺术的造型美，把这种古典美融化在自然之中。

他从古典美中得到一种简练而又单纯的风格，始终以温克尔曼的“静穆的伟大，崇高的单纯”作为自己的原则。

他的绘画吸收了15世纪意大利绘画、古希腊陶器装饰绘画等遗风，画法工致，重视线条造型，因而差不多每一幅画都力求做到构图严谨、色彩单纯、形象典雅，这些特点尤其突出地体现在他的一系列表现人体美的绘画作品中，如《泉》、《大宫女》、《瓦平松的浴女》、《土耳其浴室》、《荷马的礼赞》、《后宫佳丽》、《加拉的玻林娜埃莲诺尔》、《莫第西埃夫人》等。

1805年，安格尔完成了《里维耶夫人肖像》一画，这幅肖像在色彩方面无疑也是安格尔的杰作之一。

匀整的颜色如同镶嵌一样和谐地结合在一起，色彩显示着形体，带有某些起伏的暗示，但没有求助于阴影。

身体和衣服用象牙白突出出来，组成画面的受光部分，深蓝色的沙发则组成画面的阴影部分。

这两种颜色都被纳人黑色的背景。

红、黄两色的小小变化无害于整体效果。

个性和朴实的表情、明暗和单纯——使这幅肖像别有一种优美滋味。

安格尔绘画艺术风格及其艺术生涯上世纪八十年代，法国古典表现主义艺术大师—安格尔这个名字早就印在我的脑海里，他那副举世油画名作《泉》，给我留下了深刻的印象。

时光流逝，几十年一晃过去了。

今天由于教学上的原因，在讲解服装史的教学中要配合很多图片，其中一幅安格尔的油画作品《里维耶夫人肖像》的是我经常选择的图片，这幅画充分的展示了当时历史时期的服装特点，也就是由于这幅画激发了我对安格尔的油画艺术的喜爱，更激发了我对他的艺术进行研究。

让奥古斯特多米尼克安格尔生于1780年的法国南部城市门托榜，于1867年逝世、享年87岁。

浅析安格尔《泉》的美学构成《泉》是新古典主义旗手安格尔在76岁才完成的一幅作品。

画中一位举罐倒水的裸体少女，身躯婀娜呈S型，双目透出清纯，虽然身体袒露，却让人觉得她如清泉般圣洁。

作品色彩运用非常柔和而富于变化，表现出清高绝俗和庄严肃穆的美。

本文将对这幅画进行美学解构，进而分析它被称为裸女画代表的原因。

一、《泉》的造型美在《泉》这幅画里，安格尔画了一个直立的全裸的女性身体，占据了全篇几乎三分之二的面积，她的双臂是向上举着的，裸体正面呈现在欣赏者眼前，小腹甚至微微凸出，如此舒展式的裸体给人强烈的视觉冲击，这样正面地不加掩饰地呈现女性裸体的画作也是很少见的。

这是造型对欣赏者第一次的美感冲击。

画面造型上的第二个特点是构图的和谐，这种和谐是经过深思熟虑的，略懂绘画欣赏的人在观赏《泉》这幅画时会明白，画面的和谐感主要由裸体少女和水罐相互支撑平衡带来的。

裸体少女将水罐架在左肩上，左手撑着罐口，右手扶着罐身，为了使身体的重心居中并且双手托罐的姿势更舒服一点，她的身体拗成了一个S型的曲线，使得整个身体的重心落在左脚上，右腿微曲右脚点地。

而欣赏者也因为这种和谐妥当的安排，能得到一种合理舒适的视觉感受。

第三，古典主义在造型上要求严谨，古典主义绘画的造型严谨不仅是指人体的动作和比例要完全忠实于现实中的情况，在细节处理上画家会有自己的思考。

有人认为《泉》中人物的右胳膊及躯干有被拉长和扭曲的嫌疑，但是在视觉效果上，这样的处理却是恰当的，这种理性的夸张处理服从于整个造型严谨的要求。

第四点美学分析与欣赏者的审美经验有关。

艺术创作是对美的永恒追求，每个人脑海中都有对女性形象的想象，有的窈窕，有的丰满，有的动，有的静，少女题材的画作往往最能激发欣赏者对审美经验的想象，引导他们更深层次地欣赏画作。

因此《泉》中裸体少女是综合画家对女性所有美好的想象，提炼虚构出来的一种形象。

如果把少女的头部和身体分开来看，会有一种不匹配的感觉，她的头部细节刻画明显更符合古典主义的特点，略呆板刻意，而身体因为过于栩栩如生而带有浪漫主义的特征，但这就是画家认为的最美的人体造型。

76岁老画家26年完成一幅女性人体油画，到底是图个啥？相信很多喜欢油画的朋友都看到过《泉》这幅画，为这幅画呈现出的美丽、清纯、宁静、典雅、庄重的气息氛围所感染。

《泉》是一幅经典的女性人体油画，是19世纪法国绘画大师安格尔的代表作，被誉为西方人体油画的巅峰之作并被许多国家列为人体油画艺术教学的范本。

安格尔（1780年一1867年），法国19世纪新古典主义油画的集大成者、学院派首席代表，被誉为“少有的堪比达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔、乔尔乔内、提香等文艺复兴时期油画大师素描水平的顶级素描高手”，以精于创作人物肖像画和人体油画而著称。

其实，早在1830年安格尔50岁时，他就萌动了创作《泉》的想法。

这时安格尔已因《大宫女》、《里维耶夫人肖像》、《瓦平松的浴女》等许多优秀作品成为享誉法国乃至欧洲的著名画家。

而这时，他做为忠诚捍卫和遵守古希腊古罗马和文艺复兴时期古典的理性的艺术范式规则的学院派保守势力代表，与以德拉罗波瓦为代表的浪漫主义油画画派也正处于不可开交的学术论争之中。

安格尔推崇拉斐尔“理性典雅唯美和谐”的艺术样式，信奉前辈艺术大师温克尔曼提出的“静穆的伟大，崇高的单纯”的艺术理念。

此前，安格尔创作的许多油画都体现出了这一理念，但安格尔觉得他以往的作品对这一理念体现的还不够充分，还不“足以服人”，还不能让对立的艺术流派“服劲”。

1830年，安格尔在意大利他创办的“法兰西艺术学院”教学时萌生了创作《泉》的想法。

在《泉》之前，虽然自文艺复兴时期以来西方艺术家创作了大量的以女性为主体的人体油画，但是以正面全身呈直立姿势的还没有。

安格尔在创作《泉》时面临着很大挑战和诸多困难。

安格尔《大宫女》局部图起初，安格尔是想以古希腊神话女神维纳斯的名义创作这样一幅女人体油画，但后来他觉得这样既有模仿前人之嫌也不太贴近现实，反复思考，他决定就以世俗的女子做为《泉》的主体和主题。

但是在创作过程中，即令安格尔这样的一流顶级画家，也遇到了诸多难题。

主持的圣母玛利亚-安格尔
主持的圣母玛利亚安格尔法国布面油画 1841年 116x84cm 巴黎卢浮宫藏
这幅《主持的圣母玛利亚》是画家线条美的代表作之一。

安格尔说““线条就是一切，色彩是空虚的”，“色彩是绘画的装饰手段，线条为艺术的本质”，这是他在艺术创作中坚定不移的美学观。

安格尔在艺术上不仅是西方正统学院的范本，对印象主义的德加、雷若阿，甚至对毕加索也有影响。

他的艺术可通过拉菲尔上溯到古代希腊，可以说他是描绘女性美的集大成者，后人无人能望其项背。

让·奥古斯特·多米尼克·安格尔（Jean Auguste Dominique Ingres，1780—1867），是继大卫之后法国新古典主义画派的最后代表。

安格尔出生于法国西南部，从小就受到良好的艺术熏陶，在美术和音乐方面都颇有天赋。

安格尔17岁到大卫画室学习，得到真传。

两年后考入美术学院，获罗马大奖。

5年后去罗马，把拉斐尔作为毕生崇拜的对象。

其作品工整细致，用色鲜明和谐。

曾两次去意大利长时间研究古
典美术；在本国曾任巴黎艺术学院的教授多年。

安格尔的声誉如日中天时，也正是古典主义面临终结，浪漫主义崛起的时代，他和新生的浪漫主义代表人德拉克洛瓦之间发生许多次辩论，浪漫主义强调色彩的运用，古典主义则强调轮廓的完整和构图的严谨，安格尔把持的美术学院对新生的各种画风嗤之以鼻，形成学院派风格。

安格尔的10大经典咱先说《泉》这幅画吧。

画里的姑娘就像从山间走来的精灵，她身姿婀娜，表情恬静。

那股清泉从她手中的瓦罐里流出，就好像能听到潺潺的流水声呢。

她整个人散发着一种自然又纯洁的美，感觉看一眼就像被清泉洗了眼睛一样，心都变得纯净起来。

还有《大宫女》，哇塞，这个宫女的身材比例在现实里可不好找呢，但就是这种独特的拉长，让她有一种别样的优雅。

她斜靠在那儿，眼神里好像藏着好多故事，像是在思念远方的家乡，又像是在等待心爱的人。

她的肌肤在安格尔的笔下就像羊脂玉一样细腻，让人忍不住想伸手去触摸一下那画面。

《土耳其浴室》也是经典中的经典呀。

好多好多的女性在浴室里，那画面热闹又温馨。

女人们的体态各异，有丰满的，有苗条的，但每一个都充满了生命力。

就好像我们能透过画面闻到那浴室里的水汽和淡淡的香料味，仿佛能听到女人们的欢声笑语。

安格尔画肖像也是一绝。

他画笔下的人物，那表情和神态，就像真人站在你面前一样。

每一道皱纹，每一个眼神，都像是在诉说着自己的一生。

比如说他画的那些贵族肖像，那些人高高在上的气质和那种贵族特有的骄傲，都被刻画得入木三分。

他的《瓦平松的浴女》也超棒。

这个浴女的背部线条优美得不得了，就像一条流动的曲线。

那肌肤的光泽感，感觉就像阳光刚刚洒在她的背上。

从这个背影，就能想象出这是一个多么迷人的女子。

他的画就像一个个小世界，每一幅都能把我们带进去。

无论是描绘人物还是场景，都有一种独特的魅力。

安格尔就像一个神奇的魔法师，用他的画笔把美定格在画布上。

他的这些经典画作，就像老朋友一样，每次看都有新的感觉。

有时候看着这些画，就会想，他当时画画的时候是不是也在偷笑，觉得自己创造出了这么美的东西呢。

反正我每次看他的画，心里就充满了对美的感叹，就觉得这个世界因为有这样的画而变得更加美好了呢。

他的这些经典之作呀，就像一颗颗璀璨的珍珠，串起来就是艺术史上最耀眼的项链。

无论是在美术馆看到真迹，还是在画册上欣赏，都能感受到那股浓浓的艺术魅力。

INSIGHT术而时尚的扣子。

在这幅卢浮宫馆藏的肖像画中，安格尔对帕格尼尼的描绘达到了逼真的程度，帕格尼尼随意地将小提琴夹在腋下，用平视的目光看着观众。

那表情充满了权威，但他狂野的头发却透露出一些不寻常的东西。

大都会馆藏的另一幅《帕格尼尼》，似乎是卢浮宫这幅肖像照的镜像版。

安格尔与帕格尼尼私交不错，二人曾同台演奏贝多芬的弦乐四重奏，也算从侧面印证了安格尔的演奏水平。

给帕格尼尼画这幅素描的缘由不得而知，或许是出于二人在同台演出后的留念。

然而，安格尔这幅素描却被当时很多人诟病，因为他没有将帕格尼尼英俊洒脱的形象和狂放不羁的演奏状态展示出来。

他笔下的帕格尼尼像个贵族绅士，丝毫没有“魔鬼小提琴家”那擅长即兴演绎的“野性”，算是对艺术家的一种“误读”。

与卢浮宫和大都会这两幅安格尔创作的肖像画对比，德拉克洛瓦（EugeneDelacroix）的这幅《帕格尼尼》这似乎更符合他“恶魔小提琴家”的声誉。

1831年3月9日，德拉克洛瓦在巴黎歌剧院观看了尼科罗·帕格尼尼的现场演奏，进而完成了后者的整身肖像习作。

德拉克洛瓦笔下的帕格尼尼正处于激烈的演奏而导致的痛苦中，也许是在演奏他著名的“魔鬼的颤音”。

帕格尼尼和安格尔同属于一个音乐圈，曾经在一起拉小提琴。

世界就是这么的小。

安格尔既混绘画圈，又混音乐圈，而且两个领域都达到了顶尖水平。

他对乐器的喜爱甚至还催生了一个新的法语词“ le violon d' Ingres（安格尔的小提琴）”，意为兴趣爱好。

现在埃尔菲铁塔附近还有家这个名字的餐厅。

帕格尼尼的父亲是一个爱好音乐的商人，在帕格尼尼3岁时就开始教他小提琴演奏技巧，后来又让他师从小提琴家塞尔维托·科斯塔学习。

帕格尼尼8岁时便创作了他的第一首小提琴奏鸣曲，并能演奏小提琴家、作曲家布雷尔的协奏曲。

他9岁加入市立歌剧院的管弦乐团，11岁就登台演奏自己创作的《变奏曲》。

12岁时他把《卡马尼奥拉》改编成变奏曲并登台演奏，一举成功，轰动了舆论界。

世界名画《土耳其浴室》：如何理解安格尔的这幅油画
法国画家安格尔一生最喜爱的题材是女性，最拿手的题材也是女性，最好的作品也是女性的肖像，女性身上一丁点细微的起伏都能够让他着迷、赞叹！但安格尔在描绘裸体的女性时，还是比较注意分寸的，他的大部分裸女的形象，比如《泉》，其中的女性既有古典的优美，具有纯洁神圣的意味，画面中并无挑逗！
在欣赏法国画家安格尔的画作《土耳其浴室》之前，心有灵犀先给大家介绍一下这个土耳其浴室，跟普通浴室有什么不同的地方！安格尔为何要以此浴室作为背景呢！原来这个传统的土耳其浴室，在沐浴过程中，是要经历净身、植物精油的按摩、拍打，以及冷水、热水的交替浇灌等一套流程。

最终，在身体得到净化、舒缓的同时，精神也完全进入了完全放松的状态！
而《土耳其浴室》这幅画正是描绘了一群美丽的女子在土耳其浴室里享受休闲时光的场景，相当悠闲舒适放松的画面。

画中的女子或斜躺着昏昏欲睡，或者背对我们，弹奏乐器，或是正面对着我们，以各种姿态展示着自己优美的酮体；或者三三俩俩聚在一起，亲密地交谈！
《土耳其浴室》是法国画家让·奥古斯特·多米尼克·安格尔于1862
年创作的一幅画布油画，现收藏在法国卢浮宫。

但大家不要误会了，其实这不是安格尔亲历的场景，而是依据当时法国驻奥斯曼土耳其大使夫人书中的描绘，所创造出的一幅想象中的土耳其浴室的场景。

画中的场景加入了安格尔丰富的想象力，所以比原场景更美更有趣！
安格尔的《土耳其浴室》，虽然备受争议，但同样引人注目，又是一幅关于西方人女性裸体的伟大题材。

在我们欣赏这幅画时，不要只看到表面的裸体，应该脱离世俗的束缚，转而到绘画的精神文化层次方面，这才是艺术作品的灵魂所在！。

70[1] Uwe Fleckner, Jean-Auguste-Dominique Ingres 1780-1867 (Cambridge: h.f.ullmann, 2007), 11.[2] 戴维斯认为安格尔客观地描绘出了穆瓦特歇夫人的性格：“安格尔辨识出了一位愚蠢的、以自我为中心的、丰腴的、没有灵魂的美丽女人，她代表了一种社会现象，安静而生动……这位华丽的美人儿（sublime doll ）如同一份具有丰富特征细节的历史文献，反映了1850年代的巴黎生活。

”参见Cf. Martin Davies, “A portrait by the Aged Ingres,” The Burlington Magazine for Connoisseur 68, no. 399 (1936): 258-268.徐紫迪北京大学艺术学院裙摆上的“污渍”与安格尔的线索—重读《穆瓦特歇夫人》现收藏于英国国家美术馆（The National Gallery ）的《穆瓦特歇夫人》（Madame Moite-ssier ，图1，以下简称“穆夫人坐像”）是法国画家让·奥古斯特·多米尼克·安格尔（Jean Auguste Dominique Ingres ）的名作。

画家在这幅历时12年、至其76岁才完成的作品中，极尽所能地展示着自己的艺术构思与才华：富有内涵的动作、令人惊叹的细节、近乎抽象的造型。

此画的创作过程颇为艰难，几经挫折，正如尤韦·弗莱克纳（Uwe Fleckner ）所说，“因为极为严格的结构安排，最初的尝试被不断否决。

在创作的过程中，画家经常绝望地含着眼泪，试图寻找一个能够实现其艺术创作构思的绘画形式”[1]；马丁·戴维斯（Martin Davies ）也曾指出，“复杂的设计元素经过深思熟虑的考量，以使画面保持古典的明晰”[2]。

与安格尔的其他【摘 要】 《穆瓦特歇夫人》为安格尔历时12年创作的名媛肖像，此画带给观者扑面而来的华美与真实之感。

安格尔素描全集
法国画家：『安格尔素描全集』编辑/雨浓让－奥古斯特·多米尼克·安格尔，法国画家。

自小父亲就培养他对艺术的兴趣，那时，他非常热衷追求原始主义。

由于他用功、认真，17岁的安格尔已经是一个很好的画家了。

当时，大卫正担任拿破仑的首席画师。

1834—1841年，他再度赴罗马，深刻地研究了文艺复兴时期意大利古典大师们的作品，尤其推崇拉斐尔·桑西。

经过达维特和意大利古典传统的教育，安格尔对古典法则的理解更为深刻，当达维特流亡比利时之后，他便成为法国新古典主义的旗手，与浪漫主义相抗衡。

安格尔作为19世纪新古典主义的代表，他代表着保守的学院派，与当时新兴的浪漫主义画派对立，形成尖锐的学派斗争。

安格尔并不是生硬地照搬古代大师的样式，他善于把握古典艺术的造型美，把这种古典美融化在自然之中。

安格尔素描全集，是目前安格尔素描最全的一本著作。

展现安格尔的素描世界。

古典主义画派的最后代表安格尔作品欣赏29、《奥松维尔伯爵夫人》，安格尔于1842年开始了奥松维尔·路易斯（1818年至1882年）的肖像，当时他是62岁而伯爵夫人24岁。

图为可爱的年轻女子站在壁炉前，一面镜子映射出了她的头部和颈部。

她穿着优雅，荷兰代尔夫特蓝色丝绸礼服，华丽的褶皱和细节，几件黄金首饰，以及在她的头发华丽的红丝带和玳瑁梳子。

一只胳膊跨越她的腰见，另一种是向上弯曲，她的手藏在她的下巴下面。

伯爵夫人的面部超前，面带微笑并表达欢迎观众到这个可爱的地方来。

安格尔的裸体之美：安格尔 Ingres （1780-1867），是举世闻名的绘画大师、美学理论家和教育家，在80年的创作生涯中，他孜孜以求地在艺术道路上实践着自己的理想，勤于创作，留下了丰富的艺术遗产；他重视培养学生的观察能力，强调绘画基础的训练，制订了一系列为学院派奉为圭臬的古典主义原则。

另一方面，安格尔的保守与反动也是史所罕见的，他极端仇视革命，曾宣称自己不属于这个叛逆者的时代；他诋毁进步艺术形式，骂它们是"下等酒馆里的破烂货，懒汉的艺术"。

1780年，安格尔生于一个世代绘画的美术学院院士家庭，并从小受到良好的艺术熏陶。

9岁的小安格尔在素描上显露出惊人的天分，寥寥数笔就能传神地画下家里客人们的肖像，父亲于是送他到几位名师处深造，因此打下了坚实的绘画功底。

安格尔17岁时来到巴黎，在这里遇到了影响他一生艺术道路的老师大卫。

刚开始大卫对这个日后的得意门生并不感兴趣，原因是安格尔平淡谦和的画风难入这位以英雄主义为信条的导师的法眼。

安格尔异常聪明，他没有急于改变风格，而是在此之外加进了老师的某些元素，21岁时的《阿喀流斯接待阿伽门农的使者》（《伊利亚特》中的一幕：希腊统帅阿伽门农向英雄阿喀流斯道歉，送上美女财礼并请他参战）令大卫对他刮目相看，并获得了赴罗马学习的机会，但实际上他26岁才奔赴意大利求学。

求学期间，他不断将作品寄回国内在沙龙上展出，大卫惊喜地看到学生越发接近古典主义了，并为找到接班人兴奋不已。

名作赏析——《大宫女》安格尔《大宫女》于1814年完成，布面油画91*4050px现藏巴黎卢浮宫博物馆。

安格尔是法国新古典主义美术的代表。

1780年他生于法国南部的蒙托邦，1867年1月14日卒于巴黎。

他的父亲是蒙托邦皇家美术院院士，从小父亲就送他进入教会学校学习。

1797年安格尔进入新古典主义大师大卫的画室。

1806-1824年到罗马学习和工作近二十年，回国后任皇家美术学院院士。

法国古典主义美术由大卫和安格尔一起，推向了最后的高峰。

与大卫不同，安格尔不过问政治，他以“为艺术而艺术”的姿态坚持保守的学院派古典主义。

从作品的题材来看，安格尔遵循法国洛可可以来的女性裸体传统，他的老师大卫的作品更能体现一种强烈的政治倾向，如《马拉之死》、《贺拉斯的宣誓》以及后期有关于拿破仑的作品。

安格尔经过了浪漫主义、写实主义及印象派三个流派的兴衰，但他始终坚守新古典注意原则，并且反对以德拉克洛瓦为首的浪漫主义艺术。

安格尔的作品展现了新古典的贵族气质以及和谐与秩序之美。

良好的人文修养使他的作品追求一种高尚的情操，追求崇高的精神性。

他笔下的女性都如同瓷器一般晶莹冰冷，和洛可可时代布歇的裸女比较，新古典的训练使安格尔过滤掉了感官的煽动，使他即使再裸女作品中也保持着一贯的优雅以及崇高精神。

安格尔的著名作品有《泉》、《大宫女》、土耳其浴室》等。

安格尔不同于其他画家的笔触，正如前文所述，在他的裸女画中人们找不到感官的诱惑和刺激，更多的是对人体之美的精神层面上的欣赏。

在细节处理上也表现的非常细腻。

《大宫女》也同《泉》一样同为卢浮宫中所藏安格尔的名作。

对这幅画作最多的评论莫过于画家有意让画中人物的脊椎骨比常人多出了三节，因而招来了不少非议。

这幅画在巴黎展出时，引起了观众更大的抨击。

人们说，作为达维特的学生，安格尔走得太远了。

他们讽刺说：“安格尔先生画活人，就象几何学家画固体一样。

为使其预算好的线条赋予素描以立体感，他什么事都做了！他把人体的各个局部忽而放大，忽而缩小，就象普洛克鲁斯特床上的俘虏（Procrustes；传说中的古希腊强盗，缚其俘虏于铁床上，如身长过榻则断其足，如不及则强伸之使与榻等）一样随意伸缩。

画家安格尔是谁画家安格尔是法国出生的人，在他很小的时候他的爸爸就开始培养他，希望他对艺术可以有更多的兴趣。

开始的时候他非常喜欢原始主义，而且一直表现的非常努力和认真，在他刚刚十七岁的时候就成为了一个非常好的小画家。

后来还曾经去罗马研究过文艺复兴时候的作品，经过古典传统艺术的熊涛，他对于古典法则有了非常深刻的认识。

画家安格尔出生的一个和绘画关系十分密切的家庭中，他的父亲是一位美术学的院士，一直在艺术气息十分浓郁的情况下长大，在很小的时候就在素描上表现出很大的天赋，于是被爸爸送到名师手下学习和深造。

他十七岁的时候到巴黎遇见了自己一生的老师大卫。

尽管刚开始的时候大卫并不是很看好他，可是因为安格尔非常的聪慧，于是很快就让大卫对他改变了看法，并且让他成为了自己今后的接班人。

到了1824年的时候安格尔终于拥有了自己的学院，因为他非常喜欢原始主义，所以身边也有许多和他一样的人投靠了他，他们都喜欢直接而纯粹的原始风格，甚至将宗教方面的作品当成了自己最为心爱的一个题材。

他还对文艺复兴那个时候的绘画十分的有兴趣，最崇拜的就是拉斐尔的风格和作品，也许是受到了拉斐尔的影响，他也比较注重细节方面的绘制，主要强调的就是纯粹而又淡漠的美感，在对待古代艺术的态度上，画家安格尔可以说投入了非常多的感情。

安格尔是一位十分努力的画家，他对艺术始终怀着认真的态度和执着的追求，从小一直对艺术十分有天赋的他，在九岁就在素描上表现的十分出众，十七岁已经成为一个非常不错的画家。

他的一生都致力于将美好的事物绘制下来，所以安格尔作品也是非常繁多的，其中有许多都不乏为惊世之作。

安格尔的作品数目非常的多，其中有许多都是针对于女性的身体，类似于《泉》、《土耳其浴室》还有《大宫女》等等。

其中《大宫女》这幅作品非常具有代表性，他在还没有去罗马留学的时候，曾经接受到衣服波拿巴的肖像画，那个时候正处于1803年，当时法国政治正处于最关键私企，人们对于军事独裁十分的痛恨，但是安格尔却在那个时候创作了许多关于裸体的大作品，而《大宫女》正是他为了送到巴黎创作的作品之一。