国际平面设计师联盟AGI会员
Cooper州立艺术学院、视觉艺术学院教授
1930年出生于德国克伦堡的陶努斯
1981-1992年任乌奔塔尔大学视觉传达系教授
金特?凱澤與爵士樂海報
金特?凱澤（Gunther Kieser）1930年3月出生於德國的克倫堡，1951年畢業于奧芬巴赫工藝美術學院，畢業後在法蘭克福作自由設計師，長期以來除了個人設計事務所的工作以外，以至在大學擔任教學工作。在世界上許多國家博物館舉辦過個人作品展，國際平面設計師協會會員。
凱澤的創作領域十分廣泛，他為巡迴演出、文化節、話劇、歌劇、芭蕾等設計海報，為芭蕾舞和電視臺設計舞臺、佈景，此外還有書籍裝幀、唱片峰套等設計。使他成為享譽世界的設計大
師的作品，是他為爵士樂創作的海報畫。
戰後爵士樂伴隨著艱苦歲月中抹平創傷、重建家園的勞動者，一起進入新時代，爵士樂被看作是時代精神的體現，是新生命的源泉，是對自由的呐喊，凱澤正是這一時代中的一員，他熱愛這一音樂所賦予的新世界，成為一名爵士樂演奏者，與爵士旋律同舞。這一切加上他天才的構想和精妙的表現，造就了爵士樂領域一名最傑出的海報設計大師，他的名字和爵士樂緊密地聯繫在一起。
凱澤的海報具有典型的特點，第一，致力於研究和運用人的頭部，認為頭部是產生思想的地方，是演奏及其他行為的指揮所。此外，他還透過臉的表情轉達音樂家的心聲，這反映了凱澤堅持的人道主義信條。第二，自己動手製作代諷刺意味的超現實主義的實物道具。他通過這種途徑將自己的感覺和思想注入到作品中，在電腦被廣泛運用於設計領域的今天，凱澤仍樂此不疲。
把一種東西和另一種東西接合起來，成為一個整體，從而探索其神廟，這就是凱澤的互補性工作方式，完全符合拼貼的原始觀念，凱澤一生致力於透過海報畫來發展組合這一奇妙的原始觀念。音樂，尤其是爵士樂，可以不受限制和不斷變化，所以最適用於用品貼及其內在的陌生並加以表現演繹，凱澤熱愛爵士音樂，並且以大量類似的觀點理解音樂以外的題目，由於他熟練而自然地掌握拼貼技術，所以他的海報畫不僅豐富，而且富有魅力。
凱澤認為，海報畫負有特定的任務，必須將要表達的主題意義與價值通過視覺手法表現出來，也就是說，海報畫必須起到仲介的作用，必須在現實的動機及其通過暗示表達的想像之間起到催化劑的作用。動機在通常的情況下是指用一種約期貨集中樂器進行的演出，純粹的攝影可以把事實記錄下來，但它不能象海報畫那樣，以非常抽象的推論方式把這一事實逐漸變成圖形。對於音樂海報畫來說，首先要作的是將樂器變換為一個能夠表現它行為的、並在視覺上可以表明的觀念，然後相應地創造一個類似雕塑的三維客體，最後借助燈光使之發亮，並用照相機對海報畫
的紙面進行預加工。
將觀念轉換為客體，首先要作的是設計，並用手和工具創造一個三維的雕塑品。凱澤擅長雕塑，並在創作雕塑作品的過程中使形象的觀念進一步具體化，然後把他固定下來，這就是凱澤的創走過程，提出任務，並把任務轉換成觀念，再由觀念轉換成雕塑作品，最後回到畫面。任務所規定的思想內容，借助一個理想的、起中間人作用的圖像，獲得了它的框架和反響。
他的海報畫從一開始就注重表現日常發生的普普通通的事情，凱澤的創作道路是從接觸有價值以及日常生活中實用性的、很容易被忽視的東西開始的，他把它們改編成圖形。他的創作決不迎合時尚和現狀，圖形設計對他來講，不單是一種包裝藝術，更是一種藝術思想的交流，一種公共媒體所應承擔的傳達資訊的表現形式，他決不會將自己的設計象商標一樣加以隨便利用。他不能忍受獎金遷當作設計的動力，他認為他從事的藝術海報是設計潮流的先導，使合計藝術領域的
前沿陣地。
金特·凯泽（Gunther Kieser）1930年3月出生于德国的克伦堡，1951年毕业于奥芬巴赫工艺美术学院，毕业后在法兰克福作自由设计师，长期以来除了个人设计事务所的工作以外，以至在大学担任教学工作。在世界上许多国家博物馆举办过个人作品展，国际平面设计师协会会员。金特·凯泽的创作领域十分广泛，他为巡回演出、文化节、话剧、歌剧、芭蕾等设计招贴，为芭蕾舞和电视台设计舞台、布景，此外还有书籍装帧、唱片峰套等设计。使他成为享誉世界的设计大
师的作品，是他创作的爵士乐招贴画。
战后爵士乐伴随着艰苦岁月中抹平创伤、重建家园的劳动者，一起进入新时代，爵士乐被看作是时代精神的体现，是新生命的源泉，是对自由的呐喊，凯泽正是这一时代中的一员，他热爱这一音乐所赋予的新世界，成为一名爵士乐演奏者，与爵士旋律同舞。这一切加上他天才的构想和精妙的表现，造就了爵士乐领域一名最杰出的招贴设计大师，他的名字和爵士乐紧密地联系在
一起。
凯泽的招贴具有典型的特点，第一，他致力于研究和妙用人的头部，他认为头部是产生思想的地方，是演奏及其他行为的指挥所。此外，他还通过脸的表情转达音乐家的心声，这反映了凯泽坚持的人道主义信条。第二，他自己动手制作代讽刺意味的超现实主义的实物道具。他通过这种途径将自己的感觉和思想注入到作品中，在计算机被广泛运用于设计领域的今天，凯泽仍乐此
不疲。
把一种东西和另一种东西接合起来，使之成为一个整体，从而探索其神庙，这就是凯泽的互补性工作方式，它完全符合拼贴的原始观念，金特·凯泽一生致力于通过招贴画继续发展纸拼合这一奇妙的原始观念。音乐，尤其是爵士乐，由于他不受限制和不断变化，所以最宜于用品贴及其内在的陌生化加以表现，金特·凯泽热爱爵士音乐，并且以大量类似的观点理解音乐以外的题目，由于他熟练而自然地掌握拼贴技术，所以他的招贴画不仅丰富，而且富有魅力。
他的一些主要的作品如下：
新生代的音乐家出生于爵士乐这棵母树，用真的树皮将象征爵士乐的小号裹起来，嫩叶象征新生代的音乐
用表现胜利的手姿和音符系织物缝制而成，填上沙子后，拍摄而成的招贴画
古典的电子音乐世界，锯开的小号和电子元件
1.最基本的信念：爵士音乐有自己的生命，它不仅逗人乐、充满活力，而且别具一格——这一切我们
可以将之转换成图形。
2.借助平面设计艺术表达作者的创作意图，而平面设计艺术不仅仅是抄写一个演出日期表，还在于把
演出的内容转换成为一个可以观赏的内容。
3.采用拼贴（collage），即把不同的题材结合成为一个主题，起到主要作用。为了把异类的题材结合
成为一个主题，必须采用多种多样的，并与此动机相适应的技术。
4.结果不应该是“有这样的东西”的布告，而应该是“有这样的东西……”的展望。
通过两只对调反向的提琴涡形头来表现一支乐曲的开始和结束
“模特”拿着麦克风，表现主题：来自古老非洲的现代音乐
著名概念设计师Ryan Church 相信我们每个人心中都有一个喜爱的美国科幻电影。我们在欣赏他们玄幻的特效的同时，也在想这些大片里面超乎想象的角色形象和场景是怎么设计出来的。我最爱的美国科幻电影是《阿凡达》和《变形金刚》。而我最近惊奇的发现，原来它们的概念设计师竟然是一个人他就是Ryan Church，一位著名的CG概念设计师，也是业界概念设计顶级人物。 像很多概念艺术家一样，Ryan Church四五岁就开始了艺术学习。在他父亲的指导下，Church通过临摹恐龙和太空飞船的图片来提高自己的绘画技能，父亲对他的影响和帮助很大且影响深远，他的父亲是一名工业设计师，父亲向他展示过的绘图技巧使得Church很早就成长为一名设计师。Ryan Church就读于美国加利福尼亚大学洛杉矶分校和美国艺术中心设计学院知道1997年冬天毕业，就立即进入了迪斯尼工作，为蓝天工作室走概念设计。 Ryan Church现在是工业光魔ILM资深艺术总监。他参与过《星球大战前传2 克隆人的进攻》、《星球大战前传3 西斯的复仇》等影片的概念设置，也曾经负责过《星际迷航》、《阿凡达》、《变形金刚1,2》、《异形战场》等科幻巨制电影项目，有时他也很喜欢花时间为游戏大作绘制艺术图，比如《死亡空间》、《红色警戒3》、《变形金刚》等。他的作品无处不透出他深厚的绘画功底，充满了对人类未来科技的幻想。Church做示范的时候，经常用的都是手绘板和painter。 ⑴获取灵感，对别人来说做起来难，但是对于Church来说很容易，因为他喜欢工作，他觉得生活当中每一天都有给他很多的灵。不一定非要看很多电影或者是做鱼电影相关的事情才有灵感。他开始工作的第一步就是与影片导演交流，然后仔细的阅读剧本，这样他才大概了解剧本瑶说什么，导演要什么，把对导演的理念的理解落实到形象上，然后具体下来。 这几天看了一部分Ryan Church的作品，主要是产品设计居多，比如宇宙飞船、武器、坦克、交通工具，很少见过他的角色设计。可能与他学的是汽车设计而且自己的喜好和工作重点在产品设计上，他的大多数作品给人一种未来感、科技感，这可能与他擅长工业设计有关。他的设计大多是都是冷色调，设计的东西都是有金属质地的，他设计的背景图也很少有颜色靓丽鲜艳的。他的作品都是从一个视觉中心出发，透视效果特别强;有时候会让镜头倾斜，让观众产生了身临其境的感觉。 设计赋予Ryan Church一种“为所欲为”的权利，给他带来源源不断的新鲜感。当Church 设计出的新奇概念得到大家的认同时，他会感觉自己是历史的编篡者，而他在我心中的地位就是这样一个霸道的形象，他设计的形象都是这么的深入人心，改变、奠定、甚至确定了我对那些形象的认识。其实Church的设计对形体是一个由抽象到具象的过程，在对对象进行设计的时候基本上不知道该画什么，都是由一些块面状的不明物体渐渐变化成最终的效果。但他的作品无处不透露出他深厚的绘画功底，他的作品仿佛直接描摹自另一个不为人知的世界。
弗雷德里克·劳·奥姆斯特德景观大师作品赏析 摘要：在以农业与手工业生产为主的封建社会时期，西方传统园林服务于上流社会贵族和富豪阶层，是社会地位、权势与经济实力的象征。随着工业文明的到来，西方社会逐渐产生了深刻的变化，园林的服务对象变为城市自身以及普通市民，因而出现了开放型园林——城市公园与国家公园。它们的出现，拉开了现代景观设计的序幕。 关键词：传统园林；城市公园；国家公园；景观设计 奥姆斯特德的主要观点 ?主张充满“人性”的设计 ?用理论影响美国景观行业发展 ?用行动促进美国景观教育进步 奥姆斯特德部分简介： ?1822年出生在美国康涅狄格州的哈特福德 ?1937年当奥姆斯特德即将进入耶鲁大学学习时，他受到严重的漆树中毒， 这使得他视力下降，被迫放弃了正常的学业 ?1852年出版了他的第一本书作《一个美国农夫在英格兰的游历与评论 (Walks and Talks of all American Farmer in England)》。
?1857年秋获得了纽约市中央公园负责人的位置 ?1865年与沃克斯共同完成他们在中央公园的工 作，并设计了布鲁克林的希望公园。 ?1895年他退休了 弗雷德里克·劳·奥姆斯特德 (Frederick Law Olmsted ) ——美国景观设计之父 ?他是美国19世纪下半叶最著名的规划 师和景观设计师，设计覆盖面极广， 从公园、从城市规划、土地细分，到 公共广场、半公共建筑、私人产业等， 对美国的城市规划和景观设计具有不 可磨灭的影响。 年轻时的奥姆斯特德的不幸遭遇 ?在奥姆斯特德4岁的时候母亲去 世，从7岁开始他从住在一起 的外乡牧师那里接受学校教育。 他的父亲是-名成功的布料商，也 是风景的爱好者，奥姆斯特德的 假日大多花在与家人从新英格 兰北部到纽约州北部“寻找美 丽风景的旅行”中。1837年当奥 姆斯特德即将进入耶鲁大学学 习时，他受到严重的漆树中毒， 这使得他视力下降，被迫放弃了 正常的学业。 ——上图：纽约中央公园局部景观 不断努力的奥姆斯特德 ?在放弃学业后的20年里，他努力积累的经验和技能在后来景观设计职业 的创立中发挥了积极的作用。他在一家纽约布类商店工作，并因与中国的 贸易旅行了-年。在1848-1855年间，他学习了测量和工程学、化学、科学种田，并在斯塔滕岛上经营了一家农场。1850年，他和两个朋友用6个月的时间，在欧洲和不列颠诸岛上徒步旅游，从中不止领略到乡村景
全球著名十大建筑设计师及作品介绍一：创新建筑师代表： Santiago Calatrava (卡拉特拉瓦) Santiago Calatrava 是世界上最著名的创新建筑师之一，也是备受争议的建筑师。Santiago Calatrava以桥梁结构设计与艺术建筑闻名于世，他设计了威尼斯、都柏林、曼彻斯特以及巴塞罗那的桥梁，也设计了里昂、里斯本、苏黎世的火车站。最近的作品就是著名的2004年雅典奥运会主场馆。 由于Calatrava 拥有建筑师和工程师的双重身份，
他对结构和建筑美学之间的互动有着准绳的掌握。他认为美态能够由力学的工程设计表达出来，而大自然之中，林木虫鸟的形态美观，同时亦有着惊人的力学效率。所以，他常常以大自然作为他设计时启发灵感的泉源。他设计的桥梁以纯粹结构形成的优雅动态而举世闻名，展现出技术理性所能呈现的逻辑的美，而又仿佛超越了地心引力和结构法则的束缚。 有的时候，他的设计难免会让人想起外星来客，极其突兀的技术美似乎全然出乎地球人的常规预料。这当然是得益于他在结构工程专业上的特长。早自20世纪初以来，桥梁的设计一直被托付给了路桥结构工程师，建筑师退避三舍好像已成习惯。由于有了卡拉特拉瓦，全世界的建筑师们才忽然发现了新的课题，在90年代前后爆发了对桥梁进行建筑设计的热潮，从一个新的角度重新开始塑造城市中的这类元素，进而影响到城市的面貌。2001年，卡拉特拉瓦在美国的第一个作品建成，是威斯康星州密尔沃基的美术博物馆扩建工程。此地原有一个旧馆，是在1957年由当地的建筑师事务所设计的，这一次卡拉特拉瓦加建的Quadracci展厅，名号不大，其实却造成了绝对喧宾夺主的局面。
世界十大知名景观设计大师作为一名景观爱好者，或许你会对景观设计巨擘们的名字很熟悉。我指的是那些在 景观设计史中留下足迹而家喻户晓的人——例如勒?诺特、万能的布朗、奥姆斯特德及布雷?马克斯等，均是过去几个时代里行业中极为睿智优秀的设计师。如果你对这些名 字不熟悉，那么你应该了解下！ 但谁是当代景观设计行业的领导者和具有远见卓识的人？请关注下面这些人的名字，他们多拥有景观设计师、城市规划师、作家和教授的多重身份，他们是当今世界 景观设计学领域里最优秀的10个人物或团队。 1. 戴帆共振景观设计集团（R + G景观设计集团） 共振景观设计集团（R + G景观设计集团）是世界知名城市规划与景观设计集团之一，工作领域涉及土地规划、城市设计和规划、景观设计、园林设计、建筑设计、旅游规划、产业规划、工程设计、战略研究等方面。共振在城市规划、建筑理论与设计语言 创新方面的贡献是21世纪世界建筑领域中最重要的成就之一。集团一直站在世界城市设计和建筑设计的最前沿，代表着当今国际最先端的设计思潮。自成立以来，它已经 在亚、欧、美多个国家完成了城市设计和规划、旅游区规划、工业园区规划、新兴商 业区规划、美术馆、博物馆、商业综合体、音乐厅、城市交通枢纽设计、住宅、园林 景观、桥梁、广场、宗教教堂等一系列极具革新性的工程项目。事务所的规模逐步扩大，拥有300多名城市规划设计师、景观设计师、建筑师和工程师。共振进入中国已 经有10多年的历史，目前正在中国飞速发展。21世纪的中国，建筑事业方兴未艾，建筑师们一直在苦苦思索、探求自己的建筑之路。
2.澳派景观设计工作室 悉尼邦迪到勃朗特滨海步行木栈道，澳派景观设计工作室 作为一家澳大利亚的公司，澳派提供创新的景观设计、城市规划和设计服务，在阿德莱德、墨尔本、悉尼和上海均设有办事处。他们最近通过悉尼中心城区巷道改造项目获得了澳大利亚城市设计国家奖。每隔一两年，澳派景观设计工作室甚至会进行公益性服务工作——同具有相同想法的、希望积极影响他们社区的人们进行合作。如果你住在澳大利亚，快去了解他们吧！ 3.Pok Kobkongsanti–TROP:terrains+open space景观事务所
世界设计师介绍 1 贝伦斯（Peter Behrens, 1868-1940） 贝伦斯是德国现代建筑和工业设计的先驱。1886-1891年贝伦斯在汉堡工艺美术学校接受艺术教育,后改行学习建筑。1893年起成为慕尼黑分离派成员，1900年加入由艺术家、建筑师、设计师组成的"七人团"，开始建筑设计活动，1907年成为德意志制造联盟的推进者与领袖人物，同年受聘担任德国通用电器公司AEG的艺术顾问，开始其作为工业设计师的职业生涯。 1909年，贝伦斯设计了德国通用电气公司AEG的透平机制造车间与机械车间，在建筑形式上摒弃了传统的附加装饰，造型简洁，壮观悦目，被称为第一座真正的现代建筑。 除了建筑设计之外，贝伦斯还为AEG做了许多产品设计，如电水壶、电钟、电风扇等。这些设计没有一点伪装和牵强，使机器在家居环境中亦能以自我的语言来表达。贝伦斯在AEG 这个实行集中管理的大公司中发挥了巨大作用，他全面负责公司的建筑设计、视觉传达设计以及产品设计，使这家庞杂的大公司树立起一个统一完整的鲜明形象，开创了现代公司识别计划的先河。AEG的标识经他数易其稿，一直沿用至今，成为欧洲最著名的标志之一。 贝伦斯还是一位杰出的设计教育家，他的学生包括格罗披乌斯,米斯和柯布西埃,他们后来都成为20世纪最伟大的现代建筑师和设计师。 2格罗披乌斯（Walter Gropius, 1883-1969） 格罗披乌斯出生于柏林的一个建筑师家庭，青年时代曾在柏林和慕尼黑学习建筑。1907年起在贝伦斯的事务所工作，1910年与迈耶合伙在柏林开设建筑事务所，并于次年合作设计了采用大片玻璃幕墙和转角窗的法古斯工厂。 1919年，格罗披乌斯在德国魏玛创建了建国立建筑学校，简称"包豪斯"，其目的是培养新型设计人才。学校重视基础训练，逐渐形成以平面构成、立体构成和色彩构成为特色的基础课程。学校主张艺术与技术的统一；动手能力与理论素养并重；强调设计的目的是人而不是产品；提倡在掌握手工艺的同时，了解现代工业的特点并遵循自然与客观的法则来进行设计。1925年，由于受到反动政府的迫害，包豪斯迁往德骚,格罗披乌斯提拔了一些优秀的教员，完善了教学计划和设施，并设计了新的包豪斯校舍。 1928年，格罗披乌斯迫于各种压力，辞去包豪斯校长职务。1937年，格罗披乌斯到美国哈佛大学任建筑系主任，并创立了协和设计事务所。 格罗披乌斯是二十世纪最重要的设计师，设计理论家和设计教育的奠基人，他对二十世纪现代设计的影响是难以估计的。 3米斯（Ludwig Mies van der Rohe, 1886-1969） 米斯生于德国的一个普通石匠家庭。1907年，他与格罗披乌斯一同在贝伦斯的事务所工作，受到贝伦斯的很大影响。1928年，他提出了 "少即是多"的名言，提倡纯净、简洁的建筑表现。1929年，米斯设计了巴塞罗那国际博览会的德国馆，其空畅的内部空间，优雅而单纯的现代家具，使他成为当时世界上最受注目的现代设计家。 1930年米斯担任包豪斯第三任校长，努力把学校改造为一个单纯的设计教育中心。他认为只有建筑设计能够使设计教育得到健康的发展，因而这种以建筑为核心来凝聚其他专业的做法一直贯穿于米斯的任期中。但之后政治气氛日益恶化，1933年纳粹政府上台，其文化部发出的第一号命令就是关闭包豪斯，至此结束了其14年的办学历程。 1938年，米斯移居美国，任伊利诺理工学院建筑系教授。他通过自己一生的实践，奠定了明确的现代主义建筑风格，并影响了好几代的现代建筑师和设计师，很少有人对现代建筑的影响能够有他那么大。美国作家汤姆.沃尔夫曾在他的著作《从包豪斯到现在》中提到，米
1、福田繁雄 国际著名设计大师 国际平面设计师联盟AGI会员 日本图形创造协会主席 国际图形设计协会会员 设计艺术研究中心名誉主任 1932年生于东京 1951年毕业于岩手县立福冈高等学校 1956年年毕业于东京国家艺术大学 1967年IBM画廊个展（纽约） 1982年应耶鲁大学之邀担任客座讲师 1997年日本通产省设计功劳奖——紫绶勋章 1998年东京艺术大学美术馆评委 2006第7届金蜜蜂国际平面设计双年展国际评委 福田繁雄教授是世界三大平面设计师之一，他的设计理念及设计作品享誉世界，对二十世纪后半叶的设计界产生了深远的影响，在现行的每一平面设计教材中几乎都能发现他的作品。福田繁雄的设计作品在美国、欧洲及日本等地广为展出，荣获多种褒奖，其中包括华沙国际招贴画双年展金奖、第九届日本艺术节奖、21届奥运会国际纪念币设计竞赛一等奖、美国国际招贴画展览奖等。多次获国际性大奖，包括： 1972年华沙国际海报展金奖； 1976 年教育部新人艺术促进奖； 1985年莫斯科国际海报展金奖； 1995 年联合国教科文组织的海报展大奖； 1995年赫尔辛基国际海报展大奖等； 2005年台湾国际海报设计大奖；
他创作的大量招贴画使他饮誉全世界，成了国际上最引人注目、最具有个性特征的平面设计家。福田的每一种新观念都是他不断探索，尝试不同可能性的方法的结晶。他总是弃旧图新，并系统地将各种创意、革新加以融会贯通。每一批作品都反映出他主观想象力的飞跃以及他控制和营造作品的匠心。他在看似荒谬的视觉形象中透射出一种理性的秩序感和连续性。 福田繁雄既深谙日本传统，又掌握现代感知心理学。他的作品紧扣主题、富于幻想、令人着迷，同时又极其简洁，具有一种嬉戏般的幽默感，并善于用视幻觉来创造一种怪异的情趣。由于他在设计理念及实践上的卓越成就，福田繁雄教授被西方设计界誉为“平面设计教父”。 2、田中一光 1930年生于日本。1950年毕业于日本京 都美术学院，后与人合作创办日本设计中 心。1960年成为该中心的艺术指导。1963 年成立了田中一光设计工作室。曾在 " 日本之历史" 大型博览会（大阪）、 "海 洋文化"博览会（冲绳）中负责整体设计， 在日本Seibu艺术博物馆、纽约Cooper 协会、洛杉矶文化交流中心和巴黎 Public博物馆举办过个人展，曾获得华 沙国际海报双年展银奖、东京ADC（广告联盟）优秀奖。 田中一光是日本设计协会、AGI(国际平面设计协会)成员，日本卓有成就的平面设计家，对战后日本平面设计的发展有很大贡献，在世界平面设计界中，占有相当的地位。他把现代设计观念揉和到日本传统艺术中，作品带有明显的个性：优雅、素净和单纯，富有一定的表现主义色彩，设计语言简洁洗练、意境清新、形式优美，在融合东西方传统美学观念与东西方文化特征之间，有独到的思路与手法，以其独特的表现形式和视觉语言，以及鲜明的个性，在日本设计界掀起了一场对传统精神的再创造运动。 3、冈特·兰堡(Gunter Rambow) 德国设计大师，对世界现代设计的发展起着巨大的推 动作用，设计界、设计理论界的人们称德国为现代设计和 现代设计教育的摇篮。他的作品的独特风格、视觉语言的 魅力、表现形式的创造力，被称为世界杰出的“视觉诗人”。
欣赏《培尔·金特组曲》 姓名：董均学号：2010440089 班级：石油工程2010级2班《培尔·金特》第一组曲分为四段： （一）《清晨》，是原剧第四幕，当金特流浪到非洲时的配乐。它通过牧歌风的旋律和一再向上方三度的转调，造成鲜明的色彩，宛如清晨的曙光逐渐显现。阳光逐渐透过云层，闪出光芒，大地终于苏醒。这时，金特暝想着他理想的乐园。绘景绘情的音乐显然仍是北欧的风格,和剧情发生的地点非洲并无联系。主人公远涉重洋，前往美洲去贩运黑奴，往中国贩运偶像，一时成了富商。这时，他来到摩洛哥，一天清晨，在一个山洞前面，他用独白披露自己的内心活动。但这段音乐所描绘的并非是炎热的沙漠，而更像北欧清晨静谧清新的抒情画面。乐曲具有牧歌风格，由单一的田园风味主题加以自由而精心的发展构成。 （二）《奥丝之死》，用于剧中第三幕。阿塞是挪威老农妇的典型形象。她的丈夫将家产挥霍殆尽后，她带着小金特艰难度日。金特长大后又外出不归，她在家中悲惨地即将死去时，金特总算赶回家中。但她的死并没有使金特浪子回头。她一死后，金特又飘然而去。此曲宛如送葬曲，充满悲哀的气氛，用同一个旋律的一再反复，通过力度不断增强，非常集中地突出了悲剧性的形象，达到强烈的艺术感染力。在全剧中，这是非常动人的一场。格里格的这段配乐悲壮肃穆，可称为一首悲歌或葬礼进行曲。 （三）《安妮特拉之舞》，是诗剧第四幕第六场场的配乐。阿尼特拉是阿拉伯酋长的女儿。金特在非洲沙漠遇见她，爱上她。音乐用玛祖卡式的节奏写成，应用了大量的跳音，刻画了跳着轻盈而动人的舞蹈的少女形象。在沙漠绿洲中，一座阿拉伯酋长的帐篷里，酋长的女儿安妮特拉正用舞蹈对培尔·金特献媚。这段音乐描绘的正是这一场面，但严格地说，它远远超过了作为配乐的作用，因为它直接参与戏剧的内容，成为诗剧中密不可分的组成部分。 （四）《在山魔宫中》，原为诗剧第二幕第六场的前奏。描绘了洞穴中群魔乱舞的景象。主题先在低音大提琴上出现，然后不断升腾。主人公在山中与妖王之女
金特·凯泽 把一种东西和另一种东西结合起来，使之成为一个整体，从而探索其神妙，这就是德国艺术家金特·凯泽的互补性的工作方式。它完全符合于拼贴的原始观念。拼贴是被十二世纪的日本作为抒情文的承载形式而发明的。 新生代的音乐家出生于爵士乐这棵母树，用真的树皮将象征爵士乐的小号裹起来，嫩叶象征新生代的音乐 抒情文如若放在相应的用纸拼合的基础上，便可获得多层次的解释。金特·凯泽一生致力于通过招贴画继续发展纸拼合（pa-pierscolle）的这一奇妙的原始观念。他的招贴画越是令人信服，他所接受的任务内容也就越明显，这是对招贴画多层次解释的一种挑战。音乐，尤其是爵士音乐，由于它不受限制和不断地变化，所以最宜于用拼贴及其内在的陌生化加以表现。金特·凯泽热爱爵士音乐，并且以大量类似的观点理解音乐以外的题目。由于他熟练而自然地掌握拼贴技术，所以他的招贴画不仅丰富，而且富有魅力。他的招贴画从一开始就注重表现日常发生的普普通通的事情。凯泽正是以这种创作态度创作了不少为工艺美术博物馆收藏并展出的精品。
用表现胜利的手姿和音符系织物缝制而成，填上沙子后，拍摄而成的招贴画 古典的电子音乐世界，锯开的小号和电子元件 1.最基本的信念：爵士音乐有自己的生命，它不仅逗人乐、充满活力，而且别具一格——这一切我们可以将之转换成图形。 2.借助平面设计艺术表达作者的创作意图，而平面设计艺术不仅仅是抄写一个演出日期表，还在于把演出的内容转换成为一个可以观赏的内容。 3.采用拼贴（collage），即把不同的题材结合成为一个主题，起到主要作用。为了把异类的题材结合成为一个主题，必须采用多种多样的，并与此动机相适应的技术。 4.结果不应该是“有这样的东西”的布告，而应该是“有这样的东西……”的展望。
世界知名十大产品设计大师引领2019全球设计潮流 2007年，随着世界各地家居展览如火如荼地举行，一位位设计大师你方唱罢，我登场。一批批佳作，风格扃异、外形怪异冲击着我们的视觉，影响着我们的生活。变幻莫测的设计界，长久以来唯有“达尔文主义”才是唯一的生存法则。无论是已被顶礼膜拜的一代大师，还是崭露锋芒的设计新锐都形成了一套自我设计的杀手锏。无论是趋势所致还是颠覆创新，他们的名字，他们的作品都以超越一切的理由被点击、被评论,最后定格在公元2007年Target杂志12月号“2007影响全球家具设计界10大设计师” 。 戴帆（DAI FAN） 入选理由：生活如同艺术一样具有谜语的特征，生活在产生一些东西的同时也在掩盖它，介入生活之内理解生活，生活的神秘消失了，但是从生活中走出来，这种谜语特征就像幽灵一样会出现。 真正的设计不是看着像“设计”，而更多的是代表“设计”的精神。 戴帆的每个家具的概念、设计方式、造型、材质以及所延伸和扩展的范围都是不同的，涉及到过去祖先的灵魂的影子，涉及精确的科学考订，涉及神秘的宗教绘画，涉及权力的策略，涉及巫术的祭奠，涉及普通物质的想象，涉及极细小的文物碎片，涉及亢奋的危险的言语，涉及性的越界，涉及野蛮的武力??重新曾现或者用新的方式呈现那许多先前被挡住的画面或形态或行为，被掩盖的景象，借由家具来召唤一种异质的生活状态的显现。所有这些“生活图书馆现象”，为了引起一种体验，使人接触到“不可思议事物的力量”，这些类似档案文件成分复杂的家具媒介，我们的眼中出现了一种航船，透过这艘船所装载的家具以及它所折射的空间，为生活的真实提供一次自由自在的航行，以传播”“人皮之下”的实质。
世界五大知名平面设计大师戴帆用天才向极峰探险
绝对自由的创造: 诙诡谲怪，道通为一”戴帆的平面设计研究 编辑 戴帆是当今最有创造性和影响最广泛的设计师和艺术家之一，戴帆的平面设计的价值在于掀起了一场“美学革命”，打破源于西方的当代国际主义风格的常规与教条，也不同于当代日本平面设计的阴柔美学，把平面设计分割成诗歌、观念、宗教的载体，从民族的深层次文化中寻找基石建立自己美学的语言。 戴帆经常用分解、变形、抽象的手法处理物象，分解的极点，或仅具一目一羽；变形的极点，或类于行云流水；抽象的极点，是化为纯粹的曲线。形固有失，神则兼得。将异常的观念展开 于同一个平面之上，边界彼此接续，并勾勒出一条虚线平面远未将多元体的维数缩减，而是对它们重新进行划分，令它们彼此交叉，以便使任意数目的多元体和情节得以并存。融贯的平面是所有具体形式的交叉。平面就是振动，就像海浪一样，就是展现于融贯平面之上的变动不居的边界，每个人都如一股海浪般推进，平面的语言是一股海浪般的振动沿着遍及整个平面的逃逸线而蔓延。 在平面设计的观念中，戴帆认为，平面其实是由许多累积之层（Ayer; F loor; Tier; Storey）所构成，层在于使物质成形，将强度限制于或将特异点固定于系统之中，层与层之间游弋着未成形、未经组织化、未被层化和去层化的意识。昂首、辽阔的造型所构成的冥远、辽阔的空间与深邃、幽昧的平面所构筑的心理空间，地上、地下两个时空都是戴帆关注、谛视、凝想的永恒对象，圆的镜橼，方的扭周，两者之间是广大无垠、旋动不息的宇宙的缩影。
设计师在这里展示的是根本的事实，还有它转化成的想象、悲哀、希望、爱、欲望、美丽。这个时代的中国的平面设计，不紧紧是设计师的，也属于这个国家的缩影,就像一个国家心脏跳动的心电图,是一种彷徨的心电图。在这样的设计前面，你只有睁大眼睛，生怕错过任何细节。美好的东西总是稍瞬即逝，记忆，是建立在经验之上。人生最大的悲哀也许不是看不到美的东西，而是看过之后，再无法忍受不美和平庸的东西。那种气质似曾相识。是的，那是中国当代独有的色彩：曾经拥有深厚和悠长历史的国家在急速发展中所涌现的生命冲动与迷失。或者说，一切能记住的都是抽象的、不可描述的。 “身既死兮神以灵，魂魄毅兮为鬼雄”，应该怎么来保存我们的记忆和最初朴素的感动以及灵魂呢？也许最重要的是一颗敏感、纯净的心灵。纵观戴帆的平面设计，每个项目的概念和表现似乎又各有不同，在这场独属于设计的梦境之中，我们也仿佛也看见自己的影子，被一寸寸深烙于画面中。 戴帆在平面设计领域获得的奖项和展览包括：第23届波兰华沙国际海报双年展、环球设计大奖、日本TDC东京字体指导俱乐部奖、第十一届墨西哥国际海报双年展、香港设计师协会亚洲设计大奖、亚太最佳品牌标志设计年度奖品牌形象类金奖5项提名、国际商标标志双年奖品牌形象类全场金奖、捷克斯洛伐克特尔纳瓦国际海报三年展、2010 大声展、世界设计大会POST__：现代国际海报设计展。
一、金特板吊顶 1、龙骨安装 (1)根据吊顶的设计标高在四周墙上弹线。弹线应清楚，位置准确，其水平允许偏差±5mm。 (2)主龙骨吊点间距小于或等于1220mm，主龙骨安装后应及时校正其位置和标高。 (3)吊杆距主龙骨端部距离小于或等于300mm，以免主龙骨下坠。当吊杆与设备相遇时，应调整吊点构造，或增设吊杆，保证吊顶质量。 (4)吊杆应通直、搭接焊牢有足够的承载能力。 (5)次龙骨紧贴主龙骨安装，将横撑龙骨用水平件连接件连接在通长次龙骨上。边龙骨设计要求弹线，固定四周墙上。 (6)全面校正主、次龙骨的位置及水平度。连接件应错安装，明龙骨应目测无明显弯曲。通长次龙骨连接处的对提接偏差不得超过2mm，校正后将龙骨的所有吊、挂件，连接件拧夹紧。 (7)检查安装好的吊顶骨架，应牢固可靠。 2、罩面板安装 罩面板采用螺钉固定安装法,在龙骨调平调直的基础上，板与龙骨固定应钻孔、钻头直径应比螺钉直径小0.5～1.0mm。固定时，钉帽必须压入板面1～2mm，钉帽需作防锈处理，并用油性腻子嵌平。饰面板不得有破损、污染现象，尺寸要完整。 二、金特板实心隔墙 1、施工方法及操作要点 (1)金特板实心隔墙墙板安装工艺流程: 清理现场→放线→选用安装机具→墙板安装→板缝处理→清扫现场→检查验收 (2)板墙在安装过程中，实行干法作业，应避免大面积淋水及泡水。 (3)板墙与结构件的接触面，应清扫干净，光滑的混凝土表面还应进行凿毛处理。 (4)施工放线：首先用墨斗放线在清扫干净的楼面上，随后用线锤引伸到顶棚上及墙、柱上。并明显地标出门洞的位置。
(5)选配墙板：根据墙面尺寸，选配原则：有门洞时，从门洞口向两边扩展配板；无门洞口时，根据现场实际情况选择安装顺序。 (6)选用安装工具：根据隔墙高度，场地情况，板墙厚度，选用合适的配套机具。 (7)安装固定钢件：板上部与天花及梁结合处，安装固定钢件。墙面、柱面和墙板连接安装固定件。墙高度超过3m时，墙柱侧面每隔1米打一个钢卡。墙板在竖向不接板时，不需要在板上部安装钢固定件。 (8)立板安装墙板：按选配好板墙顺序进行。首先清刷干净板墙的顶面、面和底面，安装顺序： 先在结构物基层刷水湿润抹一层水泥砂浆板墙顶面接缝处抹聚合物水泥砂奖向侧面拼严压实整侧面垂直用木楔楔紧校正用水泥砂浆填实。 木楔的抽取时间，必须在嵌灌砂浆三天后进行，气温低时，还应适当延长同时，用同标号砂浆堵塞楔孔。 (9)开挖各种槽孔：立板三天内严禁开挖槽、孔，强力碰撞。接缝施工前必须完成各种槽、孔的开挖及管、槽的埋设。孔槽的填平材料需用配套专材料。 (10)施涂嵌缝材料，粘贴防裂带。（在装饰抹灰前粘防裂带） 在具备接缝施工基本条件的前提下，开始处理板缝，包括：①嵌缝材料填塞抹平施工；②粘贴防裂带；③检查和修补施工。 (11)板墙在安装过程中，随时进行质量检查，其中包括：放线检查，安墙板检查及嵌缝工艺检查。
景观设计作业——大师作品分析 美国风景园林大师乔治·哈格里夫斯的简介 Georg Hargeaves，美国风景园林大师，哈格里夫斯设计事务所创始人，哈佛大学设计研究生院风景园林系主任，宾夕法尼亚大学、哈佛大学客座教授。 哈格里夫斯有着近程式的自然观。通过对史密森作品的学习而开创了一种开放式景观设计新语言，在这种语言中“各种元素诸如水，风和重力都可以进入并且中影响到景观，”展现出他对自然因素独到的感受。烛台角文化公园“风之门”，麦斯比公园“大地之门”。 作品充满诗意。哈格里夫斯的作品被誉为“诗意的景观”，他的作品总给人意象不到的感受，这与他独特的设计理念分不开的。 作品分析 简介 广场公园(Plaza Park)位于圣·何塞市市中心，占地3.5英亩（约1.4hm2）。建于1986-1989年。投资额190万美元。这里既是人们日常休闲的场所，也是节日举行庆祝集会和演出活动的舞台，公园的周边为艺术博物馆、旅馆、会议中心和商务办公楼。设计通过叠加的手法，将一个新公园覆盖在原来的老公园上。设计保留了场地上所有成熟的树木，运用各种隐喻的手法，使用地域性的，具有文化历史内涵的语言，使这个公园以一种地域性的风格来满足城市生活的需要。圣·何塞市拥有300多年的历史，比美国的历史还要久远。最早是由印第安人在此挖出了自流井，从而发展农业，最终形成了城市。
道路分析 场地是一个狭长的长方形，不仅是一个大的交通岛，而且是周围艺术博物馆会议中心旅馆等一些重要建筑的环绕中心。道路的布置看似随意，以斜交的直线道路系统为框架，实际上是周围主要建筑物的人流线路。道路是沿着人们在公园两侧的公共建筑间穿越的路线来设置一条宽阔的园路构成公园东西方向的长轴，沿路边设置了许多维多利亚风格的灯柱和木质座椅，这些旧式的灯具和座椅隐喻着城市300年的历史。 哈格里夫斯设计了一条从端点开始就斜交的直线道路，从公园的一端延伸到公园的另一端，为了避免直线单调，在道路中部使用道路高差和铺装加以变化。
金特·凯泽（Gunther Kieser）1930年3月出生于德国的克伦堡，1951年毕业于奥芬巴赫工艺美术学院，毕业后在法兰克福作自由设计师，长期以来除了个人设计事务所的工作以外，以至在大学担任教学工作。在世界上许多国家博物馆举办过个人作品展，国际平面设计师协会会员。 金特·凯泽的创作领域十分广泛，他为巡回演出、文化节、话剧、歌剧、芭蕾等设计招贴，为芭蕾舞和电视台设计舞台、布景，此外还有书籍装帧、唱片峰套等设计。使他成为享誉世界的设计大师的作品，是他创作的爵士乐招贴画。 战后爵士乐伴随着艰苦岁月中抹平创伤、重建家园的劳动者，一起进入新时代，爵士乐被看作是时代精神的体现，是新生命的源泉，是对自由的呐喊，凯泽正是这一时代中的一员，他热爱这一音乐所赋予的新世界，成为一名爵士乐演奏者，与爵士旋律同舞。这一切加上他天才的构想和精妙的表现，造就了爵士乐领域一名最杰出的招贴设计大师，他的名字和爵士乐紧密地联系在一起。 凯泽的招贴具有典型的特点，第一，他致力于研究和妙用人的头部，他认为头部是产生思想的地方，是演奏及其他行为的指挥所。此外，他还通过脸的表情转达音乐家的心声，这反映了凯泽坚持的人道主义信条。第二，他自己动手制作代讽刺意味的超现实主义的实物道具。他通过这种途径将自己的感觉和思想注入到作品中，在计算机被广泛运用于设计领域的今天，凯泽仍乐此不疲。 把一种东西和另一种东西接合起来，使之成为一个整体，从而探索其神庙，这就是凯泽的互补性工作方式，它完全符合拼贴的原始观念，金特·凯泽一生致力于通过招贴画继续发展纸拼合这一奇妙的原始观念。音乐，尤其是爵士乐，由于他不受限制和不断变化，所以最宜于用品贴及其内在的陌生化加以表现，金特·凯泽热爱爵士音乐，并且以大量类似的观点理解音乐以外的题目，由于他熟练而自然地掌握拼贴技术，所以他的招贴画不仅丰富，而且富有魅力。 凯泽认为，招贴画负有自身特定的任务，他必须将要表达的主题意义与价值通过视觉手法表现出来，也就是说，招贴画必须起到中介的作用，必须在现实的动机及其通过暗示表达的想象之间起到催化剂的作用。动机在通常的情况下是指用一种约期货集中乐器进行的演出，纯粹的摄影可以把事实记录下来，但它不能象招贴画那样，以非常抽象的推论方式把这一事实逐渐变成图形。对于音乐招贴画来说，首先要作的是将乐器变换为一个能够表现它行为的、并在视觉上可以表明的观念，然后相应地创造一个象雕塑那样的三维客体，最后借助灯光使之发亮，并用照相机对招贴画的纸面进行预加工。 将观念转换为客体，首先要作的是设计，并用手和工具创造一个三维的雕塑品。凯泽擅长雕塑，并在创作雕塑作品的过程中使形象的观念进一步具体化，然后把他固定下来，这就是凯泽的创走过程，提出任务，并把任务转换成观念，再由观念转换成雕塑作品，最后回到画面。任务所规定的思想内容，借助一个理想的、起中间人作用的图像，获得了它的框架和反响。 他的招贴画从一开始就注重表现日常发生的普普通通的事情，凯泽的创作道路是从接触有价值以及日常生活中实用性的、很容易被忽视的东西开始的，他把它们改编成图形。他的
国际室内设计大师--Andree Putman 我最喜欢的设计师是Andree Putman，Andree Putman是国际最重要的室内设计师之一，1991年获美国室内设计师协会设计成就奖，1995年赢得法国文化部长颁发的国家工业创作大奖。其作品无数，遍及世界各地，包括纽约的Morgans酒店，巴黎Pershing Hall酒店，Peter Greenaway电影《The Pillow Book》的场景设计，以及法国航空公司的Concorde飞机机舱。 除了倍受赞誉的波尔多当代艺术博物馆(CAPC Museum)，她还设计了巴黎贝西区财政部的新大楼、文化部部长和教育部部长的新办公室。现任法国总理Jean-Pierre Raffarin 的办公桌也出自其手笔。基于Putman与时尚界的紧密联系，她得到不少著名时装品牌的青睐，如Karl Lagerfeld、Azzedine Alaia、Thierry Mugler、Yves Saint Laurent、Cartier和Ebel等均委托她作设计。Putman的创和范畴广泛，作品还包括香水、围巾、水晶、银器、手表、家具、灯饰、浴室器具、地毯、瓷砖等家居用品。 1925年，Putman在法国巴黎出生，长大于一个教育良好、条件优越的家庭。家人都期望她能获得音乐学院奖学金，成为出色的音乐家。她却在1960年开始为设计杂志《L’Oeil》当记者，并为《Les Cahiers de Elle》撰写装饰专栏。 其后，Putman受聘于法国商场Prisunic的设计部，体现了对现代艺术的兴趣。她和Denise Fayolle起设计家居配饰，又动员一些有名的年青艺术家，如Alechinsky、Bram Van Velde等加入收藏优秀平面画的行列，让平面艺术首次走进普罗大众。二十世纪六零年代末，Putman参与了法国第一家时尚及市场推广机构Mafia的创立，并在1968年文化变革中开发了新产品。 曾获美国室内设计师协会设计成就奖，以及法国文化部长颁发的国家工业创新设计大奖。对于这位现代知名的设计师来说，她的独特风格和影响力是全球性的。其作品包括纽约Morgans酒店，巴黎Pershing Hall大酒店(原巴黎的美国驻军处)，Peter Greenaway电影《枕边书》场景设计，法国航空公司最著名的“协和”飞机机舱体等等。除了备受赞誉的波尔多当代艺术博物馆(CAPC Museum)，她还设计了巴黎贝西区财政部的新大楼、文化部部长和教育部部长的新办公室。现任法国总理让－皮埃尔?拉法兰的办公桌也是出自她的手下。
国际平面设计师联盟AGI会员 Cooper州立艺术学院、视觉艺术学院教授 1930年出生于德国克伦堡的陶努斯 1981-1992年任乌奔塔尔大学视觉传达系教授 金特?凱澤與爵士樂海報 金特?凱澤（Gunther Kieser）1930年3月出生於德國的克倫堡，1951年畢業于奧芬巴赫工藝美術學院，畢業後在法蘭克福作自由設計師，長期以來除了個人設計事務所的工作以外，以至在大學擔任教學工作。在世界上許多國家博物館舉辦過個人作品展，國際平面設計師協會會員。 凱澤的創作領域十分廣泛，他為巡迴演出、文化節、話劇、歌劇、芭蕾等設計海報，為芭蕾舞和電視臺設計舞臺、佈景，此外還有書籍裝幀、唱片峰套等設計。使他成為享譽世界的設計大 師的作品，是他為爵士樂創作的海報畫。 戰後爵士樂伴隨著艱苦歲月中抹平創傷、重建家園的勞動者，一起進入新時代，爵士樂被看作是時代精神的體現，是新生命的源泉，是對自由的呐喊，凱澤正是這一時代中的一員，他熱愛這一音樂所賦予的新世界，成為一名爵士樂演奏者，與爵士旋律同舞。這一切加上他天才的構想和精妙的表現，造就了爵士樂領域一名最傑出的海報設計大師，他的名字和爵士樂緊密地聯繫在一起。 凱澤的海報具有典型的特點，第一，致力於研究和運用人的頭部，認為頭部是產生思想的地方，是演奏及其他行為的指揮所。此外，他還透過臉的表情轉達音樂家的心聲，這反映了凱澤堅持的人道主義信條。第二，自己動手製作代諷刺意味的超現實主義的實物道具。他通過這種途徑將自己的感覺和思想注入到作品中，在電腦被廣泛運用於設計領域的今天，凱澤仍樂此不疲。
把一種東西和另一種東西接合起來，成為一個整體，從而探索其神廟，這就是凱澤的互補性工作方式，完全符合拼貼的原始觀念，凱澤一生致力於透過海報畫來發展組合這一奇妙的原始觀念。音樂，尤其是爵士樂，可以不受限制和不斷變化，所以最適用於用品貼及其內在的陌生並加以表現演繹，凱澤熱愛爵士音樂，並且以大量類似的觀點理解音樂以外的題目，由於他熟練而自然地掌握拼貼技術，所以他的海報畫不僅豐富，而且富有魅力。 凱澤認為，海報畫負有特定的任務，必須將要表達的主題意義與價值通過視覺手法表現出來，也就是說，海報畫必須起到仲介的作用，必須在現實的動機及其通過暗示表達的想像之間起到催化劑的作用。動機在通常的情況下是指用一種約期貨集中樂器進行的演出，純粹的攝影可以把事實記錄下來，但它不能象海報畫那樣，以非常抽象的推論方式把這一事實逐漸變成圖形。對於音樂海報畫來說，首先要作的是將樂器變換為一個能夠表現它行為的、並在視覺上可以表明的觀念，然後相應地創造一個類似雕塑的三維客體，最後借助燈光使之發亮，並用照相機對海報畫 的紙面進行預加工。 將觀念轉換為客體，首先要作的是設計，並用手和工具創造一個三維的雕塑品。凱澤擅長雕塑，並在創作雕塑作品的過程中使形象的觀念進一步具體化，然後把他固定下來，這就是凱澤的創走過程，提出任務，並把任務轉換成觀念，再由觀念轉換成雕塑作品，最後回到畫面。任務所規定的思想內容，借助一個理想的、起中間人作用的圖像，獲得了它的框架和反響。 他的海報畫從一開始就注重表現日常發生的普普通通的事情，凱澤的創作道路是從接觸有價值以及日常生活中實用性的、很容易被忽視的東西開始的，他把它們改編成圖形。他的創作決不迎合時尚和現狀，圖形設計對他來講，不單是一種包裝藝術，更是一種藝術思想的交流，一種公共媒體所應承擔的傳達資訊的表現形式，他決不會將自己的設計象商標一樣加以隨便利用。他不能忍受獎金遷當作設計的動力，他認為他從事的藝術海報是設計潮流的先導，使合計藝術領域的 前沿陣地。 金特·凯泽（Gunther Kieser）1930年3月出生于德国的克伦堡，1951年毕业于奥芬巴赫工艺美术学院，毕业后在法兰克福作自由设计师，长期以来除了个人设计事务所的工作以外，以至在大学担任教学工作。在世界上许多国家博物馆举办过个人作品展，国际平面设计师协会会员。金特·凯泽的创作领域十分广泛，他为巡回演出、文化节、话剧、歌剧、芭蕾等设计招贴，为芭蕾舞和电视台设计舞台、布景，此外还有书籍装帧、唱片峰套等设计。使他成为享誉世界的设计大 师的作品，是他创作的爵士乐招贴画。 战后爵士乐伴随着艰苦岁月中抹平创伤、重建家园的劳动者，一起进入新时代，爵士乐被看作是时代精神的体现，是新生命的源泉，是对自由的呐喊，凯泽正是这一时代中的一员，他热爱这一音乐所赋予的新世界，成为一名爵士乐演奏者，与爵士旋律同舞。这一切加上他天才的构想和精妙的表现，造就了爵士乐领域一名最杰出的招贴设计大师，他的名字和爵士乐紧密地联系在 一起。
世界著名珠宝设计大师及其代表作 日期：2013/01/23 来源：珠宝之家编辑：小萱 文章TAG: 珠宝设计师珠宝品牌卡地亚迪奥 设计师的创意是一件珠宝的灵魂，而且大多的珠宝作品都带有极强的个性特征，卡地亚和蒂芙尼的珠宝你能一眼分辨出来，这都是源于设计师的缘故。下边我们对几个珠宝品牌的设计师及其代表作做个介绍。 让娜.图桑 服务品牌：卡地亚 作品风格：回归自然 代表作品：卡地亚“美洲豹”珠宝
让娜.图桑 在路易·卡地亚的周围聚集了一批非常有才华的设计师，如夏尔·雅科(Charles Jasqueau)；顶尖工匠，如制表匠莫里斯·库埃(MauriceCouet)以及埃德蒙·耶热(Edmond Jaeger)。他还将一批志同道合、富于献身精神的同仁招至旗下，如出类拔萃的让娜·图桑(JeanneToussaint)女士。路易的作品不仅是古典与现代精神的完美融合，还具有独特的卡地亚风格。 帕罗玛·毕加索 服务品牌：蒂芙尼 作品风格：颜色鲜艳、活力四射 代表作品：蒂芙尼graffiti系列
palsma picasso 帕洛玛·毕加索是世界知名的珠宝设计师和时尚界偶像。毕加索女士将明亮的彩色宝石融入珠宝设计当中，创造出独一无二、极具冲击力与现代感的珠宝，并因此而广受赞誉。
帕洛玛·毕加索1949年出生在巴黎，父亲是帕布罗·毕加索(Pablo Picasso), 母亲是弗朗索瓦丝-吉洛(Francoise Gilot)。帕洛玛-毕加索的童年在巴黎和法国南部度过，自幼在艺术家与知识分子的氛围中熏陶成长；成年后，她到位于南泰尔的巴黎大学(Université de Paris) 进修，并在毕业后开始为巴黎一些前卫戏剧制作担任舞台服装师及形象设计师。 帕洛玛-毕加索的珠宝设计才华很快在戏剧舞台上得到淋漓尽致的展现。随兴所至，她利用Folie-Bergeres泳装上的宝石串制成一系列莱茵石项链，受到剧评家赞赏。深受鼓舞的帕洛玛·毕加索决定重返校园，接受正规的珠宝设计与制作训练，以发挥这方面的天赋。一年后，帕洛玛?毕加索向友人兼知名服装设计师伊夫?圣洛朗(Yves Saint Laurent)展示她的首批作品。伊夫·圣洛朗立即请她为其时装系列设计一套首饰。其后，帕洛玛?毕加索又为House of Zolotas设计黄金首饰，从中吸收了大量珠宝制作的实际知识，令她的设计技巧更臻完美。 1973年，帕洛玛·毕加索的父亲去世。她暂时中断了珠宝设计，转而整理父亲的遗产并为在巴黎建造毕加索博物馆出力。1979年，蒂芙尼公司设计总监John Loring邀请帕洛玛?毕加索为蒂芙尼的一次展览设计餐具。第二年，蒂芙尼公司推出帕洛玛?毕加索首度独家设计珠宝系列。该系列首饰新颖悦目，款式豪迈，如墙上涂鸦，颜色鲜艳、对比分明，一推出即大受欢迎。
ZHANGLEI 张磊 建筑师——————梁井宇 梁井宇，1969年出生，1991年毕业于天津大学建筑系，曾工作于国营设计单位，及与人合作创办设计工作室。1996年到加拿大留学和工作，学习了电脑图形学与电脑动画，并对游戏设计产生兴趣，还曾经工作于游戏公司电子艺界，是一名电子游戏场景设计师。2003年回国，先到中联环建文建筑设计有限公司任首席设计师，2006年，与九源三星事务所场域建筑事务所，任主持设计师。梁井宇，是个追求原创性的建筑师，他既不重复自己的过去，也不重复别人，总想做新东西。创新性的事务所，始终是他的追求。 在加拿大时，梁井宇曾浸在电脑的虚拟世界里，虚拟世界中的完全自由化和无拘无束的想象，让当时的他找到了新的倚靠与追求。而在电子游戏的世界里，梁井宇体会到游戏空间的幻觉与美好，而游戏中对于空间无设限的形体扭曲与创造及无局限的变化法则。在现实中受局限的真实空间所无法表达的，这也勾起了他从虚拟到真实之间的转换与尝试。可是，梁井宇后来似乎也厌倦了这样的追求，因为毕竟在虚拟世界里很难像实际建筑一样，可以表达一种真实的力量。所以，之后他有回到了真实的世界中，去追求真实的、可以实现的建筑。 真实到虚拟，是梁井宇从国内到国外的设计转换；而虚拟到现实，又是他从国外到国内设计转换，当梁井宇回到建筑领域后，他是从以后对软件虚拟与精神化的游戏场景操作，转向一个对硬件现实和物质化的建筑操作，所以，他对曲面形体的的兴趣，似乎想将虚拟世界中的3D曲面转化到现实世界中实现，这展现在中联环建建筑设计有限公司办公空间中的一道曲面墙体设计中。他将一道墙面处理成柔性物体，这似乎嗅出他思考着将虚拟世界中的软化与柔化物体，这似乎嗅出他思考着将虚拟世界中的软化与柔化运用在墙体上。因为在设计操作中，这是必须经过电脑运算而得出的曲面比例和组织构成，这样对空间的图像变大更加直观，也能探索新形态空间的各种可能性。另外，他也关注到材料的细部与构成，比如在办公空间中有不加修饰的混凝土墙、局部氧化的钢材、线管的裸露、墙上细部收分处理等，从曲面形体与材料构成，到建筑中的小物件与小细部，这是他受到艺术家的启发，对真实世界、真实材料再现的一种渴望、一种补偿，他希望作品中能暴露材料的真实质感，合理运用及贴切表达材料的物理属性，对抗重力并反映材料与自然之间的关系。曲面的墙体，即可以观赏，又可以是功能性的考量。座椅，似乎也带有点表皮造型的设计倾向，它就是在既有墙体上生成的新形态，而这样的办公空间，有整体也有局部，除了室内设计以外，也偏向于家具设计与工业设计，横跨的方式似乎也暗示着梁井宇后期朝向多方面发展的设计趋势，尝试一种跨界的模式。 在伊比利亚当代艺术中心项目中，梁井宇把虚拟世界中的曲面想象转化成更实际的建筑外墙，他用红砖来形塑出一个新形态的弧形墙，在保留原有墙面上增加一道新的皮层，犹如在旧系统，以不破坏、不瓦解的方式植入与附加一道新的皮层，并同时串联与组织，而新皮层与旧墙面之间就成为建筑与环境之间的新界面，它同时有了深度和容积，创造出新的形态空间。所以，这个项目强调一种新皮与旧皮之间的扣合关系，新旧之间的差异性所衍生出的冲突感及材料与构造之间的对话。红砖的运用，是个偶然的，并不会让人感觉到有地域性的存在，反而带有一种工业性和艺术性，正因为是作品所身处的环境——北京798艺术区的原因。在这个项目中，梁井宇一方面专注与尝试转运用的可能性，一方面试图摆脱与改变以前对于奉行至高无上的现代主义建筑信条的信守，将数个分散的个体，用一道连续的墙整成一组完整的建筑。 皮层的运用，在梁井宇的作品中依稀可见，但是材料各异。如中联环建文建筑的欧松板的变形，伊比利亚当代艺术中心的砖运用的可能性，而上海民生现代美术馆运用灰色金属网，也成为了一道新的皮层。上海民生现代美术馆的设计意图类似于伊比利亚当代艺术中心，同样反映出新旧之间的衔接与统一。梁井宇使用灰色金属网，完全是他对上海的感觉。一个是工业时代颓废面貌的上海，一个是时尚且光鲜透明的上海，灰色金属网便是这两种感觉并存的材料运用。而这样对于上海的思考，其实是偏向于一种地域性的思考，思考当地的历史与文化。梁井宇并不认同他的建筑只有表皮，他觉得应该要冲破现代主义理论形成的思考框架，去理解艺术特别是当代艺术对建筑的影响，就如赫尔佐格和德梅隆，他们对于当代建筑的贡献就是重新把建筑纳入当代艺术体系，当很多东西被建筑师认为是不屑一顾的，或者说对建筑而言是无意义的东西，在当代艺术领域可以找到它的而为之，且有不可替代性。 原创，是梁井宇始终追求的境界，他既不重复自己的过去，也不重复别人，总是想做新东西。所以，坚持原创，而且可能他会从一种独特的出发点切入设计，带有一种颠覆性颠覆建筑学所约定俗称的事件，颠覆原先的设