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艺术装饰风格艺术装饰风格(Art Deco)是20世纪20—30年代主要的流行风格，它生动地体现了这一时期巴黎的豪华与奢侈。
艺术装饰风格以其富图8-1艺术装饰风格的钟丽和新奇的现代感而著称，它实际上并不是一种单一的风格，而是两次世界大战之间统治装饰艺术潮流的总称，包括了装饰艺术的各个领域，如家具、珠宝、绘画、图案、书籍装帧、玻璃、陶瓷等(图8-1)，并对工业设计产生广泛的影响。
20世纪30年代早期，艺术装饰风格已成为大众趣味的一个标志。
在法国，风格的概念传统上是与手工艺和强调个性联系在一起的。
第一次世界大战之后，这两个因素再度复苏，并形成了称之为艺术装饰风格的基础。
艺术装饰风格的起源可以追溯到新艺术运动。
新艺术在1900年的巴黎博览会上受到了普通大众的关注，由于它所具有的吸引力，很快就被商业化，但这也导致新艺术渐渐失去了自己的势头。
于是设计师们开始寻求一种前人尚未探索过的新风格，这种新风格既要吸收法国19世纪后期的各种风格，又不落入历史主义的巢穴。
他们认为，新艺术在抛弃传统方面走得太远了，应该将传统的精华与时代的新潮结合起来。
1910年法国装饰艺术家协会成立，其目标是使艺术与设计相结合。
一些新艺术的艺术家改弦易辙，以一种更为简洁的方法来从事装饰艺术，并强调室内设计从家具、墙纸到装饰物品的统一。
这些室内设计师在法国装饰艺术界有很高的地位，他们主要是为富有阶层服务，设计都极为豪华。
一直到20世纪20年代，巴黎依然是法国上流社会荟萃之地。
由于上流人士的赞助，使设计师们能使用昂贵、稀罕的材料创造出有异国情调的风格，以满足悠闲阶层猎奇的需要。
另一方面，设计师们也希望利用人们仰慕虚荣的心理，借助富人的财富来引导人们的审美情趣，将新风格推向大众。
1910年左右，以维也纳分离派和麦金托什为代表的新艺术中的直线派波及法国，对新风格的发展产生了一种新的影响，从历史中寻求灵感的态度开始改变。
同一时期，俄国芭蕾舞在巴黎上演，其鲜明的色彩和服饰也对后来的艺术装饰风格产生了影响。
工业设计史何人可第四版课件这课件里涵盖的内容超级丰富。
它从工业设计的起源开始讲起，就像在讲述一个古老而又传奇的故事。
那时候的工业设计还处于萌芽状态，可能就是一些工匠们凭借着自己的经验和审美在制作各种生活用品或者工具。
比如说古代的陶器，那些简单却又充满韵味的纹路，其实就是早期工业设计的一种体现啦。
再往后呢，课件里会讲到工业革命时期的工业设计。
这个时期可不得了，机器开始大规模地取代手工生产。
这时候的工业设计面临着新的挑战和机遇。
像那些早期的纺织机、蒸汽机等，它们的外形和功能都在不断地改进，而工业设计就在这个过程中逐渐发展起来，开始考虑如何让这些机器既实用又美观，还能适应大规模生产的需求。
而且呀，课件里肯定少不了那些著名的工业设计师和他们的经典作品。
像雷蒙德·罗维，他设计的可口可乐瓶子，那可是超级经典的。
这个瓶子的形状既方便拿握，又有着独特的美感，让人一眼就能认出来，简直就是把功能和美学完美地结合在了一起。
还有密斯·凡·德罗的巴塞罗那椅，简洁而大气，那线条就像是在诉说着一种现代简约的设计理念。
在学习这个课件的过程中，我们就像是在和这些伟大的设计师们对话。
我们能看到他们在当时的社会背景下，是如何思考、如何创新的。
比如说在两次世界大战期间，资源匮乏，这时候的工业设计就更多地偏向于实用性和简洁性，以满足战争时期的特殊需求。
这课件里的图片也很有意思。
那些古老的设计图纸、产品照片，就像是一张张历史的明信片，让我们能够直观地感受到不同时期工业设计的风格和特点。
有时候看着那些图片，就感觉自己穿越到了那个时代，站在那些设计师的旁边，看着他们在图纸上勾勾画画，把自己的创意一点点变成现实。
这课件对于我们的学习来说，真的是太重要了。
它就像是一位无声的老师，在我们探索工业设计史的道路上，默默地给我们指引方向。
无论是考试复习，还是平时想要深入了解工业设计的发展脉络，只要翻开这个课件，就能找到我们想要的答案。
打造石器三种方法工业设计史锤击法、砸击法与碰砧法目前世界已知最早的人类石器大约在距今两百万年前，这种石器制作较为粗疏简单，基本属于一次加工而成。
旧石器时代早期的石器制作主要采取的加工方式是锤击法，这种方法主要是用一个类被当作锤子一样的石质工具敲打另一个被用作是制作石器的原料。
经过敲击作用的石料受力的作用会剥离下来石片，并且留下一个带有凹坑的痕迹，后者被称为石核，石核经过进一步加工还可以继续打制下来石片。
使用锤击法打制下来的石片往往带有厚厚的台面，也就是受力面，石片体形上较之其他方法打制下来的要更加大。
石片有着锋利的刃部，可以单独作为一种石器工具使用，能够被用来切割动物皮、肉、植物的根或者茎等。
用钝的石片还可以经过二次加工，将刃经过修理加工出锯齿状的边缘，这种锯齿状边仍然可以被用来切割动物皮肉。
所谓的砸击法，也是一种制作石片的方法，其基本原理是将石料放置在平坦的地面上，或者是下面垫放一个石砧板，然后用手扶住石料，再用石锤敲打石料，最后分离下来薄而锐利的石片。
砸击法制作的石片因为两端受力的原因，打制石片后的石核的两头都会产生类似敲打的痕迹。
砸击石片基本特点是尖锐、体型较小、且石片受力面很小，有时甚至会出现"零台面"的情况。
碰砧法也是石器加工的常见技法，主要是在地面上放置一块石头作为砧板，然后将石料的一端往石砧板上进行碰砸，然后分离下石片。
碰砧法产生的石片受力面大而厚，石片的大小和受力面积有很大关系。
在碰砧法的基础上还产生了一种称为"锐棱砸击法"的技法，这种方法产生的石片因为特殊角度的原因往往看不到受力面，而只见粗大的打击点。
值得注意的是，史前人类在选择石器制作方法时，往往不会只采用锤击法、砸击法、碰砧法任意一种方法。
根据石料、制作者和工具的不同，史前人类会采取不同的石器打制方法。
距今约70-20万年的北京猿人在制作石器时就同时采用了锤击、砸击、碰砧三种方法，三种制作方法贯穿整个猿人生活时期，具有很长时间的稳定性且没有发生任何变化。
《设计史》课程简介《设计史》是艺术类专业开设的一门专业必修课，是现代各类设计课程的重要组成部分，是各类具体设计课程的重要基础理论课程。
其具体教学任务是：使学生建立对设计历史及各时期设计风格样式的了解与认识，激发其对设计艺术学习的历史责任感，培养他们对设计艺术理论的认知与思考力，为以后专业学习奠定必要的理论基础。
它包括设计史的对象（设计的定义、设计的评价体系），手工业时代的设计（手工业时代各文明的设计、中世纪的设计、文艺复兴时期的设计），早期工业化时代的设计（艺术与工艺运动），工业社会成熟期的设计（包豪斯与现代设计教育体系、美国设计），后工业社会的设计（后现代主义设计、战后日本设计）。
设计史是一门以现代设计学理论为基础的课程，它结合设计生理学，设计心理学，设计美学等的研究，使学生全面系统地学习设计基础理论，从而为进一步掌握各类艺术设计等学科打下坚实的创意、理论及实践基础。
《设计史》课程教学大纲第一部分大纲说明课程编号：课程类型：学时：48适用专业：艺术设计，动画一、课程性质与教学任务：课程性质《设计史》是艺术类专业开设的一门专业必修课。
教学任务1)建立对设计历史及各时期设计风格样式的了解与认识。
2)激发对设计艺术学习的历史责任感。
3)培养对设计艺术理论的认知与思考力，为专业学习奠定必要的理论基础。
二、先修课程：该课程涉及到《大学语文》、《中外美术简史》、《艺术概论》等相关课程。
三、教学基本要求1) 坚持理论与艺术实践相结合，做到深入浅出，通俗易懂，生动活泼。
2) 把握时代脉搏，坚持发展的眼光，力除教学中的僵化思想。
四、课程的教学媒体构成与主要内容1) 文字教材:《设计史》山东美术出版社朱铭荆雷著2) 录像片:与本课程相关的VCD和经典设计作品五、教学重点与难点及教学法建议1) 教学重点、难点设计史的对象（设计的定义、设计的评价体系）手工业时代的设计（手工业时代各文明的设计、中世纪的设计、文艺复兴时期的设计)早期工业化时代的设计（艺术与工艺运动）工业社会成熟期的设计（包豪斯与现代设计教育体系、美国设计）后工业社会的设计（后现代主义设计、战后日本设计）2) 教学法建议本课程的教学采用课堂面授与配合多种媒体进行的设计作品赏析。
一设计的研究范围*1，设计设计·( Design )源于拉丁文，其本义是“徽章、记号”，即事物或人物得以被认识的依据或媒介。
在中国，“设计”最初是分开使用的，在汉语中最基本的语义是设想与计划，是在做某项工作之前预先制订方案、图样等。
从广义上来说，只要是为了一定目的而从事设想、规划、计划、安排、布置、筹划、策划的都可以说是设计。
设计是人类改变原有事物，使其变化、增益、更新、发展的创浩性活动。
设计是构想问题和解决问题的过程，它涉及人类一切有目的的价值创造活动。
*2.设计艺术学设计艺术学是一门多学科交叉的、实用性的艺术学科，其内涵是按照文化艺术与科学技术相结合的规律，创造人类生活的物质产品和精神产品的一门科学。
设计艺术学是艺术与科学、生产与生活的紧密结合，主要研究设计艺术的规律，将现代科技成果和价值判断应用于设计，实现人文与审美的需要。
设计艺术涉及的范围宽广，内容丰富，是功能效用与审美意识的统一，是现代社会物质生活和精神生活必不可少的组成部分。
它直接与人们的衣、食、住、行、用等各方面密切相关，在一定程度上影响和改变着人们的生活方式和生活质量。
3.手工艺设计手工艺设计主要指农业社会条件下，大量存在的手工行业中的产品设计。
在工业发达的社会中，仍然保留了部分手工艺品的生产。
手工艺品的生产虽然不是生产活动的主流，但仍然是生活中需要的部分。
它具有工业产品所无法替代的功效和人文情怀。
它不仅可以满足生活的需求，而且还具有丰富日常生活的作用。
*4.现代设计现代设计是指以现代主义的理念贯穿整个设计过程的设计活动。
它是基于现代社会、现代生活，与现代市场营销、一般心理学、人体工程学等学科密切相关，且具有高度应用性的设计活动。
主要内容包括:现代建筑设计、现代产品设计、现代平面设计、广告设计、服装设计、纺织品设计等。
*5.工艺美术以实用或装饰为目的，利用一定的材料和技术，按照美的原则设计制作而成的物质产品统称为工艺美术品。
早期工业时期的设计从19世纪中叶年到1919年，即欧洲工业革命开始到第一次世界大战结束。
这是由手工艺设计到现代工业设计的过渡时期，它的发展过程充分体现了设计领域中酝酿、探索、根本变革的艰难复杂的历程，体现了技术和经济因素对于设计发展的推动作用和制约条件的影响。
18世纪从英国开始的工业革命，改变了生产力的基本条件，也改变了社会的政治、经济和文化的面貌，从而使设计进入了一个新的时代，一个围绕着机器和机器生产，围绕着市场的新时代，我们称之为现代设计。
现代设计产生的社会背景欧洲直到18世纪为止，还是处在农业经济时代，处在封建时代。
这种贵族中心的文化与政治，阻碍了资本主义经济的发展。
设计为贵族所享用，而不是为民众所拥有。
明显的阶级特征，矫饰的繁琐装饰，巴洛克风格、洛可可风格交替的过程，却在18世纪末社会日益产生的两极分化和咄咄逼人的工业化进程中感到了新时代的来临。
能源和动力一直是生产力发展的主要支点，18世纪以前，人们主要依靠大自然赐给的能源作用生产的动力，如人力、畜力、风力、水力等，生产的发展十分缓慢。
自从吉米·瓦特发明蒸汽机以后，一个新的动力出现了——机器，它除了为矿井抽水之外，还被发明家史蒂文森用来制成火车头，把运输的速度和负载量提高了上千倍，又曾经被富尔顿安装在船上，使水上运输的速度大增，纺织业、冶炼业、机械制造业都大量采用蒸汽机为动力，世界的面貌发生了巨大变化。
1、设计和制造的分工手工业时期的作坊主和工匠，既是设计者，又是制造者，有时还是销售者。
18世纪，建筑师从“建筑公会”中分离出来，使建筑设计成为高水平的专业智力劳动，带动了建筑风格的日新月异。
设计从制造业中分离出来，成为独立的行业，使担任制造角色的体力劳动者——工人，变成设计师用以体现自己意图的工具，与机器的性质近乎相同，工人的劳动失去了古代工匠所具有的乐趣。
2、标准化和一体化产品的出现通过机器生产出来的产品完全一个模样，没有古代工匠们个人风格和技巧存在的余地，产品的艺术风格亦无人关心，这时，评价设计优劣的唯一标准是利益，是如何省工、省料、省钱，没有人关心产品的艺术性和文化性。
3、新的能源、动力也带来新材料的运用传统的木、铁，被各种优质钢和轻金属所代替，建筑业也把砖石置于一旁，开始了钢筋水泥构架的时代。
总之，机器生产的普及为设计带来的技术环境是：人们有可能利用比手工业时期更为强有力的动力和机械来达到自己的设计目的，因而也产生了更大的自由。
机器生产使产品的增长速度突飞猛进，作为销售渠道的市场，商品比以前大为丰富。
封闭的，自给自足，自产自销的自然经济消亡，市场经济成长起来，自由竞争使城市商业出现了畸形的发展和繁荣，从而导致了要求全面提高竞争力的新的设计思想和设计体系的出现。
1、设计的目标在于市场产品如果不能给工厂主带来利益，生产就会停止。
设计者在从事设计的时候，除了从技术角度思考之外，还要充分考虑经济因素。
2、城市的发展提供了广阔的市场工业化的发展，使工厂林立的大城市接踵而来，工人成为城市的居民，并且是廉价产品的主要消费者。
商品经济成为城市的主要经济形态，商品流通的环节畅通无阻，设计者和工厂主、经销人不论在其他环节上存在多少矛盾，但他们的共同目标是消费者。
3、设计的商品化商品经济使一切变成商品，智慧和技术也不例外。
由此，设计作为一个新的行业出现了，在生产过程中，它的作用也更加明确，更加广泛。
如果从文化环境来考查现代设计，首先是艺术上的反传统精神在设计上也反映出来，人们力求以平易近人的态度看待生活和和生活用品，鄙视罗可可（Rococo）等风格的繁缛、矫饰，功能比艺术更为重要。
另外，非写实艺术的成长，也对设计产生了很大的启发，工业产品的几何化抽象形态在现代艺术中已进入美的范畴。
萌动的国际化风格要求，这时也显现出来，使民族传统和地区特色逐渐淡化，世界以追求标准化的面貌表现出“国际风格”。
第二节水晶宫－1851年国际博览会作为工业革命的发源地，英国在1851年，由维多利来女王和他的丈夫阿尔伯特公爵发起组织了世界上第一次工业产品博览会。
会上展出了各种工业产品（包括传统手工业产品）一万余件，会场便是著名的“水晶宫”。
当时由于时间关系，博览会的主办者被迫接受了来自皇家园艺总监约瑟夫·派克斯顿（Joseph Paxton，1801-1865）的救急方案——由钢铁骨架和平板玻璃组装而成的花房式大厅。
这个建筑较之以往的建筑有以下不同：材料方面，传统的土、木、砖、石被全新的钢铁和玻璃所代替，施工时，经过严密计算加工出来的标准构件，运至现场用螺钉和铆合的办法进行组装，使它拥有了超过60万平方英尺的总面积。
它与其说是“建筑”，毋宁说是一架供展览用的“机器”，虽然当时人们对它的出现毁誉参半，但是，不到半个世纪现代建筑的发展却充分证明了它的前瞻性和划时代意义。
展品中存在着两种绝然不同的形态，一方面，以机器生产代替手工操作的新产品，新工艺，由于没有相应的美的形态和装潢，而显得粗陋简单，另一方面，各国的民族传统手工艺品却以精巧的手艺和昂贵的材料体现出艺术的魅力。
对于这种现象，有三个人的评论影响最为巨大。
约翰·拉斯金，作为文艺评论家和作家，他对展品及水晶宫的看法是持否定态度的，他认为这种现象出现的原因在于艺术与技术的分离，因此，主张艺术家从事产品设计，并从自然中寻找设计的灵感和源泉，反对使用新材料、新技术，要求忠实于传统的自然材料的特点，反映材料的真实感。
同时，他还强调设计应为大众服务，反对精英主义的设计。
总之，拉斯金的观点一方面反映了当时反对机器生产的主要论点，另一方面也看到了艺术与技术结合的必要性和为大众服务的社会要求。
德国建筑学家哥德弗莱德·谢姆别尔也参观了博览会。
会后，撰写了《科学·工艺·美术》和《工艺与工业美术的式样》两本书，书中阐明了他对机器生产的反对观点，提倡美术与技术结合的“设计美术”，并第一次提出了“工业设计”这一专有名词。
第三节英国工艺美术运动将理论与实践加以结合的评论者，以威廉·莫里斯（William Morris，1834-1896）最为著名。
莫里科17岁时参观了博览会，对展品的反感影响到他以后的设计活动和设计思想。
他出生于一个富有的家族，受过高等教育，在以设计哥特式风格闻名的斯特里德建筑设计事务所从事过建筑设计，后来加入拉斐尔前派的行列，准备从事绘画。
由于建立画室和以后的新婚居室，使他又一次改变了想法转而从事起建筑及产品设计来。
1859年，他与菲利普·韦珀（Phillip Webb，1831-1915）合作设计建造了“红屋”，内部的家具、壁毯、地毯、窗帘织物等，均由莫里斯自己设计。
它们实用、合理的结构，以及追求自然的装饰体现了浓郁的田园特色和乡村别墅的风格。
从此，他开设了十几个工厂并于1861年成立了独立的设计事务所，把包括建筑、家具、灯具、室内织物、器皿、园林、雕塑等等构成居住环境的所有项目纳入业务之中，并以典雅的色调，精美自然的图案备受青睐。
莫里斯的理论与实践在英国产生了很大影响，一些年轻的艺术家和建筑师纷纷效仿，进行设计的革新，从而在1880—1910年间形成了一个设计革命的高潮，这就是所谓的“工艺美术运动”。
这个运动以英国为中心，波及到了不少欧美国家，并对后世的现代设计运动产生了深远影响。
工艺美术运动产生于所谓的“良心危机”，艺术家们对于不负责任地粗制滥造的产品以及其对自然环境的破坏感到痛心疾首，并力图为产品及生产者建立或者恢复标准。
在设计上，工艺美术运动从手工艺品的“忠实于材料”、“合适于目的性”等价值中获取灵感，并把源于自然的简洁和忠实的装饰作为其活动的基础。
工艺美术运动不是一种特定的风格，而是多种风格并存，从本质上来说，它是通过艺术和设计来改造社会，并建立起以手工艺为主导的生产模式的试验。
工艺美术运动范围十分广泛，它包括了一批类似莫里斯商行的设计行会组织，并成为工艺美术运动的活动中心。
行会原本是中世纪手工艺人的行业组织，莫里斯及其追随者借用行会这种组织形式，以反抗工业化的商业组织。
最有影响的设计行会有：1882年由马克穆多（Arthur Mackmurdo，1851—1942）组建的“世纪行会”和1888年由阿什比（Charles R.Ashbee，1863—1942）组建的“手工艺行会”等。
值的一提的是，1885年由一批技师、艺术家组成了英国工艺美术展览协会，并从此开始定期举办国际展览会，因而吸引了大批外国艺术家、建筑师到英国参观，这对于传播英国工艺美术运动的精神起了重要作用。
工艺美术运动的主要人物大都受过建筑师的训练，但他们以莫里斯为楷模，转向了室内、家具、染织和小装饰品设计。
马克穆多本人是建筑师出身，他的“世纪行会”集合了一批设计师、装饰匠人和雕塑家，其目的是为了打破艺术与手工艺之间的界线，工艺美术运动的名称“Arts and Crafts”的意义即在于此。
用他自己的话来说，为了拯救设计于商业化的渊薮，“必须将各行各业的手工艺人纳入艺术家的殿堂”。
阿什比的命运是整个工艺美术运动命运的一个缩影。
他是一位有天分和创造性的银匠，主要设计金属器皿。
这些器皿一般用榔头锻打成形，并饰以宝石，能反映出手工艺金属制品的共同特点。
在他的设计中，采用了各种纤细、起伏的线条，被认为是新艺术的先声。
阿什比的“手工艺行会”最早被设在伦敦东区，在闹市还有零售部。
1902年他为了解决“良心危机”问题，决意将行会迁至农村以逃避现代工业城市的喧嚣，并按中世纪模式建立了一个社区，在那里不仅生产珠宝、金属器皿等手工艺品，而且完全实现了莫里斯早期所描绘的理想化社会生活方式。
正如阿什比所说：“当一群人学会在工场中共同工作、互相尊重、互相切磋、了解彼此的不足，他们的合作就会是创造性的。
”这场试验比其他设计行会在追求中世纪精神方面都要激进，影响很大。
但阿什比却忽略了这样一个事实，即中世纪所有关键性的创造和发展均发生于城市。
由于行会远离城市也就切断了它与市场的联系，并且手工艺也难于与大工业竞争，这次试验终于在1908年以失败而告终。
沃赛（Charles F.A.V oysey，1857—1941）虽不属于任何设计行会，但他却是工艺美术运动的中心人物，在19世纪最后20年间，他的设计很有影响。
沃赛受过建筑师的训练，喜爱墙纸及染织设计，与莫里斯、马克穆多等人交往甚密。
沃赛的平面设计偏爱卷草线条的自然图案，以至人们常常将他与后来的新艺术运动联系起来，尽管他本人并不喜欢新艺术，并否认与其有任何联系。
沃赛的家具设计多选用典型的工艺美术运动材料——英国橡木，而不是诸如桃花芯木一类珍贵的传统材料。
他的作品造型简练、结实大方并略带哥特式意味。
从1893年起，他花了大量精力出版《工作室》杂志。
