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艺术与真理：对海德格尔“艺术作品本源”的澄清
郭建平;李军毓
【期刊名称】《贵州大学学报（艺术版）》
【年(卷),期】2024(38)1
【摘要】《艺术作品的本源》一直以来对于研究海德格尔哲学路径来说具有十分重要的地位,但同时因其标题即关于艺术作品的本源问题,故其也常常成为讨论艺术以及艺术作品的重要文献,甚至将海德格尔对艺术的看法定义为“艺术=真理”。
这种简化式的论述背离了海德格尔的初衷,难免与其背后的哲学、艺术研究产生一定的偏颇。
海德格尔反对柏拉图、亚里士多德以来对艺术即模仿的理论解读,批判笛卡尔以来,尤其是在康德那里所凸显的主体性创造的艺术观。
他借由物、用具的视角分析、拆解了传统对物质、材料的贬低和驳斥,认为只有在艺术作品中物才得以彰显,而非被抛弃。
他认为只有进入循环之中才能发现并进入艺术作品之中。
在当代论述艺术与哲学的关系中,或许更加应该被思索的路径不是从哲学到艺术,而是从艺术到哲学。
【总页数】9页(P27-35)
【作者】郭建平;李军毓
【作者单位】浙江传媒学院公共艺术教育部;中国美术学院雕塑与公共艺术学院【正文语种】中文
【中图分类】J0-02
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3.论海德格尔的艺术真理观——以《艺
术作品的本源》为例4.真理的显现与艺术的不解之谜——对海德格尔《艺术作品
的本源》的解读5.论海德格尔美学思想中的艺术真理——解读《艺术作品的本源》因版权原因，仅展示原文概要，查看原文内容请购买。
2019-08文艺生活LITERATURE LIFE还原镜头下的现实———吕克·图伊曼斯绘画的本质金铭（沈阳大学美术学院，辽宁沈阳110000）摘要:本文探索吕克·图伊曼斯绘画作品中的艺术形式及表现手法，通过对其时代背景、绘画历程和创作风格简要梳理，论述了图伊曼斯绘画作品中可辨与模糊之间的微妙平衡和对现代画家绘画作品的影响，从而使我们对图伊曼斯艺术理念和绘画思想有了更深层次的理解与认识，对我们了解当代艺术的发展趋势提供了充分的理论依据。
关键词:镜头；现实；吕克·图伊曼斯；绘画中图分类号：J205文献标识码：Ａ文章编号：1005-5312（2019）23-0177-01一、现代画家吕克·图伊曼斯吕克·图伊曼斯（Luc Tuimans），1958年出生于比利时莫尔特赛尔，现居安特卫普。
1976年，图伊曼斯在圣鲁夫斯艺术学院学习绘画，后在布鲁塞尔大学学习艺术史。
图伊曼斯绘画作品中所表达的不安与恐惧深受比利时殖民历史的影响，他的童年伴随着争吵、战争、纳粹主义、大屠杀等一系列阴影，使其对战争和政治暴虐十分的敏感。
当代艺术早期的绘画一直处于低迷状态，绘画媒介对于画家的创作而言是十分重要的，绘画媒介的局限性导致当时许多艺术家都致力于尝试各种新型媒介，挖掘新的可能。
与此同时，图伊曼斯也碰到了绘画的瓶颈，但他却并未随波逐流，而是寻找自己的突破口。
1981至1985年之间他暂停了绘画创作开始尝试电影制作，转换角度思考绘画与图像之间的关系，用绘画挑战图像的真实性，重新诠释与定义被媒体化的图像，用绘画的方式呈现了一种移动的图像。
图伊曼斯并未创造新的图式，而是将已存在的图像以另一种形式展现给世人。
当代艺术的特质是探讨文献的本质并重新诠释，这或许就是图伊曼斯作品中的当代性。
二、影像照片在创作中的运用图伊曼斯打破了流派的限制，将拍摄电影的经验运用到了绘画中，改变了传统意义上的历史画。
摘要：图像的大量生成与传播不可避免地对造型艺术的发展产生影响，但这种影响存在消极和积极两个方面，即所谓“困境”和“出路”两种截然相反的趋向。
海德格尔认为，艺术品的评价有两条标准，一者是对真理的揭示，一者是对美的呈现。
而艺术创造本身就是一种“认知”。
图像的生成和造型艺术作品之间的不同就在于前者只是一种“制作”，后者则属于“认知”。
造型艺术一旦“制作”化便必然陷入“图像时代”的“困境”，图像的“制作”本质一旦借助造型艺术“晋升”为“认知”，造型艺术便在“图像时代”获得“出路”。
关键词：造型艺术图像时代海德格尔阿瑟·丹托困境中图分类号：J02文献标识码：A文章编号：1627-4577（2019）03-0020-07“图像时代”造型艺术的“困境”与“出路”赵明飞(河南城建学院河南平顶山467000)机械成像技术于19世纪30年代的发明，让德国的瓦尔特·本雅明（Walter Benjamnin ）做出了对《机械复制时代的艺术作品》的思考。
随着数字信息技术的快速崛起，电子成像科技缔造的“读图时代”给造型艺术的“生存”带来了第二次更为广泛的“威胁”。
从美国阿瑟·丹托（Arthur Coleman Danto ）的《日常事务的转化》与《艺术的终结》到比利时德?迪弗（Thierry de Duve ）的《杜尚之后的康德》与《艺术之名：为了一种现代性的考古学》，关涉“图像”造型艺术问题，整个西方艺术领域一片喧嚣。
有专家指出，当下所说的“读图时代”，并非指照相术形成的“阅读机械图像的时代”，而是指由于“网络时代电子机械图像的生产与传播的无限规模化与大众性”使得“信息传播与覆盖”常以电子机械图像为承载的现下时代。
也正是以此为基础，阿瑟·丹托等人提出了“人类原有造型艺术在后现代时代的终结”理论。
①本文所说的“图像时代”，则兼指上述两个历史时段。
虽然很多人认为，在其“冲击”下西方造型艺术似乎沿着“艺术———哲学———艺术”的轨迹完成了一个争执不下的“轮回”。
浅谈当代艺术与影像的关系作者：王巍来源：《文艺生活·文艺理论》2015年第02期摘要：什么是当代艺术？首先，最明显的是为什么这个问题没有被提出？也就是说，为什么我们要把这一问题放在20世纪种类繁多的艺术运动批评理论总结的背景下加以讨论？当代艺术的描述界限如此模棱两可，以致没有哪个艺术家因为自己的作品是“当代艺术的”而感到自豪，也没有哪个艺术家因为创作“当代艺术”的作品而深感耻辱。
事实上，对艺术运动的讨论已经深深嵌入当代艺术讨论的范畴之中，今天，当我们不再发动任何艺术运动的时候，似乎我们都小心翼翼地活在这种故意的（和字面上的）且不止一个的单一主义之中。
关键词：当代艺术；影像；绘画语言中图分类号：J120.9 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2015）05-0256-01不言而喻“当代”一词如此广泛地使用，增加了一个定义——“当代艺术”的需求，可能被看做是在编目或自定义中不合时宜的排练。
与此同时，这常常成为如此巨大而难以捉摸的问题的一般特性而非巧合：他们停止质疑，并从暗处施加自己的影响力；他们的谬论，他们避开回答的能力开始构成一个自我拥有的条件，一个人们工作的环境。
一、当代绘画艺术与影像的关系我们首先要解决的是什么是当代艺术，而这个问题随着时代的发展已经逐渐和影像形成联系。
从影像中寻找当代艺术，反之，再当代艺术中扩充影像，二者之间密切联系。
我们要在新的时代背景下，将当代艺术绘画形式与影像形式相结合，形成一种新的绘画形式。
而现在一些绘画作品中只选取一部分影像内容，影像内容也只是去粗取精。
并没有达到二者真正的结合。
媒体所要研究的“影像”是指由摄影、电视、电影、数码成像、电脑绘画等所形成的复制性图像。
在当代大众传媒文化、商业文化、消费文化的大背景下，影像图像不仅影像了我们的视觉，也影响着我们的思维和行为方式。
而在艺术领域，越来越多的摄影家、平面设计家、影像制作者，在中国当代的文化情境中，被纳入了过去只有画家和艺术家组成的重要展览。
浅析摄影与19世纪绘画的互相渗透摘要：摄影术的诞生不仅仅是一种由工业文明的进步而出现的对旧文化予以扬弃的新装置，杉本博司称：“如果没有摄影术的出现，就不可能有印象主义绘画及抽象绘画的诞生。
” 正是摄影技术的发展与进步，不可避免的促进了现代艺术的进步。
关键词：摄影术;生物进化论;现实主义;印象主义19世纪摄影术的应用与推广，使所有人都可以自由的使用这个新技术，而且这种可以用来绘画的机械装置要比当时的画家们画的更要好，这被当时的画家视为是一种巨大的威胁，同时也不断地冲击着当时观众们的心理。
新技术驱逐旧技术，并凌驾于旧技术之上，这就是历史规律，摄影术接管了记录历史题材画和古典人物肖像的记忆等功能，甚至画家们开始使用照片作为绘画的素材，通过摄影装置将被画物体映在纸上进行描摹，科学的发展与进步直接影响了艺术家们的技法和艺术观念。
首先摄影的诞生与绘画的相互渗透。
1839年达盖尔在巴黎公布摄影术发明之后不久英国人塔尔博特马上也在伦敦发表了同样的声明。
摄影诞生之初曾给予画家们巨大的冲击，但对于一些开放的画家而言，摄影术的快速发展使摄影所特有的对物体精确再现的能力是相当有吸引力的。
有些画家通过拍摄场景来作为绘画的素材，而有些画家干脆直接放弃绘画改行摄影。
英国画家兼诗人威廉·贝尔·司各特在其自传中说道：“每一个运动都有运动天才，就像每一朵花都有种子一样，拉斐尔前派的花种就是摄影”。
而摄影师丹特？加布里埃尔·罗塞蒂就是其中之一。
罗塞蒂把拉斐尔以前的画家当作榜样，创作的目的是以象征的手法来对抗欧洲社会日益增长的物质倾向。
罗塞蒂以开放的心态将摄影运用到描绘事物上，他大胆的运用所拍摄的素材，将素材作为参考并进行主观的处理，因此在罗塞蒂的绘画中无法直接感受照片的存在，作品《白日梦》就是很好的例子。
从作品中可以看出，罗塞蒂很少关心自然外观，他把更多的关注投入到了对内心世界的反省与描绘当中，这种风格在他之后的作品《比塔？贝亚特莉斯》中清晰可见。
浅析摄影与19世纪绘画的互相渗透1. 引言1.1 摄影和19世纪绘画的发展背景摄影和19世纪绘画的发展背景都源自于人类对于视觉艺术的追求和探索。
19世纪初期，绘画作为主流艺术形式，经历了浪漫主义、现实主义等风格的兴起与变革。
画家们致力于通过绘画作品表现自己的思想、情感和审美观念。
而与此摄影的出现则为人们提供了一种全新的视觉表达方式。
1839年，法国发明家达盖尔在巴黎宣布了世界上第一张公认的摄影作品，标志着摄影艺术的诞生。
此后，摄影技术不断发展，逐渐成为一种独立的艺术形式。
摄影和绘画在19世纪共同成长，相互影响。
绘画艺术受到摄影技术的启发和挑战，画家们开始尝试更加真实、客观地描绘世界。
而摄影则吸收了绘画的构图、光影等艺术要素，逐渐发展出自己独特的美学语言。
这种互相渗透的关系，推动了摄影和绘画艺术的蓬勃发展，丰富了视觉艺术的表现形式，拓展了人们对于艺术的理解和欣赏。
【字数：200】1.2 摄影和绘画的关联性摄影和绘画的关联性体现在多个方面。
二者在表现方式上存在相似之处。
摄影术的出现让人们意识到，影像可以通过光线的投射直接在感光材料上产生，不再需要艺术家通过手工绘制来表现世界。
这种直接、客观的表现方式影响了绘画，使画家们尝试用更真实、更客观的方法来描绘世界。
摄影术也受到了绘画的影响，例如在构图、光影处理等方面，摄影术汲取了绘画的经验，使摄影作品更具艺术性。
摄影和绘画在19世纪的发展中相互影响、相互渗透，共同推动了视觉艺术的发展。
二者之间的关联性使得视觉艺术更加多元化和丰富，为艺术界带来了新的创作可能性和表现方式。
摄影和绘画的互相渗透是不可否认的，它们在表现形式和创作手法上相互借鉴、相互影响，为艺术的发展开辟了新的道路。
2. 正文2.1 摄影对19世纪绘画的影响摄影对19世纪绘画的影响可以从多个方面进行分析。
摄影的出现使得艺术家们能够更加准确地记录和表现现实世界，摄影的快速、精准的记录方式对绘画技法提出了挑战，迫使艺术家们更加注重细节和真实性。
浅析摄影与19世纪绘画的互相渗透摄影的出现是19世纪艺术史上的一大转折点，与此同时，摄影与绘画之间互相渗透，相互影响，共同创造了新的艺术形式。
本篇文章将从摄影的出现、19世纪绘画风格、摄影对绘画的影响以及绘画对摄影的影响四个方面分析摄影与19世纪绘画的互相渗透。
首先是摄影的出现。
1839年，路易·达盖尔发明了摄影术。
这项新技术使照相变得简单、快速、准确，成为一种全新的艺术表现手法。
摄影术的出现打破了固有的艺术表现方式，成为了人们视觉体验的新点，引发了绘画领域的革命。
其次是19世纪绘画风格。
19世纪是自然主义绘画的时期。
艺术家开始强调画面的真实性、自然性和细节，追求真实的场景和自然的光影效果。
同时，浪漫主义和现实主义也出现了，艺术家们开始展现个人的个性和情感，强调艺术的表现力。
这些风格都与摄影有某种程度的关联，摄影艺术也在某种程度上反映了这些风格的思想。
再来看摄影对绘画的影响。
摄影的出现极大地改变了实景绘画的方式。
现在，艺术家不必再依靠记忆或素描，他们可以用相机“记录”生活。
摄影的准确性和速度使实景绘画家能够更好地捕捉现场的情感和气氛。
实景绘画领域的一些艺术家，如凡·戴克等，开始使用照片作为素材。
同时，摄影的出现也给绘画带来了启示，艺术家开始尝试新的视觉语言和表现手法。
最后是绘画对摄影的影响。
对摄影术的兴起，一些艺术家产生了对摄影技术的兴趣。
在19世纪末期，印象派和点彩派两大绘画风格兴起。
它们关注色彩和光影效果，而这些也是摄影术的特点。
艺术家们开始尝试使用摄影技术来记录和表达他们的艺术感受。
这种做法也在某种程度上影响了摄影的视觉语言和表现手法。
综上所述，摄影与19世纪绘画互相渗透，相互影响，共同创造了新的艺术形式。
摄影的出现打破了传统的艺术表现方式，使得艺术家们有了新的表现手法。
而19世纪绘画风格对摄影也产生了一定的影响，使它成为一种更具艺术性的表现方式。
无论是绘画还是摄影，都在不断地创新和发展。
浅析当代绘画艺术中的借鉴与尝试刘宏晖【摘要】面对丰富多彩的异域文化，我们也应该认真地分析，好的艺术作品我们不仅要看其表面，而更多的应该去挖掘其本质，其内涵。
也就是说要有区别地去借鉴，要读懂了再借鉴。
只有弄懂了，才能明白其本质，好的东西自然就被接受了；不好的东西分析了它的不好。
就排斥了。
这其实就是一种借鉴。
【期刊名称】《美与时代（下旬刊）》【年(卷),期】2011(000)009【总页数】2页(P70-71)【关键词】借鉴;绘画艺术;当代;异域文化;艺术作品;本质【作者】刘宏晖【作者单位】湖北师范学院美术学院【正文语种】中文【中图分类】J205面对丰富多彩的异域文化，我们也应该认真地分析，好的艺术作品我们不仅要看其表面，而更多的应该去挖掘其本质，其内涵。
也就是说要有区别地去借鉴，要读懂了再借鉴。
只有弄懂了，才能明白其本质，好的东西自然就被接受了；不好的东西分析了它的不好，就排斥了。
这其实就是一种借鉴。
世界上最有效、最奇妙的机器是什么？就是我们的大脑和神经系统。
大脑、神经系统，由生命的单元细胞发展到今天，虽然只有几百克重，但经过几亿年的进化，它的功能在世界上没有任何机器可与之比拟。
大脑、神经系统也是我们每一个人走向成功的有效辅助机器。
美国心理学家马尔茨通过多年的研究发现：大脑和神经系统具有帮助人们分析环境、选择目标、提供方法、矫正错误、引导人们最终走向成功的功能。
用在艺术创作上面，就是要活用大脑，充分利用我们周围的一切元素进行创作，就应该学会借鉴一些好东西，为己所用，再去尝试用新的方法和手段进行创作。
哲学中的物质和意识何为第一性？是先出现世间万物还是先有艺术作品？我想这个问题是不需要多说的，因为每一件艺术品的面世都包含了许许多多艺术家或者工匠们的观察与摸索。
我们思考过一个问题没有？什么是艺术品？第一件艺术品是什么？是谁创造的？是在一个什么样的环境下产生的？这件艺术品的产生经历了什么样的过程？是什么东西使作者有了灵感？这一系列问题可能永远不会有人知道答案，但是有一点是可以肯定的，人的大脑的进化和艺术的发展有着一个共同的特点，都是一种复制、改进与淘汰的过程。
浅谈影像对西方绘画的影响作者：陈雨来源：《教育界·下旬》2013年第05期透过各种历史遗迹，古老的壁画和文字，我们能感受到从有人类的历史时期开始，人们就在寻求一种能记录历史和再现事物形象的东西，现代人把它称之为影像。
在遥远和落后的远古时期人类只能用绘画来代替影像的功能，发展到后来，语言和文字也加入了此阵营。
此后的绘画随着画家技艺的提升和绘画工艺的发展，绘画在欧洲被视为最真实的再现现实的工具。
虽然古典绘画因其高超的技艺与一定的表现性成为一门艺术，但它始终没有摆脱记录与再现的功能，也就是说它始终是影像的替身。
为了追求更为逼真的视觉感受，在17世纪左右的欧洲，画家们将一种新技术应用到了绘画上，这就是我们称为的“暗箱技术”。
维米尔就是运用这种技术的先行者之一。
这种技术就是先把人物或景物的轮廓描绘在一块玻璃上，然后把玻璃放在一个暗箱里面，用灯光把玻璃上的轮廓通过一个放大镜投射到画布上，就像今天的幻灯一样，不管是人物的轮廓还是景物的透视关系，虽然影像是倒的，但却绝对准确。
暗箱技术虽然使人首次感受到看到了光影的魅力，也属于我们所说的影像范围，但它却无法以一种固定的物质形态将真实世界的形象重现并保留下来。
在这里我们姑且把暗箱技术看作绘画与影像的第一次邂逅。
人类想要留住影像的迫切愿望随着达盖尔的摄影术的公开，从异想天开变为现实。
然而这种在当时被某些人认为是亵渎神灵的巫术确实给绘画带来了深远的影响。
首先在记录与再现的功能上摄影有着绘画无法比拟的真实感，画家赖以生存的技艺遭到前所未有的挑战，摄影这枚重磅炸弹使当时许多画家感到惶惶不可终日，他们认为这个科学怪物有可能断送其前程。
以安格尔为首的一批画家当时就上书法国政府，要求禁绝摄影行业。
与安格尔不同，当时仍有一批有远见的画家，以一种包容与友善的心态对待摄影。
浪漫注义旗手德拉克洛瓦、现实主义大师库尔贝、印象主义先驱德加等，他们深知摄影的功能和魅力，也清楚摄影对绘画的帮助和积极意义。
随着机械复制技术的出现，照相机、摄影机、计算机等日渐成为影像生成和传播的便捷工具。
当下影像信息以其真实性、高效性、视觉性的特点突破了传统文字语言传播方式的局限性。
高科技的运用使得绘画艺术产生了新的创作载体、创作手段和表现形式，同时传播方式的高效性为绘画艺术的普及提供了极大的便利。
但是，影像时代的到来也使得绘画艺术陷入新的困境，甚至时有“死亡”之说。
此种言说不免夸大，但窥探当下绘画艺术之现状可知一二：影像逐步代替了绘画的“记录”和“复制”功能，其对现实世界精确复制和还原的技术使得绘画艺术写实再现的功能失去了地位。
加之当下大众对视觉效果的盲目喜好，相当一部分绘画艺术家将精力投注于影像技术的学习，抛弃对传统绘画技艺的训练。
他们试图借助影像技术摘 要影像时代是一个以影像创作为主的视听文化时代。
影像文化正以前所未有的力量影响着社会的各个层面。
文章基于影像时代语境下绘画艺术的诸多困境，探析绘画艺术的复兴之路径：其一，针对传统绘画艺术“精神内核”表达渐趋边缘化的症候，绘画创作应注重作品底蕴和思想的传达，坚守传统绘画艺术之“本真”；其二，基于绘画创作中“技术”的泛滥化现象，平衡“技术理性”和“艺术本真”的关系至关重要；其三，置身于虚拟化影像充斥和艺术商业化席卷的境况中，艺术创作者应提升主体性意识、增强社会公共责任感、拓展自我专业视野和培养专深艺术洞察力。
关键词影像时代；绘画艺术；本真；复归；路径探寻创作光影震撼的作品，甚至通过拼接、复制来重组画面，内容空洞无物、情感缺失。
另外一部分创作者“闭门造车”，不注重写生，远离大自然，缺少对生活的感受和观察，完全依赖图片来创作，作品往往毫无生机，气韵全无。
加之市场趋利下消费文化的盛行，绘画作品的自我独立性渐趋消解。
在“迎合他者”的利益诱使下，美术作品陷入工业化商品雷同而生硬的境况。
本文拟就影像时代下传统绘画艺术的新境遇进行深度分析，并探究其“复兴之路”。
1.底蕴和思想：影像时代下绘画艺术本真的回归具有民族特色的绘画和书法一直是中国传统文化的强力载体，所谓“书画同源”道出了二者之间共通的艺术精髓，亦融铸了中国传统文化的精英品格。
20世纪90年代之前，绘画艺术的传播方式、材料技术等均未发生大的改变，同时国家政治、经济、文化的改变也未对其产生根本性影响，所以绘画艺术坚守其精英文化活动的地位。
此种情形维护了绘画艺术自身的艺术性，但同时也使得精英文化受众单一、传播局限，特别体现在与大众巨大的艺术交流障碍上。
进入20世纪90年代后期，中国摆脱了以往僵化的计划经济模式，迅速进入了灵活多变、生机勃发的市场经济。
与此同时，在市场效应的连锁驱动下，中国进入了文化的转型期，消费性、开放性和包容性成为新的文化特征。
在此背景下，影像文化摆脱了过去以“政教宣传”为主要目标的特定历史使命，市场逻辑成为其新的生存法则，经济利益成为其终极旨归。
在商业文化的逻辑下，艺术市场陷入混乱和无序之中，为迎合消费者的喜好，艺术家在“坚守自我”和“迎合他者”中摇摆不定，传统绘画价值指向渐趋消解。
在对影像技术频繁的使用下，“奇观化”“视觉性”“叙事性”等成为艺术市场之新景象。
图像的巨量生产和消费极大地压缩了传统绘画的生存空间，大众的艺术趣味转而关注视觉震撼、叙事性极强的影像文化。
在此影响下，绘画艺术不可避免地受到了极大冲击，为迎合大众“感官化”、“娱乐化”的艺术趣味，冲淡、写意的传统绘画艺术渐趋边缘化，其注重精神交流和情感共鸣的特色渐不为人所重视。
总之，当下一部分绘画作品存在着情感和思想表达的深度缺失，传统绘画的精神内核在某种程度上遭遇了解构。
中国绘画历来注重“象外之意”。
周易有言“立象以尽意”，而这恰恰不是纯粹的影像所能表达的。
“象外之意”所述的是创作者在彼时彼景下自身的情感和思想活动情况，而“情感”便是绘画作品之灵魂所在。
叶朗先生认为“‘思与境偕’，就是说诗人的艺术灵感不能脱离客观的‘境’（象外之象），而要依赖于审美观照中‘心’与‘境’的契合。
”[1]。
历来各大家对艺术创作之理念表述不一致，但是基本都提到了艺术创作中主客观的统一交融。
这些理论说明了创作者主观的艺术想象和艺术情感的动态性，以及与“境”的交相融汇的统一性。
同时，这些传统的美学理论无一不强调了艺术想象和艺术情感的表达是绘画作品的终极旨归。
消费时代下，影像侵蚀绘画艺术的美学价值和精神品格，为满足当下社会大众的欲望需求，视觉性、趣味性、娱乐性成为新的文化追求，情感交流和精神共鸣不再是首当其冲的要素。
在此种追求现实价值和通俗意义的情形下，绘画艺术作为传统文化的传播载体，其在对抗和消解当下纯粹满足欲望的影像文化方面有着积极的现实意义。
“大众消费文化打破了人们对经典的幻想，从而消解了大众与精英、通俗与高雅的界限”。
[2]影像文化的蓬勃发展，为当下的绘画艺术家提供了新的创作素材和技术支持，在错综复杂的文化交叠态势下，艺术家应坚守绘画艺术之本真，注重中国传统绘画“成教化，助人伦”、“观乎明堂”的艺术品格的表达，以期创造出影像时代下特有的经典绘画艺术。
2.“技”“艺”互融：影像技术与绘画艺术的时代新变在影像时代下，影像技术以其高度“还原”和“记录”的特性代替了绘画的一部分功能，绘画艺术传统的写实技能遭到了质疑。
传统绘画艺术具有再现自然的功能，同时拥有丰富的绘画理念、绘画语言和绘画技能。
相较于影像技术高度还原客观景象的功能，传统绘画技能的训练似乎变得“无用”且“无效”，人们甚至对绘画艺术的存在产生质疑。
一部分艺术家完全依赖摄影和图像来创作，影像视觉感知代替了真实的现实感知，平面化、虚拟化、浅层次的视觉感知使得创作者的艺术灵感枯竭而矫饰。
然而影像真实再现的功能却不能全然代替真实的世界，客观世界的多变性、丰富性、深刻性和时空性绝非影像所能取而代之。
毋庸置疑，影像技术为当下的创作提供了前所未有的技术支撑，而如何将影像技术适度而有效地运用于绘画创作便是当下思考之重。
相较于绘画技能，影像技术具有再现客观世界的精准能力。
但是受限于其实用工具的特性，影像艺术在表达艺术情感和艺术想象方面有所局限，艺术家个人自由发挥的空间并不大。
同时，当下大众艺术的趣味趋向于视觉冲击力、视觉奇观化等感官化体验，大众感知世界的方式由过去的“语言文字”转向了“图像阅读”，影像化成为大势所趋。
文字阅读所具有的逻辑思维训练变成了感性的视觉直观，传统绘画进入了全新的语境。
一方面，影像技术的工具实用性为绘画创作带来了巨大的便捷；另一方面，工具理性思维下绘画艺术面临感性思维的缺失和艺术情感表达的桎梏。
影像文化在一定程度上导致绘画艺术边缘化，但是其资源的丰富性和便捷性为绘画艺术的新生提供了强有力的支持。
绘画艺术具有自身独特性，但其并非是完全孤立、封闭的系统，在影像技术和多方因素的助力下，绘画艺术趋向于多元化发展。
在新媒体艺术的影响下，一部分艺术家借助影像技术的视觉效果，在绘画中融入一些相对流行的影像元素，利用影像文化巨大的社会影响力，拓宽了代表精英文化的传统绘画的受众范围，同时也促使绘画艺术焕发新的生机。
而这种借鉴影像元素的创作手法，不等同于简单的对于过去创作观念的重复，而是在技术和艺术竞相成长的过程中寻得了新的生长点。
这为绘画艺术提供了新的创作理念，也为绘画艺术的崛起创造了可能。
绘画创作中影像技术的强势介入，特别是国内外影像绘画的迅速发展，对传统绘画的创作理念产生了极大的影响。
作为新时代的绘画创作者，一方面应当积极运用各种图像软件和多媒体技术助益于画面的构图、设色、修补等创作环节，甚至可以提前预览创作效果，避免了手工绘画中多次修改的耗时耗力，由此可以将更多精力投注于作品情感和思想的表达；另一方面，影像技术的频繁应用使得当下美术作品呈现出情感表达的缺失。
当下的绘画创作在技能技法方面较之以往更加丰富和纯熟，但是却失去了情感表达所需的画面语言。
当下的绘画作品具有丰富的细节刻画、合理的画面布局、层次分明的画面效果，然而整体观感却止于画面之表象，细品味同嚼蜡而意蕴不足。
优秀的绘画作品不应止于“画面之象”，而应注重“象外之象”的表达。
艺术情感与艺术家个人的艺术修养、生活阅历、知识经验、人文素养等都密切相关，同时艺术情感的生发依靠艺术家个人情感淋漓尽致的表达。
从某种程度上来说，当下的艺术创作者失去了表达其自身情感和思想的能力，挣扎于理性思维和技术革新的漩涡里彳亍不前。
当下社会存在的多重结构性压力和工具理性主义的盛行导致了艺术创作中无意识的情感克制和感性思维的缺失。
基于此，在注重作品艺术情感表达的前提下，应适度掌控影像技术的运用，以促成绘画艺术的新生。
3.意义追寻：影像文化浪潮下创作主体的自我重塑人类的视觉需求因时代的变化而变化。
当下的消费社会，大众对奇观化、感官化、虚拟化的视觉需求趋之若鹜，商品化的影像文化成为大众的消费品。
在以市场需求为先的经济法则导向下，绘画领域同样呈现一种消费主导、市场为先的态势。
绘画艺术家在经济利益和艺术价值之间徘徊不定，加之影像文化强大的渗透力，很多艺术家或是被动、或是主动地放弃了自身对艺术价值的探索和肩负的社会公共责任。
一方面，影像文化“无处不在”、“无孔不入”的渗透力削弱了艺术家的主体意识，他们生存于图像世界，通过图像来了解自然、知晓社会，缺少对社会的深刻理解，同时也缺乏艺术家应有的感性和睿智。
这种“闭门造车”式的创作方式使得他们的艺术作品空洞无物。
当下的社会多元而交叠，艺术领域与政治、经济、文化等领域彼此相互碰撞和融汇。
面对当下多变而复杂的现实社会，艺术家应当具有强大的思辨能力和敏锐的艺术感知能力，这也就要求艺术家应走出“影像”，走进“现实”，通过即时即地感知、体悟原生自然和原生作品，从而促进思维的发散和灵感的生发。
另一方面，在经济变革、社会变迁、人才过剩等多方原因导致的社会结构性压力和经济利益的驱使下，一部分创作者游走于艺术市场商业化的巨大利益图景中，选择了机巧、快捷的创作方式，同时为迎合当下的视觉消费市场，放弃了作品的艺术追求。
他们关注社会新潮风向、特别关注于大众喜好的影像文化，通过各种图像工具进行拼接、移置和修改，以期迎合大众的喜好。
在单纯经济利益的驱使下，这些艺术家眼界狭窄、知识缺乏。
他们缺乏对社会现实的全面关照，在一片喧嚣的艺术市场下，映衬着艺术创作者主体性意识的消逝、社会公共责任感的缺失以及自我专业视野和深刻洞察力的式微。
总之，当下繁盛发展的影像文化侵袭到了社会的各个方面，其覆盖面之广、影响力之大前所未有，其对艺术创作主体与社会现实的分隔极大地影响了绘画艺术的深刻性，同时也深刻地改变了绘画艺术家的创作方式。
这种现实场域的巨大变迁要求艺术创作主体顺势而“变”，应势而为，以期在影像文化浪潮重塑自我，坚守艺术之本真。
4.结语中国绘画历来注重“气韵生动”“境生象外”“立象以尽意”等艺术追求。
